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Pastora Soler

Pastora Soler

Pilar Sánchez Luque (Coria del Río, Sevilla, 28 de septiembre de 1978), más conocida por su nombre artístico, Pastora Soler, es una conocida cantante española, famosa por combinar copla, flamenco y canción española con sonidos pop. Pastora es una artista precoz que empezó cantando coplas y canciones flamencas cuando tan sólo tenía ocho años.

En 1994 editó su primer trabajo Nuestras coplas, un disco donde versionaba grandes clásicos de la canción española. Su primer gran éxito no llegó hasta su tercer álbum Fuente de luna, cuyo primer single, Dámelo ya, logró alzarse con el número 1 en la lista de ventas en España y Turquía.
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En 2001 lanzó al mercado Corazón congelado, con el que logró consolidar el éxito alcanzado en su anterior trabajo. La canción que da nombre a este álbum fue elegida entonces como sintonía de la Vuelta a España 2001. Tras moverse en sonidos más dance en su siguiente disco, Deseo, de la mano de Carlos Jean, Pastora cambió de discográfica y firmó por Warner Musica España en 2005. Publica sus últimos trabajos: Pastora Soler, Toda mi verdad y Bendita locura. En 2010, la cantante sevillana celebró sus 15 años en el mundo de la música con el lanzamiento de su primer trabajo en directo, 15 años. Al año siguiente publicó su noveno álbum de estudio, Una mujer como yo.

Con nueve discos de estudio en el mercado, Pastora ha conseguido 3 discos de platino y 4 discos de oro. A lo largo de su carrera, también ha recogido importantes premios dentro de su gremio como el Premio de la Música o el Micrófono de oro. Entre sus colaboraciones se encuentran artistas consolidados como Alejandro Sanz, Armando Manzanero, Malú, David Bustamante o Miguel Poveda, entre otros muchos.1 También ha actuado, entre otros lugares, en EEUU o Egipto.
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En diciembre de 2011 fue designada por TVE para representar a España en el Festival de la Canción de Eurovisión 2012, que se celebró en Bakú, capital de Azerbaiyán, en el mes de mayo,2 con el tema “Quédate Conmigo”, elegido por los telespectadores del canal público. Finalizó en la décima posición, mejorando muy notablemente los resultados de España desde 2004. Su actuación fue seguida en España por casi 9 millones de espectadores.
Se casó el 17 de octubre de 2009 con su coreógrafo, el malagueño Francisco Viñolo, con el que llevaba cinco años de relación.

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Inicios en la copla y primeros trabajos

La actuación de Pastora en la Iglesia del Divino Salvador de Sevilla fue retransmitida para toda Andalucía por Canal Sur.
Esta cantante conocida como Pastora Soler tiene unos 3 años Los primeros pasos de Pilar Sánchez en el mundo de la música los dio cuando sólo tenía cinco años. Fue a esta edad cuando esta cantante natural de Coria del Río comenzó a cantar en una de las casetas de la Feria de Sevilla. Con ocho años, Pilar empezó a recibir clases de canto de la mano de Adelita Domingo. Además, por aquel entonces también actuó en “Los chavalillos de España”, una compañía dirigida por Lauren Postigo con la que recorrió parte de Andalucía. No fue hasta 1986 cuando esta artista precoz grabó su primer trabajo. En formato vinilo y casete, Gracias madre está compuesto por cinco sevillanas, todas ellas dedicadas a las madres. El disco se editó en 1988 y es el único trabajo de la cantante sevillana firmado con el nombre de Pilar Sánchez.

En marzo de 1993, Pastora participó en la VI exaltación de la saeta, en la Iglesia del Divino Salvador de Sevilla. La interpretación fue retransmitida por el canal autonómico de televisión Canal Sur para toda Andalucía. La edición sevillana de ABC destacó la actuación de Pilar en portada bajo el título Ha nacido una estrella.

En noviembre de 1993, Pilar fue recibida en la Hermandad de la Virgen de la Macarena de Sevilla y amadrinada por Juana Reina, una de las grandes voces de la canción española. Comenzaba así una tradición que la cantante aún continúa a día de hoy y que consiste en cantar cada madrugada del Jueves Santo una emotiva saeta a la Virgen de la Macarena. Al año siguiente, Pilar asistió a una audición en casa del maestro Mudarra organizada por el modisto sevillano Justo Salao, al que asistió también Luis Sanz. Antes de que acabara 1994, Pilar firmó un contrato con la discográfica Polygram.
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Fue entonces cuando se decide buscar un nombre artístico para Pilar, adoptando finalmente el de Pastora Soler. En septiembre de 1995, Pastora publicó su primer álbum de estudio como Pastora Soler, titulado Nuestras coplas. Este trabajo está compuesto por diez versiones de canciones tan populares como Triniá, Romance de la Reina o Capote de grana y oro. Los arreglos y la dirección musical fueron realizados por el compositor Gregorio García Segura. La dirección corrió a cargo de Luis Sanz. El sonido pop y más comercial no llegó hasta 1996, año en el que Pastora publicó su segundo álbum de estudio. El mundo que soñé cuenta con aportaciones de artistas consolidados como el italiano Eros Ramazzotti, Manuel Alejandro o Alejandro Abad, entre otros. La dirección musical y arreglos fueron llevados a cabo por Eddy Guerin. Fue el último disco que Soler lanzó con Polygram.
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1999 – 2004: Fuente de luna, Corazón congelado y Deseo[editar · editar código]
En 1999 deja su compañía discográfica y firma por Emi-Odeón, encargada de lanzar ese mismo año Fuente de luna, el tercer álbum de estudio de Pastora Soler. Un nuevo trabajo donde el sonido pop que encontrábamos en el disco anterior sigue presente. Gracias a Fuente de luna, Soler se dará a conocer en el panorama musical español, siendo reconocida entonces como una de las jóvenes promesas de la música pop-flamenco de aquellos años. El disco también incluye tintes árabes.
La producción de este disco corre a cargo de Manuel Ruiz ‘Queco’, autor además de Dámelo ya, el primer gran éxito de la cantante sevilla. El tema es escogido como single de Fuente de luna (siendo el primer videoclip grabado por Pastora). Alcanzó el número uno, no sólo en España, sino también sorprendentemente en Turquía, donde permaneció ocho semanas consecutivas en el puesto más alto de las listas de ventas. El disco vendió más de 120.000 copias en nuestro país.7 8 9 En 2000 se grabaría Dámelo ya junto con Tomasito, versión que años después aparecería en el recopilatorio de Pastora. Ante el éxito profesional Pastora dejaría aparcada la carrera de Historia del Arte en el tercer año para dedicarse a la música.
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En 2001 se lanza Corazón congelado, el cuarto álbum de estudio de Pastora Soler. Un nuevo trabajo de sonidos pop que consolida a la artista sevillana tras el éxito alcanzado por Dámelo ya. Corazón congelado fue grabado bajo la dirección de Carlos Jean, Arturo Soriano y Paco Ortega. Los arreglos de Walter Tesoriere le confieren al álbum melodías suaves muy cercanas a la canción italiana.10 De él se lanzarán dos singles, En mi soledad y Corazón congelado, tema que da nombre al disco y que fue elegida como sintonía de la edición de la Vuelta Ciclista a España de ese año. Para la ocasión, Soler graba en la Plaza Mayor de Salamanca el spot publicitario que servirá para promocionar este evento deportivo.
El anuncio tuvo un coste aproximado de 50 millones de pesetas y se grabó a lo largo de cuatro noches en la ciudad castellana.
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Su realización sólo fue posible con un equipo de 40 personas, 100 extras y 32 ciclistas, que escenificaron una hipotética contrarreloj nocturna grabada en su gran mayoría con una cámara instalada en un helicóptero.
El disco incluye Pa ti, pa ti, tema que pertenece a la banda sonora de la película española I love you baby, protagonizada, entre otros, por Jorge Sanz y Verónica Forqué.
Con Corazón congelado, Pastora Soler recibió un nuevo disco de platino por sus ventas en 2001.15 En 2001 colaborará con Raphael, uno de los cantantes más importantes de la música española. Lo hará en el álbum Maldito Raphael (que sale a la venta el 1 de junio de ese año) un trabajo de duetos donde Soler cantará junto a Raphael el tema originario de Mecano, Una rosa es una rosa
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El 28 de noviembre de 2002 sale a la venta su quinto álbum de estudio y el segundo producido por Carlos Jean. Lleva por nombre Deseo y se trata de un disco en el que Pastora se mueve en sonidos más cercanos a la música electrónica. La canción elegida para promocionar el disco fue Guerra fría, a la que le siguió Herida. Ésta última logró colarse en las discotecas de todos el país con diversos remixes que se lanzaron al mercado. Con Deseo logró alcanzar las 80.000 copias vendidas (por las que recibió otro disco de platino). También se incluyen canciones de toques árabes, como es el que caso de Amor, amor. Para este trabajo ha contado con compositores como Noel Molina y la colaboración, entre otros, de John Parsons, Alfonso Pérez, Luis Dulzaides, Angie Bao, Paco Ibáñez, Arturo Soriano y la Orquesta Filmadrid.

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En una entrevista para el diario ABC aseguró que el nombre del álbum hace referencia a que se trata del disco que la cantante siempre ha querido hacer.
Por su parte, Pastora colaborará en el disco de Carlos Jean Back to the Earth, en la canción Capirusso man.

En 2003, la cantante de Coria participó en un ambicioso proyecto llamado Ellas y Magia. Se trata de un DVD musical que reunió las mejores voces femeninas españolas del momento para versionar grandes clásicos de Disney. En este trabajo actualmente descatalogado participan cantantes tan dispares como Malú, Marta Botía, Marilia Casares, Marta Sánchez, Merche o Lydia, entre otras. Pastora se encargó de dar su toque personal a Mi reflejo, tema cantado por Christina Aguilera en la versión original de Mulan.

2005 – 2006: Sus grandes éxitos, contrato con Warner y Pastora Soler
El 15 de marzo de 2005 sale a la venta Samba pa’ ti, un disco donde artistas hispanos homenajean la música brasileña versionando grandes clásicos de la canción de este país. Pastora participará en dos canciones del recopilario: Por qué llorar que la cantará en solitario y Desafinado, que lo hará junto a Lolita, Lucrecia, Ana Belén y Carmen París. El álbum incluye un DVD con un documental llamado Aquarela do Brasil grabado en Madrid, Valencia, Barcelona, Salvador de Bahía y Río de Janeiro, que contiene declaraciones de todos los músicos intervinientes. El disco fue grabado en noviembre de 2004 bajo la producción de Luis Miguel Fernández, Fernando Illán y Julio Palacios.
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En 2005, Pastora Soler cambia de compañía discográfica y firma un contrato con Warner Music España. El 26 de abril se publica Pastora Soler, el primer trabajo de Pastora con su nueva discográfica. Un nuevo trabajo homónimo donde la cantante se aleja del sonido tan comercial que caracterizó sus dos álbumes anteriores para recuperar un poco la canción de autor. De esta manera, Pastora Soler recoge 11 nuevas canciones en las que se observa un sonido más maduro y sofisticado. Entrará en el puesto 18 de la lista de los cien álbumes más vendidos de España.El disco incluirá una versión de Non credere, una de las obras más emblemáticas del repertorio de Mina. El álbum se cierra con otra versión de La flor de Estambul, perteneciente al cancionero de Javier Ruibal. Pastora Soler fue grabado entre Madrid y Milán entre octubre de 2004 y marzo de 2005. La producción corrió a cargo del productor italiano Danilo Ballo. Para promocionar este primer trabajo con Warner, Pastora Soler lanza Solo tú, una balada que demuestra la madurez musical y personal por la que pasa la artista.

Pastora termina en 2004 su contrato con Emi Music y no hubo renovación por parte de la sevillana,por lo tanto como “despedida” o “finalización de contrato” Emi Music(como muchas casas de discos suelen hacer cuando un artista no renueva)decide lanzar El 9 de mayo de 2005 al mercado Pastora Soler , Sus grandes éxitos, el primer disco recopilatorio que se lanza de la sevillana al mercado y en donde podemos encontrar las canciones más conocidas de su etapa con la discográfica Emi. Canciones como Dámelo ya, Corazón congelado Guerra fría o “Herida”. Este álbum también contará con varios remixes y el dueto que cantó con Raphael Una rosa es una rosa.2Como no es un disco oficial que se lanzó meses después de abandonar Pastora dicha discográfica y posteriormente firmar contrato con Warner ,No se lanzó ningún single de promoción.
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El 5 de junio de 2005, el gaditano David de María reedita su álbum Barcos de papel. En esta nueva edición contará con la colaboración de Pastora Soler, que canta un dúo con él en la canción Mi trocito de vida.28 El 8 de octubre de 2005 La 1 estrena la segunda temporada de Gente de primera, un concurso musical donde 12 cantantes consagrados apadrian a nuevos talentos por descubrir. En esta nueva edición participará Pastora Soler que amadrinará a Mirela, una joven de 15 años en la categoría de canción moderna.29 Durante el concurso cantarán a dúo canciones como Amiga mía, de Alejandro Sanz, Te quiero, te quiero, de Nino Bravo o En mi soledad, de la propia Pastora.

El 22 de febrero de 2006 se entregan los Premios Dial 2006 que en esa ocasión celebraba su décima edición. En la gala celebrada en la Sala Riviera de Madrid Pastora Soler resultó premiada junto a artistas como Chenoa, Diana Navarro, Rosana, Lena o Malú.30 El 18 de abril de 2006 se reedita Pastora Soler en una edición de lujo que incluye duetos con David de María, Armando Manzanero y Antonio Martínez-Ares. También incluirá un DVD con las mejores actuaciones de su última gira.31 La gira de promoción de su último álbum de estudio le lleva a realizar conciertos y actuaciones por toda la geografía española. El 29 de septiembre de 2006, después de 58 galas celebradas, concluye tal gira con un concierto en el Palacio de Congresos de Madrid. La actuación concluyó con la entrega a la cantante del disco de oro que acredita las 40.000 copias vendidas de Pastora Soler.

El 24 de noviembre de 2006 se estrena en España ¿Por qué se frotan las patitas?, una comedia musical dirigida por Álvaro Beniges y protagonizada por Lola Herrera. La música del largometraje está compuesta por Manuel Ruiz ‘Queco’, Álvaro Beniges y Raúl Ruiz. Pastora prestará su voz en dos canciones. La primera, Tu frialdad, la canta a dúo con Raimundo Amador. La segunda, Yo soy rebelde, lo hará con India Martínez.

2007 – 2008: Micrófono de oro, Toda mi verdad y Premios de la Música

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El 21 de abril de 2007 recibe en Ponferrada el premio Micrófono de Oro de la mano del periodista Luis del Olmo. Se trata de un premio que concede anualmente la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión anualmente. Pastora compartirá la categoría de canción junto a Paulina Rubio, Estrella Morente y Rosario Mohedano.

El 5 de junio de 2007 sale a la calle el séptimo disco de estudio de Pastora, titulado Toda mi verdad. Se trata de un disco grabado en los estudios Central Tarifa, en la localidad gaditana de Tarifa, a petición de la artista. En palabras de la cantante, Toda mi verdad es un disco muy profundo y por sentía necesidad de grabarlo en un lugar bonito, cerca del mar. Producido por Jacobo Calderón, el disco cuenta con diez canciones compuestas en su mayoría por el gaditano Antonio Martínez-Ares, responsables de éxitos de Pasión Vega o Raphael.
Tras publicar siete álbumes, Pastora se atreve en esta ocasión a componer. De esta manera, aparece Toda mi verdad, tema compuesto por la cantante que además sirve para dar nombre al álbum. El primer single elegido para promocionar este trabajo será Quién, al que le seguirá Qué va a ser de mí y Por si volvieras. El disco entra en el número 13 de la lista de los cien álbumes más vendidos de España.
La promoción de Toda mi verdad llevada a cabo en el 2007 le lleva a Pastora Soler a acudirá a eventos de gran importancia, como la Feria de Almonte, en Huelva, donde hará de pregonera en las fiestas. Tras un verano repleto de promociones y conciertos, Soler es invitada en sus giras por artistas de la talla de Alejandro Sanz. También David Bisbal la invita a uno de sus conciertos en Almería durante la promoción de su disco Premonición. El 10 de octubre de 2007 participará en las celebraciones programadas por las fiestas de la Virgen del Pilar en Zaragoza, donde compartirá escenario con el cantante Antonio Carmona.

En noviembre de 2007 comienza una nueva gira por diversos teatros de España para presentar los nuevos temas de su séptimo álbum, así como para rememorar los éxitos que le han convertido en una de las voces más importantes de la música española. Esta gira se prolonga hasta mayo de 2008, cuando decide dejar los escenarios teatrales para embarcarse en una gira veraniega donde seguirá presentando las canciones de Toda mi verdad. El 18 de diciembre de 2007 Cadena Dial organiza la gala navideña que hace cada año. En ella participará Pastora junto a otros artistas del panorama musical español como David Bustamante, María Villalón o Diego Martín.
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2008 fue un año de reconocimientos para Pastora, ya que recibió numerosos premios: Premio del Senado Mujer 2008, Premio 2008 Cadena Dial o Premios de la Música, donde la cantante recibió el premio en la categoría Mejor álbum de canción española.40 La gira llevada a cabo durante este año también la llevó a cruzar fronteras, ofreciendo diversos conciertos en Egipto. Sorpredentemente, y gracias a la buena acogida entre el público de El Cairo, Soler visitó varias veces la Opera House de la capital egipcia, donde sólo habían cantado anteriormente tres cantantes españoles: Carreras, Plácido Domingo y Paco de Lucía.

2009 – 2010: Bendita locura, Mi primer olé y 15 años
Para promocionar Bendita locura, Pastora realizó una gira de concierto durante primavera y verano de 2009. En la imagen, Soler ofreciendo un concierto en Granada.
El 7 de febrero de 2009 se estrena en Cadena Dial Bendita locura, el primer sencillo de su octavo álbum de estudio (también llamado Bendita locura). Este nuevo trabajo producido por Pablo Pinilla sigue la línea musical de su antecesor Toda mi verdad, aunque en palabras de la cantante más fresco, con algo más de ritmo y un sonido más actual.
El disco está compuesto de trece nuevas canciones entre las que se encuentra Esta vez quiero ser yo un dueto con Manuel Carrasco (autor de la misma). David de María, Martínez Ares, Esmeralda Grao, Vanesa Martín, David Santiesteban, José Abraham o Alejandro Sanz son algunos de los autores que han aportado canciones a Bendita locura. En el caso de Sanz se trata de una canción dedicada a Sevilla, una ciudad muy importante en la vida de Pastora. Corazón bandolero es la única canción compuesta por la cantante, tras su primera experiencia como compositora en el álbum anterior.43 Fue grabado entre Madrid y Roma, contando con la colaboración de la Orquesta Filarmónica de la capital italiana para un total de cuatro temas.
Bendita locura se publica en abril de 2009 y entra en el puesto número 8 de la lista de los cien álbumes más vendidos en España.44 La campaña de promoción se lleva a cabo durante primavera y verano, a través de diversos conciertos repartidos por toda la geografía española. La mayoría de sus actuaciones se llevaron a cabo en teatros, entre los que destacaron el teatro Lope de Vega de Sevilla.
En verano se prolonga la gira para promocionar Bendita locura hasta diciembre de este mismo año
En octubre de 2009, la cantante contrae matrimonio con el coreógrafo Francis Viñolo en Coria del Río, localidad natal de la cantante. Entre los invitados asistieron personalidades de la música española como Merche, Malú, Carlos Baute, David Bisbal o Tamara.

En noviembre de 2009 se lanza el segundo single del álbum, Esta vez quiero ser yo. El video, grabado en un loft de la capital, se realizó bajo la dirección del realizador Daniel Etura.

Ese mismo mes la cantante participa en el concierto Artistas por la paz, donde también actúan Coti, Miguel Ríos y Cristina del Valle, entre otros. La cita tiene lugar el 14 de noviembre en la Sala Penélope de Madrid.51 Pastora Soler despide el 2009 protagonizando junto al cantante David de María el anuncio de navidad del canal autonómico andaluz Canal Sur.
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En enero de 2010 la cantante Lolita lanza su álbum De Lolita a Lola. En él colaborará Pastora en la canción Limosna de amores.
También participará en Andalucía. Por la humanidad, un disco que busca recaudar dinero para fines benéficos y en el que Pastora versiona el himno de Andalucía junto a David de María y Vanesa Martín
Pastora Soler es una de las artistas invitadas a la capital con motivo de la celebración del centenario de la Gran Vía y las fiestas de San Isidro en abril de 2010. Así, comparte cartel con Diana Navarro, Esperanza Roy en una cita donde se dieron géneros como la copla, la zarzuela y otros géneros muy populares en el Madrid de la primera mitad del siglo XX. Para tal ocasión Soler interpretó cuatro canciones: El lerele, Limosna de amores, Triniá y Romance de la Reina Mercedes.
En junio de 2010 se anuncia que Pastora conducirá un nuevo espacio televisivo en Canal Sur. Se trata de Mi primer olé, un programa de talentos en el que niños andaluces muestran sus dotes para el flamenco.En su estreno, el concurso conducido por Soler lidera su franja de emisión, alcanzando un 12,9% de share y 229.000 espectadores de promedio.

Pastora Soler celebra sus quince años en el mundo de la música con la publicación el 7 de septiembre de 2010 de un CD + DVD en directo grabado el 5 y 6 de mayo en el teatro Lope de Vega de Sevilla. En este nuevo trabajo titulado 15 años recoge sus canciones más exitosas, además de contar con la colaboración de Malú, Miguel Poveda o Manuel Carrasco.
El single elegido para promocionar este álbum en directo es la versión en acústico de La mala costumbre, un tema dedicado a su padre Francisco ya aparecido en su anterior álbum Bendita locura.58 El álbum entrará en el puesto 9 de los cien discos más vendidos en España.59 Una semana después, el 14 de septiembre de 2010, la sevillana actúa en Albacete, concretamente en la Caseta de los Jardincillos, dentro del programa cultural que el ayuntamiento de la ciudad lleva a cabo para celebrar el III centenario de la Feria de Albacete.
A partir de octubre, la cantante se embarca en una nueva gira titulada 15 años en el escenario con la que recorre, de la mano de la emisora radiofónica COPE, las principales capitales españolas. Un recorrido con el que pretende repasar lo mejor de su repertorio y celebrar así toda una vida dedicada a la música.61 Este tour le trajo en otoño de 2010 hasta el Palau de la Música de Valencia. Participó así en una nueva edición de “Otras músicas”, un ciclo en el que se dieron cita artistas de diversos estilos como Jorge Drexler. Se trataba de la tercera actuación que la sevillana ha realizado en el auditorio valenciano a lo largo de su carrera artística.

2011: Una mujer como yo
En febrero de 2011 se anuncia que Pastora Soler se encuentra entre los finalistas de la 15ª edición de los Premios de la Música (en las categorías de “Mejor álbum” y “Mejor álbum de canción española”).63 El álbum en directo de la sevillana se hizo con el galardón al mejor disco de canción española.64 En abril de 2011, la cantante ofrece su primer concierto en la ciudad de Miami (Florida). Gracias al éxito cosechado en este encuentro con sus seguidores latinos, Pastora está organizando una pequeña gira que le llevará a cantar en Puerto Rico o Colombia.

A finales de julio de 2011, la cantante sevillana confirmaba a través de su twitter oficial que su nuevo trabajo discográfico saldrá en octubre bajo el nombre de Una mujer como yo. La producción del álbum la ha compaginado con numerosos conciertos pertenecientes a su anterior gira.66 El primer sencillo llevará por título «Demasiado amor» y saldrá a la venta en formato digital a partir del 6 de septiembre.
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La canción ha sido compuesta por César G. Ross y Pablo Pinilla .El videoclip correspondiente fue dirigido por Daniel Etura y se llevó a cabo en una sala de Madrid con la colaboración de algunos de sus seguidores.69 El 18 de octubre sale a la venta el predecesor de Bendita locura. Formado por doce temas, Una mujer como yo incluye entre otros cortes Vamos, una canción compuesta por ella misma junto a Malú y Vanesa Martín, una versión del clásico Yo no te pido la luna, Tu vida es tu vida con letra de Juan Mari Montes y música de Max Minoia, Que no muera el amor de David DeMaria y David Santistebán, Cantaré, de Juan Mari Montes y Piero Lerede, y A ti, un tema dedicado a sus seguidores.

En palabras de la cantante, el sonido de Una mujer como yo se encuentra entre Toda mi verdad, un disco intenso en continente y contenido, y Bendita locura, más divertido y liviano.La cantante posó desnuda por primera vez para algunas de las fotos promocionales del disco. Peinada como Rita Hayworth en «Gilda», la sevillana posó sin nada más encima que una sortija, un collar y un brazalete.
El álbum entró en el puesto 3 de los cien discos más vendidos en España, convirtiéndose en la entrada más exitosa de la sevillana en su etapa con la discográfica Warner.
A pesar de su gran acogida, el disco no supo mantenerse en los primeros puestos de la lista como sus trabajos anteriores (en su quinta semana, el álbum ya había salido de la lista de los cien álbumes más vendidos en España).
Posteriormente, el álbum re-entra en lista, llegando a escalar puestos encontrándose en Abril de 2012 entre los 30 más vendidos en España. Por otro lado, Pastora colabora en el disco de David Bustamante, Mío. Lo hace en la canción Bandera blanca.

Eurovisión 2012
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El 21 de diciembre de 2011, RTVE, a través de Mariló Montero, presentadora de La mañana de La 1, confirmaba de manera oficial que Pastora Soler será la encargada de representar a España en el próximo Festival de Eurovisión, cuya final se celebrará en Bakú, capital de Azerbaiyán, el 26 de mayo de 2012. “Es una artista con 17 años de carrera, andaluza, con mucho arte, y muchos registros en copla y pop. Todos queremos que Eurovisión recupere la esencia”, comentó la popular presentadora durante la confirmación. Horas antes de la noticia, las redes sociales ya apuntaban a la elección de la andaluza. La artista incluso adelantó algunas pistas a través de su cuenta oficial de Twitter. “Mañana será un día especial”.

De esta manera, Pastora Soler se convierte en la representante española del certamen, elegida de manera interna. Ya se conoce la canción que defenderá en la capital azerí. TVE organizó una gala televisada en el mes de marzo de donde salió el tema definitivo que un jurado profesional, el televoto y una votación previa por internet se encargaron de elegir entre cuatro canciones finalistas. Dos de las canciones pertenecen a su disco Una mujer como yo, Tu vida es tu vida (de Max Minoia, Eleonora Giudizi y Juan Mª Montes, en una versión con arreglos inéditos) y Me despido de ti (de Marco Dettoni, Jerónimo Mansur (Xeronimo) y Javier Rodríguez), y dos son inéditas, la tercera Ahora o nunca (de José Abraham, autor de La mala costumbre), y la cuarta, Quédate conmigo, compuesta por Thomas G:son, autor sueco de larga trayectoria en Eurovision y en el Melodifestivalen, junto a Tony Sánchez Ohlsson (co-autor junto a G:sson de I love U mi vida) y Erik Bernholm (autor, también junto a G:son de In a moment like this que representó a Dinamarca en Eurovision 2010 quedando en cuarta posición).
Dos de las canciones, Tu vida es tu vida y Quédate conmigo fueron directamente elegidas por Pastora y su equipo para pasar a la gala televisada.
Las otras dos, Ahora o nunca y Me despido de ti pasaron la criba previa de la votación por internet, resultando ganadora Ahora o nunca con un 56,4% del total de votos. Tras la votación en la Gala de Televisión del 3 de marzo de 2012, resultó elegida Quédate conmigo para representar a España.
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El 19 de marzo se presentó de cara al público el video oficial de Quédate conmigo. La canción se retocó en Estocolmo (Suecia) en el estudio de Benny Andersson (componente de ABBA). El mezclador de la canción fue Bernard Löhr, que ha trabajado con Céline Dion y Laura Pausini. El máster corresponde a Björn Engelman, quien masterizó al ganador de Festival de Eurovisión en 2009, Alexander Rybak. El autor del vídeo fue Rafael Sañudo. “He intentado darle a Pastora el máximo protagonismo a través de planos medios y cortos, con un estilismo y maquillaje muy cuidado sobre fondos negros, que le destaquen”, explicó Sañudo. En el videoclip, Pastora estaba acompañada de dos bailarines.

El festival
Las casas de apuestas situaron a la candidatura española durante las semanas previas al festival entre el puesto 7º y 10º, y se convirtió en la cuarta favorita para la prensa acreditada. España actuó en el 19º lugar en la final del 26 de mayo en Bakú. Pastora finalizó en la décima posición con un total de 97 votos, otorgados por 18 países, recibiendo el mayor apoyo desde Reino Unido, Suiza, Israel y Portugal. Fue la mejor clasificación española desde 2004 y Pastora Soler mostró su satisfación por volver a llevar a España al “Top 10″. Su actuación consiguió una cuota de pantalla en TVE superior al 50% y Eurovisión fue la emisión no deportiva más vista de 2012 hasta ese momento.

Tal fue el éxito y la acogida de Pastora Soler que el tema Quédate conmigo se versionó en inglés y salió a la venta el día 24 de julio de 2012, situándose en el quinto lugar de ventas de iTunes. El tema fue versionado por Pastora Soler y se tituló Stay With Me.
El 18 de junio la UER dio a conocer el desglose de votos de jurado y público de Eurovisión 2012, en el que se descubrió que Pastora fue colocada en la 5ª plaza según el jurado, con 154 puntos, y en la 18º para el televoto. A pesar de ello, con la combinación del 50% del voto del jurado y 50% del voto del público, España consiguió el décimo puesto.

2013-presente: El número uno y Conóceme
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El 11 de febrero de 2013, Pastora Soler visito el programa Tu cara me suena como una invitada especial interpretando a Céline Dion. El 13 de mayo de 2013 se confirmó que Pastora Soler, junto a Mónica Naranjo, Pitingo y David Bustamante formaran el jurado de la segunda edición de El número uno.77 . El nuevo trabajo de la cantante, Conóceme, sale el 10 de Septiembre 2013.

Estilo musical
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Los dos primeros trabajos de Pastora tienen un claro referente flamenco. Fuente de luna supuso un cambio importante en la trayectoria de la sevillana ya que incluía por primera vez sonidos pop a sus canciones. Gracias a ello cosechó un éxito importante con su canción «Dámelo ya». Corazón congelado siguió esta tónica de conjugar sonidos cercanos al flamenco y toques pop. No fue hasta Deseo donde, además del pop, Pastora apostó por sonidos más cercanos al dance, gracias a que colaboró con Carlos Jean. Temas como «Herida» y «Guerra fría» lo demuestran. Sin embargo, pasada la etapa con Emi, Pastora firmó un contrato con Warner. Todos sus discos han supuesto una evolución al abandonar en cierta manera estos sonidos pop para dedicarse más a la canción melódica. Pastora siempre ha afirmado que escucha música muy variada. Entre sus influencias destacan Rocío Jurado, Joan Manuel Serrat, Alejandro Sanz, Ana Belén, Mónica Naranjo, Céline Dion, Barbra Streisand, etc.
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Muere Juan Moneo, El Torta, cantaor de eco enduendado

El cantaor jerezano, Juan Moneo El Torta ha fallecido en la madrugada del último día del año 2013 a los 61 años.
31 de diciembre de 2013

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“Ha muerto en día grande, como él era”Jesús Agarrado Moneo “El Guardia”, guitarrista

Las redes sociales donde haya aficionados al flamenco, hoy arden con la noticia de la repentina desaparición de Juan Moneo Lara “El Torta”.

Todo en él era impulsivo e inesperado, hasta su fallecimiento, justamente en Nochevieja. El impacto en el mundo flamenco ha sido enorme, pero en Jerez, es que no hay palabras para describir la magnitud de esta pérdida, una más en la lamentable ristra de desapariciones prematuras de los mejores intérpretes flamencos de esta ciudad.
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La muerte de cualquier ser es motivo de tristeza. Pero este ser, tocado por los dioses con la varita mágica de la inspiración, gozaba de la admiración de numerosos incondicionales de todas las edades. Imprevisible e irregular, su poder comunicativo le convirtió en figura de culto dentro y fuera de Jerez, más allá de cualquier talento cantaor. Carismático bohemio, figura flamenca con un toque de locura, como las que ya no nacen, porque los tiempos de antes, no es que fueran mejores, sino que han dejado de existir y no volverán.

Recuerdo en la Bienal de los Países Bajos del 2011, el Torta ofreció un recital con Diego del Morao a la guitarra. Aquella noche proyectó una intensidad que sobrecogió a los reservados holandeses. Durante la actuación, una mujer a mi lado, muy preocupada, me preguntó si no deberíamos solicitar una ambulancia. Miré por un momento al Torta, y al verlo igual que siempre le dije que no, que así era él.
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Su decir era absolutamente jerezano, a la vez que absolutamente personal, inconfundible, anárquico como él solito. Un repertorio esencialmente plazuelero y mairenero, pero con algo más. Cante clásico que él mismo no sabía identificar en cuanto a estilos e historias, ni falta que le hacía. Componía temas que se convirtieron en clásicos; en cualquier festival un primer tercio de cualquiera de ellos, provocaría los aplausos y gritos entusiasmados del público, cual estrella de rock.
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Además de unas pocas grabaciones, su arte quedó registrado e inmortalizado en la película “Flamenco” de Carlos Saura. El día 1 de marzo estaba prevista su actuación dentro de la programación del Festival de Jerez.
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Su final ha sido todo lo sereno que no había sido su vida. Estando en casa con su mujer e hijo pequeño, el corazón le dejó de funcionar, y la leyenda quedó consolidada para la historia.
Juan destacó desde joven entre los cantaores de su generación por sus especiales cualidades: una garganta poderosa, un eco muy gitano y una inigualable capacidad para transmitir. Su carrera, sin embargo, estuvo llena de altibajos debido a su carácter bohemio y a la vida que eligió. Ello nunca le hizo perder su carisma y su aura de cantaor legendario, por más que la tirase por la borda una y otra vez. Siempre parecía saber resurgir de sus cenizas y volver a cantar para disfrute de una legión de seguidores incondicionales. Su genialidad siempre se imponía a las huellas que la vida iba dejando en su cuerpo y en su garganta, en ocasiones rota. Ese genio se revelaba de manera especial en la singular musicalidad de sus composiciones, a las que llenaba con unos inconfundibles versos de autoría propia.
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No muy dado a disciplinas, la carrera discográfica de Juan Moneo es lógicamente irregular, pero encierra no pocos momentos de magia ya sea en discos propios o ajenos. Si sus dos primeras grabaciones – Al compás del nuevo alba (Izquierdo, 1984) y Luna Mora (Dro East West, 1989 – no hicieron justicia a su arte, en Colores Morenos (Audivis, 1994) sí que se pueden encontrar destellos de su genialidad y carácter. Momentos (Juglar Recordings, 2007) pertenece a una de sus etapas de recuperación y contiene la emoción del reencuentro y la recuperación de un cantaor que parecía perdido, pero que, como en ese caso, siempre volvíamos a encontrar. Cantes de El Torta también se encuentran en el primero de los discos del guitarrista Manuel Moreno Junquera Moraíto Chico, Morao y Oro, de 1992 (Auvidis); y en la grabación La Plazuela de los Moneo, dedicado a su familia en 1999 (Mercurio). Sus últimos registros se pueden hallar en el disco V.O.R.S. Jerez al cante (2012), editado por BBK, donde dejó unas bulerías plenas de fuerza, musicalidad y jerezano compás.
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Aunque su eco era intemporal, se podría decir que El Torta era un cantaor de momentos y, si hay que elegir uno en especial, ese sería el de la Fiesta de la Bulería de su Jerez natal de la que era un verdadero rey. El ruedo jerezano y el bullicio que es costumbre en la celebración parecía constituir el medio donde el artista se sentía a gusto y donde ha dejado imborrables momentos en la memoria. Sin él, La Bulería, ya en llamativa crisis, posiblemente nunca va a ser igual.
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El Torta atravesaba en este último tiempo un etapa de especial fecundidad y actividad y, aunque la vida que había llevado había dejado sus estragos, decía encontrarse en su mejor momento en recientes declaraciones en la emisora de Radio Jerez de la Cadena SER. Se prodigaba por cuantos eventos y festivales era llamado. En el mes de septiembre actúo en el Teatro Central de Sevilla junto a la formación de flamenco eléctrico Mixto Lobo, en noviembre estuvo en el Festival Catalunya Arte Flamenco, y en el de diciembre en fiestas flamencas de navidad (zambombas) tanto de Jerez, donde actúo el pasado domingo, como de otras ciudades de Andalucía.
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Su cuerpo fue velado en el Tanatorio de Jerez, donde se reprodujeron las lógicas escenas de dolor ante el fallecimiento del cantaor, que fue enterrado ayer por la tarde en el cementerio de Jerez, en presencia de familiares y amigos.

Juan Moneo Lara, natural de Jerez de la Frontera (Cádiz) en 1952. Hermano de Manuel Moneo. Conocido por “El Torta” destacó en sus actuaciones en peñas flamencas y festivales de su comarca. En 1972 obtuvo el premio de Soleares en el Concurso de Mairena de Alcor. Y en 1985, actuó en el tablao Los Canasteros de Madrid y en el Círculo de Bellas Artes. Formó parte del Tablao jerezano El Duende. Ha grabado en discos y sobresale por soleares y bulerías. Además de ser un fiel exponente de la cultura gitana de Jerez, se preocupa a la vez de renovar los cantes en línea melódica, desde 1991 ha colaborado en varios discos de la colección Flamenco Vivo, consagrada a Jerez, siendo “Colores Morenos” el CD que lo tuvo a él como cantaor único. Más recientemente grabó un CD / DVD denominado Momentos (2007) grabado en El Juglar sala de conciertos de Madrid.
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Para “El Torta” el hecho de grabar es un sacrificio, es más auténtico en peñas y festivales donde vuelca toda su sabiduría porque está seguro de poder volcar todo su arte. Casi la totalidad de sus cantes son con letras propias.

Juan Moneo es un cantaor de raza, de sangre, de familia como hay muchos en toda Andalucía, cantan cuando quieren, donde están a gusto, entre cabales, en fiestas íntimas, familiares y en juergas con los amigos. Descendiente y heredero de la familia de “Los Pacotes”, cuyos exponentes más contemporáneos, ya fallecidos, fueron Tío Pacote, Tío Jacinto y Luis de Pacote.
Fue un estudioso del arte y cante más tradicional, lo que le valió varios premios, entre ellos el premio de Soleares en el Concurso de Mairena del Alcor, con 19 años
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No muy dado a grabaciones, prefirió “peñas flamencas” o espectáculos y festivales en directo

Álbumes grabados: “Al compás del nuevo alba” (Izquierdo, 1984), “Luna Mora” Dro East West, 1989-2002), “Colores Morenos”(Audivis Ethnic, 1994) y “Momentos” (Juglar Recordings, 2007). .
Colaboraciones: participó en la película Flamenco de Carlos Saura. Colaboró en discos como “Jerez, Fiesta y Cante Jondo” o “La Plazuela de los Moneo” y en el Disco-Libro de Migue Benitez “Migue Benitez y los Matajare 9 Como Apretar los Dientes” cuya canciones es “Viviendo Sin Freno”.

Fue un artista de genio, lo que le generó mucha polémica con algunos desplantes en sus actuaciones y cantes a la heroína.
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La familia Moneo, fieles exponentes del auténtico cante de Jerez, actualmente está compuesta por Manuel Moneo, sus hijos El Barullo y Macarena Moneo, Juan Moneo El Torta, del que nos ocupamos hoy y el Tío Chico, todos ellos en la misma línea del Duende del cante de la Plazuela.
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Descanse en Paz ….se nos va un duende

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Concierto de Año Nuevo en Viena. !!!!Feliz Año Nuevo!!!!

El Concierto de Año Nuevo (alemán: Das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker) de la Orquesta Filarmónica de Viena es un concierto que tiene lugar cada año en la mañana del 1 de enero en la Sala Grande o Sala Dorada (Große Saal o Goldener Saal) de la Musikverein de Viena, Austria. Es transmitido a lo largo del mundo para una audiencia potencial estimada en 1.000 millones de personas en 54 países. Cada año, el mismo programa se interpreta también el 30 de diciembre (“ensayo general”) y el 31 de diciembre como “Concierto de San Silvestre” (Sylvesterkonzert).
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La música es, en su mayor parte, de la familia Strauss (Johann Strauss (padre), Johann Strauss (hijo), Josef Strauss y Eduard Strauss). Las flores que decoran la sala de conciertos del Musikverein son un regalo anual de la ciudad de San Remo, Liguria, Italia.
El concierto siempre termina con varios bises después del programa principal (propinas que no están incluidas en el programa). Los músicos entonces desean colectivamente un feliz Año Nuevo (Prosit Neujahr), y terminan con el vals de El Danubio Azul de Johann Strauss hijo, seguido de la Marcha Radetzky, de Johannn Strauss padre. Durante esta última obra, la audiencia aplaude al compás y el director se vuelve para dirigirla, durante breves instantes, en lugar de a la orquesta. Un quiebro en la tradición en tiempos recientes fue durante la edición de 2005, dirigida por Lorin Maazel, cuando el programa terminó con el vals del Danubio Azul como una señal de respeto por las víctimas del Terremoto del Océano Índico de 2004.

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Barenboim dirigirá el Concierto de Año Nuevo 2014
Según informa la firma Sony, Daniel Barenboim volverá a ponerse al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena para dirigir el Concierto de Año Nuevo de 2014. Se celebrarán así 25 años de colaboración entre la orquesta y el pianista y director nacido hace 70 años en Buenos Aires, quien ya dirigió el concierto en 2009. La grabación del mismo llegará a las tiendas en enero en los formatos CD, DVD, y Vinilo.

La decisión de confiar de nuevo este concierto a Barenboim es un reconocimiento no solo musical, sino también al coraje personal del director y a “sus esfuerzos, sostenidos por una gran valentía y valorados en todo el mundo, de tender puentes y conciliar lo aparentemente inconciliable”. En definitiva, un homenaje al empeño del músico nacido en Buenos Aires y de origen judío para, a través del arte, allanar el camino hacia una convivencia pacífica de israelíes y palestinos.
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Como es tradición, el programa girará en torno a los valses y polcas de la familia Strauss (Johann padre e hijo , así como Josef y Eduard Strauss ), e incluirá obras de otros compositores de la época. La fórmula combina clásicos conocidos con obras rara vez escuchadas.

El concierto de Año Nuevo conmemorará el próximo 1 de enero el primer centenario de la I Guerra Mundial (1914-1918), así como el 150 aniversario del nacimiento del compositor Richard Strauss.

El comienzo de la Gran Guerra será recordado con la interpretación del Vals “Friedenspalmen” (Palmeras de la Paz), de Josef Strauss, en el recital con el que la Orquesta Filarmónica de Viena da la bienvenida al año nuevo.
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El atril estará ocupado este año por el director Daniel Barenboim, conocido por sus esfuerzos para acercar a israelíes y palestinos, y que ha querido incluir en el recital de este año ese mensaje de recuerdo a la guerra, informa la radiotelevisión austríaca ORF.

Además, los filarmónicos vieneses recordarán el 150 aniversario de Richard Strauss, con la probable interpretación de “Mondscheinmusik”, según un programa, aún no oficial, que circula por internet.

La edición número 56 del concierto de Año Nuevo tendrá como eje esencial una vez más las marchas, valses y galops de la dinastía Strauss (nada que ver con Richard), especialmente de Johann hijo.

De él sonarán piezas como “Marcha egipcia” o el “Klipp Klapp Galopp”

Además, están previstas piezas de Joseph Hellmesberger y de Joseph Lanner y, por supuesto, el tradicional fin de fiesta con la “Marcha Radetzky”.

La música estará acompañada en la retransmisión por televisión de varias piezas de ballet, tanto previamente grabadas en el Palacio Liechtenstein, como en vivo en el propio Musikverein donde se celebra el concierto
Historia
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Muchos músicos de la Filarmónica de Viena acabaron sus días en los campos de exterminio y oLa Filarmónica de Viena conmemoraba sus 75 años de la Anschluss («anexión») –la incorporación de Austria a la Alemania nazi el 12 de marzo de 1938– publicando un informe sobre la historia de la orquesta austriaca durante el nazismo. «En 1938, la política interviene de manera brutal en la Filarmónica: los nazis despidieron a todos los artistas judíos de la ópera estatal y disolvieron la Asociación Filarmónica de Viena», reza la introducción al informe titulado «La Filarmónica de Viena durante el nazismo (de 1938 a 1945)». El informe continúa: «Once miembros de la orquesta no despedidos y que estuvieron casados con judíos fueron estigmatizados como «Halbjuden» («semijudíos») y vivieron bajo la constante presión de cancelarse su ‘permiso especial’». Una de las más llamativas conclusiones es que el Concierto de Año nuevo se «inventó» en esa época, gracias a la iniciativa de un amigo del ministro Goebbels.

Casos concretos para la vergüenza

Algunos casos recuerdan aquella vergüenza: El primer violinista de la orquesta, el jubilado Moriz Glattauer, fue deportado a la edad de 72 años junto a su esposa Anna el 14 de julio de 1942 al campo de concentración de Theresienstadt, donde murió el 2 de febrero de 1943. Su mujer, Anna Glattauer, fue llevada a Ausschwitz en mayo de 1944 y probablemente asesinada por gas.
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Hugo Burghauser, primer fagot de la Filarmónica, se ve obligado a exiliarse de Austria el 12 de septiembre de 1938 y es separado de la orquesta por «fuga ilegal». Burghauser, que entró a la filarmónica en noviembre de 1919, huye primero a Toronto y luego a Nueva York donde desarrolla el resto de su carrera y muere en 1982.

El violinista de la Filarmónica Paul Fischer fue «prejubilado» por la nueva dirección de la orquesta el 23 de marzo de 1938, fueron además anuladas todas sus actividades como músico. El hijo mayor de la familia Fischer, de 26 años, muere en 1941. Le sigue su padre, el violinista: el 4 de noviembre de 1942 a los 66 años en un hospital judío de Viena.
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Luego de intensas presiones por la falta de transparencia sobre su capitulo nazi, la Filarmónica encargó una investigación a un grupo de historiadores independientes formado por Bernadette Mayrhofer, Fritz Trümpi y Oliver Rathkolb y que está siendo publicado en la web de la orquesta austriaca. Según Mayrhofer, un total de trece músicos activos y otros tres jubilados fueron deportados u obligados a huir durante el nazismo; cinco miembros judíos fueron asesinados, otro murió a consecuencia del desahucio de su casa y otro falleció ante la amenaza de la deportación. Según el director de la Filarmónica, Clemens Hellsberg, «Hacía tiempo que se necesitaba una mirada desde afuera», reconociendo además «gran presión mediática».
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Problemas también en la posguerra

Uno de los temas que más escándalo ha causado en la opinión publica ha sido sin embargo la postguerra de la Filarmónica: tras el fin de la guerra apenas hubo despidos de músicos nazis, que llegaron a ser más de la mitad de los 123 titulares o el hecho de haber entregado la réplica de un Anillo de Honor –la más alta distinción de la Filarmónica de Viena– al criminal de guerra nazi Baldur von Schirach cuando salió luego de 20 años de cárcel –condenado por el Tribunal de Nuremberg–, en 1966.

En base a testimonios, se ha llegado a confirmar que el trompetista nazi colaborador de la Gestapo, Helmut Wobisch –gerente de la Filarmónica entre 1954 y 1968–, habría sido quien entregó el anillo a Schirach. Y en el capítulo sobre el Concierto de Año Nuevo, tampoco se mencionaba en la web con claridad que ese espectáculo, hoy el más popular de la música clásica, se creó en 1939, en plena época nazi, por iniciativa de Clemens Krauss, un amigo íntimo del ministro de Propaganda nazi Joseph Goebbels.tros fueron estigmatizados como medio-judíos
image(concierto de 1939)
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El concierto se celebró por primera vez el 31 de diciembre de 1939 (con un ensayo público el día anterior), como “concierto extraordinario” (Außerordentliches Konzert), dirigido por Clemens Krauss y bajo el gobierno de Adolf Hitler (en esa época Austria formaba parte de Alemania como Ostmark). En este caso solo se interpretaron obras de Johann Strauss (hijo), y concluyó con la obertura de Die Fledermaus. El siguiente concierto se celebró el 1 de enero de 1941, recibiendo ya el título definitivo de “concierto de año nuevo”. Krauss se hizo cargo de la dirección del concierto cada año hasta su muerte, salvo dos años en los que cedió la batuta a Josef Krips. A partir de 1954, la dirección la asumió el primer violín de la orquesta, Willi Boskovsky, que se mantuvo en el puesto durante 24 años. En 1958, Boskovsky introdujo la tradición de acabar el concierto con El Danubio Azul y la Marcha Radetzky. Tras su retirada, en 1979, tomó su lugar el entonces director de la Ópera Estatal de Viena Lorin Maazel. A partir de 1987, cuando la orquesta concedió el honor de dirigir el concierto a Herbert von Karajan, se decidió que cada año dirigiera el concierto un director invitado distinto.1 En 1991, por primera vez en la historia del “Neujahrskonzert”, se tocó una obra de Mozart: la obertura de Las bodas de Fígaro, como homenaje al compositor al conmemorarse ese año el bicentenario de su fallecimiento. Del mismo modo, en 2013, año del bicentenario del nacimiento de Wagner y Verdi, se tocaron sendas obras de ambos compositores.image
El “Concierto de San Silvestre” (Sylvesterkonzert), con el mismo programa del de Año Nuevo, se celebra desde el 31 de diciembre de 1952, y el ensayo general, o “pre-representación” (Voraufführung), desde el 30 de diciembre de 1962, entonces como un concierto privado para miembros de las Fuerzas Armadas de Austria, y desde 1998 con parte del aforo a la venta para el público.
Desde 1959 el concierto se transmitió en directo por televisión, primero por la emisora local ORF, y después por Eurovisión a toda Europa y gran parte del mundo. Durante varios años el concierto ha sido retransmitido para Estados Unidos por PBS. Comenzando en 2006, una serie de países africanos (Botsuana, Lesoto, Malaui, Mozambique, Namibia, Zambia y Zimbabue) e hispanoamericanos (Ecuador, Bolivia, Chile, México, Guatemala y Uruguay) lo retransmite a sus telespectadores. En la edición de 2013 fueron 81 los países a los que fue transmitido.2 En 2010 el concerto fue transmitido por primera vez en directo en alta definición y a través de Internet.
En 2007 se pudo presenciar cómo, por primera vez, una pareja de bailarines ejecutaba en directo, desde los salones y pasillos de la Musikverein el vals de El Danubio Azul, acabando en el salón principal de conciertos saludando al director de orquesta. Fueron la española Lucía Lacarra y su marido, Cyril Pierre, que insistieron en que se hiciera de ese modo, ya que hasta entonces todas las secuencias de ballet que emitía la ORF estaban previamente grabadas.
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Debido a la gran demanda de localidades para asistir a este concierto, las entradas se adjudican por un sorteo. Desde el día 2 hasta el 23 de enero de cada año, los interesados presentan su solicitud en la página web de la Filarmónica de Viena, especificando si desea asistir al concierto de Año Nuevo (1 de enero), al de San Silvestre (31 de diciembre) o al Ensayo General (30 de diciembre), todos con los mismos intérpretes y programa (se puede solicitar para los tres, pero en peticiones separadas). Una vez concluido el periodo de solicitud se realiza el sorteo y se comunica a los agraciados el resultado. Los precios de las localidades para el concierto de 2012 oscilaban entre los 30 y los 940 euros para el concierto de Año Nuevo y entre 130 y 380 para el ensayo general.
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Porque tomamos uvas en Fin de Año.¡¡FELIZ 2014!!.

imageLas doce uvas es una tradición de origen español y extendida a otros países hispanoamericanos como México, Venezuela, Bolivia, Argentina, Ecuador, Perú, Chile, Colombia,Costa Rica etc. Consiste en comerse 12 uvas, una por cada campanada a las 12 de la noche del 31 de diciembre (Nochevieja).
El lugar tradicional de las 12 campanadas en España es la Puerta del Sol (Madrid), donde se encuentra el conocido reloj de la Casa de Correos .
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EL RELOJ

En la historia de la Puerta del Sol el tiempo era medido por los paseantes de la Puerta del Sol desde el siglo XVIII mediante el primitivo reloj ubicado en la fachada de la Iglesia del Buen Suceso. Dicho reloj poseía una sola manecilla y era objeto de numerosas paradas debido a su mal funcionamiento. Esta situación causaba irritación entre los madrileños que se acercaban a la Puerta del Sol. Tras el derribo de la la Iglesia del Buen Suceso en 1854 no queda claro si la maquinaria fue a la Casa de Correos o fue definitivamente retirado. Fue puesto un reloj en la parte superior de la Casa de Correos, pero las innumerables paradas de la maquinaria continuaron irritando a los madrileños.
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Imagen de la Iglesia en la Puerta del Sol al fondo en 1854 (justo antes de la gran reforma de la Puerta del Sol).
El reloj de la Iglesia sería importante durante este periodo hasta que fue instalado uno de mejor prestaciones en la Casa de Correos.2 Su demolición coincidió con la desamortización de Mendizabal que dejó hueco a la ampliación posterior que se hizo en la Puerta del Sol.
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imageEn 1863 el relojero leonés José Rodríguez Losada (conocido simplemente por el apodo Losada) que había construido cronómetros marinos de precisión para la Armada Española decidió reunirse con las autoridades municipales de la época y donó gratuitamente la maquinaria de un nuevo reloj más preciso que substituyera al viejo e impreciso reloj de gobernación.

José Rodríguez Losada o José Rodríguez de Losada (n. 8 de mayo de 1797 en Iruela – 6 de marzo de 1870 en Londres) fue un relojero español de mediados del siglo XIX, que firmaba sus obras J. R. Losada. Fue un militar liberal, que se exilió en Londres. Es famoso por haber donado gratuitamente al Ayuntamiento de Madrid el Reloj de Gobernación que preside la Puerta del Sol de Madrid (1866).De la fama y tesón de este leonés hay diversos poemas realizados y dedicados por su gran amigo José Zorrilla.

El 8 de mayo de 1797 nace José en un pueblecito de la provincia de León denominado Iruela. Su padre Miguel Rodriguez y su madre María Conejero.1 Su nombre debería haber sido José Rodriguez Conejero pero era costumbre que las personas al emigrar, máxime si era de condición noble, que adoptaran el apellido de la jurisdicción donde habían nacido, y como Iruela pertenecía a Losada, el adquirió de mayor ese apellido. Poco se sabe de su infancia, se sabe por rumores que a la edad de diecisiete años pastoreaba con las vacas de su familia en el Teleno.3 Cuidaba José las vacas cuando se le perdió una ternera durante la noche, a pesar de ello la buscó con terrible miedo de las represalias de su familia al enterarse de la pérdida del animal. Tras ver muerta a la ternera huye hasta que en Puebla de Sanabria es recogido por un arriero que le lleva a Extremadura. Tras este incidente de juventud, algunos años después aparece en Madrid como Oficial del Ejército Español durante el periodo del Trienio Liberal. Se conoce esta prefesión en esta etapa de su vida gracias a que figura en el expediente para la concesión de la condecoración de Caballero de la Orden de Carlos III, que se le otorgó por Real Decreto.
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Huye a Francia desde Madrid recorriendo el trayecto a caballo, perseguido por la justicia hasta el último instante.5 Esta huida está causada por darle en España como fugitivo a causa de sus tendencias liberales. De Francia acaba en Londres (Inglaterra) y se desconoce las causas de esta elección, aunque Londres era uno de los destinos habituales de los emigrados liberales al amparo del «Comité de Ayuda a los Emigrantes».6 El Comité le obtuvo en los primeros días de exilio un simple trabajo como mozo de limpieza en una relojería. Se menciona como ya desde los primeros meses con las simples maquinarias deshechas y tiradas a la basura Losada componía verdaderos relojes.
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Cronómetro marino de Losada

Poco a poco bajo la estricta vigilancia del maestro relojero Losada, gracias a su natural habilidad, va logrando confianza hasta llegar a Oficial Relojero. La vertiginosa capacidad de Losada adquirida en Londres hace pensar que antes en Madrid ya tuvo la afición, pero algunos de los biógrafos desestiman tal posibilidad.8 El dueño de la relojería cae enfermo de una larga enfermedad y es José el encargado de substituirle durante la convalecencia. Finalmente muere el jefe y Losada hereda el negocio que lo expande en el mercado Español e iberoamericano. Pasaron tan sólo cinco años desde que se fue huyendo de la justicia en España.

Tres años tardó en construir el nuevo reloj y finalmente el 19 de noviembre de 1866 el nuevo reloj fue inaugurado por Isabel II como conmemoración de su cumpleaños.
La campana del reloj posee una dedicatoria.
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No es el único que fuera obra del relojero Losada, hubo también relojes de torre del Ministerio de Fomento, el ubicado en la Catedral de Málaga (1868), donado por Juan Larios, el reloj-farola de Jerez de la Frontera, el llamado “péndulo grande” del Colegio Naval de San Fernando, en Cádiz, entregado en 1859, el del Ayuntamiento de Sevilla y el del Colegio de los Escolapios de Getafe.
El reloj fue colocado bajo un modesto templete sobre el techo del edificio en 1867.
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Durante la Guerra Civil Española durante la defensa de Madrid la Puerta del Sol fue testigo de varios bombardeos, en una ocasión se produjeron daños en la torreta que afectaron a las esferas del reloj. Ya durante el periodo de post-guerra las señales horarias del reloj eran emitidas por Radio Nacional de España como referencia horaria en los diarios hablados. En el año 1952 el embajador de Venezuela mediante propuesta del Ayuntamiento de Caracas hizo una oferta al Ayuntamiento de Madrid para comprar el reloj, pero finalmente no se llegó a un acuerdo.

LAS UVAS
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Según la tradición, en la mesa se colocan 12 uvas delante de cada comensal que simbolizan los 12 meses del año y que deben comerse con cada una de las campanadas del reloj.

Generalmente su origen se remonta entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX siendo la teoría más extendida la que sitúa su origen en un excedente de uva por parte de agricultores de Alicante y Murcia.
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El 2 de enero de 1894 “El siglo futuro” incluye un artículo del día anterior de El imparcial titulado “las uvas bienhechoras” en el que se habla de la costumbre “importada de Francia, pero ha adquirido entre nosotros carta de naturaleza”.

El 2 de enero de 1894 en El Correo Militar: “La imperecedera costumbre de comer las uvas al oir sonar la primera campanada de las doce, tenía reunidas en fraternal coloquio á infinidad de familias, y todos á coro gritaron: ¡Un año más!”.

En la Nochevieja de 1895 aparece una referencia escrita sobre las doce uvas, en esta fecha fue el Presidente del Consejo de Ministros quien despidió el año 1895 con uvas y champán.
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El origen de la tradición de comer las uvas tiene un precedente: un bando municipal del alcalde de Madrid, José Abascal y Carredano, de diciembre de 1882, por el que se imponía una cuota de 1 duro (cinco pesetas) a todos los que quisieran salir a recibir a los Reyes Magos.

Esta tradición servía para ridiculizar a algunos forasteros que llegaban esos días y a quienes se les hacía creer que había que ir a buscar a los Reyes Magos la madrugada del 5 de enero; se utilizaba, además, para beber y hacer cuanto ruido se quisiera.

Con este bando José Abascal privó a los madrileños de la posibilidad de disfrutar de un día de fiesta en donde se permitiese casi todo. Esto, junto a la costumbre de las familias acomodadas de tomar uvas y champán en la cena de Nochevieja, provocó que un grupo de madrileños decidieran ironizar la costumbre burguesa, acudiendo a la Puerta del Sol a tomar las uvas al son de las campanadas. Estos son los antecedentes que dieron lugar a esta costumbre.
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El inicio de esta tradición española no comienza en 1909, como se cree, sino, al menos, en diciembre de 1896 en la Puerta del Sol madrileña.

La prensa madrileña ya comentaba en enero de 1897″Es costumbre madrileña comer doce uvas al dar las doce horas en el reloj que separa el año saliente del entrante”. Al año siguiente la prensa animaba a esta tradición con un artículo titulado “Las Uvas milagrosas”.

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La tradición marca tomar las doce uvas a los pies del reloj de la Puerta del Sol, pero esta tradición provocó tanto interés que ya en 1903 las uvas también se comían en Tenerife y poco a poco se fue ampliando al resto de España, aunque la tradición marca que deben tomarse en la Puerta del Sol.

La prensa de 1909 se queja de que esta tradición, supuestamente importada por los aristócratas de Francia o Alemania, se haya arraigado tanto en la sociedad y la clase más baja la haya adoptado cuando en sus primeros años se burlaba de esto.

Esta tradición ya se conoce en toda España en 1903, aunque no será hasta años después que se extienda a todo el territorio nacional.

Aunque queda claro que la tradición, documentada desde diciembre de 1897, algunos la retraen a 1880,pero sentando en diciembre de 1896, el inicio cierto de la tradición de comer doce uvas al compás de las doce campanadas del reloj de la Puerta del Sol
En 1909, agricultores levantinos de Almería, Murcia y Alicante, encontrándos en ese año con excedente de uva y con objeto de sacar al mercado la producción, lograron popularizar la costumbre y darle el impulso definitivo que, desde entonces, acabaría por convertirla en consolidada tradición.
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En España se utilizan uvas frescas, siendo la variedad más consumida la uva del Vinalopó. En otros países, como en Argentina, se comen doce uvas pasas. Aunque el porqué de ser doce no se tiene claro si es por los «doce meses», una uva por cada mes, o si es por las “doce campanadas”, evidentemente, una uva por cada toque de campana.

Según la tradición, se cree que el que se coma las doce uvas al compás de las campanadas tendrá un año próspero. Ciertas casas comerciales vieron en esta tradición una buena oportunidad y a principios de los años 2000 comenzaron a comercializar botes individuales con doce uvas, peladas y sin pepitas.
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La retransmisión de las doce campanadas comenzó en Televisión Española en el año 1962, anteriormente se seguía únicamente por radio.16 Durante muchos años, sobre todo cuando sólo existían las dos cadenas de televisión pública, se televisaban desde la Puerta del Sol de Madrid, salvo las de 1973, retransmitidas desde Barcelona.
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Por el reloj de la Puerta del Sol, 35 segundos antes de las doce, una bola en lo alto del reloj baja, sonando un carillón. Después suenan cuatro campanas dobles representando los cuatro cuartos, y por último, a las doce en punto comienzan las doce campanadas, una cada tres segundos aproximadamente.
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Durante muchos años, únicamente la voz de un locutor comentaba las imágenes de las campanadas. Puede mencionarse, entre ellos a Matías Prats Cañete (1967, 1970).

Aún hoy en día se recuerda el fallo de Marisa Naranjo en el paso a 1990 cuando dijo que las doce campanadas eran los cuartos e instaba a los espectadores a esperar, diciendo que comenzaban las doce campanadas, justo cuando sonaba la última por el reloj.19 Un fallo similar le ocurriría a Irma Soriano unos años más tarde (se recuerda su frase quejándose al equipo: “¡no he oído carillón! ¡no he oído cuartos!”).
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La frecuencia de las campanadas, según Ortiz, será esta Nochevieja la misma que la de los últimos años, así que los millones de españoles que reciban al son de sus campanas el año nuevo dispondrán de tres segundos por uva, ni uno más ni uno menos.
Veintiocho segundos antes de la primera campanada, caerá por su propio peso la famosa bola del reloj, y los cuartos que avisan de que ya se está aproximando la hora de comerse la primera uva comenzarán a oirse cuando falten veinte segundos.

En ese mismo paso a 1990, Antena 3 realizó, estando aún en emisión en pruebas, la primera retransmisión en directo de las doce campanadas por una emisora privada española, y por primera vez con un presentador en pantalla (fue en aquella ocasión Mayra Gómez Kemp en un estudio a medio construir).20 Esto sería incorporado a Televisión Española en el paso a 1991, siendo el dúo humorístico Martes y Trece los primeros presentadores delante de la cámara.21 El presentador que más ediciones ha retransmitido las campanadas ha sido Ramón García con 11 ediciones en TVE y 2 en Antena 3. Otros presentadores en las distintas emisoras han sido el dúo Cruz y Raya, Ana Obregón, Carmen Sevilla, Joaquín Prat, José María Iñigo, Mercedes Milá, Paloma Lago, Isabel Pantoja, Raffaella Carrá, Carmen Maura, Anne Igartiburu y José Mota entre otros.
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Algunas emisoras, especialmente las autonómicas, se desplazan a otros relojes distintos de la Puerta del Sol, siendo Telecinco el canal generalista que más ha cambiado de reloj. Las últimas campanadas de paso a 2008 las realizó desde Zaragoza. Constituyó un escándalo su retransmisión desde el puerto de Galicia con doce barcos a modo de campanas, ya que se comprobó que la retransmisión había sido grabada debido a inclemencias meteorológicas, y se emitió varios minutos antes de tiempo.
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Más tradiciones de Nochevieja

Existen diversos ritos y tradiciones para recibir el año nuevo con buen pie. Muchos se marcamos nuevos objetivos y otros quieren que sus deseos se cumplan en el año venidero.

• Atraer la buena suerte: Llevar ropa interior roja. Se cree que esta costumbre viene de China y Vietnam. En esto países se llevar ropa interior roja o amarilla atrae a la buena energía.
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• Prosperidad económica: Llevar dinero en el zapato o bien lavarse las manos con cava y azúcar.

• Si uno de tus objetivos es viajar más: sacar las maletas y dejarlas fuera frente a la puerta de casa.
Correr con una maleta, subirse a una silla con una maleta, dar una vuelta a la casa arrastrando una maleta o sacar las maletas a la puerta de casa en Nochevieja puede hacer que viajemos más.

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• Para conseguir amor: Encender velas blancas, rojas y verdes y dejarlas encendidas hasta que se consuman.
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- Velas blancas: Las velas blancas se utilizan para la pureza, la verdadm la sinceridad, la honestidad y la espiritualidad
- Velas rojas: Las velas rojas se utilizan para la fuerza, la salud, el deseo sexual, el vigor y las pasiones.
- Velas verdes: Las velas verdes se utilizan para la fertilidad, la suerte y la prosperidad.

Sea cual sea su tradición, les deseamos un Muy Feliz Año Nuevo!!!!

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Tomasito, a su aire!!!

imageTomasito, artista flamenco de varias disciplinas originario de Jerez de la Frontera. Su nombre completo es Tomás Moreno Romero, nacido en 1969, viene de una familia de flamencos (es hijo de La Bastiana).1 Realiza una fusión muy propia de flamenco con otros ritmos: pop, rock, hip hop, funky, etc.
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Trayectoria

En los 90 destacó su gran éxito Camino del hoyo. Acompañó a Ketama en su gira.
En 2006 se une a Kiko Veneno, Muchachito Bombo Infierno y Ratón y Canijo de Los Delinqüentes para formar una superbanda llamada G-5 (grupo) con la que editan el disco Tucaratupapi en Noviembre del mismo año2 . La banda, en principio, no da conciertos y se limita a la edición del disco y a tocar en algunos programas de TV.
En 2013 se reúne con Muchachito Bombo Infierno , El Canijo de Jerez (Los Delinqüentes), Lichis (La Cabra Mecánica) y Albert Pla para formar La Pandilla Voladora e iniciar una gira y grabación de disco.
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Si, como quería Bergamín, al principio estaba el disparate, Tomasito (Jerez, 1969) lleva ahí mismo toda la vida. Destacada figura del realismo mágico de la frontera Tomás Moreno, tal vez el mejor cantaor de los bailaores (o el mejor bailaor de los cantaores), aparece por el bar con una chapa de AC / DC en su chaqueta de cuero rígido y un pañuelo estampado de seda, y la mezcla invita a concluir porqué en su último disco, titulado Azalvajao (El Volcán), que anda defendiendo en una gira por España, Frank Zappa se las entiende con Pericón de Cádiz.
Las mañanas de RNE – Tomasito se considera ‘Azalvajao’ en su último disco

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23 dic 2013
Tomasito aparece en la portada de su nuevo trabajo Azalvajao, enfundado en un body de estampado de leopardo. Es su primer álbum autoproducido y el cantante nos ha contado en directo que el disco se compone de once historias “surrealistas pero muy reales” como la de “Señores ladrones”, inspirada “en las cuarenta veces” que han robado a su suegro, o “La tata”, sobre su experiencia en el Sáhara. Una entrevista tan divertida, revoltosa y dinámica como él, que merece la pena no perderse. ¡Escúchala! (23/12/13).

Él explica que se ha inventado un sonido, “el sonido Kaño Loko”, actualización de la estética de funk gitano y rumba de fogata de Las Grecas, Los Chorbos y otros representantes de aquella estética Caño Roto de fango y heroína de los setenta.
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“Aunque lo que de verdad pasa”, añade con los nudillos al compás sobre la mesa de formica, “es que soy un improvisador. Ya me lo decía Lola Flores, que la gente cree que no me entero de ná, porque voy así, flipao. Pero ella decía: ‘Tomás, tú puedes ser lo que tú quieras ser en la vida’. Y yo le decía: ‘Vale, tita’, sin entender demasiado. Y al cabo del tiempo haciendo mis discos me di cuenta de que tenía razón, que podía hacer lo que me daba la gana. Bailar a mi aire, que es lo que he hecho toda la vida”.

La cosa ha permanecido inalterable en lo esencial desde aquellas primeras veces en Jerez, en las que se arrancaba con la música del anuncio de Mr. Propper o en la Fiesta de la Bulería, “cuando podías ver a todo el escalafón, del último mono a Camarón”. En los “tablaos, en las bodeguitas”, cuando le “daban 10.000, 15.000 pesetas” y le decían “Venga niño, cántate algo” y él revolucionaba sin saberlo el baile flamenco, introduciendo elementos de la cultura hip-hop, el claqué y otras geniales astracanadas.

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Desde entonces, la gente, como Lola Flores, su primera patrona, quiere tener cerca a Tomasito, al menos esa parte de la gente que sabe que el disparate es un envidiable arte, subversivo y liberador. La Faraona contó con él hasta el final; al día siguiente de su muerte tenían pendiente una gala televisiva. Para hacerse una cabal idea de lo que resultaba de aquella suma, basta teclear en YouTube ambos nombres y verán a Tomasito taconeando como un contorsionista sobre sus manos.

Después vendría el contrato discográfico con una multinacional, de esas que ahora mismo si alguna vez vieron a un artista de verdad, no se acuerdan. “En Sony me dieron casi medio millón de pesetas para ropa. Yo no sabía quién era Moschino, ni Armand Basi, ni ná. Me dieron un adelanto y me pusieron el ojo derecho”, recuerda. Y después, la conversación zapatea libremente, por bulerías, claro, hacia asuntos como el día en que, ya mayor, decidió retomar el colegio (“Sociales me lo sabía, como he estado en todo el mundo con Wynton [Marsalis, trompetista de jazz]”), hacia las juergas con Carmina Ordóñez y su “tío” Diego Carrasco, otro catedrático del disparate, o aquella vez en que se libró de la mili “por pesao” y “por desviación de cadera”.
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Cuesta vencer la tentación de relacionar el dato con su heterodoxa forma de bailar, aunque en Tomasito las explicaciones científicas sirvan de poco. “Compongo con una guitarra del Lidl: 50 pavos con afinador y todo”, dice. “Tengo un sonido perro, callejero, que es el que tengo que tener. Además, con tres niños corriendo por la casa, te arriesgas a que te la pisen y la partan. Y el día que tenga frío, pues me puedo calentar. La echo a la candela ligero”. Con ella, explica, ha compuesto la mayor parte de Azalvajao, que cuenta con joyas como el tema que da título al disco, Señores ladrones, junto a El Canijo de Jerez, comentario social “basado en hechos reales”, Soy un limón o Ella me quiere, dúo con Bebe que alguien ha definido como el Je t’aime, moi non plus del flamenco.
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Más tarde, la noche continúa en un concierto de su “compadre” Muchachito Bombo Infierno, que además es compañero del súpergrupo de rumba La Pandilla Voladora, junto a Albert Plá, Lichis y el Canijo. Y cuando te quieres dar cuenta, Tomasito se ha escabullido entre el público para subir al escenario y cantar Camino del hoyo, uno de sus clásicos, que incluyó en un disco compartido con Los Delinqüentes. No ha acabado en paños menores, como es costumbre. Después, atempera el entusiasmo: “Puede parecer que voy demasiado a mi aire, pero siempre cumplo. He tenido que estar muy chungo para no tocar. Me han criado para respetar los compromisos profesionales. Siempre me dijeron que si tú vas a una fiesta, lo primero y primordial es que te paguen. Que tienes que acabar menos ciego que el señorito. Si te quieres colocar, bien, pero siempre más fresco que el que paga”.
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Ruta de los Belenes en Granada

Cada año el Ayuntamiento de Granada organiza un concurso de belenes y otorga varios premios para fomentar esta tradición.

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Hay tres modalidades: histórico, tradicional y popular, según la fuente de inspiración del belén. También hay premios en la modalidad infantil para belenes hechos por niños.

Esta representación plástica del nacimiento de Jesús es una tradición que viene del siglo XIII, o incluso antes, aunque se debe a San Francisco de Asís y a la orden franciscana su propagación por todos los países de tradición católica.

En cada rincón de la ciudad surgen bonitas escenas de la Natividad. Algunas llegan a medir hasta 15 metros de longitud, como el Belén Monumental que realizó la asociación de vecinos del Realejo-San Matías en el Palacio de los Condes de Gabia el año pasado.
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Hay belenes más pequeños y entrañables en colegios, parroquias y asociaciones de todo tipo.

Hermandades y Cofradías participan en todos los barrios y se pueden encontrar en Granada belenes de gran valor artístico por la antigüedad de sus figuras y la relevancia del belenista que les dio forma.
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El montaje de los belenes es una compleja tarea, ya que en algunos casos desde después del verano se trabaja en la realización de estos monumentos efímeros que tanto llaman la atención. Detrás de cada obra hay incontables horas de trabajo necesarias para crear los múltiples detalles que cualquier belén tiene. Además, no hay que olvidar que, en muchas ocasiones, las propias figuras que componen las distintas escenas son auténticas obras de arte, algunas con siglos de antigüedad, como por ejemplo ocurre en el belén de la Casa de los Pisa, junto a Plaza Nueva, o el de la Hermandad del Carmen, en el convento de las Carmelitas Calzadas.
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El pesebre, los pastores, sus rebaños, las casas de madera, las montañas de corcho o el musgo que decora los nacimientos siguen llamando la atención de todos, y muy especialmente de los más pequeños. En ésta Navidad crece el número de belenes instalados en la ciudad, siendo las zonas del Centro y barrio del Realejo donde más nacimientos se han instalado. Desde el Zaidín a la avenida de la Constitución, pasando por el Camino de Ronda, la Chana o la calle San Juan de los Reyes, las propuestas son variadas, ya que aunque se repitan escenas y personajes, cada belén es distinto al resto. Incluso, se da ya el caso de comunidades de vecinos que comienzan a instalar sus belenes, como ocurre en el edificio Cosmópolis de la zona del Serrallo.
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No faltan siquiera recreaciones originales como el ‘Belén Napolitano Monumental’ que la hermandad del Viacrucis ha instalado en la iglesia de San Juan de los Reyes. Se trata de un montaje íntegramente artesanal, ya que las construcciones y figuras han sido ejecutadas a mano, incluso en la policromía, como en la factura de los ropajes. El belén, además, recrea la propia calle albaicinera donde se encuentra este templo y hay simpáticos detalles, poco habituales en un belén, como una mujer confeccionando capirotes de Semana Santa. Hay también belenes que, incluso, las propias figuras son de tamaño natural, como el de San Agustín en la calle San Antón.

Premios

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Cada año el Ayuntamiento de Granada organiza un concurso de belenes, dividido en varias categorías, para premiar a los mejores montajes. Este año han ganado, en la categoría de belenes históricos, –aquellos que representan fielmente escenas reflejadas en la Biblia sobre el nacimiento de Jesús–, los instalados por el Museo de San Juan de Dios en la Casa de los Pisa, la oenegé Sed de Los Maristas y la cofradía de la Estrella. En la categoría de belén tradicional los ganadores han sido el Centro San Rafael (San Juan de Dios), la Asociación Provincial de Mayores Vecinales y la hermandad de los Favores.
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En la categoría de belenes populares han conseguido galardón la asociación de vecinos del Bajo Albaicín, la hermandad del Rocío y la cofradía del Nazareno. Además, se conceden varias menciones: al belén más innovador, el del Hospital Materno Infantil; al mejor belén instalado en un escaparate, que es para el de Máquina de Coser Singer; el que mejor refleja la tradición de Granada, para la asociación de vecinos de Haza Grande y, por último, una mención especial a la integración en las tradiciones culturales de Granada a un comercio chino del Camino de Ronda. El belén de la asociación de vecinos del Barranco del Abogado también ha recibido un accésit.

Por otra parte, la Federación de Cofradías ha vuelto a convocar un concurso belenístico para las hermandades, que alcanza ya su undécima edición y que aún no se ha fallado. La mayoría de los belenes abren en horario comercial de mañana y tarde, y en algunos casos solamente por la tarde. Además, no falta un llamamiento a la solidaridad en muchos de ellos, ya que se invita a sus visitantes a aportar alimentos no perecederos o donativos para los que más lo necesitan en estas fechas.
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De esta manera, en Granada durante la Navidad del 2013 y hasta el 6 de enero del 2014 podrá visitar los belenes premiados en este concurso, además de muchos otros que están fuera de concurso, pero que se realizan cada año con cariño y con esmero para colmar las ilusiones de muchos niños y mayores.
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Si te interesa, puedes hacer una ruta por los mejores belenes de Granada para disfrutar del ambiente que hay en la ciudad durante la Navidad y el Año Nuevo. Te damos aquí algunas pistas para que veas alguno de ellos.

En la zona de Plaza Nueva, es obligado visitar el Belén del Museo de San Juan de Dios en la Casa de los Pisa (calle Convalecencia), primer premio dos años seguidos en la modalidad histórica.
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También, en esta zona puedes ver el Belén de la Catedral, situado junto a la entrada principal, y el Belén del Ayuntamiento, uno de los más visitados.

En el barrio del Realejo son muchas las Cofradías que organizan bonitos belenes en sus parroquias o en algún edificio emblemático.

La Cofradía del Nazareno realiza desde los años 80 uno de los belenes más premiados del barrio en el Convento de las Carmelitas Descalzas (Plaza de San Juan de la Cruz).

En la Iglesia de Santo Domingo la Hermandad de la Santa Cena instala su belén con mucho esfuerzo y paciencia, pintando y restaurando las figuras ellos mismos.

En la calle San Juan de Dios, cerca del Monasterio de San Jerónimo, en el Centro San Rafael los hermanos de San Juan de Dios nos muestran cada año su precioso belén, que ya fue primer premio la pasada Navidad y este año ha repetido premio en la modalidad tradicional.
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Y si quieres visitar algún belén realizado por colegios, te recomendamos el del Colegio Virgen de Gracia (Pza. de Gracia) o el de la Asunción (c/ Martínez de la Rosa), ambos en el centro.

El belén del Colegio de los PP Escolapios (Pseo. Basilios), cerca de la Iglesia de la Virgen de las Angustias, tiene gran encanto y larga tradición.

Posiblemente, en los centros escolares sea más fácil visitar los belenes antes de las vacaciones y dentro del horario escolar.

Por último, si visitas el Albayzín, encontrarás bonitos belenes hechos por asociaciones de vecinos, como la AAVV del Bajo Albayzín en la calle Zafra, primer premio en la modalidad de belenes populares en Granada, o los que realizan las muchas Hermandades en las iglesias o en algún otro rincón del barrio.
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Ten en cuenta que muchos de los belenes se inauguran pasado el puente de la Constitución y la Inmaculada, como a mediados del mes de diciembre. Los belenes que han sido premiados cada año se dan a conocer cerca del 20 de diciembre.
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María Pagés

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María Pagés nació en Sevilla. Es reconocida internacionalmente por su personal concepto estético del arte flamenco. Entiende el arte como algo ilimitado y ha conquistado un lugar propio en el panorama de la danza mundial.

Utilizando los códigos fundamentales del lenguaje flamenco e investigando dentro y fuera del mismo, Pagés ha demostrado ser una pionera en el entendimiento del flamenco como un arte en evolución, contemporáneo y vivo. Ha superado en sus coreografías las diferencias culturales, convencida de que los intercambios artísticos favorecen una mayor comprensión entre los seres humanos. Según sus palabras, el flamenco es un claro ejemplo de cómo la unión entre culturas, razas y religiones, puede crear un eco común.
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En 2002 obtuvo el Premio Nacional de Danza (Creación) y el Premio de Coreografía ADE en 1996. Se le concede el Léonide Massine 2004 per l’Arte della Danza “Al Valore”, siete Premios Giraldillo en la Bienal de Arte Flamenco de Sevilla y el Premio Cultura de la Comunidad de Madrid 2007, entre otros muchos reconocimientos y galardones.
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Comenzó su carrera profesional con la compañía de Antonio Gades. De sus colaboraciones cinematográficas destaca su participación en Carmen, El Amor Brujo y Flamenco, de Carlos Saura.image

En el año 1990 crea María Pagés Compañía y desde esa fecha, ha producido las siguientes obras coreográficas: Sol y Sombra (1990), De la luna al viento (1994), El Perro andaluz. Burlerías (1996), La Tirana (1998), Flamenco Republic (2001), Canciones, antes de una guerra (2004), Sevilla (2006), Autorretrato (2008), Flamenco y Poesía (2008), Dunas (2009) , Mirada (2010) y Utopía (2011). En 2002 coreografía para el Ballet Nacional de España Ilusiones FM.

imageA lo largo de estos años la Compañía ha estado presente en los mejores y más prestigiosos escenarios del mundo y también ha impulsado giras con fines sociales en países como la India, Mozambique, México y Honduras.
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En octubre de 2005 fue la compañía artística responsable del acto de inauguración de la Cumbre Iberoamericana celebrada en Salamanca. El acto inaugural incluyó el estreno de la coreografía sobre un poema de José Saramago: Ergo uma rosa.
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Mikhail Baryshnikov invitó a María a bailar en el BAC (Baryshnikov Arts Center) de Nueva York en el año 2007, proyecto que se completó con un trabajo de creación de la coreógrafa en residencia en el BAC.

En 2008 se estrena en el Tokyo International Forum, Autorretrato. Expresión de un momento de reivindicación y plenitud artística, la pieza contó con la complicidad del Nobel de Literatura José Saramago, que se involucró poniendo voz a su poema Ergo uma Rosa.

En octubre de 2009 el Teatro Real de Madrid programa a la Compañía María Pagés dentro de su temporada de danza. image

También ha colaborado con el tenor Plácido Domingo en Placido y la copla. En este año estrena el espectáculo Dunas, creado junto con el coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui, en el que ambos comparten el flamenco y la danza contemporánea, estableciendo un diálogo de gran contenido poético.

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En enero de 2010 dirige la Gala Inaugural de la Presidencia Española en la Unión Europea que tuvo lugar en el Teatro Real de Madrid. En esta gala comparte escenario con Tamara Rojo y crea una coreografía especial que ambas interpretan junto al Coro Nacional de España. En este mismo año se estrena con gran éxito Soleá pas de deux en el City Center de Nueva York, coreografía creada por María Pagés para Ángel Corella.

Mirada se estrena en Sevilla cerrando la temporada del Teatro de la Maestranza en junio de 2010, con el reconocimiento unánime de público y crítica.
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Su último proyecto, Utopía, estrenado en el Centro Niemeyer de Avilés en octubre de 2011, es una declaración de principios con forma de baile flamenco que nació de la admiración de la coreógrafa por el arquitecto y humanista brasileño Oscar Niemeyer (1907-2012), quien transmitió a Pagés, en distintos encuentros en su estudio de Copacabana, su mensaje de integridad, compromiso

Premio Nacional de Coreografía ADE 1996
Premio Nacional de Danza 2002 (Creación)
Siete Premios Giraldillo, Bienal de Arte Flamenco (ediciones XIII, XV, XVI y XVII)
Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo de la XV Bienal de Arte Flamenco
Premio Léonide Massine 2004 (Italia)
Premio Cultura Viva 2006; Premio Cultura de la Comunidad de Madrid 2007
Premio del Público del Festival de Jerez 2009
Medalla de Andalucía 2011
Premio Internacional Terenci Moix 2011
Premio Butaca 2011 a la Mejor Producción Teatral Española
Premio del Público del Festival de Jerez 2012

María Pagés ha actuado hasta ayer en el Matadero de Madrid, restaurado y utilizado hoy en día para celebración de espectáculos.
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Con su presentación en las Naves del Español en Matadero, María Pagés retoma su compromiso en el Español, después de que tuviera que suspender por una lesión las funciones de este mismo espectáculo, Autorretrato, en marzo pasado en la Sala Principal. Además, Autorretrato abre las puertas de este espacio escénico de vanguardia al flamenco de la mano de una de las creadoras más importantes del panorama actual.
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Este montaje, con poemas de José Saramago y Miguel Hernández, fue estrenado en Tokyo en 2008 y obtuvo el Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo y el Premio Giraldillo al Mejor Espectáculo de la XV Bienal de Flamenco de Sevilla en 2008
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Alba Molina,modelo y cantaora, continúa una saga flamenca.

Alba Molina Montoya, nacida 26 de noviembre de 1978 (34 años) en Sevilla, es una modelo y cantante hija del dúo flamenco Lole y Manuel.
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Su primera aparición pública fue, desnudita, en la portada del disco de sus progenitores, Lole y Manuel, titulado ‘Al alba con alegria’ (1980).

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Los primeros pasos artísticos de esta gitana fueron en la pasarela, trabajando como modelo para Manu Fernández.

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Cuando Lole y Manuel se reencontraron profesionalmente, tras muchos años de separación, titularon su nuevo disco ‘Alba Molina’ (1994). Parte de los versos de la canción así titulada fueron escritos por Chiquetete. En ese álbum se presentó Alba como autora, firmando con su padre ‘Verde aceituana’ una vulería que ella había escrito con trece años, y que suele interpretar en sus actuaciones Niña Pastori. En 1996 grabó en el estudio sevillano que ha montado su padre, el primero de los temas que terminarían conformando su compacto de presentación. El estilo y la voz de Alba Molina son semejantes a los de su madre Lole, aunque ella, hasta el momento, ha optado por una música más pop. Intervino en la banda sonora de la película ‘Sobreviviré (alia, 1999), todo un éxito editorial firmado por Paco Ortega. Reside en Sevilla.
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A la edad de 12 años desfila por primera vez, pero es a los 14 cuando obtiene el título de Miss Elegancia en un concurso de belleza en Jerez/Arcos de la Frontera (Cádiz). Con 15 desfila en la pasarela Cibeles vestida de novia de la mano de Manu Fernández. Y hasta su mayoría de edad continuó desfilando por diferentes países de Europa
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Editó su primer disco (Despasito) en 1997, con la colaboración de su padre y de su entonces compañero, Alejandro Sanz, con el que se hace con el premio “Artista Revelación” en los Premios de la Música y alcanza las 50.000 copias. La cantante Alba Molina tiene un sentido del compás y del ritmo bastante bueno, que demuestra en su forma de cantar, y una gran sensibilidad para la música.
En 2001 publica el disco Alba Molina, que llega junto con su maternidad y nos permite disfrutar de una Alba más madura.
En 2003 publica un nuevo disco con el grupo las niñas llamado Ojú, alcanza las 80.000 copias y obtiene cinco nominaciones en los Premios de la Música: Mejor Canción, Mejor Canción de Pop, Mejor Arreglista, Canción Revelación y Grupo Revelación, haciéndose con los dos últimos.
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En 2005 sale a la venta un nuevo disco de Las niñas “savia negra”. Este disco no tiene la misma aceptación que el anterior, no obstante giran por toda España y participan como presentadoras y conductoras en un proyecto televisivo en Canal 2 Andalucía (1001 Noches y 1001 Músicas) ambos de entrevistas y música en vivo.
En 2006 colaboró con Pereza en el disco “Los amigos de los animales”, ya que mantuvo una relación con Leiva, uno de los miembros del grupo, con quien posó para la revista Rolling Stone, emulando a John Lennon y Yoko Ono.
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Actualmente compatibiliza varios proyectos musicales. Junto a su compañera Vicky Luna de Las Niñas, y el guitarrista lebrijano Ricardo Moreno, Alba Molina une su raíz flamenca a la vocación jazzística de su compañera para iniciar un nuevo proyecto de fusión con el que ya se están dejando ver por salas y locales de toda España. Realizan un repertorio acústico en el que se mezclan boleros versionados e interpretados como nunca, con algunas canciones inéditas, algo de blues y jazz, y todo ello tamizado por melodías que suenan a Brasil, Cuba, New Orleans, y sobre todo a Andalucía.

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“Molina, Alba y Manuel” es un proyecto que comparte con Manuel Molina y donde podremos encontrar una Alba más flamenca, pura y racial. “Divas del flamenco” es un homenaje a Frank Sinatra donde Lole Montoya, Alba Molina, Montse Cortés y Ana Salazar interpretan standards de jazz aportando su toque flamenco, y donde colabora como artista invitada Vicky Luna.
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El 23 de junio de 2009 acaba de editar un álbum con Tucara (Warner music Spain), nuevo proyecto que comparte con Andreas Lutz (cantante del grupo de rock andaluz ‘embrutessío’ O’funk’illo y actual pareja sentimental) y que incluye el éxito “No puedo quitar mis ojos de ti” que representa la campaña internacional de turismo de Andalucía. Actualmente se encuentra presentando en gira dicho trabajo.
En 2011 se convierte en jurado de la quinta edición del programa de Canal Sur Se llama copla.
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Lole y Manuel

Lole y Manuel es una pareja flamenca formada en 1972 por Dolores Montoya Rodríguez (Sevilla, 1954) y Manuel Molina Jiménez (Ceuta, 1948). Esta pareja fue el primer exponente de música flamenca dirigido a un público no exclusivamente flamenco y fueron precursores del nuevo flamenco.
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Su primer álbum se produjo en 1975 con un título muy acorde con la realidad de España en aquel entonces, el álbum se llamó Nuevo día. El dúo, que reconocía tener ciertas influencias hippy realizaba experimentaciones con la música, mezclando incluso música de la cultura árabe y letras que hablaban de paz, amor y flores. A partir del 1993 los dos miembros empiezan a trabajar por separado, realizando eventualmente conciertos y nuevas grabaciones.

La música de Lole y Manuel tiene varias apariciones en el cine, destacando su participación en la película Flamenco de Carlos Saura así como Kill Bill (volumen 2) de Quentin Tarantino.
La hija de su extinto matrimonio es Alba Molina, también artista. Actualmente Lole realiza algunas grabaciones de música andalusí.image

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El flamenco es el estilo musical español más conocido en el mundo entero y, sin temor a equivocarnos, podemos afirmar que es uno de los símbolos más reconocibles y reconocidos de este país.
Como suele ocurrir en cualquier tipo de música, tiene en su país de origen a sus más férreos defensores del llamado purismo, y que ven con malos ojos cualquier intento de innovación o renovación del estilo.
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Sus luces rojas se encendieron a mediados de los 70 por culpa de la irrupción de este dúo que dio un aire fresco y de renovación al estilo, siendo precursores del llamado nuevo flamenco. Las causas de este cambio son las mismas que las de cualquier músico, en las influencias recibidas durante la juventud. “Está claro que yo no toco la guitarra como lo hace mi padre, ni Lole canta como lo hace su madre. Nuestros padres no oyeron a Janis Joplin ni a Jimi Hendrix, tampoco escucharon la música de los Beatles. Nuestro cambio está, sobre todo, en el ritmo… hemos renovado nuestra propia música, hemos intentado descubrirnos a nosotros mismos” (Manuel Molina). Otras de las cosas que se les echó en cara era que sus letras no hablaban de la realidad social del país, cosa que sí sucedía con otros cantaores que se hicieron más o menos populares a mediados de los años 70; sus textos eran poemas escritos por José Manuel Flores que hablaban sobre la naturaleza y el amor. “Nosotros queremos hacer ver que el flamenco, que no el “typical spanish”, presenta no solo la cara triste, sino la viva; las flores, el sol y todos aquellos factores vitales tan importantes para comprender la esencia del pueblo andaluz. No olvidamos, eso sí, en ningún momento lo negativo, el puteo al cual ha sido sometido el pueblo gitano por parte de la cultura oficial. Pero esto lo tenemos tan presente, que a veces no queremos ni acordarnos de ello” (Manuel Molina).

imageTanto Manuel Molina como Dolores Montoya son miembros de familias de estirpe artística; en el caso de Manuel, es hijo de Manuel Molina Acosta, más conocido como El Encajero, y Lole es hija de la cantaora y bailaora Antonia Rodríguez Moreno, La Negra y del bailaor Juan Montoya. Gracias a esto, ya antes de conocerse, habían hecho sus pinitos musicales y cuando formaron pareja tenían bastantes tablas sobre el escenario. Manuel, ceutí de nacimiento y criado en Sevilla, empezó desde niño a conocer el mundo artístico formando parte de Los Gitanillos del Tardón, en el que coincidió con José Antonio Pantoja Chiquetete y Manolo Domínguez El Rubio. Más tarde paso a ser guitarrista hasta que su paso por la mili le cambió la vida; no por aprender a desfilar, sino porque Ricardo Pachón le ofreció sacarle de allí si se unía a Smash, allí cambió el modo de concebir la música. Mientras que desde pequeña, Lole -sevillana ella y criada en el barrio de Triana- también se decidió por este mundo y se preparó en la academia del maestro Enrique Jiménez El Cojo para posteriormente ejercer de bailaora en los mejores tablaos flamencos del país.

imageYa como dúo empezaron a tocar juntos en 1973 hasta que Ricardo Pachón, al que Manuel conocía de su periplo por Smash, les ofreció grabar una maqueta. Con ella Ricardo Pachón se patea diferentes sellos Basf, Phillips, EMI, RCA… En todos encuentra la misma respuesta, ninguno ve futuro a la pareja, hasta que apareció Gonzalo García-Pelayo que se ofrece para grabarlo. Para su debut discográfico Lole y Manuel viajan hasta Madrid, la grabación dura tres días bajo supervisión de Ricardo Pachón, pero el último día aparece Gonzalo con el contrato donde aparece solo él como productor. Esto no gusta a la pareja que se niega a firmarlo y tras acabar la grabación están en la capital sin un duro y con una copia del master.

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A pesar de no tener nada firmado Gonzalo García-Pelayo lanza el disco bajo el sello Movieplay, sin ningún tipo de campaña publicitaria, ni presentación, ni promoción. Poco a poco “Nuevo Día” (Movieplay, 1975) empieza a funcionar, primero unas pocas buenas críticas de la prensa especializada y después el boca a boca va haciendo la bola cada vez más grande y al final el disco se convierte en un gran éxito. Para no acabar en los tribunales tanto el sello como el dúo llegan a un acuerdo para darles la carta de libertad, para entonces Tomás Muñoz del sello CBS les ofrece un contrato para el que graban sus próximos discos.
El primero de ellos, “Pasaje del Agua” (CBS, 1976), se graba al año siguiente, donde continúan el camino andado con su anterior disco, siguiendo por la vía de la experimentación, jugando con los ritmos árabes y decantándose por los palos que les eran más habituales: los tangos, las alegrías y, sobre todo, las bulerías. Sin respiro alguno graban lo que sería su tercer disco, el homónimo “Lole y Manuel” (CBS, 1977) tras el cual la pareja decide tomarse un descanso ya que el ritmo de trabajo de los últimos había sido frenético.

imageDespués de tres años de parón, en parte por el embarazo de Lole, deciden volver al estudio de grabación pero esta vez sin Ricardo Pachón, que había sido el productor de sus tres primeros lanzamientos, de esas sesiones saldrá su cuarto álbum, “Al Alba con Alegría” (CBS, 1980) en homenaje precisamente a su hija, Alba Molina, futura componente de Las Niñas. Para su último disco para el sello CBS deciden ponerse en manos de un viejo amigo, Gualberto García, que había sido compañero de Manuel en el grupo Smash. Gualberto ejerce de productor y arreglista convirtiendo a “Casta” (CBS, 1984) en el disco orquestal de Lole y Manuel. Poco tiempo después de su grabación la pareja decide poner fin a su relación, tanto artística como personal.image

Sin embargo, lo que parecía un punto final tuvo un epílogo, en los años 90 graban con la orquesta sinfónica de Londres “Lole y Manuel Cantan a Manuel de Falla” (Pasión / Área Creativa, 1992), que generó mucha expectación pero que no llegó a cubrir del todo; visto el revuelo que se levantó con su supuesta vuelta Virgin les ofrece un contrato convirtiendo a Lole y Manuel en los primeros artistas flamencos en una multinacional. Pero esto no les hace variar el rumbo tomado antes de su ruptura, ni supeditarse a ciertas exigencias. Graban “Alba Molina” (Virgin, 1994) con Antonio Rodríguez -ex-componente de Smash- a la producción, siendo el último disco con material inédito del dúo, al que posteriormente le acompañó el directo desde el Teatro Monumental de Madrid “Una Voz y una Guitarra” (Virgin, 1995).

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Actualmente sus carreras discurren por separado, pero eso no es óbice paraque puntualmente colaboren juntos en alguna grabación como en el disco de Lole Montoya “Ni el Oro ni la Plata” (Sum, 2004), en la que Manuel le escribió algunos temas e incluso llegan a tocar juntos.

Separados desde hace casi dos décadas, no han parado de trabajar, aunque eso sí, siempre de forma esporádica. Ella ha participado entre otros festivales en el de Jerez de 2004 y ha publicado en gloriosa re-colaboración con Manuel, su disco Ni el oro ni la plata (2004). Él, en otro sentido ha participado con Farruquito o Manuela Carrasco, en eventos relacionados con el mundo del baile y el cante. Aunque en todo caso, como con acierto afirma Dolores : “Lole y Manuel juntos somos una bomba”, ya que en realidad nunca han recuperado la fuerza de la unión original
Asimismo destacar que su legado familiar tiene continuación con la voz, de nuevo flamenca, de su hija Alba Molina.

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Sevilla,tiene un “color especial”, también en Navidad. Un espectáculo único.

imageEn Sevilla vivirás la Navidad más real

Sevilla es la ciudad perfecta para sentir toda la magia de una fiesta que se comparte con la gente.

Tradiciones, gastronomía, luz, arte y espectáculos a pie de calle, además de la feria de belenes más importante de España.

La ciudad está deseando que vuelvas por navidad.
Sevilla es un lugar único en el mundo por su carácter abierto y acogedor
Una ciudad con una personalidad cautivadora que se sabe abrir al visitante y crea de manera natural espacios de encuentro. Una ciudad llena de cultura, historia y tradición, pero que también tiene atractivos espacios contemporáneos.
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Visitar Sevilla en Navidad es una experiencia única en la que descubriremos olores, sabores, sonidos y sensaciones que, en fechas tan entrañables, harán que el visitante nunca la olvide.

El ambiente en estas fechas es íntimo y bullicioso, las calles, edificios y comercios están adornados con miles de luces, encontraremos diversos alicientes para salir a disfrutar la ciudad, gentes por todas las calles haciendo las tradicionales compras navideñas (en calles comerciales, tiendas o mercadillos)…en definitiva, una ciudad llena de vida donde miles de personas están deseando recibirte.
Una dulce tradición
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¿Sabías que Sevilla es la ciudad con más conventos después de Roma?

Teniendo en cuenta que en cada uno de ellos se elaboran dulces y pastas desde hace siglos, ¿te imaginas lo dulce que pude ser una navidad así?

Los 17 conventos de Sevilla venden sus dulces tradicionales hechos a mano por las propias monjas en la primera quincena del mes de diciembre en el Palacio Gótico del Real Alcázar de Sevilla. Una cita con tanto éxito que las delicias se agotan en poco tiempo.
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El mejor destino para las familias

El parque temático Isla Mágica (http://www.islamagica.es ) abre sus puertas durante el período navideño con una decoración ambientada en estas entrañables fechas y una oferta tematizada con espectáculos únicos.

Por otra parte, son muchos los lugares para disfrutar de las vacaciones en familia. Sevilla se vuelca con los más pequeños y les reserva gran parte del protagonismo en estos días.

La tradición de los belenes

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En Sevilla existe una gran tradición belenista. Visitando las “rutas de los
belenes” de la ciudad, encontraremos magníficos Nacimientos en los distintos conventos, iglesias, hermandades, instituciones y establecimientos comerciales, donde se exponen para el disfrute de todo el público.
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También se celebra la Feria del Belén más importante en España, donde se venden exclusivamente elementos de los Nacimientos elaborados de forma artesanal.
Un año más, la plaza de San Francisco contará con el Mapping, un espectáculo multimedia que ya disfrutaron más de 700.000 personas el pasado año.
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Este 2013, la fachada del Ayuntamiento cobrará vida con «El espíritu de la Navidad», que va a ser visualmente mucho más avanzado, con una estética más vanguardista, y que estará especialmente dirigido a los niños, aunque contendrá también referencias culturales y a las nuevas tecnologías. El Ayuntamiento de Sevilla ha avanzado que la gran novedad del Mapping de este año será el uso del láser como efecto especial.

Nominado a mejor evento cultural europeo

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El espectáculo multimedia proyectado en la fachada del Ayuntamiento se ha ganado el reconocimiento internacional por su singularidad y excelencia. Así, el Mapping ha sido nominado a mejor evento cultural europeo en los prestigiosos premios EuBEA, (European Best Event Awards 2013), tan solo unos meses después de que la entidad Eventoplus, organizadora de los premios del mismo nombre, otorgara al mapping de Sevilla el segundo premio al Mejor Evento Cultural del año 2013 en España y Portugal.
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Asimismo, se contará un año más con el mapping en la plaza San Francisco, patrocinado por Telefónica, cuyo nuevo espectáculo llevará por título ‘El espíritu de la Navidad’, con una estética más vanguardista y que estará especialmente dirigido a los niños, aunque contendrá también referencias culturales y a las nuevas tecnologías.
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La gran novedad del mapping de este año la constituirá el uso del láser como efecto especial.La proyección cuenta con la particularidad de ser la primera en España realizada con la técnica de mapping “neutro en carbono”, lo que significa que fueron calculadas las emisiones CO2 asociadas al mismo, para conseguir un balance final de emisiones igual a cero.
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Según ha declarado el delegado de Urbanismo, Maximiliano Vílchez “el espectáculo multimedia proyectado por el Ayuntamiento de Sevilla durante los periodos navideños correspondientes a los años 2011 y 2012, se ha consagrado como uno de los acontecimientos culturales más exitosos y mediáticos de los últimos tiempos, superando todas las expectativas.

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Lámparas de led en la Plaza del Salvador
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Sevilla inaugurará este viernes su alumbrado navideño en un total de 190 calles, creando por primera vez un recorrido de iluminado con esta decoración de forma ininterrumpida desde el Prado de San Sebastián hasta el Puente de la Barqueta.

imageA lo largo de ese nuevo recorrido, se podrá ver un nuevo diseño para la avenida de la Constitución, en la Catedral y en la Giralda; se reforzará la iluminación de espacios emblemáticos como la Alameda de Hércules, y se instalará “una sorprendente y espectacular iluminación” en la Plaza de El Salvador, inspirada en la del mercado londinense de Covent Garden, además de estrenar nuevo espectáculo de mapping en la Plaza de San Francisco.
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EL alumbrado para estas Navidades se activará el viernes y hasta el 6 de enero, con horario de 18,30 a 23,00 horas y hasta las 1,00 horas los días 24 y 31 de diciembre y 5 de enero, quedando instalado con financiación de la Gerencia de Urbanismo en 159 calles, 26 de las cuales no habían sido iluminadas en los años anteriores, distribuidas 13 del distrito Bellavista-La Palmera, 71 del Casco Antiguo, 19 del Cerro-Amate, tres del distrito Este-Alcosa-Torreblanca, siete de Los Remedios, siete de Macarena, cuatro de Nervión, once del distrito Sur, nueve de San Pablo-Santa Justa, siete de Triana y 12 localizadas en el distrito Norte. A éstas hay que añadir las que iluminan los distritos, a cargo de sus propios presupuestos, que suponen 31 calles y espacios públicos más, en total.
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Además, se refuerza la avenida de Alemania; la avenida de Luis Montoto y la Alameda de Hércules, alargando el espacio con luces. En la Alameda de Hércules se iluminarán diez farolas más, sumando 30, todas en el espacio central del bulevard, estando precedida de la de la calle Trajano, y continuada por la de la calle Calatrava.

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La principal novedad del alumbrado de Navidad en Sevilla de este año la representa la iluminación elegida para la Plaza de El Salvador. Inspirada en una experiencia llevada a cabo en el Mercado de Covent Garden de Londres, en el año 2008, esta nueva iluminación está constituida por lámparas de leds en constante movimiento, que obedeciendo a una programación preestablecida, van conformando imágenes y figuras diferente. Para hacer posible este espectáculo, la Gerencia de Urbanismo colocará unos soportes verticales laterales, así como una especie de retícula a una altura de seis metros. Este efecto luminoso se extenderá a lo largo de toda la superficie de la plaza.

A todas estas iniciativas, hay que añadir las actividades programadas desde los Distritos, y desde servicios como el de Parques y Jardines, como la instalación de mercadillos o de pistas de hielo en puntos concretos del centro de la ciudad
Así, se ha adaptado la idea original expuesta en el Covern Garden de Londres a la Plaza de El Salvador, siendo la primera vez que se representa un espectáculo de este tipo y características en España, lo que supone un motivo de orgullo más para todos los sevillanos y para su Ayuntamiento. Además, este montaje se asume sin ningún incremento de gasto respecto al presupuesto de adjudicación acordado con la empresa instaladora.

Con la intención de preparar a los ciudadanos para recibir este efecto, en concreto a aquéllos que accedan a la Plaza de El Salvador por la calle Cuna, se ha dispuesto también una iluminación especial para esta vía, constituida por «snowfall», puntos de luz leds que se iluminan con una cadencia rítmica y constante, y cuyo efecto recuerda al de gotas de agua que caen continuamente.
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Navidad Gitana,mágica y en familia.Feliz Navidad.

imageLa navidad gitana es una cosa muy esperada para todos ellos, pues son unos días muy importantes en nuestra cultura, ya que en esos días en que estamos a cientos de kilómetros, hacemos todo lo posible para estar con toda la familia junta. Yo personalmente me acuerdo de mi infancia cuando mis padres se juntaban con todos sus hermanos que no vivían en la misma ciudad, pero todos los años para la navidad ese día sí estábamos juntos en una casa grande que tenían mis abuelos para ver la lotería  juntos, y ya empezaban a tomar copas, mientras las mujeres hacían los platos tradicionales, como el arroz con leche, las torrijas, el salmorejo, y todas esas  cosas que comemos en navidad, y que solo en esta fechas entrañables nos permitíamos hacer.

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Ahora lo que ha cambiado ha sido el lugar de reunión,  lo hacemos en la casa  de mis padres, nos juntamos todos los hermanos con nuestros hijos y mujeres pues este día vamos todos hacer las compras y las mujeres van cantando villancicos y se juntan con sus amigas que hacen lo mismo.

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Beben un poco de anís, mientras los hombres esperamos imagea que compren  en el bar y van llegando gitanos de otras familias, ahora los más jóvenes se hacen cargo también de las compras y se ponen hacer también las comidas que expliqué anteriormente.

Para los gitanos el día mas importante es el 24, noche buena, pues ese día comemos todos juntos una comida que se hace de dos formas, una con alubias y otra con garbanzos, pues así es el potaje gitano, luego que está listo y todos sentados en la mesa mi padre coge una cuchara y cede un poco de comida a mi madre y le da un beso, lo mismo hacen todos los matrimonios, empezando del mayor al menor y después nos da un beso y un abrazo a todos, luego esto mismo hacemos con nuestros hijos para empezar a comer todos, luego los hombres nos vamos al bar para darles tiempo a las mujeres para que se arreglen, en el bar nos juntamos tíos primos y amistades y empezamos a cantar y bailar y así hasta las 9 de la noche, momento que llegan nuestras mujeres, la de los primos y de las amistades. Nos juntamos todos, ponemos algo de dinero y vamos recorriendo de bar en bar cantando y bailando hasta que sea la hora de la cena, y en vez de ir a nuestras casas nos reunimos todos en un solo lugar y compartimos todo lo que vayan trayendo, y nos pasamos toda la noche cantando y bailando

imageHasta el amanecer, y desde luego hasta que el cuerpo aguante, quisiera extenderme mas pero ya no tengo papel para seguir pero en esta ocasión  quiero decir que la navidad es mágica y todo el mundo tendría derecho de disfrutar con las personas que aman, quieren y respetan.

 

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Cuento de Navidad gitano…

imageEmpezaba a nevar cuando avistaron el pueblo abajo, al final de la cuesta, a menos de media legua de distancia. El viento helado, que soplaba del Moncayo, agitaba la nieve menuda como perdigones. La cellisca les golpeaba el rostro y les obligaba a cerrar los ojos. El hombre tiraba del ramal del borrico, que llevaba encima a la mujer, una gitana muy joven de largos cabellos rizados. El animal, con el viento de cara, se resistía a andar. “¡Arre, burro, que ya nos falta poco!”, dijo el gitano, que llevaba una vara de acebo en la mano. Ella, envuelta en su mantón, apretaba los labios para no llorar. A la muchacha le dolía todo el cuerpo.“¿Cómo te encuentras?”, le preguntó el hombre, que había percibido un leve quejido detrás, como un suspiro contenido. “Bien, bien” -respondió ella-, voy bien, no te preocupes”. Cuando llegaron a la entrada del pueblo, anochecía, el cielo se puso de panza de burra y se cerró casi a ras de los tejados, el viento se había serenado algo y la nieve caía ya mansa y copiosamente. Unos perros ladraron cerca. Y de la plaza llegaban sonidos de zambombas y almireces. “¡Ah! Es Navidad, Manuel, no me había dado cuenta!” “Sí, María, es Nochebuena, los churumbeles van de puerta en puerta pidiendo el aguinaldo, ¿no los oyes?”. Los últimos vecinos rezagados salían de la Sala de Concejo con su ración de pan y vino y en una majada cercana balaron unas ovejas recién paridas.
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Manuel conocía bien el terreno. Más de una vez, yendo con su padre, había fabricado cestas de mimbre en el lavadero del pueblo y había echado asiento de aneas a las sillas rotas que les llevaban de las casas. Pero su especialidad era la chatarra. Recordaba con cariño el viejo carromato y, sobre todo, al “Pinto”, el perro que había criado de cachorro, su chuquel que le acompañaba siempre por los caminos y que unos mozos del pueblo ahorcaron para divertirse en un roble de las herrañes junto al rio. Esa fue la señal de que venían malos tiempos. Aquel día, por primera vez, sintió ganas de sacar la navaja, y menos mal que su padre le obligó a contenerse. Era moreno de cobre y plata, como las puestas de sol de la sierra, más que de verde luna, jaquetón y tieso como un junco. Y de poco hablar. De un tiempo a esta parte había notado que las autoridades perseguían con especial saña a los gitanos y a los quinquis, casi tanto como a los maquis. Estos, que andaban por el monte, eran, por lo visto, los más peligrosos, pero a los gitanos y quincalleros se les aplicaba la ley de vagos y maleantes. Lo peor que podía brillar en la revuelta del camino no era el acero de una bucha, sino el charol de los tricornios.
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Esa fue la razón por la que Manuel bordeó el pueblo por el camino del norte y siguió cuesta arriba en dirección al monte. Había que ahuecar y estar al loro. Cuando llegó junto a la gran encina sola sonaron las campanas llamando a la misa del gallo. Era ya noche cerrada y seguía nevando. “¿Vas bien, María?” “Sí, voy bien, no te preocupes”. “Ya falta poco”.
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Y se puso a tararear en voz baja: “Brincan y bailan los peces en el rio, brincan y bailan por ver a Dios nacido…” Traspusieron la loma hacia la umbría y pronto torcieron por una senda apenas perceptible a la derecha. Cien metros más allá tropezaron con la majada, que Manuel conocía bien. Allí se acomodaron ellos y el burro, que nada más entrar se puso a mordisquear la paja que había entre las cagarrutas. El marido amontonó hojarascas en el rincón más abrigo de la taina, las cubrió con una manta y sobre ella se acostó María, tapada con el mantón.
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El hombre cerró lo mejor que pudo el ventanuco de la pared para que no entrara la nieve y, con un brazado de ulagas y romeros, hizo lumbre, una buena chirindola. Sacó después la vieja olla de las alforjas, la llenó de nieve del tejado y calentó agua. “¿Estás bien, María?”, volvió a preguntar. “Creo que viene ya el niño, Manuel”. Desde antes de dejar la carretera había sentido los dolores de parto. Entonces él se sentó junto a ella y la ayudo. Le cogió la mano con fuerza y María no tardó mucho en dar a luz. “¡Es un niño, María, un precioso churumbel!”. Le cortó el cordón con el baldeo, lo lavó bien y después le limpió a ella con el pañuelo de flores el sudor de la frente, y la besó. El niño lloraba.“¡Ha nacido en Nochebuena!”, exclamó, feliz, el hombre. Y María sonrió. Fue entonces cuando sonaron junto a la puerta los cascos de los caballos. Era la guardia civil.image

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María Toledo, pianista y cantaora.Flamenca por encima de las leyes.

¿No han visto todavía actuar en directo a María Toledo? Pues no tarden, esta mujer, que a los once años ganaba el premio de artistas noveles en el Festival Internacional del Cante de las Minas, es hoy, rondando los treinta, una artista completa, profesional como la que más y con una puesta en escena llena de estética. Pero, claro, todo eso sería casi nada si no la acompañara una voz poderosa, diversa de registros y también muy flamenca cuando se sienta al piano y canta por soleá o aborda otros palos recordando a los viejos maestros, aunque siempre con un punto personal, creativo.

María Toledo actuó en la tercera gala de la Cumbre Flamenca de Murcia. Como India Martínez, que la precedió en el certamen, se ha forjado una popularidad de fieles seguidores en las redes sociales, aprovechando el impacto de las nuevas tecnologías de la información. Facebook o el móvil, la comunicación líquida, son para ellas herramientas de trabajo fundamentales.
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Sin embargo, María gana mucho en el escenario, en directo es más, mucho más. Se acompaña al piano en conjunción con el brillante violín de David Moreira, la guitarra de Jesús del Rosario y la percusión de Antonio Losada, pero otras veces se levanta, se da una vuelta por el escenario, se cimbrea levemente, esboza un movimiento de baile con las manos, se marcha para cambiarse de ropa… Y siempre con una puesta en escena estudiada y trabajada, sin improvisaciones, aunque todo surja ante el público con eficaz naturalidad, con la iluminación nítida y bien matizada. Es cercana y los asistentes lo agradecen, la jalean y se les van entregando poco a poco.
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María es de Toledo (su nombre artístico la delata), estudió Derecho y piano, pero su vocación flamenca puede con todo. Su afición y respeto hacia los maestros resulta conmovedora en una mujer joven, nacida y formada en la periferia geográfica y cultural del flamenco, o más bien extramuros de los centros neurálgicos de este arte. Y, sin embargo, al margen de su mirada amplia, que acoge también la copla o las canciones aflamencadas de su repertorio, muchas veces de creación propia, es flamenca por naturaleza.
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Recordó que de niña escuchaba a dos mitos del cante de La Unión, el desaparecido Pencho Cros (tres veces Lámpara Minera) y Encarnación Fernández, y en su recuerdo cantó una minera y una Levantica con otra armonía en el piano, pero fiel a los cánones. Y celebró a Camarón con una imagen del mito gaditano proyectada sobre el fondo del escenario y la melodía en su boca de Cómo el agua y otros temas camaroneros. También evocó a Morente con un repertorio morentino por tangos que incluía los versos sanjuanistas de La noche oscura. Y una colección de cantiñas en memoria de su admirada Perla de Cádiz. Una chicuelina por aquí, un trincherazo por allá, un pase de la casa para embelesar al público, y así durante casi dos horas en un espectáculo denominado Con otra mirada.

Y luego el repertorio más conocido por los jóvenes, como el popular Dame una oportunidad, de su último disco, Uñas rojas, que también ha interpretado junto a Antonio Carmona Y cómo no, un homenaje dispuesto sobre la marcha a la gran tonadillera que acaba de desaparecer, Marifé de Triana, con una selección de coplas que incluía María de la O y la foto de la maestra proyectada.
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María Toledo todavía no ha roto con tanta fuerza como India Martínez, con la que tiene algunas cosas en común, pero es cosa de tiempo, por donde pasa acumula nuevos seguidores. Denle una oportunidad, vayan a escucharla en directo si pueden. O mejor, dense a sí mismos la oportunidad de verla sobre el escenario. La vida, después de su actuación, les parecerá un poco menos oscura.
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María Toledo (María Rodríguez del Álamo: n. Toledo, 28 de julio de 1983) es una cantaora y pianista española. Es la primera cantaora que se acompaña con el piano.
Es licenciada en derecho y titulada en la modalidad de piano por el Conservatorio Jacinto Guerrero, de Toledo. Ha conseguido prestigiosos premios como “Premio Novel en el Cante de las Minas”, el “1er Premio Bienal de Cádiz”, “1er Premio Cantes de Compás en Mairena del Alcor” y reconocida por la audiencia de RTVE en 2009, “Como el mejor disco novel del año”. María Toledo ha podido triunfar en escenarios tan importantes, como el Lope de Vega de Sevilla, el Gran Teatro de Huelva, el Théâtre de Nîmes en Francia, el Teatro del Canal y el Teatro Circo Price de Madrid. También ha recorrido varios países Israel, Turquía, y ha estado presente en la Bienal de Nîmes, Francia.

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Historia

María Toledo comenzó en el cante con 8 años, posteriormente ha realizado los coros para Rocío Jurado en el homenaje “Rocío Siempre”, acompañó al cante junto al guitarrista Manolo Sanlúcar
En el año 2000 fue elegida por el Ministerio de Cultura a través de INJUVE para hacer una gira por España.1 Posteriormente al año 2005, participa en el programa “Gente de primera” de RTVE a partir de este programa se le abrieron las puertas para la elaboración de su primer disco.
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En 2009, sale al mercado su primer disco “María Toledo”. En 2012, su segundo disco “Uñas Rojas” producido por Oscar Gómez.
En sus disco han colaborado: Miguel Poveda, Diego Carrasco, David de María, María Jiménez entre otros.
Es conocida como la “Diana Krall del flamenco”, por ir siempre acompañada de su piano, combinando el flamenco más puro con este instrumento que, en principio, no forma parte del mundo flamenco. María Toledo nos demuestra cómo llevar el compás de una bulerías o de unos tangos con un piano; es, sin duda, una figura que el flamenco necesitaba, y no ha llegado de casualidad.
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Discografía

“María Toledo” su primer disco, lanzado en el año 2009 por Warner Music Spain, producido por Ismael Guijarro, Pablo Cebrián y Lin Cortés. Pasa por los estilos del flamenco, jazz y el pop. Participan el cantaor Arcángel, Carmen París y La Shica. Incluye una versión de “Una décima de segundo” de Nacha Pop.
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1.- En blanco y negro
2.- Ya no más
3.- No me vas a embolicar (con Carmen Paris)
4.- Con el tiempo
5.- Que difícil (con La Shica) 04:10
6.- Dime
7.- Cada día por un camino (con Arcangel)
8.- Eso me pasa
9.- Te advierto
10.- Una decima de segundo
11.- Fragmento (Instrumental)
12.- Bromeo
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“Uñas Rojas” en 2012 sale su segundo trabajo al mercado con Warner Music Spain, producido por Oscar Gómez, en este disco, se continua, con los estilos flamencos, jazz, latin-jazz y pop. Colaboran, Miguel Poveda, David de María, Diego Carrasco y su madrina María Jiménez. Cabe destacar la armónica de Antonio Serrano y el baile de Rafael Amargo.
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1.- Mala Cabeza
2.- Dame una Oportunidad
3.- Te Echaré de Menos
4.- María la Portuguesa (con Rafael Amargo)
5.- Uñas Rojas (con Antonio Serrano)
6.- La del Pelo Alborotado
7.- Nunca Me Olvidarás (con David de María)
8.- Que Le Den Candela (con María Jiménez)
9.- Marioneta
10.- De Nada Vale (con Miguel Poveda) 03:17
11.- El Sol, la Sal, el Son (con Diego Carrasco)
12.- Soleá
13.- Te Echaré de Menos (Versión Completa)
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Premios de Flamenco
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-1º PREMIO NOVEL EN EL CANTE DE LAS MINAS.
-1ª PREMIO EN CANTES DE COMPÁS EN MAIRENA DEL ALCOR (SEVILLA).
-1ª PREMIO EN LA BIENAL DE CÁDIZ Y PREMIO ESPECIAL A LA CANTAORA MÁS LARGA.
-FINALISTA: EN EL CONCURSO NACIONAL DE CÓRDOBA EN LOS GRUPOS “NIÑA DE LOS PEINES” Y CAMARÓN.
-1ª PREMIO EN LA FORTUNA (LEGANÉS) Y PREMIO A CANTES POCO INTERPRETADOS.
1ª Premio en Pedro Muñoz (Ciudad-Real).
1ª Premio en Mora (Toledo).
1ª Premio en Taranta cante matriz en Cartagena (Murcia).
1ª Premio en Osuna (Sevilla) para menores de 20 años.
1ª Premio en Carmona (Sevilla) para menores de 20 años.
1º Premio en Antequera (Málaga) para menores de 20 años.
1º Premio de Saetas en Utrera (Sevilla).
2º Premio de flamenco en Vejer de la Frontera (Cádiz).

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Maruja Garrido, rumba catalana.

Natural de Caravaca de la Cruz, Maruja Garrido fue una cantaora que recorrío palos considerados anatémicos para la época. Lejos de recluirse en ese mundo endogámico y autarquico que inevitablemente era el flamenco, decidió transitar por territorios arriesgados, a veces inhóspitos, a veces inapropiados, con un espíritu moderno en la mejor acepción del término.
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Hija del Niño de Levante, creció en Cartagena aunque muy pronto marchó a Barcelona, donde debutará en el Tablao Los Tarantos. Allí coincide con todos los que pretendieron -consiguiéndolo o no, ese es otro asunto- ser algo o alguien. Cruza su camino con un jovencísimo Antonio Gades llegando a formar pareja artística y actuando en Paris, en el celebre Teatro Olimpia, apadrinados por Salvador Dalí y con rotundo éxito.
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Vuelve a Barcelona, donde coincide con el primer fulgor de la Rumba Catalana, e incluso llega a ser considerada -como todoterreno imbatible que era, ajena y sorda ante el “Qué dirán”- una de sus abanderadas. Como tantas otras adopta la moda de aflamencar canciones populares, pero lejos de arder en la parodia o empecinarse en el chirrido anómalo, consigue que esa improbable pócima sea algo casi natural, fluida, adaptando su estilo a las canciones y no éstas a su manera de cantar. Triunfa con “Es mi hombre”, canción sublime, compuesta por Maurice Yvain y Albert Willemetz para Jean Bourgeois ( Más conocida como Mistinguett, la diva suprema del París del cambio del XIX al XX y cuyas piernas, se dice, llegarían a estar aseguradas por un valor de 500.000 francos) apoyada en un espectacular video avant-la-lettre rodado por Valerio Lazarov para TVE en Barcelona.
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Dicho “vídeo” cuenta con la presencia de ese marchant de tapis genial y trilero que fue Dalí, sempiterna mezcla de lujuría impotente y provocación de rentabilísima caja registradora. Aparece el susodicho con todo el atrezzo necesario; Sentado en un sillón estilo Luis XIV, bajo el Arco del triunfo sito entre la avenida Lluis Companys y el Paseo de San Juan (el mismo que sirvió de entrada a la Exposicion Universal de 1988) nuestro hombre se mesa los bigotes, cabellos al viento y baston nacarado en la mano, en espera de su Afrodita canora, mientras ésta desciende de un helicóptero ¡¡De la policía de Tráfico!!. Planos imposibles, contraplanos mareantes y zooms a cargo del ínclito Lazarov nos muestran el gracil -aunque poderoso- danzar de Maruja mientras entona una oda de sumisión casi sadomasoquista con referencias a Pigalle y lo que se tercie, musicada con aires mariachis, subidas y descensos vertiginosos de violines más un retumbe palmero atronador, sicalíptico y malévolo.
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Cada vez que escucho ésto me acuerdo de “From Elvis in Memphis”. No me pregunten por qué, no sabría decirles.

“…Mi vida tiene un camino y algún destino, ya lo verás,
Se pierde en campos verdes, con el sol y junto al mar,
Mi campo verde que pierde, se que te va, yo se que te va,
y hoy no importa si yo valgo mucho más.

A golpes de risa y llanto fui comprendiendo lo que es amor
y el dia que al fin lo encuentro se que no es mio y te lo doy
Y hoy no importa si yo valgo mucho más

Todos dicen que esto pasa, que es igual, que es igual
que se aprende, tu ya me entiendes,que se aprende a soportar
Y hoy no importa si yo valgo mucho más

Y hoy no importa si yo valgo mucho más…”

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La Flor de Pascua, Flor de Navidad.

imageHistoria de la flor de Pascua

La flor de Pascua o flor de Navidad (también conocida con el nombre de Poinsettia) tiene un origen poco conocido, aunque antaño ya era conocida como una típica flor navideña.

Con la llegada de la Navidad 2011, son muchas las personas que esperan el comienzo de la que se ha convertido desde hace siglos en una de las fiestas populares más celebradas.

Aunque antaño fue una fiesta puramente religiosa (y de hecho, aún hoy se siguen manteniendo sus principales elementos religiosos), lo cierto es que cada vez tiende a ser más habitual que se olviden esos elementos y simplemente se disfrute de un momento de alegría, gozo, felicidad y tranquilidad con los seres que más queremos al lado de una buena mesa repleta de deliciosas recetas navideñas.

Pero para disfrutar plenamente de estas fiestas tan populares es adecuado descubrir un poco más sobre sus elementos más característicos. Como es el caso, por ejemplo, del origen de la Navidad. No obstante, entre esos elementos clave destaca sobretodo la llegada de la denominada como flor de Pascua (también conocida como flor de Navidad o Poinsettia).
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¿Qué es la flor de Pascua?

La denominada como flor de Pascua es una planta sumamente especial en Navidades, dado que durante estas fechas, muchos hogares se llenan de estas plantas como símbolo navideño decorativo (sobretodo por sus característicos colores, que a la vez tienden a ser los más clásicos y habituales de estas fiestas: rojo y verde).

Es una planta originaria de Centroamérica, concretamente de México, país donde la Poinsettia contaba con un importante simbolismo para la misteriosa cultura azteca. No en vano, era una planta que utilizaban para ofrecérsela a sus Dioses o simplemente como remedio medicinal.

¿Cuál es el origen de la flor de Pascua como flor de Navidad?

Aunque históricamente no se conoce el origen de la flor de Navidad concebida como tal, sí es cierto que existe constancia de que ya en el siglo XVI, los frailes franciscanos que evangelizaron a la población deTaxco de Alarcón (México) ya la utilizaban en sus decoraciones navideñas como adorno floral.
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La Flor de Pascua, cuyo nombre indígena es Cuetaxochitl, tiene una larga e interesante historia, originaria de México, los Aztecas ya la cultivaban y la tenían como un símbolo de pureza, además de usarla con propósitos medicinales: con la leche o látex preparaban un compuesto para tratar la fiebre.

Pero la función de la flor de pascua como tal no se inició sino en el siglo XVII cuando unos misioneros Franciscanos que se habían establecido cerca de Taxco, México, comenzaron a usarla en la procesión del Santo Pesebre, conmemorativa del nacimiento de Jesús.

El 12 noviembre de 1825 es introducida a los Estados Unidos por el primer embajador de ese país ante México, Joel R. Poinsett, quien era además botánico. De él proviene el nombre con que las pascuas son conocidas en muchos países: “POINSETTIA”. Su nombre científico es Euphorbia pulcherrima.
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Las Pascuas enanas tan en boga actualmente son pues descendientes evolucionadas de las originarias de México, que han sido producto de trabajos genéticos, hechos por la familia Ecke en California, además por protocolos de cultivo que incluyen el uso de fitohormonas que retardan su crecimiento. La “flor de pascua” no es en realidad una flor; es un conjdo unto de brácteas (hojas modificadas) en cuyo centro aparece la verdadera flor de la planta, casi imperceptible, de color amarillo dorado y rojizo.

Pero si existe una persona que realmente se convirtió en el verdadero artífice de que la planta fuera conocida en todo el mundo, ese fue Joel Roberts Poinsett, quien entre los años 1825 y 1829 ejerció el cargo de embajador de los Estados Unidos en México.

Los historiadores cuentan que Poinsett comenzó a regalar esta planta a sus amistades por Navidad, que es en definitiva cuando ésta se encuentra en su máximo esplendor. Poco a poco esta acción se fue convirtiendo en una tradición, y de ahí llegó el día 12 de diciembre de 1991, en el que en Estados Unidos se proclamó el Día de la Poinsettia, como homenaje y conmemoración de la fecha en el que falleció Poinsett: 12 de diciembre de 1851.

Leyendas
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Cuenta una leyenda mexicana que la primera Flor de Pascua apareció gracias a las oraciones de un campesino y una campesina que eran hermanos. Como no tenían dinero para ofrecer un regalo a la iglesia en honor a Jesús, llevaron un año al altar un ramo de yerbas que colocaron alrededor del pesebre del templo.

Milagrosamente, la primera “Flor de la Santa Noche” brotó como una brillante estrella de colores rojo y verde en el lugar donde ellos pusieron el ramo de yerbas…
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La Flor de Pascua fue cultivada en México por los Aztecas, mucho antes de la introducción del Cristianismo en el Hemisferio Occidental. Inicialmente, la planta se asoció con las religiones en el siglo XVII, cuando, a causa de sus colores brillantes y su florecimiento en Navidad, los padres franciscanos de México utilizaron sus flores en las procesiones de la Natividad.

La Flor de Pascua fue introducida en los Estados Unidos en 1825 por Joel Robert Poinsett, el primer Embajador de los Estados Unidos en México. Poinsett, un eminente botánico, sembró las plantas en su invernadero en Greenville, Carolina del Sur, y luego envió brotes a los jardines botánicos y a sus colegas horticultores.
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La flor de pascua casi todo el año sus hojas son verdes pero cuando llega la época navideña sus hojas brotan de color rojo brillante. Muchos piensan que las hojas rojas que le brotan son los pétalos de flor, pero sus flores verdadera son pequeños racimos amarillos que se encuentran en el centro de las brácteas (bráctea es una simple hoja disfrazada de pétalo).

Leyenda sobre el rojo de sus hojas

Cuenta la leyenda que “cuando el Creador hizo la tierra quiso que las plantas entregaran sus mejores flores a los hombres. Un día, observó que un pequeño arbusto se esforzaba sinceramente por cumplirlo, sin embargo, nadie se fijaba en sus pequeños capullos amarillos que quedaban ocultos por sus enormes hojas.

Con el tiempo, Dios comprobó que aquella planta procuraba ser mejor cada día a pesar de que la gente siguiera sin prestarle atención. Entonces, se acercó a ella y le dijo: “Veo que eres muy hermosa y que realizas tu misión con mucho amor, aun cuando tu belleza no es valorada y sin embargo luchas por ser feliz dando tu amor incondicional a tus hermanos pues sabes que lo necesitan. Por eso te voy a dar mi sangre”.
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Cuando la depositó en sus hojas, estas se tiñeron inmediatamente del color rojo más hermoso que existía, y así se convirtió en la flor más bella, que florecería en la época más importante de la Tierra, en Navidad.

Desde aquel momento la planta de flor pequeña y de grandes hojas se transformó en la bella Flor de Nochebuena, haciéndola la más representativa de la Navidad”.

Ella, contenta y sintiendo en su savia los dones que Dios le había otorgado, decidió mostrar todo su esplendor en una época donde no lo hacían muchas otras flores y plantas, por Pascua, tomando también así su nombre y dando esa tonalidad roja y verde a la Navidad, dos colores, el rojo y el verde, que significan la sangre siempre renovadora de Dios y la esperanza que siempre trae la fe.

Leyendas Mejicanas

Cuanta la leyenda la historia de una niña mexicana muy pobre. Lloraba en Nochebuena camino a la iglesia, porque no tenía regalo alguno para dejar al Niño Jesús en el altar de la iglesia de su pueblo, mientras rezaba con mucha devoción, pidiendo se le concediera obtener un regalo valioso.
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Sus sinceras oraciones fueron escuchadas y un ángel se le apareció repentinamente. Le dijo que cortara algunas ramas de las plantas que crecían cerca del camino para llevarlas a la iglesia. Cuando la niña llegó al altar con su manojo de tallos, como humilde ofrenda, ocurrió un milagro. Al contacto con las lágrimas, que aún caían de sus ojos, de las ramas brotaron bellas flores rojas.

Así aparecieron las primeras Nochebuenas, debido al fervor de una niña afligida, quien ya tuvo en sus manos un regalo digno para darles al Niño Jesús y a su madre, la Virgen María.image
“Cuando creó la naturaleza en la Tierra, les pidió a las plantas que crearan sus mejores flores para entregar al mundo y que cada una seleccionara las estaciones del año para su nacimiento. También les pidió que siempre dieran a todo aquel que las tomara en sus manos y en su vida, todo lo mejor de ellas: belleza, amor, armonía y sabiduría.
Cierto día, Dios vio que una planta en especial desde el momento de su nacimiento daba todo lo más sagrado que se encontraba en su esencia, con el fin de ser elegida por los humanos para llevar a sus vidas la belleza, amor, armonía y la sabiduría.

Pero por más que se esforzaba por ser elegida, nadie se paraba ante ella para admirarla, nadie la apreciaba pues sus flores eran muy pequeñas y sus hojas muy grandes y solo de color verde; esto la entristecía. Sin embargo no dejaba de luchar por ser feliz, aun cuando ningún hermano la quería.

Al ver esto, Dios fue hasta la planta y le dijo: “Veo que eres muy hermosa y que realizas tu misión con mucho amor, aun cuando tu belleza no es valorada y sin embargo luchas por ser feliz dando tu amor incondicional a tus hermanos pues sabes que lo necesitan. Por eso te voy a dar mi sangre. Cuando la depositó en sus hojas, se transformaron en el rojo más hermoso que existía, y así la se convirtió en la flor más bella, que florecería además en la época más importante de la Tierra, en Navidad para ser la representante del amor y la esencia divina del universo.

Desde aquel momento la planta de flor pequeña y de grandes hojas se transformó en la bella Flor de Nochebuena, haciéndola la más representativa de la Navidad.”
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Y también cuanta la de un chico llamado Pablo estaba muy triste al no poder darle un obsequio al Niño Dios, era demasiado pobre y no tenía nada que ofrecerle, por eso se entristeció y estuvo llorando en un rincón de la Iglesia arrodillado. Lloro amargamente. Las lágrimas le resbalaban por el rostro y caían al suelo de la iglesia.

De repente, enfrente de él, una preciosa planta empezó a crecer. Sus hojas eran de un rojo encendido, estaban dispuestas en forma de estrella en el mismo centro, un manojito de menudas flores amarillas la inundaban de luz.
Pablo supo que eso que acababa de suceder fue un regalo que Dios que le había enviado para que se lo ofreciera a su Hijo recién nacido y, felíz como nunca, depositó aquella estrella preciosa a los pies del Pesebre.
Así cuentan que pasó y que desde aquella noche la Poinsetia se vuelve roja en navidad.

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Fiestas de los Patios Cordobeses en Navidad

Este año 12 patios vuelven a abrir sus puertas para compartir las antiguas tradiciones navideñas cordobesas, como se hacia hasta hace pocos años en las casas de vecinos…
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El programa está organizado de forma altruista por la Asociación de Patios “Claveles y Gitanillas”. Se basa en valores intangibles como la convivencia, la generosidad, la estética, la tradición, que son piezas clave del universo que forman los patios cordobeses.
Unos 15 patios particulares del casco histórico de Córdoba, más cuatro institucionales, ubicados en el Palacio de Orive, el Zoco Municipal, la Posada del Potro y la calle Rey Heredia, con cinco rutas para recorrerlos acompañando a diversos grupos de campanilleros de la provincia, conforman la oferta municipal del programa de ‘La Fiesta de los Patios de Córdoba en Navidad’, que comenzó el viernes 13 con un recital de villancicos flamencos.
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La idea de esta iniciativa, según ha explicado esta semana la concejal de Fiestas y Tradiciones Populares del Ayuntamiento de Córdoba, Amelia Caracuel, es que se disfrute de los patios como se hacía durante la Navidad en el pasado siglo, rememorando “la forma de vida de otros tiempos, cuando la Navidad se celebraba al son de la zambomba y de las botellas de anís”, mientras “se compartían típicos productos navideños” en los patios por los vecinos.

Así, entre ese viernes y el día 2 del próximo enero se podrán hacer dichas rutas por los patios que participan en este programa, a cuyos propietarios ha entregado el ayuntamiento plantas ornamentales, además de vino y mantecados, aportados por diversas firmas comerciales, para agasajar a los visitantes.
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En concreto, un recital de villancicos flamencos, este viernes a las 17,00 horas en el patio San Basilio, 50, en el que participan al cante Rosa de la María, Pepi Abad y Salvador Anaya, acompañados por los guitarristas José Luis Antolí, Paco de Dios y Marcos Maza, respectivamente, abre el programa ‘La Fiesta de los Patios de Córdoba en Navidad’, que organiza el Ayuntamiento, con la colaboración de la Diputación Provincial y que conmemora el primer aniversario de la Declaración de los Patios Cordobeses como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. La entrada será libre hasta completar aforo.

Así, el programa ‘La Fiesta de los Patios de Córdoba en Navidad’ incluirá, a partir del día 20, recorridos de coros, grupos de campanilleros y de zambombas, por patios institucionales y por 14 patios populares a partir del día 23.
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Esta celebración, que conmemora el 1er Aniversario de la Declaración de los Patios Cordobeses como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, se realiza con la idea de que se disfrute de los patios como se hacía durante la Navidad en el pasado siglo con la compañía de los vecinos, al son de la zambomba y de las botellas de anís mientras que se comparten típicos productos navideños.

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Visitantes y cordobeses, tienen de nuevo la oportunidad de disfrutar de estos espacios especialmente decorados para la Navidad y de deleitarse con las actuaciones de diferentes coros, no sólo los programados sino también los muchos expontáneos que los visitan.
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Patios que participan:

C/ San Basilio, 50 C/ Pozanco, 6 C/ Frailes, 6
C/ Duque de la Victoria, 3 C/ Pastora, 2 C/ Juan Tocino,3
C/ San Juan de Palomares, 11 C/ Escañuela, 3 C/ Carbonell y Morán, 20
C/ Isabel II, 1 C/ Martín de Roa, 2 C/ Duartas, 4
Historia de la Tradición
En 1921 se convoca un primer concurso de patios en Córdoba, aunque no es hasta el año 1933 cuando se institucionaliza un nuevo modelo de certamen que, en líneas generales, es el que ha llegado hasta nuestros días. De este modo se ponía en valor una tradición popular, que hunde sus raíces en una forma de vida heredada de nuestros antepasados.
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La casa-patio cordobesa toma como modelo la casa hispano-romana y posteriormente se adapta a los modelos árabes, siendo estos los que le dieron su fisonomía característica, evolucionando con los siglos hasta que a finales del siglo XIX se convierten en casas plurifamiliares que les costo la denominación de casas de vecinos.
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Estos bellos recintos, que sus habitantes cuidan y miman durante todo el año se exponen únicamente en el concurso popular de Mayo. De manera que un espacio íntimo y privado se convierte en público y compartido donde se disfruta de la belleza de las flores y plantas, se despliegan todos los sentidos y se reviven tradiciones, que por la actual forma de vida están desapareciendo de nuestros usos y costumbres.

Programa de La Fiesta de los Patios de Córdoba en Navidad 2013:

http://www.turismodecordoba.org/app/noticias/documentos/fiesta_patios_navidad2013.pdf

El consejero de Turismo y Comercio de Andalucía, Rafael Rodríguez, ha presentado en Córdoba la campaña de los ‘Patios en Navidad’, una iniciativa que cuenta con el patrocinio de la Junta con el objetivo de reforzar su atractivo turístico.
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En este sentido, explicó que la campaña durante la Navidad supone “mantener en el tiempo” la promoción de estos recintos populares como recurso turístico para la ciudad, “contribuyendo con ello a romper la estacionalidad”. Además, subrayó que es un “reconocimiento” desde la Consejería en el primer aniversario de la Declaración de Patrimonio Inmaterial de la Humanidad (Unesco) de los Patios de Córdoba.

imageEl consejero, que resaltó que la edición de este año será “la de mayor participación”, con un total de 12 recintos, apuntó que los ‘Patios en Navidad’ es un evento que se viene desarrollando desde hace diez años y que en 2012 recibió más de 140.000 visitantes. Según dijo, la colaboración público-privada en esta campaña se materializa con la aportación de un patrocinio de 9.500 euros.

El programa, de entrada gratuita, se celebrará del 20 de diciembre de 2013 al 4 de enero de 2014 (cerrado: 24, 25 y 31 de diciembre y 1 de enero) en horario 18.00 a 21.00. Los patios participantes son: Carbonell y Morand, 20; Duartas, 4; Duque de la Victoria, 3; Escañuela, 3; Frailes, 6; Isabel II, 1; Juan Tocino, 3; Martín de Roa, 2; Pastora, 2; Pozanco, 6; San Basilio, 50; y San Juan de Palomares, 11.

Visita a los patios Resto del año.

“DESCUBRIR LOS PATIOS CORDOBESES” es una visita acompañada que pretende ofrecer una visión global de la cultura de los patios, con un itinerario por una selección de casas-patios populares, ganadoras de distintos premios en el concurso municipal, ubicadas en la Axerquía Norte entre los castizos barrios de San Lorenzo, Santa Marina y San Agustín.

Podrán disfrutar de casas privadas con sus patios populares fuera de las fechas del concurso de Mayo, sin aglomeraciones y con un trato personal y exclusivo por parte de los cuidadores de los patios, espacios únicos imprescindibles para la celebración de la Fiesta de Mayo que ha sido Declarada por la UNESCO Patrimonio Intangible de la Humanidad en 2012.

Duración aproximada 2 horas.

Grupos reducidos, máximo 30 image

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Domingos y festivos: 12:00 horas.

Precios: Adultos: 12€. Niños: 9€ (5 a 12 años). Menores de 5 años gratis.

NFORMACIÓN Y RESERVAS: Visitas reservando al teléfono: 620460024 o al email: descubrirlospatios@rafaelbarondorador.comimage

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Historia del Árbol de Navidad, el concepto sagrado del abeto

La mayoría de nosotros decoramos nuestra casa en estas fiestas con un árbol de Navidad, pero ¿cuantos de nosotros sabemos a que se debe esta tradición?.

imagePues aunque no tenga que ver mucho con el flamenco, las fechas me provocan a compartir con Vds la historia, los símbolos y las leyendas del Árbol de Navidad. Sin embargo son famosos los villancicos y las celebraciones flamencas en Navidad, y bien podríamos hacer un árbol de navidad de faralaes!!

Cuando los primeros cristianos llegaron al norte de Europa, descubrieron que sus habitantes celebraban el nacimiento de Frey, dios del Sol y la fertilidad, adornando un árbol perenne, en la fecha próxima a la Navidad cristiana. Este árbol simbolizaba al árbol del Universo, llamado Yggdrasil, en cuya copa se hallaba Asgard (la morada de los dioses) y el Valhalla (el palacio de Odín); y en las raíces más profundas estaba Helheim (el reino de los muertos).image

Posteriormente con la evangelización de esos pueblos, los conversos3 tomaron la idea del árbol, para celebrar el nacimiento de Cristo, pero cambiándole totalmente el significado.
Se dice que San Bonifacio (680-754), evangelizador de Alemania, tomó un hacha y cortó un árbol que representaba al Yggdrasil (aunque también pudo ser un árbol consagrado a Thor), y en su lugar plantó un pino, que por ser perenne, simbolizó el amor de Dios, adornándolo con manzanas y velas. Las manzanas simbolizaban el pecado original y las tentaciones, mientras que las velas representaban la luz de Jesucristo como luz del mundo. Conforme pasó el tiempo, las manzanas y las luces, se transformaron en esferas y otros adornos.
Después se agregó la tradición de poner regalos para los niños bajo el árbol, enviados por los San Nicolás (y Papá Noel) o los Reyes Magos, dependiendo la leyenda de la zona donde se encuentre.

 

El árbol de Navidad en Europa
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Es posible que el primer árbol navideño, como se conoce en la actualidad, surgiera en Alemania, donde se implantó por primera vez en 1605 para ambientar el frío de la Navidad, comenzando así su difusión. A Finlandia llegó en 1800, mientras que a Inglaterra lo hizo en 1829, y en el Castillo de Windsor se vio por primera vez en 1841, de la mano del príncipe Alberto, esposo de la reina Victoria.

La costumbre de adornar un árbol en los hogares españoles fue traída en el año 1870 por una mujer de origen ruso llamada Sofía Trubetskaya, que después de enviudar del duque de Morny, hermanastro de Napoleón III, contrajo segundas nupcias con el aristócrata español Pepe Osorio, el Gran Duque de Sesto, uno de los mayores promotores de la Restauración borbónica que permitió a Alfonso XII reinar. Por ello, parece ser que la primera vez que se colocó un árbol navideño en España fue en Madrid, durante las navidades del año 1870, en el desaparecido palacio de dichos nobles, el palacio de Alcañices, ubicado en el Paseo del Prado, esquina con la Calle de Alcalá.

imageLa tradición de adornar el árbol navideño parece que se inició en Alemania y Escandinavia en los siglos XVI y XVII, extendiéndose posteriormente a otros países europeos.1 Para su decoración se emplea en la actualidad una gran diversidad de objetos y elementos, siendo los más tradicionales:

Estrella: colocada generalmente en la punta del árbol, representa la fe que debe guiar la vida del cristiano, recordando a la estrella de Belén.
Esfera: al parecer en un principio San Bonifacio adornó el árbol con manzanas, representando con ellas las tentaciones. Hoy día, se acostumbra a colocar bolas o esferas (en algunas regiones también llamadas bambalinas o chirimbolos), que simbolizan los dones de Dios a los hombres.

- Rojas son para peticiones – Blancas para agradecimientos – Azules de arrepentimiento – Doradas de alabanza.

Lazos: Siempre se ha pensado que los lazos representan la unión de las familias y personas queridas alrededor de dones que se desean dar y recibir.
Luces: en un principio velas, representan la luz de Cristo.

Campanas Las campanas representan la alegría del nacimiento del niño Jesús y de la llegada de la Navidad.

Ángeles Los ángeles, mensajeros entre el cielo y la tierra, son el símbolo, de la bondad y la misericordia.
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Flor de Navidad La Flor de Navidad, es originaria de las regiones tropicales de México. Tiene grandes brácteas rojas (especie de “pétalos” que rodean a las diminutas flores),que recuerdan una estrella, dada a conocer al resto del mundo durante la época colonial, en la cual se adornaban las iglesias con ellas, durante las fiestas navideñas.
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Otros símbolos Las manzanas rojas, simbolizan la abundancia y los bastones navideños, recuerdan una época donde los símbolos que representaban la fe cristiana, eran prohibidos.
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La vara del Pastor Jesús era un bastón, que invertido, mostraba la primera letra de su nombre “J”; de esa forma, se demostraba la fe. Las piñas, representan la inmortalidad y son un signo de esperanza en el futuro. Lo ideal es que el árbol de la Navidad esté decorado con los siete colores del arco iris, con dorado, plateado, y colores brillantes. Recordemos que todo el brillo es sinónimo de luz.

Significado religioso
El árbol de Navidad recuerda al árbol del Paraíso de cuyos frutos comieron Adán y Eva, y de donde vino el pecado original; y por lo tanto recuerda que Jesucristo ha venido a ser Mesías prometido para la reconciliación. Pero también representa al árbol de la Vida o la vida eterna, por ser de tipo perenne.
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La forma triangular del árbol (por ser generalmente una conífera, con particular incidencia del abeto) representa a la Santísima Trinidad. Las oraciones que se realizan durante el Adviento se diferencian por un color determinado, y cada uno simboliza un tipo:
El azul las oraciones de reconciliación.
El plata las oraciones de agradecimiento.
El oro las de alabanza.
El verde de abundancia, fortaleza y de naturaleza.
Origen alternativo según algunas iglesias cristianas
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Según la iglesia Católica y otras iglesias cristianas, el 25 de diciembre es la fecha observada por los paganos de la antigüedad como el día del nacimiento del hijo de la Madre de los Cielos, asociado con Nimrod y el dios del sol. Semiramis y sus seguidores sostenían que en el 25 de diciembre, un árbol siempre verde brotó durante la noche de un tocón seco en Babilonia, y que Nimrod volvería secretamente todos los años a la misma hora para dejar presentes en el árbol.
Pero con el fin de convertir a los pueblos paganos al cristianismo, la Iglesia Católica, estableció el 25 de diciembre como fecha del nacimiento de Jesús, así en lugar de celebrar a un dios pagano, se estaría celebrando al Dios judeo-cristiano.

Que un árbol esté plantado dentro de la casa asegura buena salud para la familia y si se coloca en el patio de la vivienda, significa fidelidad de cada uno de los integrantes del hogar. El elemento madera se asocia a Júpiter, planeta de la prosperidad; además, la madera significa crecimiento. Durante Navidad, quienes deciden adornar su árbol lo hacen con elementos cargados de simbología: las piñas representan la eternidad y las luces simbolizan la voluntad de Dios.

Existen otras leyendas que buscan explicar el origen del árbol de navidad, como la de un sacerdote que vivió hace 400 años en Alsacia y que cada noche de Navidad repartía alimento, ropa y dinero a los más pobres. Un día, el sacerdote admiró la hermosa noche y se le ocurrió colgar los regalos en las ramas de un abeto que estaba cerca a la iglesia, así los pobres podrían disfrutar de la noche mientras se reunían bajo el árbol a interpretar cánticos sagrados. Tan agradable resultó la reunión que desde entonces el árbol fue el centro de la fiesta navideña.

Otra leyenda se sitúa en Inglaterra, en el siglo XVIII, bajo el reinado de Jorge III. Se dice que Carlota, la esposa del rey, se caracterizaba por su bondad con sus súbditos y en el año 1765 decidió poner, en uno de los salones más grandes del palacio, un árbol de Pascua adornado con guirnaldas, luces, juguetes y un montón de regalos.
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Existe también la leyenda de un niño que durante una fría noche de invierno buscó refugio en la casa de un leñador y su esposa. El matrimonio de ancianos lo recibió amablemente y le dieron de comer. Al anochecer, el niño se convirtió en un ángel vestido de oro: era el niño Dios. Para recompensar la generosidad de los ancianos, el niño tomó una rama de pino y les dijo que la plantaran, indicándoles que cada año les daría frutos. Y cada Navidad, el árbol les daba manzanas de oro y nueces de plata.

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Fallece Peter O’Toole .Lawrence de Arabia, se rodó en Sevilla

Llegó al rodaje por casualidad, hace ahora cincuenta años, una tarde que pasaba por las inmediaciones del parque de María Luisa. Y antes que formar parte de la historia del cine, lo que se le apareció fue una oportunidad única para llevar algo de dinero a casa, cosa que siempre era bien recibido en aquella época de apreturas. El entonces veinteañero Antonio González, fue uno de los cientos de extras que la productora Columbia fichó en Sevilla para participar en una de las películas que hicieron su grande catálogo y al propio Hollywood, aún más grande: ‘Lawrence de Arabia’.
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Andaba Sevilla sumida en la tragedia en el comienzo de aquel invierno de 1961. El accidente de avioneta que acabó con la vida de cuatro personas cubrió de luto todo lo relacionado con una Operación Clavel que pretendía a paliar la desgracia en la que el Tamarguillo había ahogado el presente de miles de familias que se habían quedado sin hogar.

Y en esto llegó Hollywood con su fascinante maquinaria para transformar la ciudad en una realidad soñada. De El Cairo a Deraa, de Jerusalén a Damasco, calles y edificios de Sevilla se convirtieron en los escenarios de uno de los más épicos relatos de la historia del cine.

El ‘oasis’ sevillano

Entre los meses finales de 1961 y el primer trimestre de 1962, el populoso equipo de más de setenta técnicos de la Columbia que capitaneaban el director David Lean y el productor Sam Spiegel, desembarcó en la capital andaluza después de varios meses de rodaje en Jordania, donde se filmaron casi todas las escenas ambientadas en el desierto. Tras aquella dura experiencia en la que el equipo soportó las extremas condiciones del desierto jordano, rodar en Sevilla supuso un alivio considerable.

El actor irlandés Peter O’Toole, célebre por su interpretación del coronel T.E. Lawrence, personaje principal en Lawrence de Arabia, ha fallecido a los 81 años, según ha confirmado hoy su agente, Steve Kenis.

El intérprete pasará a la historia del cine por su versatilidad, y por su recordada interpretación del coronel T.E. Lawrence en la oscarizada cinta Lawrence de Arabia, de 1962.
De personalidad extrovertida y alegre pero también díscolo y combativo, O’Toole dio sus primeros pasos en el mundo interpretativo como actor de teatro encarnando papeles de Shakespeare para dar el salto a televisión en 1954 y debutar en el cine, en 1959, como actor de reparto en un film menor, “Kidnapped”.
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De padre irlandés y madre escocesa, su fecha y lugar de nacimiento siempre han estado rodeados de una cierta imprecisión, y si bien algunas fuentes aseguran que nació en Connemara (Irlanda), para otros es oriundo de Leeds (norte de Inglaterra).

Frente a esa ambigüedad, el propio O’Toole aceptaba como fecha válida de su nacimiento el 2 de agosto de 1932. Su versatilidad y talento natural para meterse en la piel de personajes especialmente complejos es ampliamente reconocido.

Sin embargo, O’Toole pasará a la historia por su colosal interpretación del controvertido coronel británico T.E. Lawrence en “Lawrence de Arabia” (1962), la obra maestra de David Lean, donde regaló una de las mejores interpretaciones que se han visto en la gran pantalla.
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La magia interpretativa que derrochó O’Toole dando vida al polémico héroe inglés que luchó en el frente turco en la I Guerra Mundial sobrepasó las expectativas, teniendo en cuenta que su elección llegó un poco de rebote, después de que Marlon Brando y Albert Finney hubieran rechazado ese papel.

La profunda implicación del actor en ese proyecto le llevó, incluso, a vivir con un beduino más por los desiertos de Jordania y Marruecos -dos de los países donde se rodó la cinta-, y varios beduinos que conocieron en vida al verdadero “Aurens” llegaron a decir que el irlandés había traído de vuelta al desierto al auténtico coronel.

El filme, un alegato anticolonialista que ganó 7 Oscar, incluido el de “mejor película” -si bien fue Gregory Peck el que se llevó el de mejor actor por “Matar un ruiseñor”-, fue un claro referente interpretativo y argumental en su época y continúa hoy siendo uno de los grandes clásicos de la historia del cine.

Llegarían otros proyectos de relevancia como “La Noche de los Generales” (1966) o “El Hombre de la Mancha” (1972), si bien ninguna de sus otras películas lograría superar el arrollador éxito de “Lawrence de Arabia”.

El Óscar se le resistió en ocho ocasiones. En 2003, llegó a plantearse rechazar el premio honorífico de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de EE.UU. a toda su carrera pues aún sentía que podía lograrlo en competición.

Fuera del universo interpretativo, O’Toole maltrató su salud con una confesa adicción al alcohol y esa dependencia del whisky le situó en 1976 al borde de la muerte, cuando le tuvieron que extirpar parte del estómago y el intestino. Como resultado de esos avatares, su páncreas resultó gravemente dañado y pasó a depender de la insulina.

Entre otros tropezones de salud con los que tuvo que lidiar, también sufrió una enfermedad en la sangre de la que posteriormente se recuperaría. En 1979, cuando parecía que su carrera interpretativa había perdido fuelle, participó en “Calígula”, con Malcolm McDowell y Helen Mirren, y volvió a implicarse en otros proyectos comerciales hasta que “El último emperador”, de Bernardo Bertolucci, y “Troya” le devolvieron de nuevo a la primera línea interpretativa.

En 2006, recibió una candidatura como mejor actor dramático en los Globos de Oro y quedó muy cerca de obtener, al fin, un Oscar en 2007 por su papel en “Venus”, un rodaje en el que se fracturó la cadera. El anuncio de su retirada el 11 de julio de 2012 tomó por sorpresa al mundo del celuloide. En un comunicado, su publicista explicó que el intérprete se había quedado “sin aliento” y que no volvería.

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Cartel original de la película.

Rodaje en Sevilla.

Establecieron su cuartel general en el hotel Alfonso XIII -que además sirvió como set de rodaje en algunas de las escenas de la película-, donde se alojaron el propio director y los actores protagonistas, Alec Guiness, Anthony Quinn, Omar Sharif y un joven Peter O’Toole que aceptó el papel principal tras el rechazo de Marlon Brandon, que prefirió marcharse a Tahití para rodar Rebelión a bordo.
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El ayudante de dirección Pedro Vidal fue contratado para coordinar la participación en la cinta de miles de extras sevillanos en algunas escenas como la llegada de Lawrence de Arabia al cuartel del general inglés en Jerusalén, recreada en la Plaza de América y la puerta principal del Museo Arqueológico.

Según relata Vidal en el ensayo sobre la película ‘Lawrence de Arabia’, del crítico cinematográfico Juan Tejero (T&B Editores, 2002), para animar a los 800 extras sevillanos que participaron en esa escena y que desconocían el personaje protagonista y su historia real pero debían mostrarse entusiasmados de júbilo ante las cámaras, se les dijo que la personalidad que llegaba en el coche acompañado de oficiales ingleses era el torero Antonio Ordóñez, ídolo taurino de la época.

La plaza de América como camerino

Antonio González no recuerda haber recibido aquella motivación, pero sí recuerda la cantidad de veces que tuvieron que repetir la escena. “Acudí a la cita en la plaza de América con mi padre, a quien también seleccionaron, y allí mismo nos vistieron de árabes y nos maquillaron para oscurecernos la piel”, recuerda. “Había muchos extras y muchos técnicos de la película corriendo de un lado para otro. Nos explicaron que teníamos que gritar y agitar un periódico enrollado que nos dieron a cada uno cuando escucháramos el grito de ¡acción! Lo repetimos decenas de veces, estuvimos todo el día para rodar sólo eso a cambio de varios bocadillos y 5.000 pesetas, una fortuna en la época”.
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En la escena rodada en el parque de María Luisa participaron 800 extras sevillanos
La película, basada en Los siete pilares de la sabiduría del Lawrence real, de nombre Thomas Edward, narra las aventuras y la complicada personalidad de este militar y aventurero inglés convertido en mito gracias a sus campañas en Arabia contra el ejército turco y a favor de la unificación de las tribus de la zona durante la Primera Guerra Mundial. La cinta, cuyo proyecto original nació con la intención de repetir el éxito de la anterior colaboración entre Spiegel y Lean, El puente sobre el río Kwai, obtuvo un gran éxito y cosechó siete oscar en 1963, cuatro meses después de su estreno mundial.

“Después del rodaje de aquella escena, los del casting me volvieron a citar, esta vez en una casa de la calle Miguel de Mañara. Allí me probaron varios uniformes de oficial inglés, hasta que dieron con uno de mi talla, incluyendo la gorra de plato y botas de montar que yo reconocí como de gran calidad porque yo me dedicaba al negocio de la zapatería”, recuerda Antonio.
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De incógnito hasta el Alcázar

“Me traladaron, junto a varios extras más, hasta el Alcázar, a apenas 100 metros, en el interior de una furgoneta porque nadie podía vernos. Y en el Alcázar rodamos una escena de tan sólo unos segundos en la que Peter O’Toole mantenía un diálogo con un oficial inglés delante nuestra mientras caminaban. La pena es que no se pararan delante nuestra, porque entonces me hubiera podido reconocer en la pantalla”.

El Thomas Edward Lawrence real.
La mayoría de las escenas de interiores de la película se rodaron en Sevilla, ciudad elegida por el diseñador de producción John Box por la gran variedad arquitectónica de edificios históricos, incluyendo algunos de estilo neomudéjar como el Museo de Artes y Costumbres Populares que tan bien encajaba con la estética de la historia. «No hizo falta construir muros, teníamos estructuras naturales que hacían que nuestro mundo fuese real», recuerda Box en el libro. «Evidentemente, los accesorios de atrezzo nos ayudaron considerablemente en nuestra labor».

En Sevilla se recrearon las ciudades de El Cairo, Deraa, Jerusalén y Damasco
Se eligió la capital andaluza por la variedad de edificios históricos
La sede de la Capitanía General del Ejército fue el cuarte inglés en Egipto
Todos los trabajos anteriores se habían desarrollado en Jordania, donde la Columbia llegó a ganarse las simpatías del rey Hussein mediante la contratación de Sir Anthony Nutting, arabista y ex secretario de estado de Asuntos Exteriores del Gobierno inglés. Las dificultades para rodar en el desierto -temperaturas extremas, frecuentes tormentas de arena, precarias instalaciones para los miembros de equipo…- disparó los costes del rodaje previstos por el productor Sam Spiegel.
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A pesar de que él y el director de la película, David Lean, acababan de firmar un éxito sin precedentes en la historia de Hollywood, ‘El puente sobre el río Kwai’, no pudieron permitirse rodar la nueva producción en Oriente Medio, por lo que la productora comenzó a buscar otro lugar donde continuar la película.

Entre las nuevas localizaciones se barajaron varias ciudades españolas, aunque John Box inclinó finalmente la balanza en favor de Sevilla por la “variedad de edificios históricos” que encajaban a la perfección como decorados de la historia de ‘Lawrence de Arabia’. La otra localización española fue, por sus características desérticas, la provincia de Almería, donde se rodó un mínima parte de la cinta.

De la Plaza de España a la Casa de Pilatos

En la capital andaluza se recrearon hasta cuatro ciudades árabes en las que se desarrollaba la trama. El edificio que actualmente ocupa la sede de la Capitanía General del Ejército, en la plaza de España, fue la sede del cuartel general inglés en El Cairo, cuyo bar de oficiales, que Lawrence profana haciéndose acompañar por un árabe tras la toma de Aqaba, se recreó en el cercano hotel Alfonso XIII.

Las calles de la ciudad de Deraa, donde el protagonista es apresado, torturado y violado -detalle éste sutilmente narrado que aún hoy pasa desapercibido para muchos espectadores-, se filmaron en los aledaños de la muralla de la Macarena, donde el equipo de producción recreó las calles sucias y miserables que exigían el guión.

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El sótano del pabellón de Perú construido para la Exposición Iberoamericana de 1929 -hoy sede de la Casa de la Ciencia- sirvió como sala de mapas del cuartel inglés en El Cairo donde el comandante Lawrence mata su aburrimiento al comienzo de la película. Las mismas dependencias sirvieron como decorado para la mencionada escena de la tortura del protagonista a manos del bey turco, interpretado por José Ferrer.

Una de las escenas más espectaculares se rodó en el interior del Casino de la Exposición, magistralmente transformado por el equipo de Box en el salón de plenos del Ayuntamiento de Damasco. Allí se materializa el fracaso del protagonista en su intento de unir a todas las tribus de Arabia en la lucha contra los turcos.

El Real Alcázar y la Casa de Pilatos se convirtieron durante días en el cuartel general del ejército inglés en Jerusalén. Cuentan que el equipo técnico no pudo evitar la rotura de alguna obra de arte pertenciente a la casa. Cuando la duquesa de Medinaceli descubrió el estropicio, exclamó: «Ah, bueno, sólo era romana».

La escena más espectacular, sin embargo, fue la de la llegada de Lawrence a Jerusalén, que se ambientó en la plaza de América, con el Pabellón Mudéjar como escenario de fondo. En ella se contó con la participación de más de ochocientos extras sevillanos seleccionados días antes en la ciudad.

El rodaje en Sevilla, que finalizó el 19 de marzo de 1962, estuvo plagado de anécdotas. Como las escapadas nocturnas de O’toole y Sharif a algunos tablaos o cómo la crecida del Tamarguillo inundó los sótanos del Pabellón de Perú de la Exposición Iberoamericana y echó a perder los decorados listos para rodar la escena de Lawrence trabajando en la sala de mapas del cuartel general inglés en El Cairo. Recompuesto el escenario, la secuencia tuvo su dificultad añadida: conseguir que una mosca se posara junto a la mano de protagonista en un plano detalle, algo que llevó horas de paciencia a los ayudantes de producción.

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Sandra Guerrero, La Negra.

SANDRA GUERRERO TORIL, bailaora mundialmente conocida con el nombre artístico de SANDRA GUERRERO “LA NEGRA”, nació en Sevilla en el año de 1977 y empezó a bailar con tan sólo 5 años de edad.
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En 1995 ingresó en el “Centro Profesional de Danza de Matilde Coral” donde empezó su carrera como bailaora y, donde 8 años después, se graduaba en Danza Clásica Española obteniendo el título de profesora de baile flamenco.
Mas tarde, en 2004, completaba su formación en el “Centro Flamenco de Estudios Escénicos Mario Maya”.
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Especialista en bailar con “bata de cola” y mantón, Sandra ha cursado baile flamenco con los mejores profesores, como Merche Esmeralda, La Toná, El Mimbre, Eva “La Yerbabuena” o Juán Polvillo; quién actualmente es uno de los componentes de su “Cuadro Flamenco”.

El arte en toda tu figura
uniendo tanta armonía,
embellece el aire que rodea
esos movimientos tan bellos
que llevas tan adentro,
sombreas todo lo que te rodea,
con solo mover tu cuerpo,
lo que encierra tanta belleza
brota sin tu saberlo,
con ese gran poderío
que vas derramando
al compás del taconeo
cuando estas bailando,
lo hace sentir tanto
que el suelo tiembla
porque quiere abrazadlos,
esa gracia infinita
que siempre perdurara
cuando nace de verdad,
ese arte tan grande
Que dios te dadoimage

Sandra Guerrero “La Negra” ha actuado en los tablaos más prestigiosos de España y ha trabajado con las compañías más importantes del mundo del flamenco: TABLAOS: Palacio Andaluz de Sevilla. Albaicín de Granada. Corral de la Pacheca en Madrid. El Arenal de Sevilla ESPECTÁCULOS; Con la Compañía de Cristina Hoyos: Yerma. Con la Compañía de Mario Maya: Un Dos Tres Fa. Con la Compañía de Carmen Mota. Con la Compañía de María Pagés: Luna de viento. Con el Ballet de Curro Vélez: Fiesta Gitana. Con el Ballet de Yoko Komatsubara: Carmen. Con el Grupo Ciudad Sevilla. Sandra Guerrero “La Negra” ha realizado giras por países de todo el mundo y ha participado en Festivales de Flamenco de reconocido prestigio GIRAS: Gira con Manuel Orta por España.. Gira patrocinada por la Embajada de España por: Francia, Cuba, Estados Unidos, India, Italia, Marruecos, Holanda e Inglaterra.

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FESTIVALES: Solista en el Festival de Flamenco de Bormujos. Solista en el Festival de Flamenco de Tomares. Solista en el Festival de Flamenco de Puerto Serrano. III Festival de las Artes de Tomares (2005). VI Noche Flamenca en el Cerro, Coria del Río (2005). Festival de Valencia. Festival de Marsan. Festival de Munich. Festival de Italia. Feria de Sevilla (con Maite Pulpón) PROFESORA:. En Bormujos. En Tomares. En Camas. En Santiponce. En Puerto Serrano. En la Academia Teruo. En la Academia de Marieta Calderón. En la Escuela de Juán Polvillo (actualmente) CINE Y TELEVISIÓN: “Sevillanas” de Carlos Saura. “Flamenco” de Carlos Saura. Programa musical “Contigo” de Canal Sur. Gala de Aniversario de la EXPO 92. Gala de Aniversario “Los del Río”. Especial “Feria de Sevilla”. Programa “Cántame” de Canal Sur. Gala Miss España en Tele 5. “Una Noche con Arte” Sandra Guerrero “La Negra” es una Bailaora Sevillana que ha actuado en los escenarios más prestigiosos de España: El Palacio Andaluz, El Albaicín de Granada, El famoso “Corral de la Pacheca” (en Madrid), El Arenal de Sevilla etc., etc., etc.
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Sandra Guerrero “La Negra” ha impartido clases de baile flamenco en diversos lugares (de Andalucía sobretodo) y en academias que gozan de un merecido prestigio: Ha realizado Giras y Espectáculos por países de todo el mundo: Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Italia, India, Marruecos, Emiratos Árabes, Egipto, Jordania, Holanda, Bélgica, Alemania, Rusia, China, Miami etc., etc., etc. Su destacada participación en Festivales comprende los Festivales de: Munich (Alemania), Festival de Marsan, Festival de Valencia, Festival de Coria del Río (donde ha compartido un cartel importante) etc., etc., etc. Ha trabajado en importantes Compañías de flamenco con fama internacional, como la Compañía de Cristina Hoyos, la Compañía de Mario Maya, las Compañías de María Pagés, Carmen Mota, etc., así como en el Ballet de Yoko Komtsubara (en Japón) y en el Ballet de Currro Vélez (entre muchos otros).
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De su participación en el cine podemos destacar las películas de Carlos Saura: “Flamenco” y “Sevillanas” y de su participación en la televisión destacaremos los programas: “Contigo” y “Cántame” (de Canal Sur) Gala de Aniversario de la expo 92, Gala de Aniversario “los del Río”, Especial Feria de Sevilla, Gala Miss España (Tele 5) etc., etc, etc. Una de las últimas actuaciones de Sandra Guerrero “La Negra” ha tenido lugar en la “Expo de Zaragoza” Actualmente compagina su labor de profesora de Baile Flamenco, con las giras y actuaciones de su propio “Cuadro Flamenco”. Sandra Guerrero “La Negra” baila por todos “los palos” del flamenco y muy especialmente “por bata de cola” y “con mantón”. Si usted está interesado en contratar a Sandra Guerrero “La Negra” le recomendamos que contacte urgentemente, y siempre antes de que queden reservados los escasos días disponibles de su agenda
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Españoles y ticos arman fiesta gitana . Costa Rica.
En escena: La bailaora española La Negra y la compañía tica Al Andalus presentarán el espectáculo llamado De ida y vuelta
Después de participar en la Bienal de Flamenco de Sevilla, donde se presentan los mejores artistas del mundo del flamenco, la bailaora Sandra Guerrero –más conocida como La Negra – viajó a Costa Rica para compartir un espectáculo con la compañía tica Al Andalus. La presentación, llamada De ida y vuelta , será el viernes en el Teatro Eugene O’Neill del Centro Cultural Costarricense Norteamericano, en barrio Dent.
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La Negra , conocida internacionalmente por sus bailes con bata de cola y mantón (parte vestuario que se usa en el flamenco), se presentará acompañada por el guitarrista Javier Leal y el cantaor Manuel Tañé. “Vamos a hacer un espectáculo de flamenco en colaboración con las chicas de aquí. Ellas y yo bailemos diferentes palos como alegrías, taranto y bulerías”, comentó La Negra , quien llegó al país el sábado pasado.

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La artista agregó: “Las chicas de Costa Rica abrirán con sevillanas; luego vengo yo con alegrías, después habrá un tiento, un solo de guitarra y luego cierro el espectáculo con un solo. Al final, haremos un cierre por fiesta, en el que yo compartiré con ellas”. Aunque esta es la primera vez en que La Negra y el guitarrista Leal se presentan en Costa Rica, el cantaor Manuel Tañé ya tiene experiencia con el público tico, ya que acompañó al bailaor Antonio El Pipa en su última visita al país en abril pasado. “El público costarricense respondió muy bien en esa ocasión. Tienen conocimientos en lo que es el flamenco”, aseguró Tañé. La Negra espera que la respuesta de los espectadores costarricenses sea buena. “Estoy segura de que la van a pasar muy bien”, dijo ella. Emocionados. Para la compañía Al Andalus bailar al lado de La Negra es una oportunidad de la que pueden aprender mucho, pese a que no es la primera vez que comparten con un artista extranjero. “El arte acerca a las personas, este será un momento para disfrutar, abrir las puertas y compartir por medio del baile”, explicó Rocío González, directora del grupo. En la presentación del viernes participarán diez bailaoras de la agrupación. Ellas serán acompañadas por los guitarristas Felipe Carvajal y José y Juan Mejías; de hecho, estos dos últimos también participarán en el cante al lado de Fernando Mejías. “Hemos trabajado mucho para que quede muy bonito. Como todos los espectáculos, esta es una oportunidad para que podamos dar a conocer nuestro trabajo”, manifestó González. Tras su presentación en Costa Rica, La Negra y sus compañeros regresarán a España donde darán funciones en diferentes teatros y comunidades del país. El espectáculo De ida y de vuelta es una producción del Centro Cultural de España en conjunto con el Centro Cultural Costarricense Norteamericano.
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Chano Lobato, por alegrías!

JUAN MIGUEL RAMÍREZ SARABIA, cantaor payo, más conocido en el mundo entero del cante flamenco con el nombre artístico de CHANO LOBATO, nació en Cádiz en el año 1927.
En el típico barrio de Santa María, y allí creció y se codeo desde muy niño con toda la flor y nata de los mejores flamencos gaditanos. Chano Lobato ha sido para todos los aficionados el mejor cantaor para acompañar a bailar de la historia.
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Se inició en los tablaos de su ciudad natal, en la Venta La Palma, junto a Aurelio Sellés, Servando Roa y Antonio El Herrero. Después se desplazó a Madrid, y gracias a Pepe Blanco debutó profesionalmente y pasó a ser parte del ballet de Alejandro Vega.

Chano Lobato destacaba principalmente en soleás, bulerías y alegrías, también en tangos, aunque su cante fuera de la siguiriya a la malagueña, de las cantiñas a los soleares, de las tonás y los martinetes a la farruca y el garrotín o los cantes de ida y vuelta.
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Durante veinte años cantó como “cantaor de atrás” con Antonio “El Bailarín”, y actuó por todo el mundo junto a Manuel Morao o El Serna. Después cantó para bailaores como Matilde Coral, su mujer Rosario la Chana, Carmen Amaya, Manuela Vargas. En 1974 obtuvo el premio Enrique el Mellizo en el Concurso Nacional de Córdoba (España).
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Hoy se sigue hablando de Chano Lobato como del maestro de la gracia y del compás. Canta todos los estilos de su tierra gaditana, y todo muy bien, como la Solea, siguiriya, los martinetes, la farruca y el garrotín, los cantes de ida y vuelta, como todos los referentes a los de levante, como son las Malagueñas. Murió el domingo 5 de abril del año 2009 en Sevilla. Cultivador del estilo, Las alegrías.
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Las alegrías son el estilo flamenco más destacado del grupo de las cantiñas. Se trata de un cante oriundo de Cádiz cuya estructura de compás corresponde a la de la soleá, con coplas de cuatro versos octosílabos. De hecho, es el resultado de la unión entre la soleá y la jota imagearagonesa, ‘fusión’ que se propició durante la resistencia a la invasión napoleónica (1808), la Guerra de la Independencia. No en vano, en su origen, también se llamaron jotas o jotillas gaditanas; y en su temática son comunes las letras alusivas al periodo liberal y la contienda.

El baile por alegrías es uno de los más lucidos y ricos sobre el escenario. Tradicionalmente, se considera un baile de mujer que se nutre tanto de los movimientos ondulantes del cuerpo y de hermosos braceos -sobre todo, en los llamados silencios-, como de elaborados zapateados -en las llamadas escobillas-, sin olvidar elementos del vestuario tan vistosos como las batas de cola o los mantones, cuyo manejo requiere una técnica especial.

Cai tacita de plata
te vio nace con orgullo,
para que brillo el sol
cuando te pones a cantar,
con gracia arte y compás,
que dios te otorgo
representación de tu cai,
para toda la eternidad.

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No tiene antecedentes familiares en el flamenco, solo que en su barrio de Santa María se junto desde niño con toda la mejor gitanería flamenca de su tiempo. De niño bailaba, cuando tenía cinco o seis añitos. Y en los días de carnaval formaban como una compañía en que iban la Perla, los hermanos Jineto, Curro la Gamba, Rosario la de Ojitos, María la Ñaña, esos flamencos del barrio, se vestían y se iban por ahí, cantaban, bailaban y mangaban.
Después vinieron las fiestas en las ventas, y Chano tuvo oportunidad de oír a los más grandes cantaores de aquel tiempo en Cádiz, entre quienes Aurelio Sellés era el patriarca. Pasó del baile al cante, primero para acompañar a los bailaores en lo que ha sido quizás el mejor de la historia y desde hace años ya en solitario. Acompañó durante dieciséis años al bailarín Antonio es significativo sobre su bondad para el baile. En 1986 mereció, en mérito a su trayectoria artística ejemplar, la III Distinción Compás del Cante.

Sabio Y generoso

imageChano Lobato tenia 69 años y padecia diabetes, pero cuando estaba fresco era capaz de hacer, él solo, hora y media del mejor espectáculo flamenco del mun­do. Su voz ladina, su humor astuto, sus tablas y su inteli­gencia enganchan. Es una pe­queña enciclopedia de letras y estilos, y no se sabe qué hace mejor, si cantar puro y a compás, como aprendió de Ig­nacio Espeleta y Pericón o contar los chistes más graciosos de Cádiz.
Después de pasar 40 años junto a los mejores bai­laores (Antonio, Pilar López o Carmen Amaya), Chano decidió dar el salto adelante. Desde entonces ha regalado las letras más bellas y el ritmo más con­tagioso del flamenco actual. Es el último cantaor sabio, el de­positario de un arte de vivir y sentir el flamenco que posible­mente se irá con él.

Tamara García / Cádiz | Actualizado 09.04.2008 escribió:Suma Flamenca recuerda la relación de Chano Lobato con Madrid

El festival madrileño acogerá una exposición sobre el artista gaditano
La intensa y productiva relación entre el cantaor gaditano Juan Ramírez Sarabia y la capital española no ha pasado desapercibida a la organización del festival Suma Flamenca que acoge en su programa de este año la exposición de fotografías de Paco Manzano 25 años de Chano Lobato en Madrid.
“Chano es un personaje singular. Una leyenda viva que funciona de bisagra entre el flamenco más antiguo y el actual. Sobre todo, representa la historia del flamenco a través de esas anécdotas que cuenta de forma tan divertida y exagerada aunque tienen su fondo de verdad”. Lo dice el artífice de la muestra que no faltará hoy al Complejo El Águila de la Comunidad de Madrid, donde se presentan las actividades de la tercera edición del festival flamenco. Eso sí, habrá que esperar algo más para pasear entre la treintena de fotografías que recogen la trayectoria del cantaor en Madrid. “Los trabajos estarán expuestos en el Teatro Albéniz entre el 22 y el 31 de mayo”, acierta Manzano, que ha buceado entre su inmenso archivo fotográfico para rescatar instantáneas del artista “desde el año 1984″, informa.
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“Hay fotografías muy interesantes como aquella que recoge su participación en la Cumbre Flamenca de 1984 con otros artistas tan grandes como De la Tomasa o Fernanda de Utrera, o en los Lunes Flamencos de la sala Revólver, o en los festivales flamencos de Caja Madrid”, enumera el fotógrafo que destaca, también, otras obras como “una que está con Compay Segundo en el colegio médico, tres o cuatro que hay de los festivales A Corazón Abierto en las que aparece Chano con Carmen Linares o cantándole a Sara Baras y la más reciente, que es de diciembre de 2007, donde aparece recogiendo el Premio Angelillo que se le otorgó en el festival de Vallecas”.

Paco Manzano no cree que el octogenario artista se acerque durante la jornada de hoy a Madrid para la pre-presentación de la muestra. “Yo estuve con él hace un par de días porque vino a Fuenlabrada pero no creo que venga mañana (por hoy). Estará cuando inauguremos”, espera el autor de la muestra Caballeros flamencos, donde también aparece Chano de Cádiz. “Estaría muy bien que, tras las fechas en el Suma, podamos girar la exposición por otros lugares de España pues, como bien sabéis allí en Cádiz, Chano es muy querido en todas partes”, argumenta el artista manchego al que también le gustaría traer la exposición a Cádiz.
Por lo pronto, el festival organizado por la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid acoge de buena gana la muestra, además de a un buen puñado de artistas de la provincia gaditana que actuarán dentro de un programa que se desarrollará del 17 de mayo al 15 de junio.
Así, el 27 de mayo el propio Chano Lobato acudirá al Teatro Albéniz para coprotagonizar La Noche de Chano con Son, junto con el grupo Son de la Frontera.

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6 de Abril de 2009 – 11:15 – AGENCIAS | MADRID

El cantaor gaditano Juan Ramírez Sarabia, más conocido como Chano Lobato, falleció en la noche de ayer en Sevilla tras una larga enfermedad.

En 1974 obtuvo el premio Enrique El Mellizo en el Concurso Nacional de Córdoba, lo que le supuso el reconocimiento de todo el estamento flamenco. También participó con gran éxito en la Cumbre Flamenca de Madrid. Ha recibido la Medalla de Plata de Andalucía, por toda una vida dedicada al Arte Flamenco, y también posee el Premio Lucas López de la Peña Flamenca El Taranto de Almería.

J. A. López/T. García / Cádiz | 24.04.2009
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“Ya está donde él quería”
La familia de Chano Lobato arroja una parte de las cenizas del cantaor en la playa de Santa María del Mar tras celebrar en el barrio una misa en su memoria
El mar de Cádiz acogió ayer las cenizas de uno de sus hijos más predilectos: Chano Lobato. A las ocho y media de la tarde, con el sol perdiendo fuelle y camino de su escondite caletero, dos sobrinos del cantaor las arrojaron al Atlántico desde uno de los espigones de la playa de Santa María del Mar, mientras otros familiares observaban la escena con atención desde el Paseo Marítimo. “Ya está donde él quería”, resumió acertadamente uno de sus sobrinos. La familia acababa de celebrar en la iglesia de La Merced, en el barrio de Santa María, una misa en memoria del cantaor gaditano, fallecido en Sevilla el pasado Domingo de Ramos. Y después se dirigió a la playa, cerca del lugar donde el niño Chano gustaba de acudir casi a hurtadillas de su madre y de sus hermanas.
Victoria Ramírez y Antonio Prieto, sobrinos del artista, bajaron con la urna en sus brazos y acompañados de Félix Rodríguez, flamencólogo y compadre de Chano Lobato, y José Rodríguez, presidente de la asociación de vecinos Las Tres Torres. Anduvieron hasta el primer espigón de la playa, el situado más cerca de la plaza Asdrúbal, y desde las rocas, al resguardo del levante, gaditanísimo testigo del acto, arrojaron sus cenizas. Arriba, en el borde del Paseo Marítimo, se encontraban su hijo, Chano Ramírez, Chanito; las hermanas del cantaor -Charo, Manuela y Juani-, su prima Luisa la de Enrique y un numeroso grupo de familiares, fundamentalmente sobrinos y sobrinas acompañados de sus propios hijos, que correteaban por el lugar ajenos por lógica a todo lo que con aquel sencillo y emotivo acto rememoraban sus mayores.
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Cádiz y Sevilla fueron los lugares elegidos por el propio Chano Lobato en vida para que fueran esparcidas sus cenizas. Primero, su ciudad natal, como explicaba su hijo Chanito: “Todavía no lo hemos hecho en Sevilla porque nos parecía que lo lógico era hacerlo primero en Cádiz, en su tierra. Y aquí estamos”, decía Chanito mientras recordaba la imposibilidad de que su madre estuviera presente en el acto: “Mi madre no puede venir”.

Después, aún sin fecha, vendrá Sevilla, en algún lugar tampoco determinado todavía con exactitud del barrio de Triana. La voluntad del cantaor quedará cumplida cuando sus cenizas se repartan también por tierra sevillana.

Pero todavía quedará una tercera parte de las cenizas, como señalaba ayer Chanito Ramírez. Una tercera urna será depositada también en el monumento al cantaor en la plaza de la Merced, una obra de el escultor chiclanero José Antonio Barberá.
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