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Monta a la Amazona.

Las mujeres, desde los inicios de la Hípica y debido a su vestimenta de faldas largas, montaban a caballo de una forma especial que se denominó ‘Monta a la Amazona’. Paulatinamente fue perdiéndose debido a la incorporación del pantalón a la vestimenta de la mujer.
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En los últimos años se incorpora la mujer por fin al mundo del caballo de forma cotidiana. Hasta hace un siglo eran pocas las amazonas que montaban asiduamente y no solamente usaban el caballo, mulo o burro como medio de transporte.
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En la actualidad en ciertas disciplinas hípicas estamos viendo que cada vez hay más mujeres en el podium o cerca de los primeros puestos. La monta a la amazona no es una disciplina en si misma, es una forma de montar perfectamente valida para todas las disciplinas.
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En las disciplinas camperas nos estamos incorporando un poco más tarde, pero todo va llegando. Esperamos que en los próximos años toda la reata de muchachitas que ahora empiezan a correr en vaquera continuen y dejen el camino preparado para el futuro.
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Pero esta manera de montar a caballo se sigue distinguiendo por su elegancia y por su majestuosidad, como antaño. Aunque pueda parecer muy difícil y complicado mantener el equilibrio sobre el caballo montada a la amazona, cualquier persona con unos conocimientos de equitación básicos puede llegar a practicar esta forma de montar a caballo.
Les vamos a ir contando quienes trabajan para que ello ocurra; los guarnicioneros que se estan preocupando de hacer monturas adecuadas y funcionales, los profesores que saben que para montar a la amazona es imprescindible tener conceptos claros de equitación y las propias amazonas que se esfuerzan en montar cada día mejor.

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¿Por qué montar a la amazona cuando ya las mujeres pueden montar a horcajadas? Pues tiene una respuesta bastante simple: ¿y por que no?. No hay nada más elegante que ver a una mujer montando a la amazona, según Mr. Roger Philpot, uno de los más importantes profesores de esta disciplina, la primera regla de una amazona cuando se sube a un caballo es “pensar elegante”.
Aunque parezca una forma mas incómoda o más insegura de montar es todo lo contrario, es mucho más probable caerse a horcajadas que de esta manera y con un poco de práctica la amazona conseguirá sentirse tan cómoda como si fuera a horcajadas.
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La Asociación Española de Monta a la Amazona pretende promover esta elegante y también divertida modalidad ecuestre que por desgracia se ha ido perdiendo, dándola a conocer mas de cerca a través de eventos, concursos, reuniones, etc.
En otros países existen ya desde hace tiempo diferentes asociaciones de este tipo donde cuentan con miles de socios y promueven esta disciplina.

La monta a la amazona difiere de la monta de un caballo tradicional en la postura y vestimentas, principalmente, con la única diferencia principal a la hora de sentarse en el lomo del caballo, de que en el caso de la amazona, ésta se encuentra situada ligeramente más hacia atrás del punto de gravedad del equino.
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La amazona debe mantener en todo momento, para sostener el equilibrio, los hombros y las caderas en posición recta así como la cabeza alta y mirando al frente.
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La pierna derecha debe quedar colgando en paralelo al hombro del caballo. Para poder asegurar el correcto apoyo de la rodilla, se permite o bien acomodar el pie recto o bien con la puntera hacia abajo. Las manos pueden estar situadas encima de la rodilla o a ambos lados de la misma.

Se considera que lo adecuado es que quede un espacio de aproximadamente un par de dedos entre la rodilla izquierda y la corneta inferior.
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Los estribos serán en general, más cortos que en la monta tradicional, pero dicha longitud varía en función de cada amazona.
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La fusta deberá colocarse justo detrás de la cincha del lado derecho.

LA MONTURA:

Existen diversos tipos de montura para amazona, pero en concreto, la destinada a la montura vaquera suele ser fabricada en España. Otros tipos son la silla de montar inglesa o la western.
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La silla de amazona consta de dos o tres cornetas donde se colocan las dos pierna que suelen caer hacia el lado izquierdo. En primer lugar, una corneta superior donde se coloca la pierna derecha, en segundo lugar, una inferior también denominada “corneta de salto” que se curva hacia el muslo izquierdo, y en el caso de que constara de una tercera corneta esta se sitúa en la parte exterior del lado derecho de la montura incurvándose hacia el muslo derecho para dar una mayor sujeción.
En el mercado existen varios tipos de monturas de amazonas: inglesas, western, vaqueras, monturas de antaño, etc. Podemos encontrar una montura de amazona nueva desde 300 Euros.
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La altura y la circunferencia de la rodilla, esto corresponde a la altura y amplitud de la corneta superior.
Que la montura no se balancee, ni haga daño al caballo.

En España el fabricante más conocido es Zaldi, quien, para el estilo amazona diseña monturas vaqueras y de estilo inglés con tres cornetas. Otros fabricantes, ya marcas internacionales, suelen ser Mayhew, Champion & Wilton o Martin&Martin.

En cualquier caso, la montura adecuada será aquella que cumpla una serie de requisitos:
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El asiento es plano

La composición es preferible que sea de ante para evitar que la amazona resbale en la silla

El acceso a las hebillas se realizará desde el lado derecho pues la amazona cincha al caballo desde arriba

Posee correa de balanceo

Por último, cabe recomendar que a la hora de empezar a montar un caballo a la amazona, el equino no debe ser menor de 5 o 6 años, pues es a estas edades cuando se considera que el dorso de un caballo está completamente desarrollado.

LA VESTIMENTA:

En la vestimenta de una amazona, la pieza más destacable es la falda. Independientemente del estilo en el que monte la amazona, la falda acostumbra a ser mucho más larga por el lado derecho que por el izquierdo ya que esta tela es la que se abotona por detrás al descabalgar la amazona para evitar el arrastrar la falda.
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El traje dependerá de la disciplina que se practique:
En el caso de que se monte a la inglesa el traje constará básicamente de chaqueta y falda, generalmente de colores oscuros, negro o gris, sombrero de copa y velo.
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Si se monta al estilo western el atuendo será el mismo que si se monta a horcajadas, solo se substituirá los tejanos o chaparreras por una falda, generalmente hecha de ante.
Para la Feria de Abril donde hay muchas mujeres que montan a la amazona, se podrá utilizar traje corto o de rondeña, nunca traje de flamenca. La amazona no se adornará con ninguna alhaja y el pelo ira siempre recogido.
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El traje tradicional inglés consiste en una falda de color oscuro, ya sea negro o marrón que debe cubrir la bota derecha con chaqueta del mismo color, camisa blanca o a rayas con plastrón o corbata, chaleco, casco de montar o bombín y velo para las exhibiciones matutinas. Si la exhibición se hace en horario vespertino, el complemento de la cabeza deberá cambiarse por sombrero de copa y velo. Un tipo de sombrero muy valorado y apreciado por los jueces es el de seda, muy cotizado por otra parte. La amazona deberá, en todo caso, llevar el pelo recogido en un moño bajo con redecilla.
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En el caso de España, la amazona que monta a la vaquera debe vestir traje corto, bien con guayabera, bien con chaquetilla y chaleco. Los colores deberán ser, como en el caso inglés, colores oscuros: negro, marrón, gris, y pueden ser lisos o estampados con rayas. En este caso, no existe la obligatoriedad de que la falda cubra la bota derecha.
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En el caso de la vestimenta de la amazona a la rondeña, la particularidad reside en que la chaquetilla puede llevar alamares, apliques negros o bordados. La falda en este caso suele ser lisa negra o del mismo color que la chaquetilla.

El calzado más común en la monta a la amazona es el botín campero o el botín con polainas de cuero. Y en el caso del recogido del pelo, éste irá cubierto con sombrero de ala ancha si se viste con traje corto o sombrero calañé con pañuelo al estilo bandolera si se viste a la rondeña.
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Existe un estilo anglosajón, que más que un estilo en si, es una prueba o exhibición, llamada “historical costume class”, muy espectacular, pues las amazonas visten trajes de época y es toda una pasarela de las mejores galas de las amazonas ya que algunos trajes recrean siglos pasados.

LA POSICION DE LA AMAZONA

Esta debe ir colocada igual que a horcajadas cuando se la mira por detrás, es decir centrada en el caballo, la única diferencia es que la amazona se encuentra mas atrás del punto de gravedad del caballo debido a la montura.
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El peso se reclinará ligeramente en el fémur derecho, la cabeza y hombros irán rectos y erguidos. El largo del estribo generalmente va un poco más corto que cuando se va a horcajadas, debe quedar un espacio que quepa la palma de la mano entre la rodilla izquierda y la corneta inferior. La puntera de la pierna derecha ira ligeramente hacia abajo.
Las manos irán a cada lado de la rodilla, la altura de estas dependerá de la altura donde el caballo coloque la cabeza, generalmente se necesitan unas riendas bastantes largas ya que la amazona esta situada mas atrás en el caballo que un jinete a horcajadas.
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La pierna derecha es sustituida por una fusta.

EL SALTO MONTADO A LA AMAZONA
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Cuando la amazona salta lo hace igual que a horcajadas, solo que la amazona tendrá que realizar un poco mas de esfuerzo para echarse hacia delante. Para la gente que piense que saltar a la amazona es muy difícil hay un dato curioso: en el Royal Show de Australia la amazona Mrs. Ester establece el récord de altura saltando 1,981 metros montando a la amazona.
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Adelita era el nombre que recibía toda aquella mujer que tomó parte activa en la Revolución mexicana haciendo tareas de soldado, cocinera, enfermera o simple ayudante.
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Adelitas – Las Amazonas Mexicanas

Las adelitas, conocidas también como soldaderas, llegaron incluso a formar batallones revolucionarios enteramente femeninos, en un gesto que sin duda las sitúa en la vanguardia de las reivindicaciones de los derechos de la mujer. La pintora Frida Kahlo contribuyó a afianzar su relación con el movimiento revolucionario con su cuadro ‘La Adelita, Pancho Villa y Frida’, que muestra un tren ocupado por soldados de ambos sexos de camino al frente a través del valle de México.
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Terminada la revuelta, el nombre se incorporó al lenguaje popular como sinónimo de mujer que hace valer sus derechos en un entorno dominado por los valores machistas. En el México contemporáneo, las adelitas son también las mujeres que lucen el traje tradicional, vestimenta inspirada en la moda del siglo XIX. El nombre se aplica por extensión a las charras, que son la cara femenina del principal signo de identidad del país azteca, esos jinetes ataviados con gigantescos sombreros de época. Durante décadas, la charrería -básicamente un rodeo- fue patrimonio exclusivo de los hombres, pero el clamor social abrió a partir de 1991 las puertas a la participación de las mujeres.
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Es un espectáculo con un código muy complejo, en el que se valora especialmente la destreza sobre el caballo. Hay que lazar reses, saltar de un caballo a otro e incluso montar a un toro bravo. Resulta también de vital importancia mantener unos movimientos acompasados entre las amazonas que integran el equipo, generalmente ocho. Aquí, únicamente el fútbol puede competir en popularidad con la charrería. El fenómeno hunde sus raíces en una sociedad fuertemente rural que hace tiempo dejó de existir, pero su relación con las señas fundacionales de México lo acerca al público de ahora.

También en EE UU
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Una de las razones del éxito de las adelitas radica en sus vistosas indumentarias. El texto que regula los atavíos que se pueden usar en el espectáculo ocupa decenas de folios y enumera minuciosamente desde la forma y las dimensiones que deben tener las espuelas hasta el tamaño y el material con el que se puede elaborar el sombrero, que cuesta nada menos que unos 600 dólares. Hay ya unos dos centenares de equipos femeninos y el fenómeno ha adquirido tal empuje que se ha extendido a Estados Unidos y Canadá, países donde también se han formado escuadras de mujeres.
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Las crónicas que llegan del otro lado del charco alaban la extraordinaria destreza hípica de las charras.
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Hay que tener en cuenta que las reglas impiden que las jinetes monten a horcajadas y obligan a sujetar el caballo a la usanza femenina, es decir, con las dos piernas en el mismo lado. Formar un buen equipo requiere una disciplina férrea. Areli Rivas, integrante de la escuadra Tuitán, del estado de Zacatecas, cuenta que entrenan durante tres horas tres días a la semana. «Siempre hay que mirar a las compañeras y estar muy concentradas porque si alguna comete un error repercute en todo». La celebración este mes del Campeonato Nacional Charro en Puebla ha hecho que el ritmo de los entrenamientos se intensifique. «Trabajamos más y el esfuerzo es muy grande, pero el momento de estar encima del caballo rodeada por el resto de las compañeras es indescriptible. La escaramuza -nombre que recibe el espectáculo protagonizado por las charras- es valor, elegancia, feminidad, compañerismo, orgullo, en definitiva, es ser mexicano».
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Durante la primera etapa de la conquista de América los indígenas tuvieron prohibido montar a caballo por el temor a una revuelta. La administración española solo concedía permisos de monta por razones excepcionales, aunque con el paso del tiempo la medida se relajó. Y así llegaron las adelitas y su corrido.
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Rafael Amargo, Gitano con mayúsculas.

imageJesús Rafael García Hernández (Valderrubio, Granada, 12 de enero de 1975), más conocido cómo Rafael Amargo, es un bailarín y coreógrafo español.

Rafael Amargo es un bailarín y coreógrafo ecléctico.
Es conocedor de las esencias más puras del flamenco, al tiempo que ha asimilado otro tipo de tendencias coreográficas, como las enseñanzas en la escuela de Martha Graham durante su estancia en Nueva York. Sus coreografías, a veces muy cercanas al baile contemporáneo, nunca pierden el punto de referencia de la esencia del flamenco.Sus coreografías rebosan una concepción tradicional y a la vez actual.
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Admirador de Antonio Gades y reivindicado de la compañía de baile, y del concepto teatral y escénico del flamenco, esto no le ha impedido bailar en los tablaos o investigar el entorno de la danza contemporánea.

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Rafael Amargo y sus espectáculos han recibido reconocimientos entre los que destacan cuatro Premios Max de las Artes Escénicas: dos por Amargo, uno por Poeta en Nueva York y uno por El amor brujo; el Premio Positano Leonide Massine de la Danza como bailarín y coreógrafo o el Premio APDE (Asociación de profesores de Danza Española y Flamenco de España), junto a Antonio Gades y Matilde Coral. Además, el público le ha concedido el premio al Mejor espectáculo de Danza de El País de las Tentaciones por Amargo (2000) y Poeta en Nueva York (2002) que también fue elegido como Mejor espectáculo de la Década.

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Carrera artística
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En 1997 crea la Compañía Rafael Amargo, con el estreno de ‘La Garra y el Ángel’ en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, teniendo como artista invitada a Eva Yerbabuena. Este espectáculo se presenta luego en Granada y en el Festival Flamenco de Jerez.
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No será hasta 1999 cuando Rafael Amargo, con el estreno de ‘Amargo’, en el Teatro Bellas Artes de Madrid, consiga el reconocimiento de la crítica y el público.1 Amargo, con vestuario del diseñador Juan Duyos, recorre España los años siguientes y se presentará en dos ocasiones más en Madrid, en el Centro Cultural de la Villa y en el Teatro Lope de Vega.
En 2002 estrena ‘Poeta en Nueva York’, inspirado en el libro de poemas de Federico García Lorca, en el teatro Lope de Vega de Madrid. Una producción en la que incorpora por primera vez los audiovisuales y otros estilos coreográficos como el contemporáneo y el folk, y que cuenta con la colaboración de Marisa Paredes, Cayetana Guillén Cuervo y Joan Crosas recitando a Lorca. En el mismo año participó en el segundo videoclip del primer disco debut de la cantante española Rosa López, Rosa (álbum), con el tema “A solas con mi corazón”.
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En 2003 recibe el encargo de la Quincena Musical de San Sebastián / Donostiako Musika Hamabostaldia de dirigir y coreografiar ‘El Amor Brujo'(Gitanería 1915) de Manuel de Falla, la versión menos representada de la obra, que se estrena en las Cuevas de Zugarramurdi. El resultado es una versión contemporánea a partir del respeto a la partitura, libreto y orquestación, que se representa con música en directo.
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‘Enramblao'(2004) es el siguiente espectáculo de Rafael Amargo, un homenaje a las grandes ciudades a través de las Ramblas de Barcelona. Enramblao, el espectáculo más representado de Rafael Amargo, estuvo en cartel en Madrid cuatro meses. También incorpora una importante parte audiovisual dirigida, como en el caso de Poeta, por el director de cine Juan Estelrich.

En 2005, quinto centenario de la publicación de la primera parte del Quijote, Rafael Amargo crea ‘DQ…Pasajero en tránsito’, junto a Carlos Padrissa (La Fura dels Baus) inspirado el personaje de Cervantes con estética de videojuego.

La narración del espectáculo corre a cargo de Fernando Fernán Gómez. DQ se representa en numerosos festivales como el Festival Castell de Peralada, Quincena Musical de San Sebastián (Donostiako Musika Hamabostaldia), Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival Somontano, Festival Clásicos en Alcalá, Festival Béjar Ciudad Cervantina entre otros, además de hacer temporada en Madrid (Teatro Gran Vía) y Barcelona (Teatre Tívoli).
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En diciembre de 2006 estrena en el Kursaal de San Sebastián el espectáculo ‘Tiempo Muerto’. En él Rafael Amargo vuelve a las raíces flamencas y a la esencia del baile. Con este espectáculo conmemora el décimo aniversario de la Compañía. La música original es de Juan Parrilla y Flavio Rodrigues y las letras del propio Rafael Amargo. El vestuario ha sido diseñado por Amaya Arzuaga y la iluminación por Nicolás Fischtel. Tiempo Muerto se ha representado en numerosas ciudades españolas y ha hecho temporada en Madrid y Barcelona.

En 2007 dirigió la gala de elección de la Reina del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife por la que recibió numerosas críticas negativas.
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Rafael Amargo ha estrenado en el West End londinense, la coreografía del musical del Zorro, con música de Gipsy Kings y de John Cameron(Los Miserables), dirección de escena de Christopher Renshaw (Director en West-End de musicales como El rey y yo o We will rock you), y de la que es co-productora la escritora Isabel Allende. Ha sido nominado a los Lawrence Olivier Awards como Mejor Coreógrafo de Teatro por su trabajo en este musical.

En 2008 participa como jurado y profesor de expresión corporal en el programa francés “Star Academy”, a través del cual consigue una gran popularidad en los países francófonos.
A finales de 2008 estrena en el Teatre Tívoli de Barcelona un nuevo espectáculo, ‘Enramblao 2′, una segunda parte del espectáculo de 2004 en el que a través de una multiplicidad de géneros (flamenco, break-dance, acrobacia, circo, music hall) rinde homenaje a la ciudad de Barcelona, y por extensión a las grandes urbes.El espectáculo consigue magníficas críticas
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A lo largo de 2010, tras varios meses de ensayo, en Mayo, presenta en Granada, una forma de concebir el flamenco unido a las bicicletas BMX, llamado Flamenco Flatland, que consiguió unir el arte del flamenco con las piruetas de las bicicletas patrocinándolo Red Bull.
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En 2013 interviene como concursante en el reality show de de Cuatro Expedición imposible

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Ultimas Noticias

El V Ciclo Cataluña Arte Flamenco encara su recta final con las actuaciones de Miguel Poveda, Rafael Amargo, Manuel Fernández y Pitingo. Tras el éxito de Arcángel, José Mercé, Rocío Segura, Alba Carmona, Juan Moneo “El Torta”- fallecido el pasado 31 de diciembre de 2013-, Duquende y David Palomar, llegan las últimas representaciones que cerrarán el Ciclo.

El bailaor Rafael Amargo actuará este viernes a las 22 horas en el Teatro Mercè Rodoreda de Sant Joan Despí (Barcelona) con el espectáculo “Suite Flamenca”. Le acompañará Iñaki Márquez, nacido y formado en Santa Coloma de Gramenet (Barcelona), en entidades como la Colonia Egabrense y el estudio de José Vega, además de su compañía, “Flamencos Catalanes”.
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Amargo es uno de los bailaores españoles más afamados. Sus coreografías se inspiran en el flamenco más puro aprendido de sus maestros a la vez que incorporan otro tipo de coreografías, como las que aprendió en la escuela de Marta Graham, en la ciudad de Nueva York. Con una fusión entre lo tradicional y la modernidad, las coreografías de Rafael Amargo nunca pierden la esencia del flamenco.
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Rafael Amargo reivindica su compañía de baile, además del concepto teatral y escénico del flamenco. En esta ocasión, junto con Iñaki Márquez, se rodea de jóvenes flamencos catalanes en un elegante espectáculo que culminará el Ciclo, “Suite Flamenca”.
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Matrimonios.

El bailarín y coreógrafo Rafael Amargo se caso con Silvia Calvet, su segunda esposa, en una ceremonia celebrada en el Hotel Palace de Barcelona. La gran ausente fue su exmujer, Yolanda Jiménez, cuya presencia se había anunciado en un principio. Los que sí estuvieron fueron los hijos de ambos, León y Dante, encargados de llevar las arras, y la hija de Silvia.
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Como anunciaba el propio Amargo, esta misma semana parte hacia Marruecos en compañía de su exesposa para grabar un programa que se emitirá en Cuatro, Expedición Imposible. “Me marcho con Yolanda para parcipar en un reality, con lo cual pasaré mi luna de miel con ella”. El artista comentaba en tono de broma esta casualidad de la vida pero añadía que con su actual mujer las cosas son muy fáciles. “Desde que nos conocimos vivimos como en una luna de miel permanente”.
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La flamante señora de Amargo comentaba que ella y Yolanda son grandes amigas y que se lleva muy bien con sus hijos. De hecho, hace un año el artista se prometió en un hotel de Barcelona con una joven asiática. La relación acabó como el rosario de la aurora, básicamente porque no era del agrado de la ex del bailarín.

Hubo música de mariachis en directo, que acompañaban la entrada de la novia de la mano de su madrina, María Pineda. La entrada de ella fue precedida por la voz rotunda de María Toledo. Además, durante el acto cantó también Joaquín “El Duende” acompañado de un cuarteto de cuerda. La boda fue oficiada por una juez de paz, puesto que el alcalde de Barcelona finalmente no les pudo casar como era intención de la pareja. Ambos deberán ratificar su matrimonio en un juzgado.

Interviu (2010)
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Artista único, valiente como pocos y muy provocador, Rafael Amargo se ha prestado para ser el segundo hombre en desnudarse íntegramente en portada de la revista Interviú.

Después de Jesús Vázquez, que se despojó de su ropa hace unos meses, esta vez le ha tocado al bailarín presumir de abdominales, así como de unos cuantos tatuajes que hasta el momento mantenía ocultos bajo su ropa de trabajo.
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No sólo se ha quitado toda la ropa, sino que Rafael Amargo también ha querido desnudar su alma en una entrevista en la que habla sin tapujos sobre su lado más “políticamente incorrecto y emocionalmente promiscuo”.
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Recién aterrizado de Moscú y en plena gira de Zorro, el bailarín ha encontrado hueco en su agenda para ser el segundo hombre en posar como Dios le trajo al mundo y presumiendo de abdominales y cuerpo tatuado para la portada de Interviú.
Sin embargo, y al contrario que su antecesor, Jesús Vazquez, Rafael Amargo sí se ha despojado de toda su ropa, ofreciendo en exclusiva para esta revista las primeras imágenes de su desnudo integral. Y es que Amargo es un valiente, aparte de un provocador nato.

“Me desnudo porque el que da primero, da dos veces”, declara el artista en su entrevista. “Y para así empezar a vestirme de nuevo”.

“Emocionalmente promiscuo”

“Yo nací desnudo, Herrera”, explica Amargo en la entrevista, realizada por el periodista Ángel Antonio Herrera. “Me desvistieron y ahora me visto yo. Para que así no tengan arrugas las vestiduras”.
Un Rafael que se considera “políticamente incorrecto y emocionalmente promiscuo”, aunque no lo suficiente como para confesar (o no) los constantes rumores sobre su supuesta homosexualidad. “Me educaron en una casa lorquina. De poetas, de gente demócrata y libre. No tuvimos armarios. Teníamos vestidores. ¿De dónde quieren que salga?”.

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Miguel Poveda, Andalucía le pone “muy difícil devolverle tantísimo” como le da

Miguel Ángel Poveda León (n. Barcelona; 13 de febrero de 1973) es un cantaor de flamenco español conocido con el nombre artístico de Miguel Poveda.

Cantaor de flamenco e intérprete de otros géneros musicales con los que enriquece su trayectoria artística en una experimentación constante en su obra, aunque el flamenco sea desde sus inicios su música de partida.
Poveda se interesa por ir más allá de la imagen tópica del cantaor al uso y se adentra en otros terrenos que no siempre son bien vistos por el mundo flamenco más ortodoxo. Muestra de este interés por buscar el arte en otros géneros son sus numerosas colaboraciones con artistas de disciplinas diversas, trabajos que le dan a conocer a otros públicos no habituados al flamenco.
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Por su origen catalán, de padre murciano y de madre manchega, sin ascendencia andaluza, encuentra más dificultades en sus inicios que con tesón y gracias a su talento finalmente consigue vencer para crecer artísticamente como cantaor desde Barcelona, aunque posteriormente, en 2003, traslada su residencia a Sevilla, sin olvidar Cataluña en su trayectoria musical, como demuestra en Desglaç. Aunque experimenta y se expresa artísticamente mediante otras músicas, en ningún momento abandona su música de raíz, el flamenco

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Miguel Ángel Poveda León nace en Barcelona el 13 de febrero de 1973, pero vive y crece en la ciudad de Badalona su niñez y adolescencia, hijo de una familia humilde sin una tradición musical anterior, su padre originario de la pedanía de La Paca en Lorca (Murcia) y su madre nacida en Puertollano (Ciudad Real), Miguel tiene dos hermanas. Sus orígenes no andaluces son de singular relevancia en este caso debido a las particulares características para desarrollar la disciplina artística por la que siente vocación: EL FLAMENCO
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En un entorno no especialmente propicio para su desarrollo en el mundo del flamenco, por su origen atípico para el cante: payo, catalán y viviendo además en Badalona, sin la posibilidad de compartir su afición por el flamenco con gente de su edad, partiendo de esa realidad propia tan particular para desenvolverse en ese mundo sin embargo logra gracias a su empeño personal, a su pasión por el cante y a sus dotes artísticas crearse una personalidad cantando que más tarde se mejoraría con la experiencia de los años y con sus propias vivencias.
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Miguel Poveda fue un niño tímido que escuchaba copla y flamenco por la radio y en los discos de su madre en la intimidad de su habitación, donde tenía su mundo construido con un universo musical propio, con las coplas de Quintero, León y Quiroga y los viejos maestros del flamenco, con voces como las de Antonio Mairena, Manolo Caracol, Tomás Pavón, La Perla, La Paquera de Jerez, La Niña de los Peines, Juan Varea, Rafael Farina o más actuales como las de Camarón de la Isla, Enrique Morente, Chano Lobato, entre otras muchas que fueron impregnando por completo su naciente espíritu cantaor.
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Esa inmersión personal le hace empaparse de esas esencias fundamentales para su formación, esa música representa para él una de las mayores alegrías de su niñez, incomprendido por sus amigos en su afición, llenando horas y horas de su intimidad solitaria con la emoción de sus voces preferidas, base de conocimientos que caló hondo en su sensibilidad, y que fue asimilando de una manera autodidacta para hacerle crecer más tarde como artista.
Su precoz afición por el cante le hace grabar de manera casera coplas y cantes que escuchaba en La radio de su madre, vivencia a la que ahora le rinde homenaje en unas coplerías incluidas en su reciente Tierra de calma con letra de Quintero, León y Quiroga.
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En 1988, con 15 años se sube por vez primera a un escenario, el de la Peña flamenca de Nª Sª de la Esperanza en Badalona, y desde ese momento aprovecha los fines de semana para cantar en peñas y concursos de aficionados, siendo siempre el más joven entre los participantes, Miguel sentía desde niño que su vocación era el cante, quería dedicarle su vida a la música.
En un principio trabajó en diversos oficios en absoluto vocacionales, simplemente para ganarse el pan, hasta que al volver del servicio militar empezó a cantar en el tablao El Cordobés de las Ramblas de Barcelona, trabajó allí durante casi un año, tiempo en el que aprendió el oficio cantando para las bailaores/as, con un público formado principalmente por turistas, el cantaor se curte noche a noche, la mejor de las escuelas para el artista.

imageMiguel Poveda quería ser escuchado fuera de Cataluña para calibrar su verdadera valía y para hacerse una idea de hasta dónde podía llegar.
Así fue como junto al guitarrista Juan Ramón Caro se presentó a las pruebas selectivas para el 33 Festival Nacional del Cante de las Minas de La Unión (Murcia) celebrado en 1993, no sólo fue seleccionado sino que además fue galardonado con cuatro de los cinco premios, uno de ellos la Lámpara Minera, el más preciado, además de las modalidades de La Cartagenera, La Malagueña y La Soleá, hecho que cambia su vida artística para siempre, profesionalizando definitivamente su vocación desde niño, un primer objetivo cumplido.
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Los inicios no fueron fáciles, el mundillo flamenco en absoluto permeable y casi siempre conservador en las formas no le tendió precisamente puentes para darle el empuje que merecía, aunque contra viento y marea y desde el triunfo en ese Festival su carrera emprende una trayectoria ascendente y empieza a ser reconocido poco a poco y no sin esfuerzo en los círculos flamencos.
En 1995 graba finalmente su primer disco flamenco propio con el título de Viento del este acompañado a la guitarra por Moraíto, Pepe Habichuela y Julián “El Califa” y con la colaboración de José Soto “Sorderita”, disco publicado por la discográfica Nuevos Medios.
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Poveda incursionó en esta época en el mundo de la actuación, haciendo el papel de Miguel en La teta y la luna (1994, dirigida por Bigas Luna).

A partir de esa grabación discográfica inicia su camino más profesional empezando su participación desde 1994 en festivales flamencos nacionales e internacionales que dan a conocer su cante al gran público, festivales como el Actual de Logroño, Festival Taranto de Madrid, Bienal de Flamenco de Sevilla, Fiesta de la Música de París, Festival de Flamenco de Amberes, y su primera gira por Japón. En 1997 canta en Bolonia en un espectáculo basado en obras de Federico García Lorca y los Poetas de la Generación del 27.
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En 1998 fue solicitado desde el Festival de la Cultura y las Artes de Ramallah (Palestina), su actuación antes 15.000 palestinos le deja un recuerdo imborrable.
También en 1998 presenta su trabajo Suena Flamenco (nominado en 2000 para el Grammy Latino), inicio de su colaboración con Chicuelo y Amargós, y participa como artista invitado en La vida es sueño que presentó Calixto Bieito en el Festival Internacional de Edimburgo, y en otros festivales, como el de Musicora de París, Grec de Barcelona, Stimmen de Lorrach, Emmas de Cerdeña y realiza una gira por Japón.
En 2000 edita su tercer CD Zagúan y en 2002 inicia una gira por los Estados Unidos: Miami, Chicago, Nueva York, Bloomington y Washington.
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En julio de 2007, trabaja en la producción Flamenco en Orquesta (2000), junto a Joan Albert Amargós y Juan Gómez “Chicuelo”, que se editará en disco en 2008, grabación de un concierto en directo en el Festival de Peralada, con nuevos matices respecto del espectáculo presentado originalmente.
También ha colaborado en el espectáculo Contrastes que presentó junto a Agustí Fernández.
El 29 de junio de 2002 participa en el Festival Grec de Barcelona en el concierto Testimoni Verdaguer, acto central del año Verdaguer, en el TNC canta A mos bescantadors con Agustí Fernández al piano, esta colaboración es el germen de su posterior disco Desglaç (2005).

imageEn 2003 colabora en un concierto de La fábrica de tonadas, espectáculo de Santiago Auserón (Festival Altaveu de Sant Boi, 2003). Además participa en las producciones Qawwali Jondo, junto a Duquende y Faiz Ali Faiz, y en el disco Poemas del Exilio de Rafael Alberti con música de Enric Palomar’, por ambos trabajos recibió el Premio Ciutat de Barcelona 2003.
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En 2004 participa en el XXXII Festival Internacional Cervantino, como apuesta de la Fundación Autor, y que se celebró entre el 6 y el 24 de octubre de 2004 en las localidades mexicanas de León (Teatro Manuel Doblado, 15 de octubre) y Guanajuato (Teatro Juárez, 17 de octubre), acompañado por Juan Gómez ‘Chicuelo’ en un recital que se cimenta en dos partes bien definidas: una con un recital de cante flamenco y otra, entregada a los versos de poetas exiliados como Rafael Alberti, Pablo Neruda, Gil de Biedma y José Ángel Valente, en esta parte contó con el acompañamiento del pianista Enric Palomar, el percusionista Ignacio López y los palmeros Raúl Levia y Miguel Lavis. A este festival volverá para cantar en su edición de 2008 con el espectáculo Flamenco y poemas.
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También en 2004 fue invitado de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (México) en la que cantó a dúo con Eugenia León. Colaboró con la Orquesta Nacional de España, con la obra Suite Flamenca de Joan Albert Amargós y Chicuelo, y realiza una gira por España y Francia con el espectáculo Qawwali Jondo. En 2005 realiza presentaciones en el Carnegie Hall en Nueva York.
Con Martirio presenta el espectáculo Romance de Valentía basado en coplas clásicas que presenta en Madrid y Barcelona en verano de 2005.
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En 2005 se edita Desglaç, proyecto que representa una original y arriesgada apuesta de interpretación en catalán de Poveda, disco en el que da vida musical a una acertada selección de obras de diversos poetas en lengua catalana en una producción discográfica de exquisita sensibilidad con músicas de diversos autores, por vez primera se edita un disco completo en catalán en la voz de un cantaor de flamenco, componiendo Poveda alguna de las melodías. El disco tiene magnífica aceptación por parte de público y crítica, estableciendo puentes entre la cultura catalana y el mundo flamenco, despertando el interés mutuo entre públicos de ambas culturas.
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Los poetas escogidos para Desglaç (Deshielo en lengua castellana) son Jacint Verdaguer, Valentí Gómez i Oliver, Joan Margarit, Maria Mercè Marçal (2 temas), Joan Brossa, Enric Casasses, Narcís Comadira, Joan Barceló, Josep Piera, Sebastià Alzamora y Gabriel Ferrater, también canta durante la gira a Jaime Gil de Biedma, el disco lo presenta en directo entre 2005 y 2007 alternando otros proyectos. Le acompañan en la gira los músicos Juan Gómez “Chicuelo”, Marcelo Mercadante, Gustavo Llull, Andrés Serafini y Roger Blavia. En la grabación del disco colaboran las voces de Moncho y Miquel Gil.
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En enero de 2006 actúa en el Jazz Lincoln Center de Nueva York en tres conciertos y colabora en su recital el percusionista portorriqueño Giovanni Hidalgo, así como en muy diversos festivales flamencos, volviendo de nuevo al Festival de Cante de las Minas, donde recibió sus primeros reconocimientos artísticos. También colabora con el bandoneonista argentino Rodolfo Mederos en un espectáculo conjunto de tangos clásicos que presentan en el teatro Central de Sevilla, Grec de Barcelona, Teatro español Madrid y en el Teatro Colón de Buenos Aires.
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En septiembre de 2006 edita su trabajo discográfico flamenco Tierra de calma en colaboración con el guitarrista Juan Carlos Romero en una producción muy cuidada que se estrena en la Bienal de Flamenco de Sevilla 2006,4 en el Teatro Lope de Vega el 28 de septiembre, disco que presenta también en 2007 en el Auditorio de Barcelona, Teatro Albéniz de Madrid, Gran Teatro de Córdoba, entre otros escenarios. Por este disco recibe buenas críticas y numerosos premios, entre ellos la nominación a los Grammy Latino 2007 al mejor álbum flamenco.

En 2007 intercala en directos sus varias producciones y añade nuevos proyectos puntuales: El 16 de mayo estrena en el Teatro Español de Madrid Sin frontera, espectáculo flamenco de homenaje a Jerez, con dirección de Pepa Gamboa y con la colaboración de Luis el Zambo, Moraíto y Joaquín Grilo, que durante 2007 presenta también en Benalmádena, Roma, Sevilla, Fuenlabrada, durante el año 2008 en Jerez de la Frontera, Alcorcón, Leganés y Amsterdam, y en 2009 en el Teatro Calderón de Madrid y en el Teatro Juan Bravo de Segovia.
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El 21 de mayo de 2007 en el Festival Suma Flamenca de Madrid une su voz a los poemas del flamencólogo José María Velázquez-Gaztelu. El 7 de septiembre en la Bienal de Flamenco de Málaga de 2007 canta al poeta José Antonio Muñoz Rojas en Antequera en el espectáculo Por los caminos que van

Se podría considerar que el Premio Nacional de Música de España que le concede el Ministerio de Cultura de España en noviembre de 2007 (valorando “su gran calidad y versatilidad y el interés que ha generado en otros ámbitos de la creación musical”), así como el Premio Nacional de Cante otorgado por la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera9 representan su consagración definitiva como uno de los grandes nombres del flamenco y de la música en España.
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Participó en el 36 Festival Internacional Cervantino con el espectáculo Flamenco y poemas, el 25 de octubre de 2008 en el Teatro Juárez en Guanajuato y el 26 de octubre de 2008 en el Teatro Manuel Doblado en León de los Aldama, como parte del cierre de la participación de Cataluña, invitado de honor del festival, contando con Juan Gómez “Chicuelo” a la guitarra, Carlos Grilo y Luis Cantarote (palmas), Sonia Poveda (baile) y Gustavo Llull (piano). En este espectáculo interpretó además acompañado de un mariachi y por primera vez en su carrera unas rancheras Te voy a olvidar de Juan Gabriel, Que se me acabe la vida y Si nos dejan de José Alfredo Jiménez.

En 2009, Miguel Poveda sigue con la presentación en concierto de sus diferentes espectáculos10 y en el mes de febrero se edita el disco Cante i Orquestra grabado en directo en concierto de 4 de agosto de 2007 en el Festival de Peralada, junto a Joan Albert Amargós y Chicuelo. El CD contiene los siguientes temas: “Esos 4 capotes” (Bulería), “Canela y clavo” (Seguirilla), “Manto de estrellas” (Alegrías), “Soneto de la dulce queja” (Federico García Lorca), “Danza de equus” (Instrumental), “Te lo juro yo” (Copla), “Dame la mano” (Tientos) y “El cant dels ocells” (Canción popular catalana).
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Miguel Poveda participa en la banda sonora de la película Los abrazos rotos de Pedro Almodóvar, que se estrenó en marzo de 2009, donde canta la zambra “A ciegas” de Quintero, León y Quiroga que había popularizado Concha Piquer.12 El tema es editado en la B.S.O. de Los abrazos rotos (Emi, 2009) así como en dos versiones que se incluyen en su disco, Coplas del querer (Discmedi-Universal, 2009).
Coplas del querer es un disco doble en el que Miguel Poveda revisa coplas clásicas con arreglos actualizados que es editado en el mes de junio de 2009, cuenta con la participación de Joan Albert Amargós en los arreglos y de Chicuelo a la guitarra, así como con una colaboración de Alberto Iglesias en los arreglos del tema “A ciegas”.
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Miguel Poveda es nominado por tercera vez al “Mejor álbum flamenco” en los Premios Grammy Latinos 2009 en septiembre de 2009 por su disco Coplas del querer, con el que consigue además un Disco de Oro por más de 30.000 copias vendidas en octubre de 2009. El disco se estrena en directo en el Teatro Lope de Vega de Sevilla el 9 y 10 de junio de 2009 y se presenta en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona el 7 de diciembre de 2009. En 2010 es galardonado con tres Premios de la Música por este disco: “Mejor Álbum”, “Mejor Álbum de Canción Española” y “Mejor Arreglista” para Joan Albert Amargós.

En 2010 Miguel Poveda es nombrado Hijo Adoptivo de la Provincia de Sevilla por la Diputación Provincial, así como Hijo Adoptivo de la población de Castril en Granada. El 11 de junio de 2010 presenta su sello discográfico “Carta blanca Records” que pretende difundir nuevos valores flamencos.

El 31 de agosto de 2010 se publica su primer dvd: Coplas del querer en directo desde el Gran Teatro del Liceu (Universal Music) que recoge su concierto en el teatro barcelonés del 7 de diciembre de 2009. El 15 de septiembre inaugura la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla en la Plaza de toros de la Real Maestranza con su nuevo espectáculo Historias de viva voz. En 2011 recibe el Premio Nacional de Cultura de Cataluña (categoría música).
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En febrero de 2012 la Junta de Andalucía le concede la Medalla de Andalucía 2012.15 En marzo de 2012 se edita su noveno trabajo discográfico: arteSano (Universal Music-Discmedi Blau, 2012), trece cantes flamencos con la colaboración de guitarristas como Paco de Lucía y Manolo Sanlúcar, entre otros.

El 8 de mayo de 2012 graba en directo en concierto en el Teatro Real de Madrid el cd+dvd “Real” editado en noviembre de 2012, este trabajo es nominado a los premios Grammy Latinos 2013 como “Mejor Álbum de Música Flamenca”.
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En 2013 Poveda celebra sus 25 años en la música con un concierto en la Plaza de toros de Las Ventas de Madrid el 21 de junio de 2013 acompañado de artistas como María Dolores Pradera, Carmen Linares, Lole Montoya y Joan Manuel Serrat.

El 5 de agosto de 2013 es nombrado Hijo Adoptivo del municipio de La Unión (Región de Murcia), honor anunciado por la alcaldía el 8 de agosto de 2012 19 y se le homenajea en el 53 Festival Internacional del Cante de las Minas de La Unión que cierra con un concierto el 6 de agosto en la Catedral del cante.
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En diciembre de 2013 Universal Music publica Diálogos. De Buenos Aires a Granada, un disco de tangos grabado en directo junto a Rodolfo Mederos en dos conciertos en el Teatro Colón de Buenos Aires (2006) y en el Palacio de Carlos V de Granada (2010).
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Miguel Poveda tiene una discografía muy amplia. Ha colaborado en producciones cinematográficas, en cds colectivos flamencos, y en infinidad de recopilaciones flamencas.
Es un flamenco de los pies a la cabeza…..aunque no naciera en nuestra tierra. Debió ser una equivocación del destino,o un despiste de la cigüeña.

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Lagartija Nick, Thrash metal y flamenco una conmoción en el ámbito musical.

Lagartija Nick es un grupo de rock alternativo- de la ciudad de Granada (Andalucia), nacido en 1991. Su nombre está basado en el título de una canción del grupo británico Bauhaus.
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Nacidos en Granada con Antonio Arias (ex 091, voz y bajo), Juan Codorniu (guitarra), Miguel Ángel Rodríguez Pareja, (guitarra) y Eric Jiménez (ex-miembro de Kgb, miembro de Los Planetas hoy en día, batería), en 1991 graban su primer disco. Hipnosis,con una orientación enfocada hacia el punk y el rock, que cosecha un gran éxito.
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En 1992 fichan por CBS-Sony, grabando su álbum “Inercia”, producido por Owen Davies (productor, entre otros, Rolling Stones, The Jam, Dire Straits), un disco muy valorado por la prensa musical en aquel momento. En este segundo disco su sonido queda más definido, con más madurez que el anterior, en el que las guitarras se vuelven ásperas y afiladas, con canciones más contundentes y letras más desarrolladas.
Asimismo se grabó un video-clip, realizado por Ángel Arias, de la canción “Harlem”, que fue finalista como mejor video-clip del año en el Festival de Video de Vitoria-Gasteiz.
Su tercer disco, Su, fue grabado en 1994, producido por Carlos Martos (Morente, Los Enemigos, Radio Futura…). Este disco fue un punto de inflexión en la carrera de la banda, pues desde este álbum su sonido se vuelve más oscuro, más sucio, más duro y más crudo, con influencias del grunge y del neo-punk de mediados de los 90.
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Ese mismo año se embarcaron en una gira con el nombre de “Caos No Música Tour”, y en 1995 en otra, “Vasectomía Tour”, ésta última con Def Con Dos.
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A finales de 1996 se graba uno de los trabajos más innovadores de la música, su disco “Omega”, junto con Enrique Morente. En este álbum Enrique Morente junto con otros artistas flamencos recita poesías de Federico García Lorca a ritmo de flamenco, acompañado por una gran lista de artistas flamencos, todo con la música de Lagartija Nick.
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Esta fusión de flamenco y thrash metal crea una gran conmoción y sorpresa en el ámbito musical español, tanto entre público como entre crítica. Este disco es llevado de gira y por diversos festivales por sus participantes, como el Espárrago Rock de 1998. Durante esta gira Erik deja la banda, pasando a formar parte de Los Planetas , siendo sustituido en la batería por David Fernández (ex de Sin Perdón).
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Su disco Val Del Omar sale a la luz en diciembre de 1997, siendo éste una nueva evolución del grupo. Homenaje al cineasta granadino José Val del Omar, las canciones se basan en textos de éste. La batería del grupo pasa a Antonio Quesada, y Lagartija Nick desarrolla un sonido entre el metal industrial y el minimalismo electrónico.
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Tras este disco Lagartija Nick abandona Sony y ficha por Zero Records, y Juan Codorniu y Miguel Ángel Rodríguez Pareja dejan el grupo, quedando únicamente Antonio Arias de la formación original. La batería finalmente queda en manos de David Fernández y se incorpora a la guitarra Paco Luque (ex Sin Perdón y King Changó, ahora en Hora Zulú), habiendo este último colaborado esporádicamente con el grupo en el pasado, y Ángel Arias en labores de programación.
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En 1999 se publica el EP Space 1999, que sería un adelante del disco del Lagartijanick, cuyas letras son principalmente cortos poemas sobre el Universo y con un sonido cercano al new metal y toques electrónicos, llegando a flirtear con el punk o la psicodelia. Como curiosidad, la letra de “Newton” está inspirada en declaraciones del astronauta español Pedro Duque, quien llego a declarar que era más difícil encontrar en una tienda un disco de lagartija que llegar vivo a Marte.
Al poco de salir este álbum Ángel Arias abandona el grupo, y a la vez Miguel Ángel Rodríguez retorna a él a la guitarra. Asimismo al poco también abandona el grupo Paco Luque y se incorpora a este Lorena Enjuto (ex de RATIO) como segunda bajista; Antonio toca bajo distorsionado y de Lorena marcando el ritmo.
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En junio de 2001 publican Ulterior, un disco definido por ellos mismos como más techno a pesar de no emplearse electrónica, siendo las canciones concebidas para sonar mediante máquinas, loops, etc., con un sonido todavía más cercano al new metal. Con este disco se embarcaron una serie de conciertos por toda España: Espárrago 2001, Socarrat 2001, etc.
En enero de 2013 inician una gira por diversas salas de España con los componentes de la formación original.
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Belen Maya, mil mujeres que bailan en ella como diosas de cristal.

Belén Maya García nace en Nueva York (Estados Unidos) en 1966 durante una gira de sus padres Carmen Mora y Mario Maya.
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Siendo niña, comenzó a formarse con maestros como Paco Fernández, María Magdalena, Goyo Montero, Rosa Naranjo, Carmen Cortes y Paco Romero en el estudio madrileño Amor de Dios. En la capital española, donde siempre ha residido, también fue su debut, en el tablao Zambra, para pasar posteriormente por el Café de Chinitas y el Corral de la Pacheca.
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Tomó clases con Anunciación Rueda, La Toná, en Sevilla, ciudad en la que permaneció durante un tiempo, primero, en tablaos como Los Gallos y Patio Andaluz y, más tarde, incorporada  al elenco de la Compañía Andaluza de Danza que, durante un periodo, dirigió Mario Maya. La bailaora ha compartido programa con figuras del baile flamenco como Manolete, Javier Barón o Alejandro Granados, además de haber participado como solista y primera bailarina en las compañías de Carmen Cortés y Mario Maya.

 

Completar su formación en Italia, Alemania e Inglaterra en danza clásica, hindú y contemporánea ha convertido a Belén Maya en una bailaora excepcional, en la que tradición y clasicismo están a la misma altura que modernidad y estética contemporánea.
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La bailaora, cuya silueta aparece en la portada de ‘Flamenco’ de Carlos Saura, comparte actualmente escenario con la cantaora catalana Mayte Martín en el internacionalmente aclamado espectáculo ‘Mayte Martín + Belén Maya’.
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Simultanea los escenarios con la enseñanza. De hecho, es miembro del claustro de profesores del Festival de Jerez.

Hija de dos grandes artistas flamencos, Carmen Mora y Mario Maya.
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Su camino profesional comenzó con su padre, pero pronto fue desarrollando un estilo inconfundible con posturas geométricas, sorprendentes detalles con la bata de cola y con otros accesorios, sus obras empujan los límites de lo establecido, a la vez que rinden homenaje ante el altar del flamenco más clásico. Si otras bailaoras contemporáneas deconstruyen el baile, Belén lo hace y vuelve a construirlo delante de nuestros ojos.
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Ella es la única bailaora en el escenario, acompañada por el cante de Jesús Méndez, revelación del flamenco gitano de Jerez y por el guitarrista Rafael Rodríguez, un espectáculo de flamenco que nos acerca a lo carnal, a lo íntimo. Sin afectación, Belén Maya se verá en lo profundo de su ser encarnando, su fuego interior.
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Entre la tradición y la modernidad Belén Maya se atreve a desvelar el baile, revelando un flamenco en toda su verdad mostrando la huella de esplendor carnal, de alegría y desolación.
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Belén Maya transmite la esencia de la mujer a través de una técnica impecable de pies y brazos con un estilo personal, de tendencia moderna personificando el baile de mujer y transformandose así en un regalo para el flamenco. Ella baila lejos de lo falso, lo arrogante y lo sobrehecho sin fingir emociones y mostrando virtuosidad y elegancia, presentando el verdadero poder y sentido del baile universal.
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Baila intimo, del yo al tu, muy desde dentro y a la vez tan hacia fuera. Su flamenco es fino y salvaje. Su cuerpo expresa e imprime recuerdos lejanos, emociones inmediatas, sentires femeninos, estéticas y épocas diversas.

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Su gesto caligrafico, contemporaneo es una voz que te intercepta, una voz antigua, casi mitologica, que transmite y no deja de transmitir, de seducir, de sorprender, de cautivar. Su presencia es la de una mujer, de mil mujeres que bailan en ella como diosas de cristal.

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Emotivo tributo a Morente en el Circo Price de Madrid

Emotivo homenaje en el Circo Price de la familia de Enrique Morente, a un cantaor que amplio las fronteras del flamenco. Estrella, Soleá y José Enrique Morente compartieron el escenario en una noche mágica.
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El Memorial Morente Más Morente constituye el reconocimiento oficial a la figura del cantaor. Más de 50 artistas se han sumado a esta gran cita que incluye conciertos, exposiciones, encuentros y performances en distintos espacios de Madrid y una extensión en Granada, durante los meses de enero

y febrero.

Este homenaje, relataba Carbonell a Efe poco antes de comenzar el concierto, se hace ahora, tres años después de la muerte de Morente, porque ya tienen “alguna fuerza” para enfrentarse a su pérdida y la respuesta de los artistas y del público, que ha agotado las 5.000 entradas que se han puesto a la venta para los tres días, les ha conmocionado.”Sabía que era un genio pero nunca imaginé esto. Tendríamos que estar un año entero de homenaje para que todos los que han querido estar pudieran participar. Me he venido arriba y me parece increíble porque su muerte fue una sacudida tan tremenda que yo me quise morir”, revelaba.

Tributo al maestro
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El Teatro Circo Price acogió tres conciertos de flamenco con cante, toque y baile los días 17, 18 y 19 de enero. El del viernes contará con la participación de José Mercé, Eva La Yerbabuena, Miguel Poveda, Pepe Habichuela y Josemi Carmona. El sábado 18 será el turno de Carmen Linares, Arcángel, Farruquito y Tomatito, que ofrecerán su mejor flamenco recordando a Enrique Morente. Ambos conciertos darán comienzo a las 21.00 horas. Y el domingo, a las 20.30 horas, la familia Morente-Carbonell rendirá su tributo al maestro: los vástagos continuarán la genialidad del cantaor acompañados por sus tíos Montoyita a la guitarra, Antonio Carbonell al cante, La Globo al baile, Ángel Gabarre al cante y las palmas, sus primos Monti a la guitarra y Popo al baile y las palmas.

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Un primera noche en el Price, en el memorial Morente más Morente, y ya tenemos titular: «Miguel Poveda se soltó el pelo».
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No se fíen del cronista que no veía a Miguel desde que cantaba sentado, o sea, una eternidad. Desde entonces Poveda ha pasado por el Teatro Real y por la plaza de toros de Las Ventas que ya es pasar. En lo del tema capilar tampoco se pueden fiar, Miguel lleva un corte de pelo como de rocker de los años cincuenta, traje pitillo. ¿Recuerdan a Jackie Wilson? El cantante soul del Reet Petite Pues así, nada más que con muchísimo compás y el tran tran de los guapos al caminar, mezclado con la caradura de los viejos trianeros que salen en el documental Triana pura y pura o sea que se hizo un Michael Jackson o lo que viene a ser tocarse las partes nobles. Eso sí con un chorro de voz de los de antes que parece que le sobra micrófono.

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La noche había empezado con Pepe Habichuela y su hijo José Miguel protagonistas de uno de esos conciertos mutantes que nos regaló Morente en la Sala Revolver en los años 90. Lo de los mutantes se justifica porque entrabas al garito roquero y salías con lunares… Y viceversa, que Enrique era mucho Morente.
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Pepe le dedicó una seguiriya a la ausencia, «a mi hermano» dijo; luego presentó a su hijo y hubo distancia y compás generacional, es decir tocaron juntos y por separado. Pepe se quedó para una regresión que Enrique grabó hace 40 años, La elegía a Ramón Sijé, de Miguel Hernández que cantó José Mercé. Un anacronismo, o lo que sea, le hubiera quedado igual de bien que «a las barricadas» y muchísimo más contemporáneo. Mercé sí que se puede soltar el pelo (tremenda melena anunciada por la mitad de Gomaespuma) pero se contuvo, y cantó por seguiriyas con la guitarra de Tomatito. Olviden al Mercé que sale en la tele, esa fábrica escalofríos.
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Tomatito cogió el testigo y se hizo un balada que en otro tiempo hubiera concluido en pedrisco. Bonita hasta el borde de la cursilería, tocó por bulerías con ese ataque de uñas incomparable, tan flamenco y tan roquero y sonaron las coplas de Enrique: «Tienes la cara de haber pasado la noche mala».
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Tras una pausa apareció sobre el escenario un piano de cola y una batería y salió una estrella de rock o del flamenco. Dijo «para» y paró, continuo cantando «para la libertad» y juro que no sé si es la de Serrat o era un homenaje a Morente.

Y Miguel Poveda empezó a hablar como creo que jamás lo había hecho en público y se acordó de Enrique. Una filosofía de vida y de su casa y de una noche en el Candela con Miguel y se sentó para cantar fandangos, o así. La duda es por qué los palos flamencos ya no son como eran o como solían ser desde que Enrique les metió mano. Eva la Yerbabuena concluía una velada con división de opiniones. Eso le hubiera encantado a Enrique.
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García Lorca, Picasso, Juan Ramón Jiménez, Antonio Machado y todos los que él amó han ido empapando el desgarro a golpe de siguiriya, soleares y malagueñas y su espíritu ha llenado el Circo Price para acabar en una fiesta que ha unido en un abrazo a los que estaban en el escenario en la certeza de que “vivirá para siempre”.

El dolor de su ausencia siempre estará presente pero la noche de Enrique Morente ha ayudado a su familia a reavivar el recuerdo de este gran maestro del flamenco, fallecido en 2010. Casi dos horas y media ha durado este homenaje en el que Estrella, Soleá y José Enrique Morente han compartido el “tabernáculo” instalado en el Circo Price
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La familia Morente Carbonell, con sus tíos Montoyita a la guitarra, Antonio Carbonell y Ángel Gabarre al cante y las palmas y sus primos Monti a la guitarra y Popo al baile y las palmas, ha salido de la oscuridad de su duelo para volar sobre los melismas y las letrillas que él cantó tantas veces.

Todos, ha asegurado el presentador del acto, El Gran Wyoming, han dado “una lección magistral de genética”, han demostrado “que de los grandes manantiales salen los grandes ríos” y han exhibido pellizco, afinación y expresión artística.
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El primero de los hijos en actuar ha sido José Enrique, “Kiki”, que, con su propia guitarra, ha cantado letras de Picasso, del disco de su padre “Pablo de Málaga”, y ha dado paso a su hermana Soleá, que, acompañada de Antonio Arias (Lagartija Nick) ha mecido con su voz larga y ancha una preciosa nana y un tema de su primer disco, “Encuentro”.

Luego ha salido Estrella, que ha cantado sola, a capella y vuelta hacia la foto de su padre, una bambera, los “cantes de columpio” que su padre le enseñaba y ,ya con los músicos y su hermano dándole compás, malagueñas y siguiriyas.
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“Vamos a intentar dar lo mejor de nosotros mismos, pero no es fácil tener serenidad porque estamos muy emocionados. No se puede cantar, bailar y tocar mejor que lo que lo han hecho todos los que han pasado por aquí. Hemos hecho este memorial ya casi obligados por tantas almas que recuerdan al máximo creador del cante flamenco”, ha dicho Estrella.
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Acto seguido ha llamado a su hermana y juntas han interpretado las bulerías de Antonio Machado que su padre cantaba, y, en una emotiva improvisación, “sones de la casa” a los que se ha sumado “Kiki”.

“Ahora vengo a desquitarme, primero conquistaremos Manhattan, después conquistaremos Berlín”, la letra de Leonard Cohen que Morente versionó con Lagartija Nick ha sido el himno con el que los Morente-Carbonell han cerrado la primera entrega del tributo a un hombre “genial, gentil y generoso”, gran oficiante del arte pobre por antonomasia.

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“Hemos estado los tres entre bambalinas pensando en qué decir. Al final solo podemos desear que ojalá todos los niños del mundo tuvieran un padre como el que hemos tenido nosotros”, ha resumido Estrella, vestida con una chaqueta con dos ojos pintados por su madre, Aurora Carbonell, quien subió al escenario al final para recibir un ramo de flores que agradeció entre lágrimas.

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Carmen Sevilla, La novia de España, la novia de Papá.

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“La Novia de Papá”
Aunque os suene raro, crecí con la creencia absoluta de que Carmen Sevilla era la novia de mi padre, ingenuidad de crio que !bendita sea¡.
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Cuando Carmen Sevilla actuaba en la tele, mi madre me decía, corre avisa a Papá que sale su novia, y yo a todo el mundo contaba que mi padre tenía novia y que salía en la tele.Si mi madre se hubiera enterado de mi entusiasmo ya hubiera puesto remedio, pero ella nunca tuvo noticias de mi orgullo por la novia de mi padre.
Mas tarde descubrí no sin cierto pesar, que esa mujer guapísima y simpática , no era la novia de mi padre, sino que era la novia de toda España. Bendita inocencia infantil.

Con Carmen Sevilla aprendí el significado del sarcasmo y el humor tan presente en mi carácter, y porque no reconocerlo, también la primera mentirijilla.

Quien me iba a decir a mi, que años mas tarde, muchos, estaría escribiendo sobre esta magnifica y simpática mujer, compañera de viaje de tantos españoles.image

Hija de Antonio García Padilla, alias “Kola” (Fallecido el 17 de febrero de 1987 en Madrid). Su madre fue Florentina Galisteo Ramírez (1905 – 23 de julio de 2004, que falleció a los 99 años)1 Sus hermanos pequeños son Antonio y José.
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Nació en Sevilla en octubre de 1930. Carmen es la mayor de tres hermanos.
Desde temprana edad imbuida en el mundo artístico, fue hija de Antonio García Padilla, alias “Kola”, letrista musical y nieta de José García Rufino.
Se inicia en el cante y baile (flamenco) siendo aún una niña, y con tan sólo doce años se sube por primera vez a un escenario, en la Compañía de Estrellita Castro, con el espectáculo Rapsodia española, junto a Paquita Rico y Ana Esmeralda.
De ahí pasa a las Compañías del Príncipe Gitano y de Paco Reyes.
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En 1947 debuta en el cine con la película Serenata española, de Juan de Orduña y tan sólo tres años después consigue su primer papel protagonista en Jalisco canta a Sevilla, donde comparte créditos con Jorge Negrete.

Época de esplendor: Años cincuenta
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Los años cincuenta la consolidan como una de las actrices más destacadas en el panorama artístico español. Emparejada cinematográficamente, al principio de la década, con Luis Mariano, pronto comienza a brillar con luz propia, protagonizando uno tras otro, títulos que la van situando entre las favoritas del público.
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Apodada “La novia de España”, se convierte finalmente en una de las más importantes estrellas del cine y de la canción en España, junto a Lola Flores y Sara Montiel.
Durante esos años de esplendor protagoniza, entre otras, Cuentos de La Alhambra (1950), de Florián Rey,
La hermana San Sulpicio (1952), de Luis Lucía, imageVioletas imperiales (1952), de Richard Pottier,
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Gitana tenías que ser (1953),
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La Pícara molinera (1954), de León Klimovsky,
La fierecilla domada (1955), de Antonio Román,
La venganza (1957), de Juan Antonio Bardem (primera película española candidata al Premio Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa),
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Pan, amor y Andalucía (1958), de Javier Setó o El balcón de la luna (1962), junto a sus amigas Lola Flores y Paquita Rico. Hace incluso incursiones en el cine anglosajón e interpreta un pequeño papel en Rey de reyes (1961) de Nicholas Ray, en el papel de María Magdalena.
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Durante todo ese tiempo compagina el cine con espectáculos musicales y, a partir de la llegada de la televisión a España, en 1956, con continuas apariciones en el nuevo medio.
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Años sesenta y setenta
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El 23 de febrero de 1961 contrae matrimonio en la basílica del Pilar con el compositor Augusto Algueró Dasca, con quien tiene al que será su único hijo, Augusto José Algueró García, también compositor.image

A partir de 1969 intentó relanzar una carrera cinematográfica que comenzaba a languidecer y adopta un nuevo registro, con papeles más dramáticos y una estética pseudo-erótica, habitual en la época, que le lleva a protagonizar títulos como Enseñar a un sinvergüenza (1969), de Agustín Navarro, Un adulterio decente (1971), de Rafael Gil, La cera virgen (1971), de José María Forqué, No es bueno que el hombre esté solo (1972), de Pedro Olea, La loba y la paloma (1973), de Gonzalo Suárez o Nosotros los decentes (1978), de Mariano Ozores. Protagoniza, además, Marco Antonio y Cleopatra (1972), junto a Charlton Heston. En 1978 rueda su última película.
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El 5 de septiembre de 1985 en Arcos de la Frontera vuelve a contraer matrimonio con el empresario cinematográfico Vicente Patuel Sánchez de Molina y se retira de los escenarios para llevar una vida alejada de los focos en una finca rural dedicada a la cría de ovejas en Herrera del Duque.
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Etapa en televisión: 1990-2011Telecinco

Sin embargo, en 1991 Valerio Lazarov, entonces director de la recién creada cadena de televisión, Telecinco, la convence para ponerse de nuevo ante una cámara, en esta ocasión como presentadora.
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Se inicia, de este modo, una nueva etapa en su carrera, cuando durante seis años presenta el programa diario Telecupón en la mencionada cadena de televisión.
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Sus continuos despistes y errores ante la cámara en un espacio que se emite en directo, la hacen ser pronto objeto de imitaciones por humoristas como Martes y 13. En su etapa en Telecinco, Carmen Sevilla presentó galas, espectáculos y distintos programas de variedades, como Se acabó la siesta (1992), con Laura Valenzuela y Agustín Bravo, Date un respiro (1993), Mañana serán estrellas (1993), con Manolo Escobar, ¿Se puede? (1993-1994) y En directo contigo (1995), junto a Belén Rueda.
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Antena 3
En 1999 se intenta relanzar su carrera como actriz y protagoniza en Antena 3 la tele-comedia Ada Madrina, junto a Jesús Puente y la modelo Mar Flores. Sin embargo, la serie no cuaja entre la audiencia, y es retirada poco después de su estreno.
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Presentó también en esta cadena el programa La noche de Carmen, en 1998.

A finales de 2003, cuando Televisión Española decide rescindir el contrato que mantiene con José Manuel Parada, presentador del programa sobre cine español, Cine de barrio, Carmen Sevilla es reclamada para sustituirlo, y desde entonces se asomó todas las semanas a la pantalla al frente de este espacio de evocación y nostalgia en el que se emiten viejas películas del cine español.
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El 14 de diciembre de 2010, grabó el que sería su último programa. La actriz fue sustituida por Concha Velasco.
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Enfermedad y retirada de la vida pública.
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En 2010, Carmen Sevilla abandonó repentinamente el programa Cine de barrio, siendo sustituida por Concha Velasco. Tras esto, abandonó por completo la vida pública. Una retirada tan abrupta de los medios hizo presagiar que algo no iba bien, hasta que en abril de 2012, saltó a los medios la noticia de que la artista, al igual que su madre, podría padecer la enfermedad de Alzheimer.
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Su última aparición pública fue el día de su 81 cumpleaños a la puerta de su casa, haciendo unas declaraciones a los medios, en los cuales se detectó cierta incoherencia en sus palabras, como primer síntoma notorio de la enfermedad que le está haciendo perder poco a poco la memoria.

Vida privada
Estuvo casada con el compositor Augusto Alguero (23/Feb/1934 – 16/Ene/2011 a los 76).
También se casó con Vicente Patuel (04/May/1931 – 24/Abr/2000 a los 68) que falleció en su finca de Badajoz a los casi 69 años de forma inesperada y repentina.

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Carmen Linares, cantaora indiscutible.

imageCarmen Pacheco Rodríguez (Linares, Jaén, 1951) es una cantaora de flamenco conocida artísticamente como Carmen Linares, una de las grandes voces del flamenco y la canción tradicional española.Está considerada como una de las mujeres con mayor conocimiento de los estilos flamencos junto a la inigualable “Niña de los Peines”.

Carmen Linares llega a Madrid con su familia en 1965 donde conoce cantaores tan conocidos como Rafael Romero, Fosforito o Juan Varea. Comienza su carrera profesional en la compañía de baile de Carmen Mora. En 1970 publica su primer disco.
También ha trabajado en el teatro y en la zarzuela.
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Carmen Linares es la gran voz femenina del cante de esta época. Desde niña oyó mucho flamenco, pues su padre era un buen aficionado que tocaba la guitarra y en la casa se oían muchos discos.

Su familia la trajo a Madrid en 1965, donde conoció la veteranía cantaora más ensolerada de la mano de Pepe de la Matrona, Juan Varea, Rafael Romero o Fosforito. Finalizando la década comenzará su andadura profesional en las compañías de baile de Paco Romero y Carmen Mora, estrenándose discográficamente en 1970 acompañada por Juan Habichuela. Vendrá ahora -como gran paso profesional- el intenso mundo del tablao, pasando por los cuadros de Torres Bermejas y Café de Chinitas, que reunía talentos como Camarón, Enrique Morente, Perla de Cádiz, Serranito, los Habichuela…

Ha sido una de las primeras artistas flamencas que ha actuado en el Lincoln Center invitada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York interpretando ‘El Amor Brujo’ de Falla. La crítica del diario ‘The New York Times’ definió su cante como “un poder expresivo extraordinario”. La cantaora ha recorrido el mundo interpretando la obra acompañada en muchos casos de directores de la talla de Frühbech de Burgos, Josep Pons y Leo Brower en prestigiosos auditorios como el Teatro Colón de Buenos Aires, en el Teatro de la Ópera de Sydney y el Auditorio Nacional de Madrid.

De su revisión de ‘Las Canciones Populares Antiguas’ de Federico García Lorca surgió un álbum discográfico que serviría de soporte sonoro a un ballet de Víctor Ullate y a una obra teatral que protagonizó junto a la actriz Lola Herrera estrenada en el Teatro Real de Madrid. El gran hito en su discografía es la ‘Antología. La mujer en el cante’ (1996), con acompañamiento de grandes de la guitarra como Vicente Amigo, Tomatito y Juan Habichuela, entre otros. En 2000 el compositor y guitarrista Manolo Sanlúcar la elige en su producción ‘Locura de brisa y trino’ para recuperar poemas lorquianos armonizados por modernas composiciones de guitarra.
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La obra discográfica de Carmen Linares ha sido aclamada por la crítica y ha recibido importantes galardones como el Premio ICARO (1988), Academia Francesa del Disco (1991), Medalla de Plata de la Junta de Andalucía (1998) y Premio Nacional de Música 2001 en su modalidad de interpretación. En 2002 grabó ‘Un ramito de locura’, candidato en la categoría de mejor álbum flamenco en los Premios de la Música y los Grammy Latinos 2003.
En los últimos tiempos participa en el espectáculo “Cuatro Esquinas” junto al cantaor Miguel Poveda, el guitarrista Juan Carlos Romero y las bailaoras Rocío Molina (en Hong Kong) y Pastora Galván (resto presentaciones), espectáculo conjunto que llevan a Hong Kong (9 y 10 noviembre de 2007), Estados Unidos (Miami, Nueva York y Washington en febrero de 2008) y Londres (marzo de 2008).
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Como colofón a tal lista de premios, en 2006 se le concedió la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Estos últimos años ha llevado su cante a multitud de escenarios como el Teatro Albéniz de Madrid, Teatro de Chaillot de París, los monumentales auditorios de Tokio en su gira japonesa o Palau de la Música de Barcelona. En directo, combina espectáculos como ‘Desde el alma’, ‘Popular y jondo’ o ‘De aire y madera’, entre otros, con los que frecuenta los principales festivales del circuito escénico nacional e internacional. Tras la edición especial conmemorativa del décimo aniversario de su obra antológica, prepara un disco con Juan Carlos Romero basado en poemas de Juan Ramón Jiménez que tiene previsto editar en 2008.

Por fin en noviembre de 2008 se publica el disco “Raíces y alas” junto al guitarrista Juan Carlos Romero, sobre poemas de Juan Ramón Jiménez.
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“Cantaora” es el título de uno de los discos de Carmen Linares porque ella es la cantaora indiscutible de nuestra época.
Nacida en Linares (Jaén) en 1951 ha conquistado por méritos propios un lugar privilegiado en la cultura musical española contemporánea, habiéndose convertido en una de las artistas más aclamadas y con más proyección internacional del flamenco.
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Se formó artísticamente en los años setenta aprendiendo de artistas veteranos como Pepe Matrona, Fosforito y Juan Varea en los tablaos madrileños de Torres Bermejas y Café de Chinitas. Allí también compartió escenario con jóvenes talentos como Camarón, Enrique Morente y los hermanos Habichuela… Así comenzó todo.

La obra discográfica de Carmen Linares se compone de proyectos que integran su creatividad musical, su devoción por el cante jondo y su afición por la poesía. Su disco más importante es “Antología de la mujer en el cante” (Universal, 1996) con el que ha conseguido consolidarse como referencia en el cante de mujer en el arte flamenco contemporáneo.

En su trayectoria escénica cabe destacar la versatilidad para involucrarse en proyectos como “El Amor Brujo” de Falla junto a la Orquesta Nacional de España, “Locura de brisa y trino” de Manolo Sanlúcar y “Poeta en Nueva York” de Blanca Lí, con los que ha actuado en escenarios tan prestigiosos como el Lincoln Center de Nueva York, Opera House de Sydney, Teatro Colon de Buenos Aires y Shinjuku Center de Tokio.
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Destaca su capacidad para dirigir sus propios espectáculos como “Canciones Populares de Lorca”, “Raíces y Alas”, “Poesía en el cante” y sus más recientes estrenos “Oasis Abierto” dedicado a la obra de Miguel Hernández y “Ensayo Flamenco 2012” en el que interpreta a poetas como Federico García Lorca, Juan Ramón Jiménez, Rafael Alberti, José Ángel Valente y al propio Hernández.
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Su cante poderoso y auténtico se enriquece con su conocimiento del arte flamenco y consigue emocionar de manera espontánea y sincera al público… sin duda alguna el flamenco ha crecido con ella.

Premios:
– Premio de la Academia de la Música a Toda una Vida (2011)
– Mejor Album Flamenco a “Raíces y Alas” (2009)
– Medalla de Oro de las Bellas Artes (2006)
– Premio Nacional de Música (2001)
– Compás del Cante (1999)
– Medalla de Plata de la Junta de Andalucía (1998)
– Premio Academia Francesa del Disco (1991)
– Premio ICARO (1988)
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– “Remembranzas” (Salobre, 2011)
– “Raíces y Alas” (Salobre, 2008)
– “Un ramito de locura” (Universal, 2002)
– “Antología de la mujer en el cante” (Universal, 1996)
– “Canciones Populares de Federico García Lorca” (Auvidis, 1993)
– “La luna en el río” (Auvidis, 1991)
– “Cantaora” (DRO, 1988)

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La Macanita, Princesa gitana del cante jondo

La Macanita nombre artístico de Tomasa Guerrero Carrasco, cantaora de Flamenco nacida en Jerez de la Frontera en 1968.
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Conocida así por el apodo de su padre, el palmero y acompañante El Macano, esta cantaora jerezana está considerada como una de las máximas figuras del Flamenco actual. Con sólo cuatro años aparece en la serie televisiva Rito y geografía del cante cantando y bailando. Desde entonces recorre los tablaos más prestigiosos de España y participa en festivales internacionales.

imageLigada a figuras como Manuel Morao y Manolo Sanlúcar, destaca en sus inicios por bulerías, seguiriyas y villancicos como el que interpreta en la película Flamenco, de Carlos Saura.
Sus primeras actuaciones fueron en Jerez de la Frontera, en el coro infantil “España-Jerez” que dirigía el guitarrista Manuel Morao que organizaba los Jueves Flamencos junto a Manuel Carpio y Manolito Parrilla (nieto), pera formar seguidamente parte del Coro de Villancicos de la Cátedra de Flamencología. Gracias a la Caja de Ahorros de Jerez grabó varios discos, algunos como solista.
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En 1983, a los 14 años, realiza su primer recital, junto con el guitarrista Ramón Trujillo, en el Hotel Jerez. El 1985, a los 16 años, actúa en los tablaos de Madrid Los Canasteros y Zambra, junto con Ramírez, El Torta, El Capullo y el Moraíto Chico. En 1987, el coro infantil en el que participaba pasa a denominarse Coro de Villancicos de la Caja de Ahorros de Jerez.
Quien fuera su gran promotor, el guitarrista, Manuel Morao, la incorpora en la compañía Manuel Morao y los Gitanos de Jerez en 1988, participando en el montaje flamenco Esa Forma de Vivir y Manolo Sanlucar la incorpora en la grabación del disco Tauromagia, considerado por algunos teóricos del Flamenco, como “el mejor disco de guitarra flamenca que jamás se haya grabado”.
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En 1989 graba su primer disco A la Luna Nueva con la discográfica “Twin Records” (ya desaparecida).

La Macanita y Jesús Méndez, magia navideña en la Catedral de Jerez

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Actuaciones y Conciertos más significativos

En la Exposición Universal de Sevilla en 1992, actúa en el espectáculo Arco de Santiago, que se representa durante casi toda la EXPO92 en el pabellón de Andalucía. Por este trabajo obtiene el premio Demófilo de Arte Flamenco.
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En 1994, en la VIII Bienal de Flamenco de Sevilla, hace el papel de La Niña de los Peines en 100 Años de Cante. Junto a Moraíto Chico actúa en el espectáculo Lo que es Jerez y canta en la película Flamenco dirigida por Carlos Saura.
El 30 de enero de 1997, José Luis Ortiz Nuevo la invita a cantar en el espectáculo Enrique Morente y Los Jóvenes Flamencos en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.4 .
El 12 de agosto del mismo año, encabeza el cartel del XXXVII Festival Nacional del Cante de las Minas en La Unión, que según dice el crítico de “El País”, Ángel Álvarez Caballero5 , La Macanita tiene una voz tan flamenca que su eco emociona.
El 6 de junio del 2000, actúa en el recién inaugurado Auditori de Barcelona junto a Manuela Carrasco.
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El 20 de septiembre de 2000 actúa en el concierto Bajandí con Tomatito en la XI Bienal de Arte Flamenco de Sevilla, junto con Moraíto Chico, Luis El Zambo, Carles Benavent, Juana Amaya, Joselito Fernández y Bernardo Parrilla.7
El 2 de julio de 2001 actúa en el Festival Flamenc de Nou Barris de Barcelona junto con Juana la del Pipa y Dolores Agujetas presentando Mujerez8
El 20 de mayo de 2009 actúa en el CCCB dentro del Festival Flamenco de Ciutat Vella de Barcelona.
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Fuera de España
El viernes 6 de agosto de 1996, durante el prestigioso Festival La Batie de Géneve, es aclamada por un público de élite en el Theatre Alhambra junto a Moraito Chico y Terremoto Hijo en Al Son de jerez.

En el 2000
En mayo celebra un concierto en el Queen Elizabeth Hall de Londres en el ciclo The Flamenc Art
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El 11 de mayo, se emite su concierto en por la WDR3 (Westdeutscher Rundfunk – Radio Estatal de Alemania), emisión en directo del programa Matinée der Liedersanger

Actúa en el Festival de Stimmen 2000, en Lörrach (Alemania).

El 11 de junio de 2004 actúa en el Jazz Clubbin de París dentro del Festival Sons d’hiver y su concierto es grabado por el canal Mezzo de Televisión.
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El 2 de abril del 2001 actúa en el Institut du Monde Arabe à París en Equinoxe, con el espectáculo Andalousies : le flamenco de Séville à Jerez, con Andrés Marín y Javier Puga (musicólogo y director del festival de flamenco de Mont-de-Marsan).
El 5 de julio del 2012 participa en el Festival Flamenco de Mont-de-Marsan en Francia, junto a Jesús Méndez y Santiago a la Plazuela.
El 7 de junio de 2013 participa en la inauguración de la 19ª edición del Festival de Fès des Musiques Sacrées du Monde, con un espectáculo único de creación “El Amor es mi Religión”, dirigido por Andrés Marín con la colaboración de Abdallah Ouazzani (coordinación musical) y las grandes artistas: Carmen Linares, Françoise Atlan, Chérifa, Bahaâ Ronda, Marouanne Hajji, la orquesta El Quad y una treintena de músicos del mundo árabe andalsí, sufí, amazigh y del Flamenco.
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Vicente Amigo, profundamente flamenco

Vicente Amigo (Guadalcanal (Sevilla), 25 de marzo de 1967) es un guitarrista flamenco español.

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Vicente Amigo Girol nace en Guadalcanal (Sevilla) pero crece y vive en Córdoba, donde a los ocho años de edad le regalaron su primera guitarra española. Allí dio sus primeros pasos con los guitarristas locales “El Tomate” y “El Merengue”, pero fue al lado de Manolo Sanlúcar, con quién estudió y trabajó durante años, cuando su nombre empieza a sonar con carisma propio y Vicente comienza a tomar conciencia de lo que quiere hacer como músico, como flamenco:

“Vi con claridad la fuerza expresiva que tiene la guitarra y me di cuenta de que el trabajo diario es lo que forja y pule”.
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En 1988 decide iniciar su carrera en solitario, presentándose al Festival Nacional del Cante de las Minas de la Unión, obteniendo el primer premio en el apartado de guitarra. Poco después, gana el Concurso Internacional de Extremadura.

image Su consagración como primera figura de la guitarra flamenca la obtiene en mayo de 1989 al ganar por unanimidad, el Premio Ramón Montoya, de guitarra de concierto en el XII Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba. A partir de ahí todo es progresión y reconocimiento dentro y fuera del país, dentro y fuera del flamenco. Desde su primer disco “De Mi Corazón al Aire” en 1991 reconocido con los premios “Icaro” (Diario 16) y “El Ojo Crítico” (RNE) hasta los dos siguientes “Vivencias Imaginadas” 1995 y “Poeta” 1997, Los premios se han sucedido, así como las ofertas para compartir escenarios y cartel con músicos como John Mc Laughlin, David Bowie, Stanley Jordan, Al Di Meola, Keith Richards, Bob Dylan, Milton Nascimento, Joao Bosco, Phil Manzanera, Paco de Lucía, Camarón de la Isla, y un largo etc.
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En 1991 actuó en el estelar Festival Internacional “Leyendas de la Guitarra” en Sevilla, compartiendo escenario con Bob Dylan, Keith Richards, Paco de Lucia, Phil Manzanera, Joe Cocker, Jack Bruce y Richard Thompson.

En aquellos años, entre sus actuaciones más destacadas están sus participaciones en los Festivales de París, Córdoba y Navarra, en el Festival Internacional de Barcelona, giras por Japón, Francia, Italia y Portugal, Bienal de Arte Flamenco de Sevilla y un largo etcétera.image

Abierto a experimentar y profundizar en el conocimiento de otras músicas, ha compartido escenarios con Stanley Jordan, en el Carrefour de la Guitare de Martinica; con João Bosco, en Córdoba; con Wagner Tiso y Milton Nascimento en el Heineken Concerts de Rio de Janeiro de 1993 y en el Festival de Amiens, con John McLaughlin. En 1993 comparte escenario con Al Di Meola, Paco de Lucia y John Mclaughlin en la Plaza de Toros de Lisboa, en el memorable concierto “Mestres Da Guitarra”. y comienza una carrera internacional que le lleva a colaborar con las más prestigiosas figuras del mundo de la música.
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“Poeta” composición musical basada en la obra de Rafael Alberti, primeramente titulada “Concierto Flamenco para un Marinero en Tierra” y que, aunque estrenada en 1992 con la Orquesta Sinfónica de Cuba , dirigida por su titular Leo Brouwer, autor de la orquestación, no fue grabada hasta 1997. De esta composición el propio poeta comenta: “A través de mis textos, Vicente Amigo, este increíblemente joven compositor y guitarrista, cuya breve carrera está ya repleta de premios, ha sabido trasladar a la música todo el latido y temblor de mis versos”.
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En octubre de 1995 publicó su segundo disco “Vivencias Imaginadas”, que respondió con creces a las expectativas creadas por la crítica y el público. Destacan en este segundo trabajo un refinado tema “Querido Metheny” así como el cante de Duquende y la inclusión de la trompeta por primera vez como instrumento flamenco.

En abril de 1997, sale al mercado su tercer CD, titulado “Poeta” “Concierto Flamenco para un Marinero en Tierra” con la Orquesta de Córdoba, bajo la dirección de Leo Brouwer. CD con el que Vicente Amigo obtiene los premios al Mejor Autor Flamenco y Mejor Compositor Flamenco, otorgados por la AIE y SGAE, en la 2ª edición de los Premios de la Música en 1997. En este mismo año, realiza la producción del disco de Remedios Amaya “Me Voy Contigo” siendo autor de todas las músicas. Este trabajo alcanza niveles de venta hasta entonces desconocidos en el flamenco.
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En 1998 sale al mercado el disco del cantaor José Mercé, “Del Amanecer”. Compuesto e interpretado a la guitarra por Vicente Amigo, cosecha éxitos sin precedente en el mundo flamenco. Por este álbum, en los Premios de la Música de ese mismo año, a Vicente le fue otorgado el premio al Mejor Autor Flamenco. En diciembre de este año (1998) El Ballet Nacional De España, estrenará su obra “Poeta”.
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En abril de 1999 de nuevo obtiene los Premios de la Música (concedidos por votación de todos los músicos y compositores de España a los artistas más destacados en el año anterior) en su categoría de “Mejor Artista Flamenco “ y “Mejor Compositor Flamenco”
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Según la crítica escrita definir musicalmente a Vicente Amigo representa todo un desafío: “Profundamente flamenco, se muestra arriesgado en la investigación y recreación de nuevas formas a través de melodías y falsetas de enorme originalidad. Moderno también en los arreglos armónicos y con un dominio aplastante de la estructura rítmica, se puede permitir el lujo de cualquier línea expresiva sin perder un ápice de compás, llegando incluso a mezclar en un solo tema palos de distinto ritmo con una naturalidad apabullante. Y todo ello con un lenguaje claro y un discurso inteligible.
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Un toque pulcro y preciso, templado y sereno, una delicia de cuerdas amorosas que recrean la belleza y dejan oír los silencios…” (Diario de Cádiz). O bien: “Sus constantes caracterizadoras, como la colocación de la tonalidad más bella, inusitada o sugerente en la cumbre rítmica del fraseo musical, la simetría de sus composiciones inspiradas en incesantes viajes por el diapasón, la intensidad con que expresa la sensaciones sonoras o el vértigo de su mano derecha…” (El Mundo). “…las características del propio guitarrista: la fluidez, la ternura en la firmeza y autoridad, equilibrio de sonido…( Cordoba )
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Tal y como él mismo afirma: “Trato de buscar mi personalidad, resultado de tener algunas cosas muy claras y de dudar en otras. Pero hay que enfrentarse a ellas y arriesgar con naturalidad”.

Vencedor absoluto de los más prestigiosos Festivales Internacionales de Música Flamenca y de Guitarra, Vicente Amigo ha realizado extensas giras por infinidad de países, tanto en Europa: Francia, Italia, Portugal, Alemania, Holanda, Bélgica, Suiza, Dinamarca, como por el resto del mundo: Brasil, México, Cuba, Japón, USA; Turquía, Marruecos, Túnez…
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En el año 2000 fue distinguido con la Medalla de Andalucía otorgada por la Junta de Andalucía, por su trayectoria profesional.

En octubre de 2000 salió a la venta disco “Ciudad de las Ideas” (BMG-Ariola), grabación que se perfila como uno de los discos más importantes en la música flamenca, además de reportarle el reconocimiento internacional al haber sido nominado a los Latin Grammy Awards en la categoría de Mejor Álbum y obtiene el Grammy al Mejor Álbum Flamenco 2001.

El año 2002 fue también muy importante para el guitarrista ya que le otorgaron el Premio Ondas por “Ciudad de las Ideas” como obra más notoria en el mundo del flamenco, al mismo tiempo que era reconocido por el Ayuntamiento de Córdoba al ser nombrado “Hijo Adoptivo” de la ciudad.
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Durante 2003 y 2004 realiza giras internacionales y colabora en grabaciones discográficas (Sting, Alejandro Sanz, Miguel Bosé, Eliane Elias,…) mientras trabaja en su nuevo CD.

En 2005 sale al mercado “Un Momento en el Sonido”. Con este trabajo obtiene el premio al Mejor Disco Flamenco que otorga la publicación digital “Flamenco News”. Invitado por la S.E.E.I. forma parte de la Representación Artística Oficial de España en la Exposición Internacional de Aichi (Japón), realizando a continuación una gira por este país. En este año realiza diversos conciertos en, Rusia, Francia, Italia, Checoslovaquia, Yugoslavia, Portugal, gira en México, además de una intensa actividad en España.

2006 es nominado al Latin Grammy Awards en la categoría de mejor álbum flamenco. Realiza gira en Holanda y Estados Unidos, Festival de Kaluga (Rusia). En julio de este mismo año, en el Nord Sea Jazz Festival de Rótterdam, la Metropole Orchestra, con dirección de Vince Mendoza, estrena una versión de sus temas más conocidos orquestados por diversos compositores. El jurado de los Premios Edison (el más importante de Holanda) le propone como candidato al mismo, en la categoría de World Music. Numerosos conciertos en ciudades españolas.
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2007 es un año de trabajo intenso, con conciertos en todo el mundo y excepcionalmente se presenta en Beijing, en el año de España en China, invitado por el Ministerio de Cultura de España y en New York en la presentación de la Conferencia Iberoamericana, en esta oportunidad propuesto por el Ministerio de Asuntos Exteriores de España. Estrena en Rusia (Festival de Kaluga) su obra sinfónica “Poeta”, sigue concierto en Moscú y nuevamente Holanda, Francia y diversos países europeos.

[2008, continúa su actividad principalmente fuera de España y colabora en la grabación del musical “A” de Nacho Cano, y en el CD de Niña Pastori.

A partir de julio se dedica fundamentalmente a la preparación de su nuevo CD (sale al mercado en mayo 2009) “Paseo de Gracia” en el cual colaboran algunos de los más importantes artistas del panorama musical actual tales como: Alejandro Sanz, Enrique y Estrella Morente, Niña Pastori así como sus colaboradores habituales: Tino di Geraldo, Paquito González, Antonio Ramos “Maca”, Alexis Lefêvre, …

Acerca de sus recientes experiencias musicales Vicente comenta: “Las músicas se mueven por unos campos inabarcables y todas pueden ser hermanadas con respeto, rigor y conocimiento. Yo parto del flamenco y me gusta acercarlo a otras manifestaciones musicales para hallar la emoción, aunque siempre procuro no desvirtuar a ninguna de ellas”.
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Actualmente Vicente Amigo es considerado tanto en España como internacionalmente, uno de los más virtuosos y destacados intérpretes de su generación y un incansable investigador de las enormes posibilidades estéticas y sonoras de este género musical de raíz hispana pero de proyección universal. Su música cautiva a todos los públicos y generaciones, flamencos y no flamencos, jóvenes y mayores, sus conciertos, se caracterizan por la variedad, en todos los sentidos, de sus asistentes.
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Vicente Amigo está actuando en todos los escenarios del mundo, siempre impecable y con majestuosa innovación. Sus músicos, cantaores y bailaores le arropan en el que resulta, un exquisito deleite para los sentidos y un espectacular show flamenco.

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Remedios Amaya, La Camarona de Triana.

María Dolores Amaya Vega, Remedios Amaya (Sevilla, 1962). Cantaora.

De familia extremeña, nació el 1 de mayo de 1962 en el barrio de Triana de Sevilla. Remedios Amaya comenzó a cantar siendo una niña en los tablaos de Sevilla. Y aunque en sus inicios fue presentada como estrella del flamenco rock por sus productores, nunca renunció a la ortodoxia. La cantaora es conocida como La Camarona de Triana, pues fue comadre y musa de Camarón y, según se dice, una de las artistas que más inspiró al maestro de La Isla. Camarón decía que era una de sus “cantantes favoritas

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Ya en 1978, publicó su primer disco, ‘Remedios Amaya’. Dos años después, apareció su siguiente trabajo; y en 1983, contando con la producción de Julio Palacios, se puso a la venta ‘Luna nueva’. La cantaora fue elegida para representar a España en el Festival de Eurovisión de Münich (Alemania) en mayo de 1983, con la canción ‘Quién maneja mi barca’ de Miguel e Isidro Muñoz.
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Un año más tarde apareció ‘Seda en mi piel’, un álbum más tradicional que consiguió buenos resultados. Tras este éxito y su aparición en la película ‘Flamenco’ de Carlos Saura, hizo un paréntesis profesional que cerró en 1997, con el exitoso ‘Me voy contigo’, producido por Vicente Amigo. El disco vendió más de 150.000 copias.
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Tres años después, se publicó ‘Gitana soy’, producido por Juan Carmona y Antonio Humanes, un álbum de reafirmación en el que colaboran Paco de Lucía, Ketama, El Viejin y El Paquete. Ya en 2002, ve la luz ‘Sonsonete’, donde se rodeó de artistas como Juan Diego, Juan Manuel Cañizares, El Curro de Navajita Plateá, Tino di Geraldo y la Orquesta de Cámara Andaluza. Paralelamente, la cantaora actúa, de forma intermitente, en destacados festivales nacionales e internacionales como La Unión, la Bienal de Sevilla, el de Nîmes o el de Chicago, entre otros, actualmente, acompañada por el jerezano Juan Diego a la guitarra. De esta entente es fruto la colaboración de la cantaora en su álbum debut ‘Luminaria’.
Editó su primer trabajo en 1978 bajo el título de “Remedios Amaya”. image

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En 1983 representó a España en el Festival de la Canción de Eurovisión con el tema ¿Quién maneja mi barca? en Múnich (Alemania). A pesar de la gran ovación no obtuvo ningún voto (al igual que sucedió con Turquía), lo que no le privó de seguir con su carrera musical a pesar de la repercusión de mediática del resultado. Actuó descalza, pese a que insistió en que le daría mala suerte y no le permitieron lucir el vestido que había comprado.
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En Múnich me sentí rechazada,
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“El pesar mayor no fue “Spain cero ‘poin'”, remeda riéndose, ni que no le dejaran sacar el vestido, “preciosísimo”, que ella había comprado, “porque no pegaba con el decorado”. Ni siquiera que no “pinchara ni cortara” en la elección del tema. “Cuando mi casa de discos de entonces —Emy— me dijo que iba a ir a Eurovisión fue algo muy grande pero allí no lo pasé bien. Me sentí un conejillo de indias y noté en el alma racismo hacia mí. En Múnich me sentí rechazada y me humilló tenerme que poner aquel traje de rayas. Me condolí muchísimo”, confiesa. Sin embargo, se propuso salir a cantar con todas las ganas del mundo y cree que eso se debió notar porque cuando llegó a Barajas había “un mogollón” de personas que le estaban esperando: “‘no te han dado ningún puntito pero tú vente p’arriba’, me decían y me eché a llorar como una niña chica”, rememora.”

Remedios declaró en TVE en 2004 estar orgullosa de su participación en el festival y en 2013 corroboró esto en la agencia EFE. Desde entonces se ha dedicado al cante flamenco, bulerías, rumba… Su voz ha tenido excelentes críticas musicales. Ha editado varios trabajos discográficos como “Luna Nueva, “Seda mi piel”, “Turai Turai” en 1997 con el que vendió 150.000 copias, “Me voy contigo”, “Soy Gitana” o “Sonsonete” en 2002. En 2004 publicó el recopilatorio “Grandes Éxitos”. En 2014 publicará un nuevo álbum producido por Alejandro Sanz.
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El pasado mes de abril hizo 30 años de su celebérrima actuación en Eurovisión, en el que no tuvo suerte y confiesa que se sintió humillada. Su lucha con las casas de discos por mantener su esencia y su decidida “vocación hogareña” la apartaron de los circuitos musicales más importantes.
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Su lucha con las casas de discos por mantener su esencia y su decidida “vocación hogareña” la apartaron de los circuitos musicales más importantes, hasta que diez años después retomó su carrera e hizo el que es su disco más importante, Me voy contigo (1997), del que vendió más de 150.000 copias.

Fui a Alejandro Sanz y le dije ‘quiero que me hagas un disco’Aunque “La india chica”, como la llamaban en Sevilla cuando empezó con 11 años a cantar en bautizos y bodas,apenas cuenta con media docena de títulos en su discografía y ya ha dejado pasar 11 años después del último, Sonsonete.
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“Ha cambiado todo tanto… Las casas de discos que se gastaban el dinero en ti ya van de otra manera. Nunca encontraba a nadie que me gustara y me eché para atrás resignada a no volver a grabar pero creo que ha llegado mi momento”, anuncia feliz.
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El “milagro” acaeció en una fiesta a la que fue con su “hermana” Vicky Berrocal. “Allí estaba Alejandro Sanz. Me fui para ese genio y le dije ‘quiero que me hagas un disco’ y me dijo ‘eso está hecho’, y nos hemos puesto a ello y ya tengo varios temas seleccionados. Participará Javier Limón y empezaremos después de Navidad”, relata. “Esto, y lo digo delante de Dios, es un premio muy grande. Es un regalo que todavía no me creo”, afirma la artista, que nunca ha dejado de cantar porque si lo hiciera, dice, “se moriría”.

Remedios Amaya está “que se sale” porque a sus 51 años empieza a ser la flamenca brava que escondía tras su timidez y va a cantar por primera vez en público una seguiriya, —ya ves tú—, pero, sobre todo, ha anunciado, porque Alejandro Sanz le producirá su nuevo disco tras 11 años de silencio.

imageLa gitanita trianera de pelo lacio y mirada dulce, hermana de otros nueve chiquillos, que pedía limosna y que del colegio conoció, como su compadre Camarón, solo la puerta, es ya abuela pero tiene “un mogollón”, como le gusta decir, de “primeras veces” por delante.
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El público de Casa Patas, donde no cantaba desde hace tres años, tuvo el privilegio , el pasado mes de abril, de escuchar de su boca por primera vez en la vida una seguiriya: “yo nunca he cantado por ese palo porque siempre le he tenido mucho respeto pero llevo una ‘temporaíta’ escuchando y me lo he aprendido”. “Me siento tan segura como cuando canto por bulería, que es mi palo, y eso demuestra que nada es imposible”, remata risueña, sabedora de que dará una “gran sorpresa” a sus seguidores porque su nombre se asocia siempre a “tarantos, tangos, jaleos extremeños y bulerías y por ahí…”.

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Jose Manuel Soto.Rumba al Corazón.

imageNació en Sevilla en 1961. Hijo de Armando Soto Camino y de Carmen Alarcón de la Cámara. Tiene un hermano llamado como su padre, Armando.

José Manuel es uno de los exponentes de la canción ligera con aires de rumba de finales de los ’80 y de los ’90. Consiguió su mayor éxito con su composición Por ella, que también versionaron otros artistas, como Roberto Carlos o Los del Río. Otro notable éxito suyo fue Déjate querer. En su momento de máxima fama representó a España en el Festival de la OTI de 1989 con la canción Como una luz, logrando un meritorio tercer puesto.Sevillano de nacimiento y bético de corazón, José Manuel Soto es uno de los cantantes románticos de voz y estilo más reconocibles.
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Cantante y comPositor , José Manuel Soto está considerado uno de los exPonentes de la canción ligera con aires de rumba de finales de los ochenta y de los noventa. Es el cuarto de nueve hermanos de una familia sin antecedentes artísticos.

Sus Primeros Pasos en la música los dio en el Coro de la Hermandad del Rocío de Triana en 1979, Para la que comPuso una misa rociera y otras Piezas más.
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Su historia como artista empezó a escribirse en el verano de 1984, sobre la arena de las playas de El Puerto de Santa María. Con un grupo de amigos montó un chiringuito con ánimo de disfrute, más que de lucro.
En esas reuniones veraniegas José Manuel Soto amenizaba, guitarra en mano, los corros de amigos que se formaban. «Allí fue cuando empecé a tomarme en serio mi futuro como cantante». Con algunos contactos fruto de aquel verano «memorable» puso rumbo a Madrid..
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Después de formar varios gruPos, con los que trabajó en fiestas y Pequeñas salas, emPrendió su carrera discográfica en 1986, tras el lanzamiento de “Desde mi orilla”. Se caracteriza Por sus comPosiciones sencillas con melodías Pegadizas. A éste siguieron otros como “Contigo nació la Primavera” (1987) o “¿Quién eres tú?” (1987).

Pero es en 1988 cuando obtiene su Primer gran éxito gracias a “Por Ella”, canción escrita Por el artista que formó Parte del álbum de mismo título. El tema fue versionado Por otros artistas como Roberto Carlos o Los del Río y suPeró las 200.000 coPias.
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En 1989 consiguió el tercer Puesto en el Festival de la OTI con la canción “Como una luz”, y un Poco más tarde, en 1992, de nuevo vuelve a triunfar con el tema “Déjate querer”. Sus siguientes trabajos fueron: “Tormenta de verano” (1993), “Quiéreme” (1996), “Volver a verte” (1998), “Sottovoce” (1999), “Rumba al corazón” (2001), “Al l son de Machín” (2002), “Sólo faltas tú” (2003) y “Lástima de tanto amor” (2005).
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Además de su faceta como músico, José Manuel Soto ha trabajado en televisión y ha hecho Publicidad. En 2004 se instala en Las Vegas, donde realiza esPectáculos en los casinos de la ciudad.
Entre 1986 a 2006, “fueron 20 años de no Parar… al PrinciPio viajé mucho Por América y mis discos estuvieron bien colocados en las listas de ventas y en las emisoras de radio de muchos Países”. No obstante, sintió la necesidad de regresar a Sevilla, estar con sus hijos y su familia, resPirar el aire del camPo, montar a caballo, ver el mar de Andalucía: “algo en mi interior me decía que no Perdiera de vista mi raíz. Puede que hubiera sido distinta mi carrera de haberme trasladado a vivir a Madrid o Miami, Pero siemPre quise que mis hijos fueran andaluces y decidí quedarme aquí”.

En 2011 celebra sus 25 años en el mundo de la canción con un multitudinario concierto en la Plaza de Toros de La Maestranza de Sevilla. Le acomPañaron artistas como Pasión Vega, Rosario, Arturo Pareja Obregón, El Arrebato, Estrella Morente, Manuel Lombo, Antonio Carmona o José Mercé. La actuación se recogió en el álbum “Soto & Amigos” (2011). A continuación realiza una gira Por toda EsPaña, llenando teatros, auditorios y Plazas de toros.
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Actuó en el teatro municipal de Écija para un obra benéfica en 2012 junto a Pasión Vega, Arturo Pareja Obregón y otros intérpretes.
El 30 de mayo de 2013 se le distingue con la Medalla de la Ciudad de Sevilla.
En noviembre de ese año, lanza “Puro Soto”, álbum grabado en directo en el Teatro LoPe de Vega de Sevilla entre los días 29 y 30 de Abril de 2013. El Primer single es “De un tiemPo a esta Parte”.
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Sus letras siempre vehiculan la expresión de un sentimiento: «amor, amistad, ecológico, pero siempre escribo de algo que me resulte verdadero». En la dinámica industrial no puedes dejar de producir y el mundo de la música no es una excepción. «A día de hoy es muy difícil que se gasten dinero en la promoción de tu disco. Hay muchos discos que se hacem para poder pagar discos que no venden.

José Manuel Soto grabó un disco con una compañía argentina que a los dos meses cerró repentinamente. Para más inri, obstáculos legales le han impedido hasta ahora recuperar los másters de aquellas grabaciones. «Fue algo que me dolió mucho porque era un disco muy bonito y trabajado» dice, resignado, el cantante.

Un principio biológico es la adaptación al entorno para sobrevivir. Y José Manuel Soto tuvo claro que se cernían negros nubarrones sobre la industria musical y , como buen aventurero, exploró nuevos caminos.

«Lo que menos me gusta es aburrirme»- asegura en una frase que podría servir de resumen de su trayectoria vital.

El proyecto en que ocupa ahora sus días y sus noches auna ese espíritu emprendedor y su pasión por los caballos.
José Manuel Soto es el creador y promotor del Raid hípico «Tierras de Al-Andalus», que en su segunda edición aspira a convertirse en la carrera de caballos más importante del mundo.

La intención de que se convierta: «en el París-Dakkar del mundo del caballo» es lo que mueve al cantante a volcarse en esta competición que, desde el 11 al 19 de mayo, recorrerá en ocho etapas la distancia entre Sevilla y Sierra Nevada. Después del éxito cosechado en la primera edición El raid hípico Tierras de Al-Andalus nació con un sueño: convertirse en un referente dentro de las pruebas a caballo y difundir la belleza de los paisajes andaluces. Pero la relación entre el cantante y la naturaleza se remonta algo más atrás.
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Su aventura en «La isla de los famosos» le supuso un empujón de popularidad: «Era una plataforma increíble, con tantas horas de televisión en las que aparecía. Yo tuve suerte. Me llevé mi guitarra, disfruté de la experiencia, y caí bien. Además adelgacé, con lo difícil que es».
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Se declara aventurero empedernido y adicto a los viajes: «El Amazonas te cambia la vida, es otro planeta y una experiencia única. Hay que conocerlo ya porque se lo están cargando. Es un sitio que te divide la vida en un antes y un después».

También ha sufrido la estrechez mental de las etiquetas impuestas a los artistas. Cierta aureola de cantante de la jet-set acompañó al artista que a estas alturas de la película ironiza así sobre la cuestión: «Se me llamó así sin ningún sentido. Como voy a ser yo el cantante de la jet-set si en ese mundillo las únicas estrellas son ellos».
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El artista conoce bien el poder de la pequeña pantalla y el poco alcance de la memoria del público. «Ahora todo el mundo no deja de pedirme jamones, como si yo los fabricara»- declara José Manuel con una resignada sonrisa.

Estará por supuesto, en el disco oficial del centenario del Betis, el equipo verdiblanco de sus amores. En ese álbum estará prohibida la entrada a los perros. El cantante es crítico con la situación actual del club: «El sentimiento verdiblanco es una de las pocas constantes de mi vida. Me da muchísima pena que se estén cargando el aura de simpatía del Betis».

Soto es una de las voces más reconocibles de la copla española_ Reconvertido a empresario emprendedor, organiza el Raid hípico «Tierras de Al- Andalus».

José Manuel participa en la tercera edición de Tu cara me suena junto con otros concursantes, como la actriz Llum Barrera, la cantante Edurne, la cantante Ángela Carrasco y el humorista Florentino Fernández, además del cantante Xuso Jones, la cantante Melody y el grupo musical Los Chunguitos.
También participa el humorista y actor Santi Rodríguez.
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Entrevista a Jose Manuel Soto.

José Manuel Soto: “Huelva es un paraíso natural, probablemente la provincia más bonita de España”

» El cantante sevillano actúo el 1 de mayo en el Gran Teatro de Huelva, justo después de grabar dos de sus conciertos que se convertirán en su próximo disco.(Ana Rodriguez)
Han pasado 34 años desde que José Manuel Soto comenzara su andadura musical componiendo piezas para el Coro de la Hermandad del Rocío de Triana. Desde entonces ha llovido mucho, concretamente 18 discos y más de 1.000 conciertos que lo han convertido en uno de los artistas más populares de Andalucía.

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Su dedicación ha dejado en la memoria colectiva temas como ‘Por ella’, que versionaron otros cantantes como Roberto Carlos o Los del Río, o el archiconocido ‘Déjate querer’. Otra de sus famosas canciones es ‘Como una luz’, que le valió un tercer puesto en el Festival de la OTI de 1989 en el que representó a España.

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En 2011 se cumplían los 25 años del inicio de su carrera en solitario y de la grabación de su primer disco, ‘Desde mi orilla’, motivo por el cual, el cantante ofreció un gran concierto en el teatro de la Maestranza de Sevilla en el que compartió escenario con grandes artistas como Antonio Carmona, Estrella Morente, Arcángel, Pasión Vega, Rosario, Pastora Soler o su hijo, Marcos Soto, entre otros. El emotivo concierto dio lugar al álbum ‘Soto & Amigos’, primer trabajo en la carrera del sevillano grabado en directo.
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Ahora, el querido cantante recala en el Gran Teatro de la capital onubense, donde espera volver a sentir el cariño de su público.

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– ¿Cómo le ha acogido el público onubense en anteriores ocasiones?
– He cantado mucho en la zona de Huelva, especialmente en las playas y también en la capital, es un público amable pero muy entendido, aquí hay mucha gente que canta para morirse…

– En 2011 se cumplieron 25 años de su primer disco, ¿en qué momento de su carrera se encuentra ahora?
– Me encuentro en un momento de madurez, disfrutando mucho de lo que hago y eso se transmite a la gente. He aprendido bien el oficio, lo cual me da una gran seguridad que se nota en el escenario.
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– ¿Cómo ha funcionado el disco ‘Soto & Amigos’?
– Ha funcionado muy bien, dentro de cómo está todo. Los discos casi no se venden, pero éste ha cumplido muy bien el objetivo que nos pusimos al grabarlo: hay un antes y un después en mi carrera.

– Entre esos amigos se encontraba también un onubense, ¿cómo es su relación con Arcángel?
– Conozco y admiro a Arcángel desde hace mucho, para mí es el Morante del cante, no será el que mande pero sí el que más pellizco tiene. Tenemos unas tesituras de voz muy distintas, pero siempre es un gustazo poder colaborar con el.

– ¿Cuáles son sus próximos proyectos?
– En estos momentos los proyectos son ir cantando y pasito a paso, las cosas están tan complicadas y más vale no hacer proyectos a largo plazo. El disco y los conciertos nos mantendrán ocupados unos meses.

– ¿Se considera una persona muy apegada a sus raíces?
– Para mí la raíz es muy importante en la vida, no concibo mi vida ni mi música sin lo que me aporta Andalucía.

- ¿Cree que su personalidad se refleja en sus temas, en su música?
– Mi personalidad es muy diversa, depende de cómo me levante, pero mi música la refleja muy bien, por eso hay canciones de todo tipo. Cualquiera que profundice un poco en mi obra puede llegar a conocerme bastante bien.
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– Tengo entendido que es solidario y comprometido. ¿Con qué entidades suele colaborar?
– Siempre he pensado que la música debe tener un componente solidario. Me llaman de muchas entidades benéficas y si puedo ayudar, ayudo. Hay que dar ejemplo de generosidad, solo eso nos salvará.

– Creo que también le gustan las actividades de aventura y la hípica, ¿qué puede decirme sobre estas facetas suyas?
– Me encanta perderme a caballo por el campo, o en bici, descubrir paisajes nuevos… hay tanto por conocer… Inventé un raid ecuestre que es el más largo del mundo, el ‘Al-Andalus’, es impresionante, más de 500 kilómetros de carrera campo a través, pero llevamos dos años sin hacerlo por falta de patrocinadores… está todo muy complicado.

– ¿Qué opinión tiene de Huelva? ¿Y de su gente?
– Huelva es un paraíso natural, probablemente la provincia más bonita de España: sus playas, la sierra, la marisma… son paisajes únicos que esconden tesoros muy valiosos, entre los que destacan el marisco, el jamón y el fandango.
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– Si yo te digo Rocío, usted me responde…
– El Rocío es un sentimiento muy arraigado en mí, aquel sitio tiene una magia muy especial. Lástima que se haya masificado tanto, creo que habría que restringir el número de coches y tractores para que siga manteniendo su autenticidad. Este año, estaremos si todo va bien un par de días por allí. Ya aquellos rocíos de ocho días se acabaron para mí.

– Para terminar me gustaría saber cuál sería para usted una buena noticia
– Sin duda la curación del cáncer, una enfermedad que está haciendo mucho daño.

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Maria Carrasco, de grata sorpresa a firme realidad.

imageMaría Carrasco Jiménez (Torrecera, pedanía de Jerez de la Frontera, Cádiz, España, 15 de julio de 1995), más conocida como María Carrasco, es una cantante solista española.

María Carrasco nace en el flamenco barrio de Madrid, Antón Martín y su pasión por el baile se inició a los cuatro años. Dotada de un talento precoz y de una genuina vocación, finalizó la carrera de Danza Española con una marcada personalidad artística. Luego de años de intensa preparación con grandes maestros del flamenco, refuerza en el extranjero sus estudios en otros estilos de danza como clásico y contemporáneo. Realiza además, un master en escenografía, iluminación y vestuario teatral en Milán. Trabaja como coreógrafa en renombradas compañías líricas e imparte cursos especializados de danza española en importantes escuelas extranjeras.
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Tras la obtención del primer premio en el prestigioso concurso “Nuevos Valores del Flamenco”, organizado por el ayuntamiento de Madrid, y ya con su propia compañía, María Carrasco se presenta en los espacios más prestigiosos del circuito flamenco de Madrid, donde gana rápidamente el reconocimiento de los críticos especializados y de un público, cada vez más numeroso, que siempre ha visto en ella su duende y su carisma. Desde entonces ha cosechando éxitos y premios, como el que le otorgaron a la Difusión Cultural Española en Estados Unidos, La Antena de Plata, concedida por la Federación de Radio Televisión Española, El micrófono de Oro, o los Premios Max de Teatro, entre otros.
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María ha estrenado siete espectáculos con su propia compañía: Embrujo, Tiempos Flamencos, Carmen, Al Compás de Lorca, Aires Flamencos, La Cenicienta y Flamenco Libre. Todos ellos los ha llevado dentro y fuera de nuestras fronteras y con su baile ha recorrido países como Japón, Corea del Sur, China, Costa Rica, Guatemala, Nicaragua, El Salvador, Honduras, México, Cuba, Portugal, Ecuador, Turquía, El Líbano, Francia, etc…
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En todos sus espectáculos se representa un flamenco actual y particular, así como una puesta en escena original, un elenco con gran profesionalidad y sobre todo la fuerza y personalidad de una intérprete diferente, María Carrasco.

En el año 2004, María se presenta a los premios Veo-Veo, interpretando colombianas, donde se alzó con el primer premio. En 2005, María es solicitada por Canal Sur, para participar en el espacio Menuda Noche.
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En el 2007 sale a la venta su primer trabajo discográfico Hablando con la Luna2 un disco repleto de matices andaluces, con influencia de fandangos, bulerías, tangos, colombianas, campanilleros, sevillanas, y su primer sencillo “Abuelo” Donde muestra su particular homenaje a nuestros mayores. De ahí siguen Soñando Despierta3 (2008), Entre Tu y Yo4 (2009) Todos estos publicados bajo el sello Senador a excepción de el más reciente Pequeño Deseo5 (2012) que fue publicado por Universal Music este año.
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De siempre, desde tiempos inmemoriales, el mundo del espectáculo nos ha venido ofreciendo numerosos ejemplos de lo que se ha venido en llamar niños prodigio, niños que ya a una temprana edad dominan un determinado campo artístico. Y el arte flamenco no podía ser una excepción. Desde aquellos maravillosos niños que hicieron historia (Niño Gloria, Niño Caracol, Niña de los Peines, Niño de Marchena, Niña de la Puebla, Rocío Dúrcal, Marisol, Rocío Jurado, los Chiquitos de Algeciras, …) a los casos más recientes de Potito, Niña Pastori o Kiko Peña se suma ahora el de una promesa hecha realidad. Su nombre, María Carrasco Jiménez (Torrecera, Cádiz, 15/07/1.995).
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A María la conocimos en el año 2.004 en los premios Veo-Veo, donde se alzó vencedora cantando por colombianas.

Un año más tarde, con sólo 10 años, participó en Menuda noche, el programa de Canal Sur que cada viernes, de la mano de Juan y Medio, buscaba jóvenes talentos.

imageEl éxito fue de tal envergadura que le sirvió para firmar su primer contrato discográfico, bautizo materializado en los años 2.006 y 2.007 para Senador con sus dos primeros trabajos, Hablando con la Luna y Soñando despierta. Unos discos que confirmaban sus excelentes condiciones, afinación y compás, y un inusual conocimiento de estilos (bulerías, fandangos de Vallejo, tangos, colombianas, campanilleros, …). Su tercera grabación, Entre tú y yo (2.009), seguía esa misma senda, estilos flamencos aderezados de copla y otras composiciones aflamencadas. Entre tanto, María también tuvo tiempo para debutar cinematográficamente en Días de cine (2007), del director David Serrano, en el que interpretaba el papel de la cantaora Silvia Conde.
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El cambio de voz, lo más temido para un joven artista, fue, afortunadamente, para bien. Una voz cristalina dio paso a una voz más hecha, más rotunda y a la vez más versátil. De justicia, también, es recordar a aquellos cantaores que en el tránsito de la niñez a la adolescencia no tuvieron tanta suerte, mudando su voz y perdiéndola para siempre. Entre ellos sobresalió Ángel de los Reyes, excelente cantaor sanluqueño que nos dejó en 1974 un magnífico elepé para Phillips con la guitarra siempre grande de su paisano Manolo Sanlúcar.
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Ahora nos llega Pequeño deseo (Universal, 2.012), su cuarta grabación discográfica que nos deja la María más madura y más flamenca. 13 cantes por derecho que se abren por tanguillos con La calle del Sol, el primer single del disco.
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Sigue por bamberas (Los rizos de tu pelo), recordando a la Niña de los Peines, y con el cuplé por bulerías Se nos rompió el amor, el clásico de Manuel Alejandro que le sirve para homenajear a la que desde siempre ha sido su artista preferida, la chipionera Rocío Jurado. Continúa marchosa por rumba (Amor, amor) y rinde tributo con mucho sabor por bulerías y tangos extremeños a su paisano Camarón de la Isla, remedando con acierto sus características glosolalias y trabalenguas.
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Pero aquí no acaba la cosa. Pequeño deseo también incluye dos cantes por tangos (Reina Mora y Con mi cante por bandera), una canción aflamencada (Escúchame), unos fandangos de Huelva (Deja que me lleve el aire), una malagueña del Mellizo (A la mare de mi alma) y un par de tandas por bulerías (Bulerías del padre y Fiesta por bulerías).

imageDurante todo el disco María deja patente su gran afición, rescatando muchísimas letras del repertorio clásico y recordando también el cante de los viejos maestros, Pastora, Caracol, Mojama, Chaqueta y Tomás Pavón, como canta en la fiesta final por bulerías. Para terminar, hasta se atreve con Joan Manuel Serrat en una rumbera versión de “Tu nombre me sabe a hierba”, recogida también en Cantares (2.011), el álbum colectivo de homenaje que, en clave flamenca, la discográfica Universal recientemente ha editado como tributo al maestro catalán.
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Habrá que seguir atentamente la evolución de María Carrasco pero de lo que no cabe duda es de un futuro prometedor, avalado por sus excelentes facultades, su amplio conocimiento y la frescura de su juventud.
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Como canta por bulerías “Vivir y soñar sólo voy buscando mi libertad”. Escuchando este Pequeño Deseo damos fé de que ya la ha encontrado. Y de que, lo que para muchos fue en un principio una grata sorpresa se ha convertido, sin ningún género de dudas, en una firme realidad.
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Fundación Cristina Heeren, una americana mecenas del flamenco.

imageCristina Heeren (Nueva York, 1943) es una hispanista y mecenas del flamenco, que se graduó en Literatura Comparada por la Universidad de Columbia, estudió Arte Dramático en la escuela de Herbert Berghof, y también Técnicas de Canto en París, donde trabajó como realizadora y montadora de cine. Después centró sus inquietudes artísticas en el flamenco. Su labor más destacada la ejerce desde 1993 en Sevilla, en la Fundación Cristina Heeren, dedicada a la enseñanza y promoción del arte flamenco, cuyo director es el escritor Fernando Iwasaki. De allí han salido reconocidos artistas.

La Fundación Cristina Heeren de Arte Flamenco surge con la finalidad de promover la reflexión, el estudio, la enseñanza y la difusión del flamenco desde el conocimiento de sus genuinas raíces andaluzas.
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Para realizar su principal cometido, cual es la enseñanza del flamenco (cante, baile y toque) ha creado una Escuela de Arte Flamenco con cursos regulares de distintos niveles en los cuales el profesorado está constituido por prestigiosos artistas.

Otro de sus fines es el mantenimiento de una completa biblioteca y un Centro de Documentación que permita la consulta de estudiantes, personas interesadas, investigadores, etc.. de la bibliografía especializada sobre el flamenco.
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Asimismo se lleva a cabo por la Fundación la centralización de toda la información posible relacionada con el calendario de la actividades del flamenco como recitales, conferencias, premios, espectáculos, concursos, peñas, revistas, etc.

La Fundación tiene su sede en la solariega “Casa de Pérez Comendador”, en el barrio de Santa Cruz, casona del siglo XVII que se encuentra adosada a la antigua muralla que circundaba la judería sevillana.
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Cursos de la Fundacion:
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El aprendizaje del flamenco va más allá de las destrezas técnicas. Y, por ello, la Fundación de Arte Flamenco Cristina Heeren lanza una novedosa propuesta formativa. El centro sevillano convoca el I Curso Magistral de Acompañamiento, que se celebrará del 1 de abril al 29 de junio de 2013. Los maestros serán el bailaor Javier Barón -Premio Nacional de Danza 2008- y los guitarristas Pedro Sierra y Eduardo Rebollar. Trabajarán conjuntamente con un máximo de 30 alumnos de las tres especialidades: cante, baile y guitarra. Las clases se impartirán de lunes a viernes por las tardes y cada semana tendrá 20 horas lectivas. La finalidad de este programa es “contribuir a la especialización de jóvenes profesionales que desean actuar en grupo, crear cuadros flamencos o producir espectáculos de pequeño formato”. El objetivo de la Fundación es preparar a los jóvenes artistas para acceder al mercado laboral y, por ello, “el objetivo del curso consistirá en perfeccionar los conocimientos necesarios para comenzar a trabajar en tablaos, compañías o para empresas organizadoras de eventos”.

Hablando del aprendizaje en la Escuela Cristina Heeren :Rocío Márquez con Guillermo Guillen

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“A mí me parece un método muy bueno porque desde las nueve de la mañana hasta las dos de la tarde durante todo el año , (sólo hacen unas vacaciones escolares,) es un horario que te permite tener distintas asignaturas, desde logopedia, que creo que es muy interesante, porque a lo mejor te vienen tres o cuatro recitales seguidos en verano , y como tú no controles bien la fuerza , el cuarto día no cantas. Está muy bien porque te enseñan todo el tema de respirar, relajarte, porque a veces te contraes, no puedes decir , “yo siempre estoy relajada” , esto no puede ser en el Flamenco, pero dentro de eso, no es lo mismo si tú desde un principio en la colocación, estás intentando interiorizar el cante y no estás todo el tiempo tirando de la garganta… entonces son pequeños matices que aunque parecen obvios…. pero que hace falta que te echen una manilla “mira aquí no esfuerces tanto”. Cada persona tiene un registro que le suena mejor que otro pero tienes que trabajarte todos los registros , no sólo los altos, aunque la gente intenta cultivarlos mucho porque tiene mucho efecto. Yo soy de las que intentan defender y me gustan mucho los bajos, yo creo que el peso de un bajo bien hecho….
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Lo que nos une a todos los que hemos pasado por esta escuela (Jesús Corbacho , Sonia Miranda …), es una formación, tener conciencia de que el arte existe en el Flamenco , por supuesto la improvisación es muy importante, cada día te va a coger de una manera y nunca se canta igual, pero que, al margen de eso, hay un mínimo que hay que dar , tú puedes tener un buen día o un mal día, pero hay un mínimo que hay que dar, y te tienes que preparar para tener ese mínimo , ya no sólo al nivel técnico sino de conocimiento, dominar varios estilos de cante no quedarte sólo por un lado o por otro, que eso es bastante complicado porque todo el mundo tiene una tendencia, de un modo natural, bastante marcada , hay que intentar hacerlo todo”.
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Entrevista por Joaquin Leon:

“En mi fundación tenemos flamencos de 28 naciones”

–Nació y se educó en EEUU. ¿Su afición por el flamenco fue un flechazo?

–No exactamente. Yo vivía en EEUU, y también iba a veces a Inglaterra y Francia. Mi padre, que tenía sangre española, era aficionado y me llevó a tablaos. Así me fui formando un oído

–¿Recuerda su primer encuentro con el flamenco?

–Curiosamente, mi primer contacto fue en Londres, en una actuación de Antonio Ruiz El Bailarín.
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–Se aficionaría más cuando vino a Andalucía…

–Me compré una finquita en la provincia de Granada, en 1978. Después, en los años 80, me fui a vivir a Sevilla. Ahí empecé a tener más contactos con el mundo del flamenco.

–¿Por qué se le ocurrió crear una fundación?

–Primero creé una productora, con la que hicimos dos discos y dos espectáculos con los mismos artistas. Después, en 1993, decidimos que se podía crear una escuela con nuestros conocidos para difundir la enseñanza del cante, baile y guitarra, sobre todo entre los jóvenes andaluces, pero también de otros países que quisieran venir. Así surgió.
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–¿Cuál considera que ha sido su principal logro?

–Hemos podido ofrecer una formación muy completa del flamenco, dentro de su contexto cultural. Además de eso, hacemos otras actividades. Organizamos conferencias por todo el mundo, ilustradas con interpretaciones de flamenco, generalmente de nuestros alumnos. Aunque lo principal es la enseñanza.

–¿Cuántos alumnos tienen?

–Hay unos 170 alumnos. No está mal, porque el primer año sólo había siete.

–¿Hay muchos extranjeros?

–No sé los datos exactos de este curso, pero en el anterior había de 28 nacionalidades diferentes. Tenemos alumnos para aprender flamenco de EEUU, y muchos japoneses, franceses, portugueses y coreanos. También suecos y finlandeses, o de Israel. Incluso buenos guitarristas de Irán y hasta tenemos uno de Kazajistán.
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–Parece como una ONU del flamenco…

–Es una mezcla extraña, sí, pero lo increíble es que son buenos. Hay buenos artistas entre ellos.

–¿Está satisfecha de lo conseguido en estos años, o esperaba más?

–Estoy muy satisfecha, porque entre nuestros alumnos hay grandes profesionales, que han conseguido premios importantes. Laura Vital en la Bienal, o cuatro premios en La Unión, entre otros. Tenemos alumnos con Eva la Yerbabuena, en el Ballet Nacional… El sistema funciona.

–Su fundación es privada. ¿Tienen ayudas oficiales?

–Muy pocas. Una nacional de Cultura… Hay becas de El Corte Inglés y otras empresas. Casi todo nuestro patrocinio es privado.
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–¿Cómo ve el flamenco de hoy si lo compara con el que conoció cuando llegó?

–Mi opinión varía. Hay días que estoy deprimida, por tantos intentos de modernizar, mezclar, fusionar… Pero veo chicos que entran en la Fundación deseosos de aprender el flamenco más ortodoxo. Entonces pienso que no está en peligro.

–¿Quiénes son sus flamencos preferidos?

–Entre los jóvenes hay buenos artistas, quizá no en grandes cantidades. Empezando por Eva la Yerbabuena, Miguel Poveda, Marina Heredia, Rafael Campallo… También Manuel Lombo, pero cuando canta flamenco. Y citaría a uno de 70 años, El Carrete de Málaga, que me encantó.

–¿Y entre los veteranos?

–Calixto Sánchez, José de la Tomasa, Milagros Mengíbar, Manolo Franco y muchos más. Y luego están los históricos, claro, que hicieron mucho por el flamenco.
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–¿A quién se refiere?

–Antonio Ruiz en el baile y Paco de Lucía en la guitarra lo han difundido por todo el mundo. También hay que recordar lo que hizo Camarón. Entre los históricos de otros tiempos, como cantaor, Chacón es el que me parece más atractivo.

–¿A los americanos les gusta el flamenco como arte, o lo ven como algo exótico?

–Les gusta como una cosa exótica, porque lo es. No se parece a nada. Pero los americanos necesitan una cierta explicación de lo que ven, y cuando se la damos lo disfrutan mucho más.
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–¿Le parece bien que el flamenco sea patrimonio de la humanidad?

–No aporta mucho, realmente.

–Además del flamenco, estudió y se interesó por otras disciplinas artísticas. ¿Qué le atrae más?

–No soy experta en ninguna, aunque siempre es bueno estudiar para tener conocimientos. Soy aficionada a la música y la etología.

–¿A la etología?

–Sí. Siempre me he criado con animales. La psicología animal me interesa mucho. Los animales estaban aquí antes que nosotros y les debemos respeto.

–¿Tiene muchos animales?

–Tengo perros, caballos, loros… He leído mucho sobre los pájaros y me fascina su inteligencia.

–¿Qué le atrae más de Andalucía para haberse quedado a vivir aquí?

–El campo de Granada me ha seducido. Tengo actividades de agricultura en Íllora. Siempre me ha gustado más la montaña que el mar. El clima de aquí también me gusta. Y he hecho muy buenos amigos.
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–¿Cómo ve las fiestas andaluzas?

–En Sevilla me apasiona la Semana Santa, que es una experiencia estética fascinante, seas religiosa o no. La Feria y el Rocío no me atraen así.
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–También le gusta viajar por el mundo.

–No es que me guste tanto, pero si me proponen algo original me apunto. Precisamente, ahora me voy de viaje a Bután, con unas amigas americanas, haremos senderismo durante 15 días. También me gustaría ir a Omán. Leí un libro sobre ese país y me conquistó.

–Para ser mecenas hay que tener patrimonio. ¿Usted se considera rica?

–Pues supongo que no tengo una gran fortuna, pero vivo bien y puedo invertir en lo que me gusta. El mecenazgo privado es una tradición en EEUU. Lo es menos en Europa, donde se espera todo del Estado.

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Estrella Morente, directora de la primera cátedra de Flamencología en el mundo.

imageLa familia Morente es oriunda de la provincia de Granada. Su padre, Enrique Morente también cantaor, y su madre, Aurora Carbonell, bailaora, le han transmitido desde su infancia la esencia del flamenco. El debut de Estrella como cantante tuvo lugar, con tan sólo dieciséis años, en la Gala de presentación de los Campeonatos de Esquí Alpino de Sierra Nevada.
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Estrella participó en Omega, disco de Enrique Morente. Además de sus grabaciones, ha participado en bandas sonoras de películas tales como Sobreviviré, con unas sevillanas, Volver, de Pedro Almodóvar, con el tango del mismo nombre, de Carlos Gardel, o Chico y Rita de Fernando Trueba en 2011. La cantante está casada con el torero Javier Conde con quien contrajo matrimonio el 14 de diciembre de 2001 en la basílica de Nuestra Señora de las Angustias de Granada, con el que ha tenido 2 hijos, Curro (2002) y Estrella (2005). Estrella Morente constituye una de las voces actuales del panorama flamenco. En el espectáculo estrenado en el Teatro Español de Madrid en octubre de 2005 con el nombre de “Estrella 1922″, la cantante recreaba en el escenario la noche del Primer Concurso de Cante Jondo celebrado en la Alhambra de Granada en 1922.
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Directora de la primera cátedra de Flamencoligia del mundo.

La cantaora asume el cargo «con el respeto y la seriedad» con la que su padre dedicó su vida al flamenco
La cantaora Estrella Morente ha sido nombrada este viernes directora de la primera Cátedra de Flamencología del mundo, que será impartida por la Universidad Católica San Antonio de Murcia (UCAM) y la Fundación Cante de las Minas, y que supone darle la condición de estudios universitarios a todas las actividades formativas y de investigación impulsadas por estas dos instituciones.

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Se trata de la Cátedra Internacional de Flamencología UCAM-Fundación Cante de las Minas, que arranca a partir de hoy y que supone «darle el máximo rango legal a todas las actividades Realizadas a través de la Escuela de Arte Flamenco del Festival del Cante de las Minas, a través de los congresos universitarios, de las jornadas gastronómicas o de las actividades del Museo del Cante de las Minas».
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Morente ha estado acompañada por el presidente de la UCAM, José Luis Mendoza; y el alcalde de La Unión, y presidente de la Comisión Ejecutiva de la Fundación Cante de las Minas, Francisco Bernabé, en un acto que ha tenido lugar en el Templo del Monasterio de Los Jerónimos, sede de la Universidad Católica.
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La artista, que al final de su intervención se ha arrancado a cantar un tema improvisado que ha provocado el aplauso de los asistentes al acto, ha agradecido el hecho de haber sido distinguida con este título «tan importante, que implica tanta responsabilidad, tanto cariño y tanta entrega». Así, ha asegurado que lo hará «con todo el respeto y toda la seriedad» que su padre dedicó «toda su vida al cante flamenco».

Investigación sobre Enrique Morente
En este sentido, Mendoza ha avanzado que la Cátedra, que estará coordinada también por el guitarrista y compositor flamenco Carlos Piñana, va a impulsar una investigación de sobre la persona de Enrique Morente. En concreto, el proyecto correrá a cargo de investigadores de Artes Escénicas de la UCAM. Asimismo, la Cátedra tiene previsto materializar otro de los proyectos que Enrique Morente tenía en mente antes de fallecer, y era su intención de «unir a los pueblos mineros de todo el mundo a través de sus cantes, desde Sudáfrica a China pasando por Polonia». Así lo transmitió a Bernabé el primageopio Morente, tal y como ha desvelado el alcalde, quien ha señalado que esta iniciativa «debe ser uno de los retos de la Cátedra».
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Morente ha recordado que su padre era «un enamorado del Cante de las Minas» y ha rememorado que acostumbraba a llevarles al Festival, porque «tenía mucho que ver con el pueblo, con su gente, con su afición, con sus vecinos, sus cantaores, guitarristas y bailaores». Además, se ha felicitado por el hecho de que el acto tenga lugar en Murcia, porque el Cante de las Minas, a su juicio, «está demostrando que el cante es de todos, que en cualquier lugar nace un cantaor, cantaora o bailaora; alguien que percute con su alma un género que cuenta y que canta lo que es el pueblo».
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Mendoza ha alabado a Morente como «una enamorada del flamenco, una artista de los pies a la cabeza y que también ama la investigación». Hija de una personalidad «de relieve mundial, Enrique Morente, que todos llevamos en el corazón y que ha dejado una huella imborrable». Por tanto, ha señalado que la UCAM «se pone al servicio de lo que consideramos un arte fundamental en España, el arte del flamenco». Precisamente, Mendoza ha destacado que él lleva este arte «en lo profundo» de sus venas porque su abuelo «participó y venía a cantar en El Cante de las Minas, acompañado por su hermano». En este sentido, se ha declarado un «enamorado del flamenco desde niño», y ha dicho conocer este arte «muy a fondo».
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Por tanto, como máximo responsable de la UCAM, supone para él «una alegría un regalo enorme tener a Estrella Morente con nosotros». Bernabé ha querido destacar que es la primera vez que un festival flamenco pone en marcha una cátedra de flamencología junto con una universidad, y cree que, en este caso, «se puede decir que las dos marcas más pujantes que tiene la Región de Murcia en la actualidad, el Cante de las Minas y la UCAM, han decidido unir fuerzas para que prospere este hito». Ha alabado a Morente como «la mejor voz del flamenco femenino que existe en la actualidad, una artista con una sensibilidad, un dominio del cante, una dulzura y una versatilidad absolutamente extraordinarias».
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Binomio Morente-Conde
A partir de ahora, ha remarcado que el nombre de Estrella «queda ligado por mucho tiempo» porque el acto celebrado hoy «no es para hacernos la foto, sino para empezar a trabajar; y Estrella va a trabajar mucho y muy bien por la mayor gloria del arte flamenco». Bernabé también ha querido resaltar que se da una tercera condición por la que Morente ha sido invitada a dirigir la Cátedra, y es que «está casada con el matador de toros Javier Conde, que es un enamorado de las letras, es un gran poeta y un hombre muy cercano al mundo de la cultura». «En un estatus universitario como el que estamos hablando, es muy importante que el binomio Morente-Conde formara parte de este proyecto, y estas son las razones por las que estamos tan contentos de tener a Morente como directora de la Cátedra», ha concluido Bernabé.
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Precisamente, Mendoza ha anunciado durante el acto que no descarta crear una cátedra de tauromaquia. Para finalizar, la artista ha agradecido los halagos y ha querido resaltar que el flamenco, para ella, es su vida «entera. Amo el flamenco y amo a Murcia, amo el Cante de las Minas, que para los flamencos es de los máximos referentes, por no menospreciar a nadie, que tenemos ahora mismo la gente joven y los clásicos».
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Joaquín Cortés ,pasión gitana,pura pasión.

Joaquín Cortés, nacido Joaquín Pedraja Reyes (Córdoba, 22 de febrero de 1969 – ), es un bailaor de flamenco y coreógrafo.

Nace en Cordoba. Las capacidades en el baile han llamado la atención desde los inicios de su carrera, con tan solo 12 sños logra un puesto en el ballet de un programa infantil de la televisión pero su trayectoria habría de partirse en dos cuando con 28 se muestra como un artista con estilo propio, alejado del gusto purista que no dudó en rechazarlo a pesar de
imponerse como uno de los grandes.

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De niño se traslada a Madrid, al barrio de Lavapiés. Comenzó sus estudios de danza en Madrid cuando tenía doce años.
En 1984, con quince años, es admitido como miembro del Ballet Nacional de España y al poco tiempo es ascendido a bailarín solista.
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Cortés viajó con esta compañía por muchas ciudades del mundo, bailando en teatros importantes como el Metropolitan Opera House de Nueva York y el Palacio de Congresos del Kremlin de Moscú.
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Tras dejar el Ballet Nacional comienza su ascendente carrera bailando junto a reconocidas personalidades del mundo artístico de la danza, como son: Maya Plisetskaya, Silvie Guillen y Peter Schauffuss; también baila en el Festival de Flamenco de Verano en Tokio, varias galas en el Lincoln Center de Nueva York y, en el ballet Don Quijote (coreografía de Vicente Nebrada) con la compañía Ballet Teresa Carreño en Caracas, Venezuela. En esta época también creó la coreografía Carmen para la Arena de Verona.
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En 1992 crea su propia compañía “Joaquín Cortés Ballet Flamenco”. La primera producción de esta compañía, Cibayí, se presentó en Japón, Francia, Italia, Venezuela y Estados Unidos. En ese mismo año trabajó para Mecano, montándole la coreografía del tema Una rosa es una rosa para el Aidalai Tour, y apareciendo en el videoclip del mismo tema bailando en pareja con Ana Torroja.
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Su segundo espectáculo, llamado Pasión Gitana, se estrenó en 1995 en el Teatro Albéniz de Madrid y contó con Giorgio Armani como diseñador de vestuario. Con este espectáculo realizó giras por Estados Unidos (1996), Latinoamérica (1997), Australia, Japón y Canadá (estos últimos en 1998), recorriendo más de treinta países. Más de un millón de espectadores acudieron a la obra.
imageDebutó en el cine con la película La flor de mi secreto de Pedro Almodóvar y después participó en la película de Carlos Saura Flamenco.
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Cortés se traslada a Nueva York a principios de 1999 y comienza su colaboración con la coreógrafa Debbie Allen, con quien participa en la ceremonia de la entrega de los Premios Óscar.
Ese mismo año regresa a España y es invitado a participar en la apertura de los Mundiales de Atletismo de Sevilla. En octubre crea un nuevo espectáculo, Soul, estrenado en el Teatro Tívoli de Barcelona.
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En 2000 participa en otra película, Gitano, esta vez como protagonista. Al mismo tiempo va de gira internacional con su espectáculo Soul, representándolo en China, Inglaterra, Alemania y Sudamérica.
Cortés participa en la apertura del Festival de Viña del Mar 2001. Crea la producción Pura pasión, estrenado en Londres, y pocos días después en el Teatro Tívoli de Barcelona estrena el espectáculo Live. También participó en el inicio del la gira de Jennifer López en Puerto Rico, y bailó con Alicia Keys el tema Fallin´ en los Grammys de 2001.
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2002 Joaquín Cortes es invitado, el 11 de diciembre, a actuar en el tradicional concierto que se realiza en el OSLO SPEKTRUM con motivo de la entrega el Premio Nobel de la Paz. asisten como invitados La Familia Real Noruega, la plana mayor del gobierno, el premio Nobel de la Paz se le entrega Jimmi Carter´
2003 Royal Albert Hall londinense, participa en la “Charity Hope Gala” y en la ceremonia “Fashion Rocks for the Prince’s Trust”. Actúa en presencia de su Alteza Real el Príncipe de Gales.En septiembre del mismo año protagoniza la película de largometraje “Vainilla y Chocolate” del director italiano Ciro Ipolito, por segunda vez se adentra en el mundo del séptimo arte.
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El 5 de marzo de 2004 estrena en el Teatro Diners della Luna de Milán “De amor y odio”, una obra producida y coreografiada por él.
El 3 de mayo de 2005, estrena “MI SOLEDAD” en México, un escenario minimalista y espectáculo con el que siguió de gira por el mundo.
En noviembre de 2006 fue nombrado Embajador del Pueblo Romaní por el Parlamento Europeo. Fue invitado a Bruselas donde tuvo una entrevista con los Presidentes Barroso y Borrell y a continuación se dirigió a los diputados europeos en un emotivo discurso donde expresó su sentir por el pueblo gitano.
El 7 de julio de 2007 participó en la ceremonia de descubrimiento de las Nuevas Siete Maravillas del Mundo junto a José Carreras y Dulce Pontes en el Estadio de la Luz de Lisboa.
Cortés ha sido reconocido mundialmente no solamente como buen bailarín sino también como fructífero creador de grandes producciones.

 

Hideo Kojima, director de videojuegos, se basó en su imagen para crear a Vamp, un personaje de la saga “Metal Gear Solid”.
En febrero de 2009 organiza dos noches con su compañía en la Roundhouse de Londres, en Camden, como preparatorio para una nueva gira mundial.
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El 14 de mayo de 2009 estrenó en el Beacon Theatre de Nueva York su nueva obra “Calé”, un recopilatorio de sus últimos 6 trabajos.
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También en 2010 es nombrado Embajador por el Cambio Climático por el Vicepresidente de Estados Unidos, Al Gore. En Méjico se le concede el Premio Lunas. También el gobierno Español le concede la Medalla de Oro de las Bellas Artes como reconocimiento por sus 25 años de carrera.
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Victorio y Lucchino, una moda muy andaluza¡

Victorio & Lucchino es una firma de moda española, que toma su nombre de los de sus creadores, Victorio, José Víctor Rodríguez Caro, y Lucchino, José Luis Medina del Corral.
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Empezaron su andadura en el mundo de la moda a finales de la década de 1970, en la ciudad de Sevilla. El encuentro profesional de ambos se produjo en el departamento de diseño de la empresa Disart de Sevilla. A raíz de esa relación laboral, decidieron independizarse y abrir una tienda en la capital andaluza donde comercializaron sus primeros diseños. En 1985 diseñaron su primera colección, que presentaron en un desfile en Nueva York.

A partir de entonces y con la creación de la Pasarela Cibeles, comenzaron a presentar sus dos colecciones de prêt-à-porter cada año.

En 1984, después de observar la gran demanda de sus vestidos de novia, decidieron crear su primera colección y presentarla en un desfile en Barcelona. En ese momento se revelaron como pioneros en un sector al que más tarde se incorporarían muchos de los diseñadores de prêt-à-porter.
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En 1992, con la intención de diversificar su negocio, lanzaron su primer perfume para mujer, Carmen, y recientemente se han iniciado en el diseño de joyas. Además, su amor al arte y la cultura les ha llevado a colaborar en producciones teatrales y cinematográficas, como las obras ‘Yerma’ o ‘La Celestina’, y la película ‘El guardaespaldas’, donde Withney Houston llevaba un vestido diseñado por ellos.

Fueron los autores del interior de la quinta planta del Hotel Puerta América de Madrid (España), una obra colectiva de arquitectura y diseño internacional inaugurada en 2005.

Sus creaciones no sólo se conocen en España, sino que se extienden por todo el mundo en países como Japón, Alemania, Italia, Francia, los Países Bajos o Estados Unidos.
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A partir de entonces y con la creación de la Pasarela Cibeles, comenzaron a presentar sus dos colecciones de prêt-à-porter cada año.
En 1984, después de observar la gran demanda de sus vestidos de novia, decidieron crear su primera colección y presentarla en un desfile en Barcelona. En 1992, con la intención de diversificar su negocio, lanzaron su primer perfume para mujer, Carmen, en colaboración con la compañía de moda española Puig.1 Recientemente se han iniciado en el diseño de joyas.
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Además, su amor al arte y la cultura les ha llevado a colaborar en producciones teatrales y cinematográficas, como las obras ‘Yerma’ o ‘La Celestina’, y la película ‘El guardaespaldas’, donde Whitney Houston llevaba un vestido diseñado por ellos. Fueron los autores del interior de la quinta planta del Hotel Puerta América de Madrid (España), una obra colectiva de arquitectura y diseño internacional inaugurada en 2005. Sus creaciones no sólo se conocen en España, sino que se extienden por todo el mundo en países como Japón, Alemania, Italia, Francia, los Países Bajos o Estados Unidos. Además de pareja profesional, José Víctor Rodríguez y José Luis Medina son pareja sentimental, contrayendo matrimonio en Carmona, en marzo de 2007.

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Cada uno por su lado sentían la inquietud y necesidad de expresarse en el mundo de la moda, y un día ambas vocaciones se encontraron, unieron y convirtieron en una sola fuerza creativa capaz de triunfar en el complicado mundo de la pasarela.
Y así fue como José Víctor y José Luis se asociaron, alquilaron un pequeño apartamento donde instalaron su taller de costura y abrieron una tienda de ropa en la calle Sierpes de Sevilla. Este fue su mejor escaparate para darse a conocer al mundo.

Lo novedoso de sus prendas atrajo a un público deseoso de admirar esos trajes de volantes, flecos, plumas, encajes y brillos, reflejo del folclore andaluz y las raíces españolas.

De la clientela sevillana pasaron a la andaluza, de ésta a la española, y finalmente sus diseños lograron deslumbrar a un exigente público internacional.
Tras la ropa vinieron los perfumes: “Carmen”, “Abril”, “Aire” y “Sur”, cuatro fragancias con olor a naranjo, a jazmín, a primavera y amaneceres de abril en Sevilla. Fragancias destinadas a la mujer de Victorio & Lucchino, aquella que según palabras de ambos- “está enamorada de la vida, cargada de sentimientos y goza de ese puntito indispensable de alegría y gracia”.
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Sí hablamos de la moda Española de los últimos 25 años, es imprescindible nombrar a Victorio & Lucchino, la indiscutible personalidad en el panorama del diseño y el carácter nacional.
La firma nace del encuentro entre el cordobés José Víctor Rodríguez Caro y el sevillano José Luis Medina del Corral. Dicha unión ha sabido crear un estilo propio, atemporal y personalizado, fácilmente reconocible a nivel nacional e internacional.
Es a finales de los años setenta, cuando en la ciudad sevillana, comienza la andadura profesional de ambos artistas, Victorio & Lucchino, aunque ya se podría augurar el nacimiento de esta prestigiosa firma. Desde muy temprana edad tanto José Víctor como José Luis, mostraron una clara tendencia hacia el mundo del arte, y soñaban con una vida en la que la creación presidiera su trabajo.
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Seis son algunos de los elementos que definirían el estilo inconfundible y representativo de Victorio & Lucchino, donde se funden el color, de forma apasionada y viva, el encaje como tejido por excelencia, el ornamento marcado por el simbólico fleco, como innovación el concepto patentado de la caracola que se aplica en mangas, cuellos y bajos; las novias con identidad propia y con colecciones con nombre y apellidos, y la fusión como movimiento que une la tradición y la artesanía típicas del sur con el diseño contemporáneo.
El sentido de moda para Victorio & Lucchino es la expresión artística que forma parte de la evolución histórica, social y económica de un país.

El espíritu que envuelve las creaciones de Victorio & Lucchino representa la auténtica alma de Andalucía. Andalucía cuna de la convivencia entre la cultura cristiana, árabe y judía ha sido y es símbolo de una genuina y auténtica forma y modo de ser. La moda de Victorio & Lucchino no es más que la plasmación de un cruce de caminos en el que pervive el espíritu de lo que un día fue Andalucía con los tiempos futuros de toda una cultura. Amantes de las formas, estos diseñadores absorben la esencia y el arte que fluye de cualquier rincón de su Andalucía natal y crean moda

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Victorio & Lucchino conciben la moda como el reflejo y la exteriorización de lo que cambia y lo que por el contrario se mantiene imperecedero.
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La ceremonia del vestir es para ellos una auténtica exigencia interior y esto se muestra en cada una de sus creaciones. Creaciones, que descubren a una mujer que debe lucirse, dejarse ver, mostrarse ante todos y ante todo. Se trata de una mujer que desprende sosiego, intimismo, profundidad y sabiduría. Una mujer que no pierde el equilibrio entre la improvisación y la premeditación. Una mujer que guarda la magia de lo opuesto; del ser y el debe ser.

Victorio & Lucchino son en sí mismos la muestra de un espíritu y una filosofía de vida, cultura y de saberes.
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Diego el Cigala.

Diego Ramón Jiménez Salazar, mejor conocido como Diego el Cigala (Madrid, 27 de diciembre de 1968) es un cantante (cantaor) flamenco. Es uno de los herederos más alabados de Camarón de la Isla, cuya voz guardaba un gran parecido con la de Diego.
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Le dicen Diego, pero su nombre es Ramón Jiménez Salazar. Camarón – otro grande del flamenco – lo bautizó con ese nombre. Su delgadez, fue la que le hizo ganar su segundo “apodo”, El Cigala. Unidos: Flamenco del bueno. “Ya ves, el día no amanece…” ; Y no hacía falta que esto sucediera en la noche del cierre del Festival de Otoño 2010 que reunió a gran cantidad de artistas y diversas clases de música, durante el mes de abril en la city porteña. Dieguito fue el encargado de cerrar el evento. Brilló con esa elegancia innata, y demostró su pasión por el Tango, así como en alguna oportunidad lo hizo con el Bolero. Gran Rex repleto; Andrés Calamaro, Juanjo Domínguez y Néstor Marconi como invitados estelares, la ocasión fue aprovechada además para dar registro a su nuevo trabajo. CD + DVD que serán esperados con ansias. No sólo el comienzo del repertorio, con la excelente letra de uno de los grandes de nuestro país, Cacho Castaña, sino además, nos erizó la piel con “Alfonsina y el mar”. La guitarra de Juanjo se oyó en cada rincón del alma de los espectadores, y Marconi deslumbró con cada intervención. Calamaro aportó con esa voz que sembrada por el whisky y derivados, fue exquisita para la milonga de Atahualpa Yupanqui “Los Hermanos”. El tango no nos fue suficiente! Queríamos flamenco! Queríamos al Diego en su máximo esplendor! Nos deleitó al entontar “Niebla del Riachuelo” y “Dos Gardenias”, y fue allí donde los espectadores nos pusimos de pie; escuchar a ese gitano insolente, no fue escuchar a un cantante, “Dieguito es un artista con vicios de cantor”.-

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Creció en el barrio popular del Rastro, en Madrid. Sobrino del cantante flamenco Rafael Farina, a los 12 años ganó un concurso de flamenco y el primer premio del certamen al mejor cantaor de Getafe.

En 1998 publica Undebel, su primer disco en solitario acompañado a las guitarras por David Amaya, Tomatito y Paquete.
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En el 2000, Javier Limón le produce Entre vareta y canasta, un disco que se publicó con el apoyo publicitario de artistas como El Gran Wyoming, Santiago Segura, Pablo Carbonell y Javier Krahe, entre otros, y en el que participaron a la guitarra Niño Josele y Vicente Amigo.
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El videoclip del álbum estaba realizado por Fernando Trueba. Un año más tarde aparece Corren tiempos de alegría, producido también por Javier Limón y con el Niño Josele a su lado, y con invitados excepcionales como Bebo Valdés y Jerry González. El disco fue nominado como Mejor Disco de Flamenco en los Grammy Latinos.
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Su cuarto disco se graba durante un concierto en directo en el Teatro Real de Madrid, con el único acompañamiento de la guitarra de Niño Josele y también producido por Javier Limón.
En 2002, Fernando Trueba produce Lágrimas negras, disco que une a Diego «el Cigala» con Bebo Valdés al piano y que se publica en 2003, el éxito es internacional. Diego consigue en el 2004 un Grammy, tres Premios de la Música, un Premio Ondas, cinco Premios Amigo, tres Discos de Platino en España y uno en Argentina, México y Venezuela. The New York Times lo alaba como “Mejor disco del año” en el apartado de música latina y Bebo y Diego «el Cigala» llenan los mejores teatros del mundo: París, Nueva York, Londres, La Habana, Buenos Aires, Tokio, México D. F., Madrid, Barcelona, Torreón Coah… A finales de 2004 el disco había vendido más de 700.000 copias en todo el mundo. Tras esta obra vino Picasso en mis ojos, disco homenaje al artista malagueño Pablo Picasso.
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En junio de 2008 salió a la venta con el diario El País su álbum Dos lágrimas, que no estará en tiendas hasta septiembre. Se trata de una nueva incursión en las músicas del Caribe acompañado de grandes artistas como Yelsi Heredia, Rubalcaba, Jumitus o Tata Güines, que va camino de repetir el éxito de Lágrimas negras.
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En el verano de 2008 recibió en Santander el I Premio La Barraca 2007, a las Actividades Escénicas, concedido por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP).

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En el año 2010, prestó su voz al personaje de Toy Story , Buzz Lightyear durante varias secuencias de la versión en castellano, dándole aires andaluces y flamencos. También participa, aunque de forma escueta, en la canción que cierra los créditos. En la versión original, en estas secuencias el protagonista habla un perfecto castellano doblado por Javier Fernández-Peña.

 

 

En noviembre de 2012 colaboró con María Dolores Pradera interpretando a dúo el tema “Lágrimas Negras”, en su disco de duetos titulado “Gracias a vosotros”.

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En abril de 2013 salió a la venta Romance de la Luna Tucumana, nuevo trabajo discográfico sobre el tango argentino, acompañado de la guitarra eléctrica de El Twanguero (Diego García). Además, en una entrevista en El Patio de Jaci González en aireflamenco.com, El Cigala anunció que en diciembre del mismo año editará un disco flamenco, grabado en directo.

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El Cigala se instala en República Dominicana A menos de un mes de haber lanzado su disco “Romance de la luna tucumana”, Diego el Cigala, quien espera plácidamente en una playa dominicana su nueva nacionalidad de ese país, prepara un nuevo disco de flamenco, grabado en directo en Barcelona.
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Día de Reyes,habrán dejado sus zapatos limpios si no habrán tenido carbón!!!

imageAunque no tenga que ver con el flamenco, me parece “mágico”, con duende, dedicar el día a esta tradición tan nuestra, tan española, que hace que hoy será un día especial, cargado de ilusión para los pequeños y alegría para los mayores que  sean capaces de encontrar a ese niño que llevan dentro.

Empezaremos el relato por  Los zapatos y el carbón dulce  que son uno de los símbolos más especiales de la noche de reyes, puesto que sin ellos nada sería igual. En España, la tradición establece la necesidad de portarse bien a lo largo del año para recibir regalos de los Reyes Magos y no carbón; dejando además en la noche del 5 de enero unos zapatos muy limpios por cada miembro de la familia para que sus majestades sepan dónde dejar los obsequios y a quién. En otros países, como en México o en Perú, en el interior de los zapatos se coloca una carta escrita con los regalos que se desean recibir.

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imageEn Holanda, fue donde comenzó esta tradición de los zapatos para que los niños dieran la bienvenida a su particular Rey Mago el día 6 de diciembre, que recibe el nombre de SinterKlaas. En Italia, sin embargo, esa figura puede resultar más tenebrosa con la llamada Bruja Befana.
Los Reyes Magos de Oriente (o simplemente Reyes Magos) es el nombre por el que la tradición denomina a los visitantes que, tras el nacimiento de Jesús de Nazaret, acudieron desde países extranjeros para rendirle homenaje y entregarle regalos de gran riqueza simbólica: oro, incienso y mirra.
Los Evangelios solo hablan de «magos», en ninguna parte se indican sus nombres, ni que fuesen reyes, ni que fueran tres (número que posiblemente se deba a la cantidad de obsequios ofrecidos). Estas creencias fueron agregadas varios siglos después y se han mantenido en la tradición popular.
Según la creencia católica, estos magos eran representantes de religiones «paganas» de pueblos vecinos, que los Evangelios ven como las primicias de las naciones que aceptarán la religión católica.

En algunos países (normalmente hispanohablantes) existe la tradición de representar a los reyes trayendo los regalos que los niños les han pedido en sus cartas durante la noche anterior a la Epifanía.
Los Reyes Magos, por tradiciones de algunos países, forman parte del pesebre junto a José, el niño Jesús y María.

imageLa palabra «mago», proviene del elamita ma-ku-ish-ti, que ?pasando por el persa ma-gu-u-sha y por el acadio ma-gu-shu llegó al griego como(magós, plural: , magoi) y de ahí al latín magi, /mágui/ (cf. magister, /maguíster/) de donde llegó al español.
Eran los miembros de la casta sacerdotal medo-persa de la época aqueménide y durante todo el reinado de Darío el Medo (521-486 a. C.) (Para otras connotaciones, véase: otras interpretación abajo en este mismo artículo).
La figura católica de los Reyes Magos tiene su origen en los relatos del nacimiento de Jesús, algunos, fueron integrados de los evangelios canónicos que hoy conforman el Nuevo testamento de la Biblia. Concretamente el Evangelio de Mateo es la única fuente bíblica que menciona a unos magos (aunque no especifica los nombres, el número ni el título de reyes) quienes, tras seguir una supuesta estrella, buscan al «rey de los judíos que ha nacido» en Jerusalén, guiándoles dicha estrella hasta Jesús nacido en Belén, y a quien ofrecen ofrendas de oro, incienso y mirra.
Las tradiciones antiguas que no fueron recogidas en la Biblia ?como por ejemplo el llamado Evangelio del Pseudo Tomás (o Evangelios de la infancia (de Tomás)) del siglo II? son sin embargo más ricas en detalles. En ese mismo evangelio apócrifo se dice que tenían algún vínculo familiar, y también que llegaron con tres legiones de soldados: una de Persia, otra de Babilonia y otra de Asia.

imageSegún interpretaciones posteriores, los Magos fueron considerados originarios de Europa, Asia, y de África respectivamente[cita requerida]. Sin embargo, el último libro escrito por el papa Benedicto XVI sobre Jesús de Nazaret, «La infancia de Jesús», destaca que los Reyes Magos probablemente no venían de Oriente, como se ha creído tradicionalmente, sino de Tartessos, una zona que los historiadores ubican entre Huelva, Cádiz y Sevilla (Andalucía, España). Dice textualmente que «Así como la tradición de la Iglesia ha leído con toda naturalidad el relato de la Navidad sobre el trasfondo de Isaías 1,3, y de este modo llegaron al pesebre el buey y el asno, así también ha leído la historia de los Magos a la luz del Salmo 72,10 e Isaías 60. Y, de esta manera, los hombres sabios de Oriente se han convertido en reyes, y con ellos han entrado en el pesebre los camellos y los dromedarios», relata Benedicto XVI y continúa: «La promesa contenida en estos textos extiende la proveniencia de estos hombres hasta el extremo Occidente (Tarsis, Tartessos en España), pero la tradición ha desarrollado ulteriormente este anuncio de la universalidad de los reinos de aquellos soberanos, interpretándolos como reyes de los tres continentes entonces conocidos: África, Asia y Europa»

imagePero el secretario general de la Conferencia Episcopal, monseñor Juan Antonio Martínez Camino, recuerda que en ningún momento el Santo Padre dice que «los Reyes Magos fueran andaluces, lo que explica el Papa es que los magos no eran otra cosa que buscadores de la verdad. Representaban a todos los hombres buscadores de Dios de todos los tiempos y de todos los lugares y eso incluía a todo el mundo hasta entonces conocido y cuyo límite occidental era Tartessos, en la península ibérica», explica. Al mencionar a Tartessos, Benedicto XVI se refiere a este límite geográfico que tenía el mundo en el siglo I a. C, «los Magos son de Oriente pero que en esa inquietud por buscar a Dios están representados los hombres buscadores de Dios de todos los lugares y de todos los tiempos».

Con respecto a los nombres de los reyes (Melchor, Gaspar y Baltasar) las primeras referencias parecen remontarse al siglo V a través de dos textos, el primero titulado Excerpta latina bárbari, en el que son llamados Melichior, Gathaspa y Bithisarea.y en otro evangelio apócrifo, el Evangelio armenio de la infancia, donde se les llama Balthazar, Melkon y Gaspard.
Los nombres son además diferentes según la tradición siriaca.

La tradición más difundida cuenta que vinieron de Oriente, en número de tres, y que iban guiándose por una estrella (celebérrimamente conocida como La estrella de Belén) que les condujo hasta Belén. Allí buscaron al Niño Jesús recién nacido y le adoraron, ofreciéndole oro (representando su naturaleza real, como presente conferido a los reyes), incienso (que representa su naturaleza divina, empleado en el culto en los altares de Dios) y mirra (un compuesto embalsamador para los muertos, representando el sufrimiento y muerte futura de Jesús). Antes de llegar, encontraron al rey Herodes el Grande en la ciudad de Jerusalén, quien astutamente les conminó a que, de regreso, hablaran con él para darle noticia del sitio exacto donde se encontraba dicho niño; y, así, poder ir él también a adorarle. (En realidad, lo que quería era darle muerte, por eso ordenó la matanza de los inocentes).
La historia sigue contando cómo un ángel se apareció a los magos y les advirtió del peligro que corría Jesús si ellos obedecían el deseo de Herodes. Así pues, no volvieron por el mismo sitio. Parece ser que, solo por el hecho de que el relato evangélico indicara que trajeron tres dones (oro, incienso y mirra), se dio por sentado que eran tres los personajes que los traían. Aunque también en algún momento las distintas tradiciones han señalado que eran cuatro, siete y hasta doce.

imageLa primera vez que surge el nombre con que hoy conocemos a los Reyes Magos es en la iglesia de San Apolinar Nuovo, en Rávena (Italia). El friso de la imagen está decorado con mosaicos de mediados del siglo VI que representan la procesión de las Vírgenes. Esta procesión está conducida por tres personajes vestidos a la moda persa, tocados con un gorro frigio y su actitud es la de ir a ofrecer lo que llevan en las manos a la Virgen que está sentada en un trono y tiene al Niño en su rodilla izquierda. Encima de sus cabezas se pueden leer tres nombres, de derecha a izquierda: Gaspar, Melchior, Balthassar…

imagePoco a poco la tradición ha ido añadiendo detalles a modo de simbología: se les ha hecho representantes de las tres razas conocidas en la antigüedad, representantes de las tres edades del hombre y representantes de los tres continentes (Asia, África y Europa).
La llegada de los Reyes Magos es un tema tratado también en los Evangelios apócrifos. Según la tradición esotérica aplicada al cristianismo, estos personajes procedían del lugar donde se encontraba el Preste Juan.

Otra leyenda cuenta que, después de la resurrección de Jesús, el apóstol Tomás los halló en Saba. Allí fueron bautizados y consagrados obispos. Después fueron martirizados en el año 70 y depositados en el mismo sarcófago. Los restos fueron llevados a Constantinopla por Santa Elena. Posteriormente, Federico I Barbarroja, en el siglo XII, los trasladó a Colonia, donde hoy reposan con las coronas que supuestamente llevaron durante su existencia. Miles de peregrinos empezaron a llegar a Colonia, lo que propició que en 1248 se iniciara la construcción de la catedral de Colonia, que llevaría más de 600 años terminarla. Hoy día es uno de los monumentos góticos más impresionantes de Europa. Colonia se ha convertido junto con Roma y Santiago de Compostela en uno de los grandes centros de peregrinación. Igualmente, existen leyendas que hablan de un cuarto rey mago.

imageEn algunos lugares, las autoridades organizan la llamada Cabalgata de Reyes el día 5 de enero, durante la cual los personajes suelen ir montados a caballo o en carrozas, vestidos con mantos y coronas, en lugar de la vestimenta frigia totalmente desconocida. En la mayoría de sitios donde sale la cabalgata, aparte de ir en ella los Reyes Magos, también hay carrozas de otros temas y distintos personajes, como pueden ser personajes infantiles y demás. El siguiente día, el 6 de enero, es festivo nacional. Ese día los niños disfrutan sus obsequios.

En España, es tradicional que los regalos de Navidad a los niños los traigan los Reyes Magos la noche del 5 al 6 de enero, compitiendo con la reciente introducción de Papá Noel en las costumbres navideñas debido a la influencia de otras culturas. Antes, los niños deben enviar una carta a los reyes enumerando los regalos que quieren y los méritos por los que merecen recibirlos. También es tradición que la noche del 5 de enero los niños dejen sus zapatos en algún lugar de la casa, junto a la puerta, en una ventana; incluso se dejan dulces para obsequiar a los Reyes Magos y agua o comida para los camellos. Al día siguiente se encuentran allí los regalos o, en el caso de haber sido malos, carbón en su lugar (se trata de un dulce de feo aspecto pero golosina, al fin y al cabo).

image imageEl día 6 de enero es festivo en toda España. La escalada consumista ha conseguido que también reciban regalos los adultos. Es típico desayunar el Roscón de Reyes que en muchos lugares puede comerse la víspera, para merendar o, como postre, en la cena. En España estos roscones suelen contener una figurita, popularmente conocida como “la sorpresa”.

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En varios países de Hispanoamérica existe la costumbre adoptada de los españoles de que los niños reciban regalos de los Reyes Magos, bien en la víspera, es decir, a la medianoche del 5 de enero, o en la mañana del 6 de enero (Argentina, México, República Dominicana, Puerto Rico, Paraguay y Uruguay). También se han heredado las costumbres de la carta a los Reyes y el carbón dulce en vez de regalos. La mayoría de los servicios postales aceptan estas cartas.

En cualquier caso es nuestra fiesta de Navidad con mayúsculas, cargada de magia e ilusión, una de nuestras tradiciones más entrañables. Sólo ver la cara de esos pequeños al despertar y encontrar los regalos…. No tiene valor.
Y para poner una nota de humor en este día magnífico, permítanme que les incluya un chiste que circula por la red, deseándoles un Magnífico día de Reyes!

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Historia del Roscón de Reyes

Seguro que muchos de vosotros ya habéis pasado por la pastelería, bien a comprar, bien a encargar el Roscón de Reyes, ese delicioso dulce en forma de rosco que en casi ninguna casa falta llegadas estas fechas.

imagePero lo que muchos no saben es la historia de cómo ese dulce llegó a convertirse en un plato típico del día de Reyes, aunque se puede tomar en cualquier fecha, claro.

Aunque a decir verdad, en su origen, el roscón de Reyes no tenía nada que ver con tal día, ni siquiera con la Navidad, es más, ni siquiera con los niños.

En realidad, el origen del roscón de reyes se remonta a la época romana, en concreto a unas fiestas, Las Saturnales, o “fiesta de los esclavos” que se celebraban a mediados del mes de diciembre en honor al díos Saturno, Dios de la agricultura, y lo que se celebraba era el fin del período más oscuro del año, luego llegaban la “fiesta del Sol” hasta final de mes, en que celebraban el nacimiento del nuevo período de luz, coincidiendo con la entrada del Sol en el signo de Capricornio (solsticio de Invierno), era el periodo que significaba el final de los trabajos del campo, finalizada la siembra de invierno, los campesinos, incluidos los esclavos tenían tiempo para descansar y reponerse del esfuerzo y se les premiaba con unas tortas redondas, hechas con higos, dátiles y miel que también se repartían entre los pobres.

En las tortas, se escondía un haba seca que representaba la prosperidad, quien la encontraba, si era esclavo, quedaba libre ese día, además de pasar a ser tratado como un rey.

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En el siglo IV la Iglesia institucionalizó el día de Reyes en Occidente y esas fiestas paganas se convirtieron en cristianas, quedando en el olvido que el origen de las mismas, fueron las fiestas del solsticio de invierno.

Y mientras la costumbre empieza a perderse por otros sitios, en Francia la fiesta se empieza a celebrar, aunque ya los protagonistas son los niños.
El día 6 de Enero, se celebra la fiesta llamada Le Roi de la Fave, (el rey del haba). Ese día se elaboran dulces y se esconde dentro un haba, el niño que la encuentra se le nombre Rey de Reyes, se le ofrecen regalos y durante ese día es mimado por todos.

Y llegamos al reinado de Luís XV. En la Corte, un cocinero de origen eslavo, quiso hacerle un regalo al Rey el día de Reyes (el rey Luís XV comenzó a reinar con 5 años, aunque la regencia la ostentaba el Duque de Orleáns) y le preparó un roscón tradicional de su tierra, pero con una sorpresa en su interior: y es que resulta que en colaboración con otros miembros del servicio del rey había comprado un medallón de de diamantes y se le ocurrió ponerlo dentro.
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El rey Luís XV, niño al fin y al cabo, quedó encantado con el dulce y se dedicó a propagarlo entre la aristocracia francesa y europea, eso sí, con una moneda dentro en vez del medallón de diamantes que a él le habían regalado.

En España, fue el rey Felipe V, tío de Luís XV, quien lo introdujo y muy pronto, se fue convirtiendo en una de las costumbres más populares.
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Y poco a poco la costumbre fue pasando de los nobles al pueblo llano, siendo Madrid y Sevilla las ciudades más importantes en adoptarlo y perfeccionarlo si cabe. Y luego, poco a poco, se fue extendiendo por todo el país y por sus colonias (sobre todo México).
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Pero en el camino había perdido, digamos su origen; El Haba, hasta que los reposteros catalanes la incluyeron de nuevo por su significado, puesto que el haba simboliza la regeneración, el resurgir de la vida, el año nuevo.

Y es en el siglo XIX cuando la moneda se empieza a sustituir por una figurita.
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Y ya llegamos al significado actual: La persona que recibe en su pedazo de Roscón la figurita, tendrá suerte durante el año nuevo, ya que los Reyes Magos le conceden protección. En cambio, el que recibe el haba tendrá que pagar el postre.
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En la actualidad podemos encontrar Roscones de Reyes con rellenos de lo más variopinto, pero yo creo que la mayoría nos decantamos o bien por el relleno de nata o el relleno de chocolate.

Los números del Roscón: 10 millones de unidades ese día

Lo cierto es que la tradición está muy arraigada ya en nuestro país. Tanto que las pastelerías españolas prevén que van a tener que elaborar diez millones de este dulce en la tradicional festividad de los Reyes Magos, utilizando para su preparación más de 4.000 kilos de harina, entre otros ingredientes, así como diez millones de cajas de cartón, las mencionadas figuras de cartón y coronas.
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Pero ya no sirve con vender cualquier roscón. Las innovaciones también están llegando a la elaboración de este dulce. Después de casi dos milenios de existencia de este dulce, se ha trasladado el método de elaboración tradicional del roscón al modo de producción moderno sin restar un ápice de calidad, eso sí, abaratando considerablemente el coste del producto.

Una celebración, la del dulce del roscón de reyes, que pone punto y final a las Navidades, convirtiéndose este bollo en el último de los excesos navideños. A partir de mañana, todo serán prisas para comenzar con la operación bikini pero, de momento, disfrutemos de los últimos coletazos de la Navidad.

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Sea cual sea el relleno de tu Roscón, ¡Buen Provecho! y que como cuenta la tradición, te otorgue la protección durante todo el año.

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