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Fallece Peter O’Toole .Lawrence de Arabia, se rodó en Sevilla

Llegó al rodaje por casualidad, hace ahora cincuenta años, una tarde que pasaba por las inmediaciones del parque de María Luisa. Y antes que formar parte de la historia del cine, lo que se le apareció fue una oportunidad única para llevar algo de dinero a casa, cosa que siempre era bien recibido en aquella época de apreturas. El entonces veinteañero Antonio González, fue uno de los cientos de extras que la productora Columbia fichó en Sevilla para participar en una de las películas que hicieron su grande catálogo y al propio Hollywood, aún más grande: ‘Lawrence de Arabia’.
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Andaba Sevilla sumida en la tragedia en el comienzo de aquel invierno de 1961. El accidente de avioneta que acabó con la vida de cuatro personas cubrió de luto todo lo relacionado con una Operación Clavel que pretendía a paliar la desgracia en la que el Tamarguillo había ahogado el presente de miles de familias que se habían quedado sin hogar.

Y en esto llegó Hollywood con su fascinante maquinaria para transformar la ciudad en una realidad soñada. De El Cairo a Deraa, de Jerusalén a Damasco, calles y edificios de Sevilla se convirtieron en los escenarios de uno de los más épicos relatos de la historia del cine.

El ‘oasis’ sevillano

Entre los meses finales de 1961 y el primer trimestre de 1962, el populoso equipo de más de setenta técnicos de la Columbia que capitaneaban el director David Lean y el productor Sam Spiegel, desembarcó en la capital andaluza después de varios meses de rodaje en Jordania, donde se filmaron casi todas las escenas ambientadas en el desierto. Tras aquella dura experiencia en la que el equipo soportó las extremas condiciones del desierto jordano, rodar en Sevilla supuso un alivio considerable.

El actor irlandés Peter O’Toole, célebre por su interpretación del coronel T.E. Lawrence, personaje principal en Lawrence de Arabia, ha fallecido a los 81 años, según ha confirmado hoy su agente, Steve Kenis.

El intérprete pasará a la historia del cine por su versatilidad, y por su recordada interpretación del coronel T.E. Lawrence en la oscarizada cinta Lawrence de Arabia, de 1962.
De personalidad extrovertida y alegre pero también díscolo y combativo, O’Toole dio sus primeros pasos en el mundo interpretativo como actor de teatro encarnando papeles de Shakespeare para dar el salto a televisión en 1954 y debutar en el cine, en 1959, como actor de reparto en un film menor, “Kidnapped”.
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De padre irlandés y madre escocesa, su fecha y lugar de nacimiento siempre han estado rodeados de una cierta imprecisión, y si bien algunas fuentes aseguran que nació en Connemara (Irlanda), para otros es oriundo de Leeds (norte de Inglaterra).

Frente a esa ambigüedad, el propio O’Toole aceptaba como fecha válida de su nacimiento el 2 de agosto de 1932. Su versatilidad y talento natural para meterse en la piel de personajes especialmente complejos es ampliamente reconocido.

Sin embargo, O’Toole pasará a la historia por su colosal interpretación del controvertido coronel británico T.E. Lawrence en “Lawrence de Arabia” (1962), la obra maestra de David Lean, donde regaló una de las mejores interpretaciones que se han visto en la gran pantalla.
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La magia interpretativa que derrochó O’Toole dando vida al polémico héroe inglés que luchó en el frente turco en la I Guerra Mundial sobrepasó las expectativas, teniendo en cuenta que su elección llegó un poco de rebote, después de que Marlon Brando y Albert Finney hubieran rechazado ese papel.

La profunda implicación del actor en ese proyecto le llevó, incluso, a vivir con un beduino más por los desiertos de Jordania y Marruecos -dos de los países donde se rodó la cinta-, y varios beduinos que conocieron en vida al verdadero “Aurens” llegaron a decir que el irlandés había traído de vuelta al desierto al auténtico coronel.

El filme, un alegato anticolonialista que ganó 7 Oscar, incluido el de “mejor película” -si bien fue Gregory Peck el que se llevó el de mejor actor por “Matar un ruiseñor”-, fue un claro referente interpretativo y argumental en su época y continúa hoy siendo uno de los grandes clásicos de la historia del cine.

Llegarían otros proyectos de relevancia como “La Noche de los Generales” (1966) o “El Hombre de la Mancha” (1972), si bien ninguna de sus otras películas lograría superar el arrollador éxito de “Lawrence de Arabia”.

El Óscar se le resistió en ocho ocasiones. En 2003, llegó a plantearse rechazar el premio honorífico de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de EE.UU. a toda su carrera pues aún sentía que podía lograrlo en competición.

Fuera del universo interpretativo, O’Toole maltrató su salud con una confesa adicción al alcohol y esa dependencia del whisky le situó en 1976 al borde de la muerte, cuando le tuvieron que extirpar parte del estómago y el intestino. Como resultado de esos avatares, su páncreas resultó gravemente dañado y pasó a depender de la insulina.

Entre otros tropezones de salud con los que tuvo que lidiar, también sufrió una enfermedad en la sangre de la que posteriormente se recuperaría. En 1979, cuando parecía que su carrera interpretativa había perdido fuelle, participó en “Calígula”, con Malcolm McDowell y Helen Mirren, y volvió a implicarse en otros proyectos comerciales hasta que “El último emperador”, de Bernardo Bertolucci, y “Troya” le devolvieron de nuevo a la primera línea interpretativa.

En 2006, recibió una candidatura como mejor actor dramático en los Globos de Oro y quedó muy cerca de obtener, al fin, un Oscar en 2007 por su papel en “Venus”, un rodaje en el que se fracturó la cadera. El anuncio de su retirada el 11 de julio de 2012 tomó por sorpresa al mundo del celuloide. En un comunicado, su publicista explicó que el intérprete se había quedado “sin aliento” y que no volvería.

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Cartel original de la película.

Rodaje en Sevilla.

Establecieron su cuartel general en el hotel Alfonso XIII -que además sirvió como set de rodaje en algunas de las escenas de la película-, donde se alojaron el propio director y los actores protagonistas, Alec Guiness, Anthony Quinn, Omar Sharif y un joven Peter O’Toole que aceptó el papel principal tras el rechazo de Marlon Brandon, que prefirió marcharse a Tahití para rodar Rebelión a bordo.
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El ayudante de dirección Pedro Vidal fue contratado para coordinar la participación en la cinta de miles de extras sevillanos en algunas escenas como la llegada de Lawrence de Arabia al cuartel del general inglés en Jerusalén, recreada en la Plaza de América y la puerta principal del Museo Arqueológico.

Según relata Vidal en el ensayo sobre la película ‘Lawrence de Arabia’, del crítico cinematográfico Juan Tejero (T&B Editores, 2002), para animar a los 800 extras sevillanos que participaron en esa escena y que desconocían el personaje protagonista y su historia real pero debían mostrarse entusiasmados de júbilo ante las cámaras, se les dijo que la personalidad que llegaba en el coche acompañado de oficiales ingleses era el torero Antonio Ordóñez, ídolo taurino de la época.

La plaza de América como camerino

Antonio González no recuerda haber recibido aquella motivación, pero sí recuerda la cantidad de veces que tuvieron que repetir la escena. “Acudí a la cita en la plaza de América con mi padre, a quien también seleccionaron, y allí mismo nos vistieron de árabes y nos maquillaron para oscurecernos la piel”, recuerda. “Había muchos extras y muchos técnicos de la película corriendo de un lado para otro. Nos explicaron que teníamos que gritar y agitar un periódico enrollado que nos dieron a cada uno cuando escucháramos el grito de ¡acción! Lo repetimos decenas de veces, estuvimos todo el día para rodar sólo eso a cambio de varios bocadillos y 5.000 pesetas, una fortuna en la época”.
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En la escena rodada en el parque de María Luisa participaron 800 extras sevillanos
La película, basada en Los siete pilares de la sabiduría del Lawrence real, de nombre Thomas Edward, narra las aventuras y la complicada personalidad de este militar y aventurero inglés convertido en mito gracias a sus campañas en Arabia contra el ejército turco y a favor de la unificación de las tribus de la zona durante la Primera Guerra Mundial. La cinta, cuyo proyecto original nació con la intención de repetir el éxito de la anterior colaboración entre Spiegel y Lean, El puente sobre el río Kwai, obtuvo un gran éxito y cosechó siete oscar en 1963, cuatro meses después de su estreno mundial.

“Después del rodaje de aquella escena, los del casting me volvieron a citar, esta vez en una casa de la calle Miguel de Mañara. Allí me probaron varios uniformes de oficial inglés, hasta que dieron con uno de mi talla, incluyendo la gorra de plato y botas de montar que yo reconocí como de gran calidad porque yo me dedicaba al negocio de la zapatería”, recuerda Antonio.
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De incógnito hasta el Alcázar

“Me traladaron, junto a varios extras más, hasta el Alcázar, a apenas 100 metros, en el interior de una furgoneta porque nadie podía vernos. Y en el Alcázar rodamos una escena de tan sólo unos segundos en la que Peter O’Toole mantenía un diálogo con un oficial inglés delante nuestra mientras caminaban. La pena es que no se pararan delante nuestra, porque entonces me hubiera podido reconocer en la pantalla”.

El Thomas Edward Lawrence real.
La mayoría de las escenas de interiores de la película se rodaron en Sevilla, ciudad elegida por el diseñador de producción John Box por la gran variedad arquitectónica de edificios históricos, incluyendo algunos de estilo neomudéjar como el Museo de Artes y Costumbres Populares que tan bien encajaba con la estética de la historia. «No hizo falta construir muros, teníamos estructuras naturales que hacían que nuestro mundo fuese real», recuerda Box en el libro. «Evidentemente, los accesorios de atrezzo nos ayudaron considerablemente en nuestra labor».

En Sevilla se recrearon las ciudades de El Cairo, Deraa, Jerusalén y Damasco
Se eligió la capital andaluza por la variedad de edificios históricos
La sede de la Capitanía General del Ejército fue el cuarte inglés en Egipto
Todos los trabajos anteriores se habían desarrollado en Jordania, donde la Columbia llegó a ganarse las simpatías del rey Hussein mediante la contratación de Sir Anthony Nutting, arabista y ex secretario de estado de Asuntos Exteriores del Gobierno inglés. Las dificultades para rodar en el desierto -temperaturas extremas, frecuentes tormentas de arena, precarias instalaciones para los miembros de equipo…- disparó los costes del rodaje previstos por el productor Sam Spiegel.
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A pesar de que él y el director de la película, David Lean, acababan de firmar un éxito sin precedentes en la historia de Hollywood, ‘El puente sobre el río Kwai’, no pudieron permitirse rodar la nueva producción en Oriente Medio, por lo que la productora comenzó a buscar otro lugar donde continuar la película.

Entre las nuevas localizaciones se barajaron varias ciudades españolas, aunque John Box inclinó finalmente la balanza en favor de Sevilla por la “variedad de edificios históricos” que encajaban a la perfección como decorados de la historia de ‘Lawrence de Arabia’. La otra localización española fue, por sus características desérticas, la provincia de Almería, donde se rodó un mínima parte de la cinta.

De la Plaza de España a la Casa de Pilatos

En la capital andaluza se recrearon hasta cuatro ciudades árabes en las que se desarrollaba la trama. El edificio que actualmente ocupa la sede de la Capitanía General del Ejército, en la plaza de España, fue la sede del cuartel general inglés en El Cairo, cuyo bar de oficiales, que Lawrence profana haciéndose acompañar por un árabe tras la toma de Aqaba, se recreó en el cercano hotel Alfonso XIII.

Las calles de la ciudad de Deraa, donde el protagonista es apresado, torturado y violado -detalle éste sutilmente narrado que aún hoy pasa desapercibido para muchos espectadores-, se filmaron en los aledaños de la muralla de la Macarena, donde el equipo de producción recreó las calles sucias y miserables que exigían el guión.

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El sótano del pabellón de Perú construido para la Exposición Iberoamericana de 1929 -hoy sede de la Casa de la Ciencia- sirvió como sala de mapas del cuartel inglés en El Cairo donde el comandante Lawrence mata su aburrimiento al comienzo de la película. Las mismas dependencias sirvieron como decorado para la mencionada escena de la tortura del protagonista a manos del bey turco, interpretado por José Ferrer.

Una de las escenas más espectaculares se rodó en el interior del Casino de la Exposición, magistralmente transformado por el equipo de Box en el salón de plenos del Ayuntamiento de Damasco. Allí se materializa el fracaso del protagonista en su intento de unir a todas las tribus de Arabia en la lucha contra los turcos.

El Real Alcázar y la Casa de Pilatos se convirtieron durante días en el cuartel general del ejército inglés en Jerusalén. Cuentan que el equipo técnico no pudo evitar la rotura de alguna obra de arte pertenciente a la casa. Cuando la duquesa de Medinaceli descubrió el estropicio, exclamó: «Ah, bueno, sólo era romana».

La escena más espectacular, sin embargo, fue la de la llegada de Lawrence a Jerusalén, que se ambientó en la plaza de América, con el Pabellón Mudéjar como escenario de fondo. En ella se contó con la participación de más de ochocientos extras sevillanos seleccionados días antes en la ciudad.

El rodaje en Sevilla, que finalizó el 19 de marzo de 1962, estuvo plagado de anécdotas. Como las escapadas nocturnas de O’toole y Sharif a algunos tablaos o cómo la crecida del Tamarguillo inundó los sótanos del Pabellón de Perú de la Exposición Iberoamericana y echó a perder los decorados listos para rodar la escena de Lawrence trabajando en la sala de mapas del cuartel general inglés en El Cairo. Recompuesto el escenario, la secuencia tuvo su dificultad añadida: conseguir que una mosca se posara junto a la mano de protagonista en un plano detalle, algo que llevó horas de paciencia a los ayudantes de producción.

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Sandra Guerrero, La Negra.

SANDRA GUERRERO TORIL, bailaora mundialmente conocida con el nombre artístico de SANDRA GUERRERO “LA NEGRA”, nació en Sevilla en el año de 1977 y empezó a bailar con tan sólo 5 años de edad.
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En 1995 ingresó en el “Centro Profesional de Danza de Matilde Coral” donde empezó su carrera como bailaora y, donde 8 años después, se graduaba en Danza Clásica Española obteniendo el título de profesora de baile flamenco.
Mas tarde, en 2004, completaba su formación en el “Centro Flamenco de Estudios Escénicos Mario Maya”.
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Especialista en bailar con “bata de cola” y mantón, Sandra ha cursado baile flamenco con los mejores profesores, como Merche Esmeralda, La Toná, El Mimbre, Eva “La Yerbabuena” o Juán Polvillo; quién actualmente es uno de los componentes de su “Cuadro Flamenco”.

El arte en toda tu figura
uniendo tanta armonía,
embellece el aire que rodea
esos movimientos tan bellos
que llevas tan adentro,
sombreas todo lo que te rodea,
con solo mover tu cuerpo,
lo que encierra tanta belleza
brota sin tu saberlo,
con ese gran poderío
que vas derramando
al compás del taconeo
cuando estas bailando,
lo hace sentir tanto
que el suelo tiembla
porque quiere abrazadlos,
esa gracia infinita
que siempre perdurara
cuando nace de verdad,
ese arte tan grande
Que dios te dadoimage

Sandra Guerrero “La Negra” ha actuado en los tablaos más prestigiosos de España y ha trabajado con las compañías más importantes del mundo del flamenco: TABLAOS: Palacio Andaluz de Sevilla. Albaicín de Granada. Corral de la Pacheca en Madrid. El Arenal de Sevilla ESPECTÁCULOS; Con la Compañía de Cristina Hoyos: Yerma. Con la Compañía de Mario Maya: Un Dos Tres Fa. Con la Compañía de Carmen Mota. Con la Compañía de María Pagés: Luna de viento. Con el Ballet de Curro Vélez: Fiesta Gitana. Con el Ballet de Yoko Komatsubara: Carmen. Con el Grupo Ciudad Sevilla. Sandra Guerrero “La Negra” ha realizado giras por países de todo el mundo y ha participado en Festivales de Flamenco de reconocido prestigio GIRAS: Gira con Manuel Orta por España.. Gira patrocinada por la Embajada de España por: Francia, Cuba, Estados Unidos, India, Italia, Marruecos, Holanda e Inglaterra.

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FESTIVALES: Solista en el Festival de Flamenco de Bormujos. Solista en el Festival de Flamenco de Tomares. Solista en el Festival de Flamenco de Puerto Serrano. III Festival de las Artes de Tomares (2005). VI Noche Flamenca en el Cerro, Coria del Río (2005). Festival de Valencia. Festival de Marsan. Festival de Munich. Festival de Italia. Feria de Sevilla (con Maite Pulpón) PROFESORA:. En Bormujos. En Tomares. En Camas. En Santiponce. En Puerto Serrano. En la Academia Teruo. En la Academia de Marieta Calderón. En la Escuela de Juán Polvillo (actualmente) CINE Y TELEVISIÓN: “Sevillanas” de Carlos Saura. “Flamenco” de Carlos Saura. Programa musical “Contigo” de Canal Sur. Gala de Aniversario de la EXPO 92. Gala de Aniversario “Los del Río”. Especial “Feria de Sevilla”. Programa “Cántame” de Canal Sur. Gala Miss España en Tele 5. “Una Noche con Arte” Sandra Guerrero “La Negra” es una Bailaora Sevillana que ha actuado en los escenarios más prestigiosos de España: El Palacio Andaluz, El Albaicín de Granada, El famoso “Corral de la Pacheca” (en Madrid), El Arenal de Sevilla etc., etc., etc.
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Sandra Guerrero “La Negra” ha impartido clases de baile flamenco en diversos lugares (de Andalucía sobretodo) y en academias que gozan de un merecido prestigio: Ha realizado Giras y Espectáculos por países de todo el mundo: Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Italia, India, Marruecos, Emiratos Árabes, Egipto, Jordania, Holanda, Bélgica, Alemania, Rusia, China, Miami etc., etc., etc. Su destacada participación en Festivales comprende los Festivales de: Munich (Alemania), Festival de Marsan, Festival de Valencia, Festival de Coria del Río (donde ha compartido un cartel importante) etc., etc., etc. Ha trabajado en importantes Compañías de flamenco con fama internacional, como la Compañía de Cristina Hoyos, la Compañía de Mario Maya, las Compañías de María Pagés, Carmen Mota, etc., así como en el Ballet de Yoko Komtsubara (en Japón) y en el Ballet de Currro Vélez (entre muchos otros).
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De su participación en el cine podemos destacar las películas de Carlos Saura: “Flamenco” y “Sevillanas” y de su participación en la televisión destacaremos los programas: “Contigo” y “Cántame” (de Canal Sur) Gala de Aniversario de la expo 92, Gala de Aniversario “los del Río”, Especial Feria de Sevilla, Gala Miss España (Tele 5) etc., etc, etc. Una de las últimas actuaciones de Sandra Guerrero “La Negra” ha tenido lugar en la “Expo de Zaragoza” Actualmente compagina su labor de profesora de Baile Flamenco, con las giras y actuaciones de su propio “Cuadro Flamenco”. Sandra Guerrero “La Negra” baila por todos “los palos” del flamenco y muy especialmente “por bata de cola” y “con mantón”. Si usted está interesado en contratar a Sandra Guerrero “La Negra” le recomendamos que contacte urgentemente, y siempre antes de que queden reservados los escasos días disponibles de su agenda
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Españoles y ticos arman fiesta gitana . Costa Rica.
En escena: La bailaora española La Negra y la compañía tica Al Andalus presentarán el espectáculo llamado De ida y vuelta
Después de participar en la Bienal de Flamenco de Sevilla, donde se presentan los mejores artistas del mundo del flamenco, la bailaora Sandra Guerrero –más conocida como La Negra – viajó a Costa Rica para compartir un espectáculo con la compañía tica Al Andalus. La presentación, llamada De ida y vuelta , será el viernes en el Teatro Eugene O’Neill del Centro Cultural Costarricense Norteamericano, en barrio Dent.
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La Negra , conocida internacionalmente por sus bailes con bata de cola y mantón (parte vestuario que se usa en el flamenco), se presentará acompañada por el guitarrista Javier Leal y el cantaor Manuel Tañé. “Vamos a hacer un espectáculo de flamenco en colaboración con las chicas de aquí. Ellas y yo bailemos diferentes palos como alegrías, taranto y bulerías”, comentó La Negra , quien llegó al país el sábado pasado.

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La artista agregó: “Las chicas de Costa Rica abrirán con sevillanas; luego vengo yo con alegrías, después habrá un tiento, un solo de guitarra y luego cierro el espectáculo con un solo. Al final, haremos un cierre por fiesta, en el que yo compartiré con ellas”. Aunque esta es la primera vez en que La Negra y el guitarrista Leal se presentan en Costa Rica, el cantaor Manuel Tañé ya tiene experiencia con el público tico, ya que acompañó al bailaor Antonio El Pipa en su última visita al país en abril pasado. “El público costarricense respondió muy bien en esa ocasión. Tienen conocimientos en lo que es el flamenco”, aseguró Tañé. La Negra espera que la respuesta de los espectadores costarricenses sea buena. “Estoy segura de que la van a pasar muy bien”, dijo ella. Emocionados. Para la compañía Al Andalus bailar al lado de La Negra es una oportunidad de la que pueden aprender mucho, pese a que no es la primera vez que comparten con un artista extranjero. “El arte acerca a las personas, este será un momento para disfrutar, abrir las puertas y compartir por medio del baile”, explicó Rocío González, directora del grupo. En la presentación del viernes participarán diez bailaoras de la agrupación. Ellas serán acompañadas por los guitarristas Felipe Carvajal y José y Juan Mejías; de hecho, estos dos últimos también participarán en el cante al lado de Fernando Mejías. “Hemos trabajado mucho para que quede muy bonito. Como todos los espectáculos, esta es una oportunidad para que podamos dar a conocer nuestro trabajo”, manifestó González. Tras su presentación en Costa Rica, La Negra y sus compañeros regresarán a España donde darán funciones en diferentes teatros y comunidades del país. El espectáculo De ida y de vuelta es una producción del Centro Cultural de España en conjunto con el Centro Cultural Costarricense Norteamericano.
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Chano Lobato, por alegrías!

JUAN MIGUEL RAMÍREZ SARABIA, cantaor payo, más conocido en el mundo entero del cante flamenco con el nombre artístico de CHANO LOBATO, nació en Cádiz en el año 1927.
En el típico barrio de Santa María, y allí creció y se codeo desde muy niño con toda la flor y nata de los mejores flamencos gaditanos. Chano Lobato ha sido para todos los aficionados el mejor cantaor para acompañar a bailar de la historia.
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Se inició en los tablaos de su ciudad natal, en la Venta La Palma, junto a Aurelio Sellés, Servando Roa y Antonio El Herrero. Después se desplazó a Madrid, y gracias a Pepe Blanco debutó profesionalmente y pasó a ser parte del ballet de Alejandro Vega.

Chano Lobato destacaba principalmente en soleás, bulerías y alegrías, también en tangos, aunque su cante fuera de la siguiriya a la malagueña, de las cantiñas a los soleares, de las tonás y los martinetes a la farruca y el garrotín o los cantes de ida y vuelta.
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Durante veinte años cantó como “cantaor de atrás” con Antonio “El Bailarín”, y actuó por todo el mundo junto a Manuel Morao o El Serna. Después cantó para bailaores como Matilde Coral, su mujer Rosario la Chana, Carmen Amaya, Manuela Vargas. En 1974 obtuvo el premio Enrique el Mellizo en el Concurso Nacional de Córdoba (España).
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Hoy se sigue hablando de Chano Lobato como del maestro de la gracia y del compás. Canta todos los estilos de su tierra gaditana, y todo muy bien, como la Solea, siguiriya, los martinetes, la farruca y el garrotín, los cantes de ida y vuelta, como todos los referentes a los de levante, como son las Malagueñas. Murió el domingo 5 de abril del año 2009 en Sevilla. Cultivador del estilo, Las alegrías.
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Las alegrías son el estilo flamenco más destacado del grupo de las cantiñas. Se trata de un cante oriundo de Cádiz cuya estructura de compás corresponde a la de la soleá, con coplas de cuatro versos octosílabos. De hecho, es el resultado de la unión entre la soleá y la jota imagearagonesa, ‘fusión’ que se propició durante la resistencia a la invasión napoleónica (1808), la Guerra de la Independencia. No en vano, en su origen, también se llamaron jotas o jotillas gaditanas; y en su temática son comunes las letras alusivas al periodo liberal y la contienda.

El baile por alegrías es uno de los más lucidos y ricos sobre el escenario. Tradicionalmente, se considera un baile de mujer que se nutre tanto de los movimientos ondulantes del cuerpo y de hermosos braceos -sobre todo, en los llamados silencios-, como de elaborados zapateados -en las llamadas escobillas-, sin olvidar elementos del vestuario tan vistosos como las batas de cola o los mantones, cuyo manejo requiere una técnica especial.

Cai tacita de plata
te vio nace con orgullo,
para que brillo el sol
cuando te pones a cantar,
con gracia arte y compás,
que dios te otorgo
representación de tu cai,
para toda la eternidad.

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No tiene antecedentes familiares en el flamenco, solo que en su barrio de Santa María se junto desde niño con toda la mejor gitanería flamenca de su tiempo. De niño bailaba, cuando tenía cinco o seis añitos. Y en los días de carnaval formaban como una compañía en que iban la Perla, los hermanos Jineto, Curro la Gamba, Rosario la de Ojitos, María la Ñaña, esos flamencos del barrio, se vestían y se iban por ahí, cantaban, bailaban y mangaban.
Después vinieron las fiestas en las ventas, y Chano tuvo oportunidad de oír a los más grandes cantaores de aquel tiempo en Cádiz, entre quienes Aurelio Sellés era el patriarca. Pasó del baile al cante, primero para acompañar a los bailaores en lo que ha sido quizás el mejor de la historia y desde hace años ya en solitario. Acompañó durante dieciséis años al bailarín Antonio es significativo sobre su bondad para el baile. En 1986 mereció, en mérito a su trayectoria artística ejemplar, la III Distinción Compás del Cante.

Sabio Y generoso

imageChano Lobato tenia 69 años y padecia diabetes, pero cuando estaba fresco era capaz de hacer, él solo, hora y media del mejor espectáculo flamenco del mun­do. Su voz ladina, su humor astuto, sus tablas y su inteli­gencia enganchan. Es una pe­queña enciclopedia de letras y estilos, y no se sabe qué hace mejor, si cantar puro y a compás, como aprendió de Ig­nacio Espeleta y Pericón o contar los chistes más graciosos de Cádiz.
Después de pasar 40 años junto a los mejores bai­laores (Antonio, Pilar López o Carmen Amaya), Chano decidió dar el salto adelante. Desde entonces ha regalado las letras más bellas y el ritmo más con­tagioso del flamenco actual. Es el último cantaor sabio, el de­positario de un arte de vivir y sentir el flamenco que posible­mente se irá con él.

Tamara García / Cádiz | Actualizado 09.04.2008 escribió:Suma Flamenca recuerda la relación de Chano Lobato con Madrid

El festival madrileño acogerá una exposición sobre el artista gaditano
La intensa y productiva relación entre el cantaor gaditano Juan Ramírez Sarabia y la capital española no ha pasado desapercibida a la organización del festival Suma Flamenca que acoge en su programa de este año la exposición de fotografías de Paco Manzano 25 años de Chano Lobato en Madrid.
“Chano es un personaje singular. Una leyenda viva que funciona de bisagra entre el flamenco más antiguo y el actual. Sobre todo, representa la historia del flamenco a través de esas anécdotas que cuenta de forma tan divertida y exagerada aunque tienen su fondo de verdad”. Lo dice el artífice de la muestra que no faltará hoy al Complejo El Águila de la Comunidad de Madrid, donde se presentan las actividades de la tercera edición del festival flamenco. Eso sí, habrá que esperar algo más para pasear entre la treintena de fotografías que recogen la trayectoria del cantaor en Madrid. “Los trabajos estarán expuestos en el Teatro Albéniz entre el 22 y el 31 de mayo”, acierta Manzano, que ha buceado entre su inmenso archivo fotográfico para rescatar instantáneas del artista “desde el año 1984″, informa.
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“Hay fotografías muy interesantes como aquella que recoge su participación en la Cumbre Flamenca de 1984 con otros artistas tan grandes como De la Tomasa o Fernanda de Utrera, o en los Lunes Flamencos de la sala Revólver, o en los festivales flamencos de Caja Madrid”, enumera el fotógrafo que destaca, también, otras obras como “una que está con Compay Segundo en el colegio médico, tres o cuatro que hay de los festivales A Corazón Abierto en las que aparece Chano con Carmen Linares o cantándole a Sara Baras y la más reciente, que es de diciembre de 2007, donde aparece recogiendo el Premio Angelillo que se le otorgó en el festival de Vallecas”.

Paco Manzano no cree que el octogenario artista se acerque durante la jornada de hoy a Madrid para la pre-presentación de la muestra. “Yo estuve con él hace un par de días porque vino a Fuenlabrada pero no creo que venga mañana (por hoy). Estará cuando inauguremos”, espera el autor de la muestra Caballeros flamencos, donde también aparece Chano de Cádiz. “Estaría muy bien que, tras las fechas en el Suma, podamos girar la exposición por otros lugares de España pues, como bien sabéis allí en Cádiz, Chano es muy querido en todas partes”, argumenta el artista manchego al que también le gustaría traer la exposición a Cádiz.
Por lo pronto, el festival organizado por la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid acoge de buena gana la muestra, además de a un buen puñado de artistas de la provincia gaditana que actuarán dentro de un programa que se desarrollará del 17 de mayo al 15 de junio.
Así, el 27 de mayo el propio Chano Lobato acudirá al Teatro Albéniz para coprotagonizar La Noche de Chano con Son, junto con el grupo Son de la Frontera.

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6 de Abril de 2009 – 11:15 – AGENCIAS | MADRID

El cantaor gaditano Juan Ramírez Sarabia, más conocido como Chano Lobato, falleció en la noche de ayer en Sevilla tras una larga enfermedad.

En 1974 obtuvo el premio Enrique El Mellizo en el Concurso Nacional de Córdoba, lo que le supuso el reconocimiento de todo el estamento flamenco. También participó con gran éxito en la Cumbre Flamenca de Madrid. Ha recibido la Medalla de Plata de Andalucía, por toda una vida dedicada al Arte Flamenco, y también posee el Premio Lucas López de la Peña Flamenca El Taranto de Almería.

J. A. López/T. García / Cádiz | 24.04.2009
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“Ya está donde él quería”
La familia de Chano Lobato arroja una parte de las cenizas del cantaor en la playa de Santa María del Mar tras celebrar en el barrio una misa en su memoria
El mar de Cádiz acogió ayer las cenizas de uno de sus hijos más predilectos: Chano Lobato. A las ocho y media de la tarde, con el sol perdiendo fuelle y camino de su escondite caletero, dos sobrinos del cantaor las arrojaron al Atlántico desde uno de los espigones de la playa de Santa María del Mar, mientras otros familiares observaban la escena con atención desde el Paseo Marítimo. “Ya está donde él quería”, resumió acertadamente uno de sus sobrinos. La familia acababa de celebrar en la iglesia de La Merced, en el barrio de Santa María, una misa en memoria del cantaor gaditano, fallecido en Sevilla el pasado Domingo de Ramos. Y después se dirigió a la playa, cerca del lugar donde el niño Chano gustaba de acudir casi a hurtadillas de su madre y de sus hermanas.
Victoria Ramírez y Antonio Prieto, sobrinos del artista, bajaron con la urna en sus brazos y acompañados de Félix Rodríguez, flamencólogo y compadre de Chano Lobato, y José Rodríguez, presidente de la asociación de vecinos Las Tres Torres. Anduvieron hasta el primer espigón de la playa, el situado más cerca de la plaza Asdrúbal, y desde las rocas, al resguardo del levante, gaditanísimo testigo del acto, arrojaron sus cenizas. Arriba, en el borde del Paseo Marítimo, se encontraban su hijo, Chano Ramírez, Chanito; las hermanas del cantaor -Charo, Manuela y Juani-, su prima Luisa la de Enrique y un numeroso grupo de familiares, fundamentalmente sobrinos y sobrinas acompañados de sus propios hijos, que correteaban por el lugar ajenos por lógica a todo lo que con aquel sencillo y emotivo acto rememoraban sus mayores.
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Cádiz y Sevilla fueron los lugares elegidos por el propio Chano Lobato en vida para que fueran esparcidas sus cenizas. Primero, su ciudad natal, como explicaba su hijo Chanito: “Todavía no lo hemos hecho en Sevilla porque nos parecía que lo lógico era hacerlo primero en Cádiz, en su tierra. Y aquí estamos”, decía Chanito mientras recordaba la imposibilidad de que su madre estuviera presente en el acto: “Mi madre no puede venir”.

Después, aún sin fecha, vendrá Sevilla, en algún lugar tampoco determinado todavía con exactitud del barrio de Triana. La voluntad del cantaor quedará cumplida cuando sus cenizas se repartan también por tierra sevillana.

Pero todavía quedará una tercera parte de las cenizas, como señalaba ayer Chanito Ramírez. Una tercera urna será depositada también en el monumento al cantaor en la plaza de la Merced, una obra de el escultor chiclanero José Antonio Barberá.
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Homenaje en Madrid a Enrique Morente

En el Teatro Español fue presentado ayer el memorial «Morente Más Morente», que constituye un gran homenaje a la figura del cantaor granadino Enrique Morente, que se forjó como artista en los ambientes flamencos madrileños a mediados del pasado siglo, junto a sus maestros Pepe de la Matroma y Bernardo de los Lobitos, para revelarse como uno de los más significativos e importantes intérpretes del género.
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Cantaor con sonido milenario, con justeza natural para cada estilo, con pleno conocimiento de su arte, con unas facultades asombrosas para conseguir la armonía que precisa el cante jondo entre cabeza y corazón, que consumó una maestría interpretativa injertándole su indiscutible personalidad, su gran lección estribaba en valorar cada tercio en la tiene de sustancial latido humano, en mostrar musicalmente el significado de cada copla, su mensaje intrínseco, con una limpieza de dicción admirable.
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Con Enrique Morente, el cante ganaba dimensión natural y desde las más recónditas esencias le sumaba al género una cultura poética, junto a una sutil donosura y un clamoroso clamor al compás de nuestro tiempo.

Cualidades que glosaron en el acto el flamencólogo Balbino Gutiérrez y los actoresJuan Diego, Nicolás Dueñas y José Sacristán, tras la presentación del ciclo a cargo de los organizadores Juan Verdú y Enrique Calabuig, que acompañaron a la familia de Morente, formada por su viuda Aurora Carbonell y sus hijos, las cantoras Estrella y Soleá y el guitarrista Enrique, que tomaron la palabra para agradecer el reconocimiento al arte de su padre.
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Así, Estrella comentó que hasta el momento la familia no había tenido «ni ánimo ni ganas suficientes» para emprender un tributo de estas características, pero que a estas alturas «sólo hacía falta que a mi madre le apeteciese». Y añadió que se trata de una forma de que a su padre «se le haga justicia, al menos desde la cultura», haciendo referencia al sobreseimiento de la investigación judicial que se puso en marcha tras la denuncia de la familia por supuesta negligencia médica en el fallecimiento del cantaor.

Por su parte, Juan Verdú destacó que Enrique fue y es «un referente ético y estético de la libertad dentro y fuera del mundo del flamenco».

Los espectáculos a celebrar en el memorial «Morente Más Morente» darán comienzo en enero de 2014 en el Teatro Circo Price, donde se ofrecerán tres conciertos flamencos de cante, toque y baile.

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El segundo espacio, La Riviera, presentará el flamenco fusión, el flamenco pop y los territorios sonoros rockeros de Enrique. Ya en el mes de febrero, llega el protagonismo de la palabra, la literatura y la poesía a través de cantes y recitados a cargo de destacados actores, en el Teatro Español. «La Aurora de Morente» es el título de la exposición de la viuda de Enrique Morente, la bailaora gitana Aurora Carbonell, respondiendo a que su marido le insistió antes de morir que no dejara de pintar y de crear, y ella así lo ha hecho. Toda la exposición tiene como figura central a su esposo, con obras de diferentes técnicas, dibujos y esculturas, complementando la muestra tres performances, donde la autora participa con toda la familia, en el museo y salón de té del coliseo, los día 14 a 25 de febrero.
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Otra exposición, titulada «Enrique Morente: Donde mana la fuente», tendrá por contenido fotografías realizadas por Manuel Montaño, en la Sala Berlanga de la Fundación SGAE partir del 19 de febrero. En total, una programación que reafirma la categoría de un artista inmortal.
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Enrique Morente, uno de los grandes del Flamenco

Enrique Morente Cotelo (Granada, 25 de diciembre de 1942 – Madrid, 13 de diciembre de 2010) fue un cantaor español, considerado como uno de los grandes renovadores del flamenco.
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Enrique Morente nació en Granada en el barrio del Albaicín en 1942. De pequeño ejerció como seise en la Catedral de Granada y comenzó a interesarse por el ambiente flamenco en las reuniones familiares y vecinales. Aprendió así las bases de este arte, especialmente de mano de Aurelio Sellés (Aurelio de Cádiz).

Su afán de aprendizaje y autoafirmación le llevaron a Madrid cuando contaba 14 o 15 años de edad. Allí contactó con un grupo de jóvenes aficionados, universitarios en su mayoría, y junto a ellos acudía casi a diario a locales oscuros en donde aprendió el arte de mano de Pepe de la Matrona, cantaor octogenario que había tenido el honor de conocer a todos los grandes y de haber sido alumno del mismísimo don Antonio Chacón.
Enrique el granaíno, como se le conocía en los círculos que frecuentaba, consiguió despertar el interés de Matrona, más por su actitud ante las cosas, su respeto y su capacidad para aprender que por su afinación o su registro.
El debut de Enrique tiene lugar en la peña flamenca Charlot. A esta actuación siguieron otras allá por el año 1964 en la Casa de Málaga o con la pareja de baile de José Luis Rodríguez y Pepita Sarracena en diversas salas de fiesta, pero debemos considerar su salto a la profesionalidad cuando en ese mismo año es contratado por el Ballet de Marienma, con el que actúa en el Pabellón español de la Feria Mundial de Nueva York y en la embajada española en Washington.

Después actuó en su primer festival flamenco, con el siguiente cartel: Enrique Morente con Juan Talega, Fernanda y Bernarda de Utrera, Gaspar de Utrera, Tomás Torre y Antonio Mairena. La presentación fue a cargo de Ricardo Molina y el evento tuvo lugar en el teatro de los Alcázares de los Reyes Cristianos.
Al año siguiente fue contratado junto con Susana y José para realizar su primera gira europea por Gran Bretaña, Alemania, Holanda, Suiza y Bélgica; posteriormente viajó a Japón e Italia junto a Pepita Saracena y José Luis Rodríguez.
Fue también contratado en el tablao las Cuevas de Nemesio de Madrid, pero el prestigio de Enrique entre los profesionales flamencos creció considerablemente cuando entró a formar parte del elenco de artistas de Zambra y posteriormente en el tablao Café de Chinitas, mientras comenzaba a ser reclamado en festivales y espectáculos donde compartió cartel con todos los grandes artistas del momento. En 1967 obtuvo el Primer Premio del Certamen Málaga Cantaora.
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Su primer disco no se hizo esperar. En 1967 apareció con el título Cante Flamenco, acompañado por Félix de Utrera, con la discográfica Hispavox. Esta grabación denotaba el gran conocimiento que Enrique poseía, tanto por su ejecución encomiable, como por la selección de los cantes que incluyó, nada habituales en la época y mucho menos en un joven de 25 años: cantos de Frasquito Hierbabuena, caña, cantes de Pedro “El Morato”, mirabrás, todo ello entre soleás y seguiriyas. En este aspecto, las influencias de Pepe de la Matrona eran palpables y la proyección comercial de este cantaor no era precisamente halagüeña por carecer de presencia en el movimiento estético de aquella época, movimiento que lideraba Fosforito, Manolo Caracol y Antonio Mairena. El reconocimiento a este trabajo discográfico se materializó en una Mención Especial de la Cátedra de Flamencología en 1968.
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En ese mismo año 1967 salió a la luz otro disco, también con la casa Hispavox, titulado Cantes Antiguos del Flamenco y en el que era acompañado por el Niño Ricardo, con una selección de cantes que denotaba un profundo conocimiento, que llamó sobre todo la atención por el corto periodo de tiempo con respecto al anterior trabajo, lo que hace suponer que no se trataba de un aprendizaje forzado para la ocasión en ninguno de los dos discos sino de la exposición honesta y estructurada de lo asimilado, de lo aprendido y de lo vivido.
Durante los siguientes años, tiene lugar el encuentro entre Enrique Morente y Manolo Sanlúcar que provocará una relación profesional que perdurará durante mucho tiempo. Es con éste magnífico guitarrista con quien vivirá la experiencia en 1970 de ser el primer cantaor flamenco que actuaba en el Ateneo de Madrid.
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Durante 1971 desarrolló en México con la guitarra de Parrilla de Jerez y la bailaora Ana Parrilla una serie de actuaciones en tablaos, teatros y centros culturales que culminó con su participación en el I Festival Internacional Cervantino de Guanajuato y su presentación en el auditorio de la Universidad de las Américas en 1972. Ese mismo año ofreció en Madrid un recital en compañía de María Vargas y Manolo Sanlúcar, recibiendo un homenaje. En compañía de éste último, realizó una serie de recitales en Nueva York: Lincoln Center, Spanish Institute, etc. En 1972 fue reconocido por la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera con el Premio Nacional de Cante y actuó en la sede parisina de la Unesco. En 1973 volvió a cantar en el Lincoln Center neoyorquino.
En 1978 vendría la edición de sus discos Despegando, uno de los discos andalucistas más flamencos, y Homenaje a Don Antonio Chacón. Por éste último, en el que volvió al cante plenamente ortodoxo, pese a ser una época en la que ya se hallaba inmerso en su particular renovación del cante, obtuvo el I Premio Nacional otorgado al mejor disco de música folclórica que concedía el Ministerio de Cultura.
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Década de 1980
En el inicio de la década de los ochenta estaban de moda los “mano a mano” entre artistas y fueron varios los que realizó con Camarón. El primero de ellos tuvo lugar en el Frontón de Madrid. En 1981 estrenó en el Centro Musical Piaff de Granada su espectáculo Andalucía hoy que posteriormente presentó en diversas ciudades y en el teatro Olympia de París. En esa segunda mitad de la década de los setenta, Morente participó en el montaje de La Celestina junto al pianista Antonio Robledo y su mujer, la bailaora suiza Susana Audeoud. Poco después los tres dieron vida al ballet Obsesión, estrenado por el Ballet Nacional de Canadá. También junto a Antonio Robledo, Morente creó la Fantasía del cante Jondo para voz flamenca y Orquesta, estrenada en el Teatro Real de Madrid el 16 de mayo de 1986, con las guitarras de Juan Habichuela y Gerardo Núñez y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Luis Izquierdo.
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Ya en estos años se editó un disco pirata en Holanda titulado Morente en vivo.
Una de sus experiencias artísticas más audaces y originales fue el estreno en Granada en 1988 del espectáculo El loco romántico basado en la obra cervantina Don Quijote de la Mancha. Esta experiencia resumía de alguna manera la trayectoria del maestro de Granada.
En este mismo año (1988) estrenó también su Misa flamenca, con textos de San Juan de la Cruz, Fray Luis de León, Lope de Vega y Juan del Encina. También grabó En la Casa Museo de Federico García Lorca, con textos de Lorca. Este fue el primero de sus discos dedicados a Lorca y fue por encargo de Juan de Loxa, director de la Casa Museo.
En 1989 fue nombrado socio de honor del Club de Música y Jazz San Juan Evangelista, junto a Ángel Barutell Farinós (jefe relaciones externas de El Corte Inglés) y Gustavo Villapalos Salas (Consejero de Educación y Cultura de la Comunidad de Madrid) con motivo del XX aniversario de dicho club.

Década de 1990
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El 15 de septiembre de 1990, en el Patio de la Montería de los Reales Alcázares de Sevilla se estrenó, dentro de la VI Bienal de Flamenco, el “Allegro soleá” de Antonio Robledo y Enrique Morente con las guitarras de Pepe Habichuela y Montoyita, el piano de Antonio Robledo y la Orquesta de Cámara de Granada dirigida por Micha Rachlevsky, era un sueño hecho realidad. La experiencia de la interpretación del “Allegro Soleá” y la “Fantasía del cante jondo” se volverá a repetir con la Orquesta Ciudad de Granada y André Presser en el Palacio de Carlos V en 1992 en el marco del Festival Internacional de Música y Danza de Granada.1 El “Allegro soleá” será llevado de nuevo con enorme éxito a los atriles orquestales de la OCG con la dirección del maestro Josep Pons en el Auditorio Manuel de Falla de Granada, contando siempre con Antonio Robledo al piano.2
Además de las relacionadas anteriormente, compuso la música de la obra de Martín Recuerda “Las arrecogidas del Beaterío de Santa María Egipcíaca”, trabajó con José Luis Gómez en Edipo Rey y con Miguel Narros en “Así que pasen cinco años”.
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Otra referencia ineludible fue la del marroquí Chekara, ya que en su espectáculo “Macama Jonda”, de José Heredia Maya, reunió a la Orquesta Andalusí de Tetuán con un selecto plantel de artistas flamencos entre los que se encontraba la madre de Lole, nacida en Orán, Antonia la Negra y Enrique Morente. Esta obra intentaba ser un encuentro entre músicos flamencos y magrebíes para crear una atmósfera común.
En 1990 fusionó su expresión musical con las célebres Voces Búlgaras “Angelite” en la puerta de la Catedral de Barcelona en una producción del Taller de Músicos de Barcelona. En 1991 vio la luz su “Misa Flamenca”, que no tenía nada que ver con las anteriores experiencias flamencas relacionadas con la sacra ceremonia. Posteriormente y aprovechando la que sería la última visita a España de Sabicas, el viejo maestro de la guitarra ya octogenario y en estado crepuscular, pues moriría antes de que la obra saliera al mercado, grabó un disco totalmente conservador con el toque clásico del maestro navarro para el sello Ariola: “Nueva York/Granada, Morente-Sabicas”.
En 1992 canta el pregón, que da, el también granadino Carlos Cano en el 500 aniversario del barrio del Realejo
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Con “Negra si tú supieras” grabó para Nuevos Medios en el 93, aunque enseguida tomó forma la idea de crear su propio sello discográfico, Discos Probeticos.
En 1994 Morente fue el primer cantaor de flamenco que recibió el Premio Nacional de Música otorgado por el Ministerio de Cultura de España. En 1995 recibió la Medalla de oro de la “Cátedra de Flamencología” de Jerez de la Frontera y el premio “Compás del Cante” en Sevilla.
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En 1996, participó en el homenaje a Manuel de Falla en el Lincoln Center de Nueva York, junto a Tomatito, con el que realizaba una gira por toda la geografía española.
En su disco titulado Omega colaboró con el grupo de rock granadino Lagartija Nick3 y numerosos artistas del flamenco, como Vicente Amigo, Tomatito o Cañizares, para adaptar poemas de Federico García Lorca y temas del cantautor canadiense Leonard Cohen. Este disco ha sido todo un referente en la revolución del flamenco, y abrió sendas desconocidas hasta ese momento. Tal ha sido la repercusión de esta obra, que cada cierto tiempo Enrique y el grupo granadino volvieron a reencontrarse para presentar el espectáculo Omega en directo, como sucedió en el festival Primavera Sound 2008 celebrado en Barcelona, dentro de la nueva gira que se realizón ese mismo año, que les llevó hasta México a presentar su obra.
En 1998 recibió el Galardón de Honor de los Premios de la Música e intervino en el espectáculo “Canción con reflejo” con Charo Vallés en homenaje a Federico García Lorca, junto al actor Francisco Rabal y su hija Estrella Morente, y que se presentó en mayo en el Teatro Principal de Valencia.
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Identificado como uno de los máximos responsables de la renovación del cante, así como el mejor adaptador al flamenco de poemas cultos de poetas como Miguel Hernández, García Lorca, los Machado, Lope de Vega, Al-Mu’tamid, Bergamín, San Juan de la Cruz, Guillén, Rafael Alberti, Hierro, Luis Rius y Pedro Garfias.
Asimismo ha acunado la carrera musical de su hija, Estrella Morente, que se ha consolidado como una de las mejores cantaoras que han surgido en los últimos años.
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Años 2000
En Mallorca, el día 20 de julio de 2002, la Fundación Costa Nord es escenario del estreno absoluto de la primera producción promovida por dicho Centro Cultural: el “ESPECTÁCULO ÁFRICA, CUBA, CAI”. Enrique Morente lideró este proyecto de mestizaje a tres bandas: África, Cuba, y Cádiz, que toma como punto de partida la idea de que el ritmo y la expresión del continente negro tienen un claro reflejo en la tradición musical de América Latina, que a su vez mantiene fuertes conexiones con la música flamenca.
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En el 2003 apareció su disco El pequeño reloj, con el que rompía el concepto que tradicionalmente se tiene de un disco flamenco, presentando una obra discográfica como una obra de arte completa, desarrollando el concepto del tiempo desde ópticas distintas como si de un libro de poemas se tratase, estructurando el orden de las letras y de las músicas. En su coqueteo con el tiempo, conjugaba lo tradicional, lo añejo y la tecnología. Mientras dejaba constancia de una época fundamental del flamenco, con cantes clásicos sobre toques clásicos (a la cual perteneció y ahora engrandece con su aportación constante), experimentó con nuevas y sorprendentes armonías que aún no han llegado al flamenco moderno.
En el año 2005 se le otorga la Medalla de Andalucía en reconocimiento a una encomiable carrera dedicada al flamenco y a su apertura con respecto a otras músicas así como a su divulgación por todo el mundo. Además colabora con la banda sevillana Sr. Chinarro para su disco El fuego amigo, en la canción “El Rito”.

 

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Participó en la canción “No soy como tú” del dúo Amaral en el disco Pájaros en la cabeza.4
En febrero del año 2006, el trabajo Morente sueña la Alhambra en su doble formato (disco y DVD) es reconocido por la crítica nacional con varias distinciones. Este mismo disco es considerado como el mejor disco de flamenco en los Premios Nacionales de la Música.
Y siguió recibiendo reconocimientos a su trabajo cuando en junio de 2006 fue condecorado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
En 2007 colabora con la banda granadina Los Planetas en su disco La leyenda del espacio, inspirado en la tradición flamenca andaluza (simil del título con La leyenda del tiempo de Camarón). Se le puede escuchar en la canción que cierra el disco, “Tendrá que haber un camino”, con estructura de cañas.
En su último disco, editado en 2008, Pablo de Málaga, Morente descubre al Picasso poeta y pone voz a varios de los poemas escritos por el malagueño. La idea surge tras su presencia cantando en la inauguración del museo Picasso de Málaga. Este disco de nuevo supone una nueva vuelta de tuerca en su innovación continua del arte flamenco. Tras terminar este disco comienza a preparar otro titulado El barbero de Picasso, también en homenaje al pintor malagueño, que no llega a terminar por una enfermedad.
En 2009 graba su última colaboración publicada acompañando a la banda granaína 5 duros con el tema “eres parte de mi” dedicada a su tierra.
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Fue firmante de la candidatura de los moriscos-andalusíes al Premio Príncipe de Asturias de la Concordia 2010. Morente murió antes de recoger la insignia de Caballero de la Legión de Honor francesa, que le había sido concedida. Por ello, le fue impuesta a título póstumo, el 31 de mayo de 2011, en un acto en la Embajada de Francia en Madrid, acto emotivo que fue presidido por en Embajador francés Bruno Delaye acompañado por el joven Diplomático Sacha Passy de Thellier,
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Fallecimiento
El 10 de diciembre de 2010 entra en coma por una hemorragia y el subsecuente infarto cerebral tras ser operado de un tumor de esófago, eventualmente cancerígeno, en la Clínica de la Luz de Madrid. Murió el 13 de diciembre en el mismo hospital.5 6 La familia denuncia al equipo médico del Dr. Enrique Moreno por mala praxis.7
La capilla ardiente estuvo en la SGAE (Madrid), y en el Teatro Isabel la Católica, donde fueron a despedirle más de 5.000 granadinos. Su hija Estrella cantó8 delante del féretro una estrofa de “Habanera imposible” de Carlos Cano y el poema de Federico García Lorca “El llanto de la guitarra”image

Fue enterrado el 15 de diciembre en la intimidad en el cementerio granadino de san José, en las colinas de la Alhambra.
Un año más tarde el Responsable de la UVI dice en una entrevista que las lesiones cerebrales se produjeron tras la segunda operación.
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Rita la Cantaora y la otra Rita

No es la primera vez que intento explicar aquí que muchas expresiones coloquiales en las que interviene un nombre propio están inspiradas en personajes reales.
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Tal ocurre con Eso, a Rita la cantaora o Eso se lo pides a Rita la cantaora. Pero, ¿quién fue esta Rita? Rita Giménez García fue una cantaora y bailaora jerezana (1859-1937) que se hizo famosa en los cafés cantantes de la época. Llegó a actuar junta a Juan Breva y a La Macarrona. ¿De dónde surgió el dicho? Lo que nació como negativa rotunda e incluso como reacción violenta ante un insulto (Eso se lo vas a decir a Rita la cantaora) parece tener fácil explicación: Esta Rita, se cuenta, no tenía inconveniente en acceder, durante sus actuaciones, a las peticiones del público. En cambio, otras artistas, que envidiaban su éxito, eran menos receptivas y respondían al público cuando solicitaba una actuación extra: Eso, a Rita la cantaora.

Rita Giménez García, más conocida como Rita la Cantaora (Jerez de la Frontera, Cádiz; 1859 – Zorita del Maestrazgo, Castellón; 1937), fue una cantaora de flamenco española, famosa en los cafés cantantes de su época.
Se inició cantando en Jerez; luego actuó, junto a La Macarrona y Juan Breva, en los cafés cantantes madrileños, entre ellos el Café Romero. En 1906 figuró en el cuadro flamenco de El Café del Gato. Durante su trayectoria artística, desarrollada principalmente en Madrid, actuó en sus primeros tiempos con Fosforito el Viejo y la Coquinera; y después, a lo largo de los años veinte, con Manuel Pavón y Manuel Escacena.
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Su última actuación en público tuvo lugar en 1934, en el Café de Magallanes, con motivo de un festival benéfico que reunió a varios artistas veteranos.
Su popularidad quedó acuñada en su tierra en una frase conocida en toda España: ¡Eso, a Rita La Cantaora!. Destacó por malagueñas y soleares e interpretó con gracia los estilos festeros, en especial las bulerías. Falleció en 1937, cuando tenía 78 años de edad, por “avatares de la guerra civil”.
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Pero resulta que Zalabardo, que ha leído esta explicación, me pide que hable de otra Rita, también bailaora, también actriz de cafés cantantes, malagueña, cuya historia, dice él, si fuésemos americanos, ya la habríamos convertido en película.

Rita Ortega Feria, apodada la Rubia por el color de su pelo, procedía de una ilustre estirpe gitana. Era hija de Gordo Viejo y hermana de Gabriela Ortega Feria, la señá Gabriela. Nació en Alozaina, aunque se desconoce el año. Gabriela, la hermana mayor, nació en Cádiz en 1862, fue famosa bailaora con solo 14 años y casó, aún siendo menor, con el torero Fernando Gómez García, el Gallo.
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De los siete hijos de Gabriela (una niña falleció pronto), los tres varones fueron toreros (dos de ellos muy famosos: Rafael el Gallo, el divino calvo, y Joselito el Gallo) y las tres hembras casaron con toreros. Se cuenta de Gabriela que, estando embarazada, participó en un reto de baile contra La Mejorana, lo que le provocó un aborto. El maestro Ochaíta escribió unas bellísimas Baladillas de la señá Gabriela, que recitó por medio mundo su nieta Gabriela Ortega Gómez, también artista, que hubo de padecer exilio por el “grave pecado” de incluir en su repertorio poemas de, entre otros, Lorca y Alberti.
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Pero vamos con su hermana Rita. Fue artista tan legendaria como su hermana. Su fama se cimentó en Málaga, donde fue la estrella indiscutible del Café de Chinitas. Allí la conoció un empresario, carnicero y gitano que tenía su establecimiento en el mercado, llamado José Monje (el mismo apellido que Camarón) y conocido como Paco el Guarriro, quien se enamoró de ella. También la suya fue una bella historia de amor. Vivían, lo leo en Las calles de Málaga, de Rafael Bejarano, en la calle San Juan, en un callejón junto a la iglesia, y dicen las lenguas que, cuando salían de su casa para dirigirse a presenciar una corrida de toros, hombres y mujeres se agolpaban a su alrededor, subyugados por la gracia y elegancia con que ella lucía el mantón.
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Pero un día, Rita participó en un reto de baile contra La Mejorana, la rival de su hermana. Rita, dicen, bailó como nunca y venció a su rival, honrando así el nombre de Gabriela. Pero fue tal el frenesí de su danza que, al final, cayó desmayada. Pocos días después, Rita murió. Paco, el Guarriro, prometió no asistir nunca más a los toros, aunque conservó hasta su muerte la reserva del palco que ocupaban en la plaza. Los días que había corrida, los asientos de Rita y Paco se cubrían con un mantón negro de seda en señal de luto. El matrimonio no tuvo descendencia.
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Miguel de Molina, otro malagueño, que también tuvo que exiliarse tras habérsele aplicado la ley de vagos y maleantes por el no menos “grave pecado” de ser homosexual, la inmortalizó en la copla Mi Rita bonita. La leyenda pretende que la letra estuviese inspirada en las doloridas quejas de su Paco el día del entierro. Sin embargo, la verdad impone, según creo, que es producto de la conjunción de tres grandes poetas de la copla: los maestros Carlos Castellanos, Juan Solano y Armando Oliveros, aunque con algunas licencias. Podéis ver el vídeo en la siguiente dirección: http://youtu.be/7MOsgzOSkjM

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A los 20 años se dedicaba a llevar grupos de turistas a tablaos flamencos, pero sabe el potencial artístico que posee: voz y aptitudes especiales para la copla española. En 1931 decide dedicarse a tal arte. Triunfa en Madrid, pero es en Valencia donde obtiene sus mayores éxitos, popularizando números como El día que nací yo, Triniá, Te lo juro yo, La bien pagá y Ojos verdes. Ésta última, una de las más célebres coplas españolas, estrenada en el barcelonés ‘Café de Oriente’, posteriormente sería incluida por Concha Piquer en su repertorio. Molina fue uno de los puntales del género de la copla, con una personalidad única como intérprete masculino.
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Actuó para el disfrute de las tropas republicanas, pero llegada la dictadura de Franco un empresario le ofrece 500 pesetas por actuación, cuando anteriormente cobraba hasta 5.000 pesetas. Con toda iniquidad, le obliga a aceptar o, de lo contrario, le acusará de su pasado republicano. De todas formas fue torturado y obligado al exilio. Acusado de haber ayudado al ejército republicano y ser homosexual, fue apaleado por tres individuos que se habían identificado como policías, siendo unos de ellos José Finat y Escrivá de Romaní, conde de Mayalde, tras una actuación. Años más tarde, en una entrevista concedida a Carlos Herrera, el agredido identifica a dos de sus agresores: Finat y Escrivá de Romaní y Sancho Dávila.
En 1942 se va exiliado a Buenos Aires, donde participó en películas como Luces de candilejas o Ésta es mi vida. Un día, una orden de la Embajada española para que abandone Argentina da inicio a sus problemas por su condición de homosexual. Se exila en México hasta que, años más tarde, una llamada de Eva Perón hace que vuelva a Argentina; se le ofrecen numerosos contratos por el país.
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Últimos años de vida
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En 1957 vuelve brevemente a España. En 1958 actúa en el filme Luces de candilejas, dirigido por Enrique Carreras. Ya en 1960, a los 52 años, decide terminar con su carrera artística. Fija temporalmente su residencia en Nueva York.
Fue un ser honesto y estricto, a la vez que eficiente y profesional. En su exilio era renuente a conceder entrevistas a periodistas de medios españoles. En sus espectáculos él mismo cuidaba hasta el mínimo detalle, empezando por el marketing y la publicidad.
En 1992 el gobierno español le otorgó la orden de Isabel la Católica, reconociendo su contribución personal al mundo del arte en España.
Falleció en Buenos Aires, a la edad de 84 años. Fue enterrado en el porteño cementerio de la Chacarita, en el nicho Nº 397 del Panteón de la Asociación Argentina de Actores.
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La Kora , un instrumento africano introducido en el flamenco.

La kora se construye a partir de una calabaza grande cortada a la mitad, con una cubierta de cuero para lograr la caja de resonancia a lo que se le agrega un puente con muescas para transmitir la vibración de las cuerdas sujetas al mástil.
El sonido de la kora recuerda el del arpa, aunque cuando se toca de forma tradicional, se asemeja más al estilo de las guitarras flamencas.

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El luthier de koras Alieu Suso de Gambia.
El músico utiliza solo el dedo pulgar y el índice de ambas manos para pulsar las cuerdas de forma rítmica, mientras que los restantes dedos se sujetan a los palos por ambos lados de las cuerdas para mantenerlo fijo.
Ostinatos (“Kumbeng”) y solos improvisados (“Biriminting”) pueden ser tocados al mismo tiempo por un músico experimentado.

Los músicos de kora, han provenido históricamente de familias de griots que pasan su arte a sus descendientes y también de las tribus mandinga.

Kora del Senegal
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Este instrumento se toca en Malí, Guinea, Senegal y en Gambia. Al intérprete de kora tradicional se lo llama “Jali”, lo que equivale a bardo o historiador oral.

Las koras tradicionales tienen 21 cuerdas, de las cuales 11 se tocan con la mano izquierda y 10 con la derecha. Por otra parte se pueden encontrar koras modernas, hechas en la región de Casamance al sur de Senegal, a las que se les agrega hasta cuatro cuerdas de bajo.
Tradicionalmente, las cuerdas se hacían de finas tiras de tripa, por ejemplo de antílope. En la actualidad la mayoría de las koras utilizan cuerdas de arpa o tanza de pescar de nylon, las cuales a veces se trenzan para crear cuerdas más gruesas.

Este instrumento se afina desplazando anillos de cuero a lo largo del puente. A través de los mismo, un intérprete de kora puede afinar el instrumento en una de las 4 escalas de siete notas. Estas son cercanas a las escalas mayor, menor, y lydian.

 

 

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El maliense Toumani Diabaté, hijo del rey de la kora, Sidiki Diabaté, se ha convertido en el más importante embajador de este instrumento de cuerda, originario de África Occidental. Toumani ha colaborado con otros músicos malienses, como Kassemady Diabaté, pero también con autores internacionales, como el músico de blues Taj Mahal, o el grupo español de nuevo flamenco Ketama.

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Toumani Diabaté es uno de los músicos más importantes de África. Toumani toca la kora, un arpa única de África Occidental con 21 cuerdas, y más que cualquier otro jugador kora Toumani es quien tiene la responsabilidad de llevar este instrumento a las audiencias de todo el mundo. Él es un artista de excepcional virtuosismo y creatividad – alguien que demuestra que la kora puede rivalizar con los principales instrumentos del mundo.

Entrevista a Mamadou Diabate, músico

image“La kora es la reina de los instrumentos”
La kora es un instrumento africano compuesto por 21 cuerdas que se pulsan armónicamente con dos dedos, el pulgar y el índice. Se construye a partir de una calabaza grande, cubierta de cuero de vaca. Mamadou Diabate (Mali, 1975), el mago de la kora, como se le conoce popularmente, está de gira en nuestro país, presentando su último disco, ‘Douga Mansa’, y todavía resacoso por el Grammy recibido este mismo año. África, y no sólo por el Mundial, está de moda.

He oído que quiere grabar su próximo disco en España, así que supongo que su paso por nuestro país está siendo agradable y fructífero…
La experiencia está siendo magnífica, los técnicos entienden a la perfección qué sonido necesita mi instrumento, la kora. Hoy mismo, en la emisora de radio donde me han entrevistado, han conseguido un sonido perfecto. Sí, estoy muy contento.

La korá suena a veces como un laúd, a veces como un arpa y, en ocasiones, como una auténtica guitarra flamenca…
Sí, es una peculiaridad de la kora. Me gustan esos tres sonidos, que conforman uno particular y distinto, el de la kora. Por cierto, el flamenco es un estilo que me apasiona.

¿Qué música española conoce?
Aparte de los grandes del flamenco, me gusta ‘Gypsi Kings’ y ‘Ketama’, que hacen una fusión muy interesante.

Usted recoge una tradición musical de antiguo, algo que se está perdiendo en Europa, que padece de una uniformidad musical que empobrece…
Es que esa uniformidad es lo que da dinero. Pero hay muchos músicos a los que sólo les interesa la música, y son los auténticos creadores. Amo la música popular, pero quiero aportar mi sello particular en ella, crear algo diferente a partir de sus principios.

Si no hubiera conocida la kora, ¿qué instrumento tocaría?
El piano, la guitarra, el contrabajo, el bajo… y otros más tradicionales, como el balafón o el tambari.

¿qué diferencias, de haberlas, existen entre el público europeo, estadounidense o africano?

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En Europa y Estados Unidos, el público escucha este instrumento como algo exótico, totalmente novedoso. En África es uno de los instrumentos más representativos, así que están acostumbrados a él.

Si el bandoneón se relaciona con el desamor, y la guitarra flamenca con el dolor, ¿con qué sentimiento relacionaríamos la kora?
… con el amor, con la pena por el pasado…En general, con un sentimiento de alegría; cuando tocas la kora sientes una felicidad que es la que transmites. Creo que es la reina de los instrumentos. Sobre todo cuando se escucha a media noche, un sonido sutil, suave, que llega y lo llena todo.

¿Puede decirse que se trate de un instrumento espiritual?
Sin duda. Ella me invita a compartir lo que me da cuando la toco.

¿Qué porcentaje deja a la improvisación?
Digamos que el 60 por ciento.
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Historia de alguno de los mejores” tablaos flamencos” (5) Café de Chinitas

El Café de Chinitas fue un teatrillo o café cantante que existió en la ciudad de Málaga (España) entre 1857 y 1937.
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Era un local de pequeñas dimensiones con un pequeño escenario con seis palcos a los lados, que operó como burdel en algunas ocasiones y que fue cerrado otras tantas, debido a diversos escándalos. Son famosos sus espectáculos flamencos y en él actuaron artistas como Juan Breva, Antonio Chacón, La Macarena, La Juana, La Trini, El Petrolo, El Porrilla, las Hermanas Navarro, Estrellita Castro, Lucrecia Torralba, Isabelita Ruiz, Luisa Albéniz, Manuel Torres, Pastora y Tomás Pavón, Vallejo, Manolo Caracol, Canalejas de Puerto Real, Cojo de Málaga, Palanca, Marchena y Juanito Valderrama entre otros.
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Debido a la popularidad del café se conoce como Pasaje Chinitas al espacio urbano donde estuvo ubicado. La fama del lugar ha trascendido gracias a los versos populares recopilados por Federico García Lorca:

En el Café de Chinitasimage
dijo Paquiro a su hermano:
«Soy más valiente que tú,
más torero y más gitano».

El primer Café de Chinitas nació en Málaga, aproximadamente hacia mitad del siglo pasado en una casa y una calle que ya no existen, absorbidas en las reformas urbanas realizadas para ensanchar la típica Alameda.
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En 1850 el local era el clásico café cantante de la época, instalado en un patio andaluz cubierto, para evitar la lluvia y que ostentaba arcos y columnas, grandes espejos verdes, de los cuales habló García Lorca, mesas y asientos de madera, varios palquitos alineados a lo largo de las paredes laterales y, al fondo, un tabladillo en el que hacían sus exhibiciones los artistas más conocidos de entonces.
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Era un local reducido. Y así como las tejas de la cubierta se distribuyen en diez segmentos irregulares que casi le dan la forma decagonal, el salón público, elevado en la primera planta, era casi un círculo pentagonal tan mal diseñado como peor enlucido. El escenario era de modestas dimensiones y a sus lados se abrían seis palcos, en realidad verdaderos reservados para gentes con ganas de nocturna jarana con presencia femenina. Carecía de camerinos y los artistas, hombres o mujeres, tenían que ataviarse y desvestirse amparados por un sistema de cortinas y lonas que nadie custodiaba. El piano quedaba a pie de escenario y el público se acomodaba en veladores situados de manera que, por sus estrechos pasillos, pudieran transitar activos camareros de grandes y redondas bandejas, largas patillas y engomados bigotes.

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PRIMEROS COMERCIOS. A poco de finalizar la construcción del pasaje de Alvarez fueron abriéndose los primeros y modestos establecimientos comerciales, muchos de los cuales alcanzaron los decenios iniciales del presente siglo, si bien ya en manos de propietarios distintos a sus fundadores. De ellos hay que recordar el Bazar Suizo, El Martillo y el, para muchos malagueños de la época entrañable, Café Munich, que ya estaba en funcionamiento cuando la visita a Málaga de la reina Isabel II en el otoño de 1862.

Otro comercio de los más antiguos fue el Salón de Limpieza del Calzado, que distintos propietarios lo hicieron llegar a nuestros días.
Este salón de limpieza debió ser el primero de los comercios que se estableció en una de las esquinas de la placita.

imageDon Francisco Bejarano Robles rescató del periódico «El Avisador Malagueño» (1856) la siguiente reseña:

«Se está disponiendo en uno de los portales del pasaje nuevo de la plaza de la Constitución, con puertas a la misma, un saloncito para limpiar botas, con toda comodidad de los concurrentes, pues habrá muelles banquetas para sentarse, espejos, mesas, periódicos, etc. Dícennos que la asistencia será también esmerada, se entiende en limpiar las botas, y que el betún, héroe principal, digámoslo así, será excelente. Parece que estará abierto el domingo para el servicio público. Ya estrañábamos (sic) nosotros que no se hubiera establecido una industria así, a semejanza de otras capitales de España y del extranjero».
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Volviendo al célebre café cantante, quizá convenga aludir la visión que de él ofreció al visitarlo personalmente el escritor inglés Havelock Ellis —citado también por don Francisco Bejarano— en el año 1908:

«… Los bailes más notables no se descubren, a lo mejor, sino al cabo de muchos meses, porque nadie se preocupa de ello ni de orientarle a uno. Así me pasó a mí, por ejemplo, en Málaga con ‘Las Chinitas’ (sic), hace algunos años. En efecto, oculto en una calle mal aireada, próxima a la Plaza, encontraba uno, después de subir unas escaleras, el refugio diecisiete, donde, en el más reducido tabladillo imaginable, ante un grave concurso genuinamente nacional, algunas de las mejores bailarinas españolas, envueltas en hermosos pañolones filipinos, ejecutaban ciclos inacabables de característicos bailes españoles, en tanto que las madres y las tías, veladores de las artistas, ocupaban unas sillas en torno de ellas. Luego me he enterado de que el baile de ‘Las Chinitas’ ha sido clausurado y extinguido con algún pretexto por los españoles celosos, anhelantes de unirse al ritmo de la civilización, porque es, sin duda, más fácil destruir que levantar. Acaso ‘Las Chinitas’ haya sido la última institución de su género en España».

El texto, publicado en 1908, ya alude a la circunstancia del primer cierre del establecimiento, por lo que habremos de suponer que sus escándalos eran ya tan notables como frecuentes en las noches malagueñas que entonces protagonizaban señoritos calaveras y sesudos caballeros del dinero y la frivolidad. Salón Royal se denominó a partir de entonces con el fin de auspiciar un cambio de imagen. Pero de nada sirvió. El Chinitas, con su nuevo rótulo, no cambió porque la clientela deseaba que el establecimiento fuera el mismo de toda la vida. Las flamenquerías se sustituyeron por los cuplés, y si bien por su escenario pasaron discretas figuras del género, otras distintas volvieron a las andadas.

De los años diez al veinte del presente siglo, descocadas damitas devolvieron al local su antiguo sabor a burdel con gran contento de los parroquianos. De tan lejanos años se recuerda, en tiempo de carnaval, la actuación de alguna «inocente» artista que cantaba con un plátano en la mano, y preguntando al final de su actuación por qué oquedad, intersticio, depresión o coquera de su anatomía deseaba el respetable que se lo introdujera, obedecía entre aplausos de aprobación general.

MÁXIMA FAMA. La popularidad nacional del pasaje y del mismo café alcanza su máxima curva al iniciarse los años treinta del presente siglo, al regresar a su escenario las perdidas flamenquerías. En la memoria de muchos de la generación de nuestros padres y abuelos quedaron indeleblemente grabadas las actuaciones de los colosos Juan Breva y Antonio Chacón, rivales en el cante por malagueñas; otras figuras como La Macarena, La Juana, La Trini, El Petrolo o El Porrilla, se insertaron igualmente en la memoria ciudadana a través de muchas actuaciones en el local, y éstas, a su vez, se encadenaron a otras, tales como las discutidas y polémicas Hermanas Navarro, Estrellita Castro, Lucrecia Torralba, Isabelita Ruiz, Luisa Albéniz (bailarina excepcional madre de los Manfredi), Manuel Torres, Pastora y Tomás Pavón, Vallejo, Manolo Caracol, Canalejas de Puerto Real, Cojo de Málaga, Palanca, Marchena, Juanito Valderrama…

El reparto no se agota con esta mínima alusión a sus carteles, que tomada en su momento de referencias directas de maduros malagueños que protagonizaron algunas de las célebres noches de El Chinitas, ni a ellos mismos alcanza su memoria a los años 20 del presente siglo. Y por si fuera poco, no quedó documentada la crónica diaria del local precisamente por vivir de los restos desabridos y escandalosos de una sociedad infantilmente restrictiva y mayoritariamente farisaica, lo que ha reducido la documentación disponible a la simple tradición oral con todas y cada una de sus inevitables inexactitudes y exageraciones, según sea el interés derrotista o positivo que se ponga al reflexionar sobre su discurso escenográfico o tipológico.

De los últimos años de existencia del café queda, si acaso, el recuerdo de los precios que regían hasta el momento de su cierra definitivo: café con espectáculo, 1,25 pesetas; media botella de machaco, 3 pesetas; una de vino fino, 7 pesetas. Y así, la larga lista de precios que se ofrecía a los concurrentes de los años treinta.

NOMBRE DEFINITIVO. Al iniciarse los años sesenta de este siglo llega a la Aimagelcaldía Francisco García Grana y manda publicar un edicto en los periódicos locales para dar a conocer su decisión de bautizar oficialmente con el nombre de Chinitas el pasaje de Alvarez.

Para ello convocó, en plazo y forma, a las personas que tuvieran que hacer algún tipo de alegación contra la iniciativa municipal. Al no presentarse ningún tipo de reclamación ni demanda al efecto, se cambió el rótulo de cerámica del pasaje de Alvarez por el definitivo de pasaje de Chinitas, que era como tradicionalmente los malagueños llamaron desde que en él se estableció el café cantante.
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A esta iniciativa de García Grana siguieron otras no menos importantes, consistentes en dotar al pasaje de pavimento de piedra de Sierra Elvira, además de colocarle en su centro una fuente del siglo XIX donada por Fernando Barceló. Y como gran complemento de aquella operación municipal se encargó a José Espinós Alonso, gran maestro madrileño de la forja artística, todos los rótulos tanto de oficios artesanales como industriales y comerciales del pasaje, todos ellos labrados en hierro forjado, algunos de los cuales existen todavía.

Durante el último cuarto de siglo distintas historias se han protagonizado en las noches del pasaje. Sobre algunas de ellas nuestro periódico ofreció puntualmente referencias. En la medianoche del 11 de marzo de 1962, un beodo intentó refrescarse en la fuente donada por el señor Barceló. La pequeña joya del siglo XIX quedó destrozada y sus pedazos, diseminados en el suelo. La fuente se restituyó, restaurada gentilmente por el marmolista Baeza, y allí permaneció hasta su total destrucción en 1978.

Volvió el Ayuntamiento a dignificar la placita con la escultura de Mariquilla, realizada por el escultor Adrián Risueño para los jardines de la calle Alcazabilla. Pero como la gente estaba más por el cachondeo y la contestación que por el respeto al mobiliario urbano, durante una serie de días se congregaron allí grupos ecologistas para protestar de las «fuentes imperiales», acabando con Mariquilla.
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En pleno Romanticismo, el público del local era muy heterogéneo e iba desde el señorito aficionado de la ciudad y la gente de bronce del puerto, hasta los campesinos que ataviados con sus grandes capas y sus catites, presenciaban con estruendo de voces, gritos y aplausos, las actuaciones de sus bailaoras y cantaores favoritos.

No se conoce exactamente el origen del nombre del local, mejor dicho, existen dos versiones distintas. Una de ellas señala que proviene de que el patio del café estaba pavimentado con piedrecillas de canto rodado o chinitas, y la otra que se refiere al comercio que por esos años se hacía, a través de puertos andaluces, con las colonias españolas de Extremo Oriente, es decir, Filipinas, de donde llegaron mujeres de la raza chonguitas -vulgarmente conocidad por las chinitas- a quienes les dió por frecuentar el establecimiento, lo que le valió a éste el nombre de Café de las Chinitas y después, al eliminar el artículo como es costumbre en Andalucía, quedó convertido en Café de Chinitas.

Una noche de verano de 1969 un grupo compuesto por representantes de dos grandes firmas de la hostelería madrileña (los hermanos Verdasco y los hermanos Heras) y un conocido periodista veían sentados en una terraza veraniega de Madrid el desfile de atracciones cuando se les ocurrió la feliz idea del novísimo tablao flamenco con cocina selecta, recuerdo evocador dignificado de los tablaos del siglo pasado, en el cual imperasen el buen gusto, la seriedad y el confort.
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A los pocos meses nacía el Café de Chinitas de Madrid, puesto en órbita con la colaboración especial de la gran bailaora, La Chunga.

Este se halla instalado en los bajos de un viejo y bello palacio del siglo XVIII, en el número 7 de la Calle de Torija, casi enfrente del edificio del Senado y muy próximo al Palacio de Oriente. Diseñado por el gran pintor Manuel Mampaso, el conocido decorador Pinto Coelho y el arquitecto Luis Carruncho con una mezcla algo abigarrada, pero que resulta fina y adecuada de estampas, muebles, sillas, espejos y recuerdos taurinos del siglo pasado, el nuevo Café de Chinitas tiene una iluminación perfecta que ya se refleja en la fachada del edificio espléndida y selectísima cocina, y un servicio eficaz.
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Varias esculturas en bronce y mármol, obra del escultor Sanguino, y diversos cuadros del genial Vicente Viudes adornan el local.Este, en poco tiempo, se acreditó como el mejor del género, pues por su escenario, ya famoso por los vistosos mantones de Manila, ha desfilado una larga constelación de estrellas del flamenco.

Donde se encuentra actualmente ‘El Café de Chinitas’ hubo en su momento otro restaurante de la familia, ‘El Senado’, visitado por hombres de negocios y, sobre todo políticos. Hemos de tener en cuenta que el local se encuentra muy cerca del Senado. Sin embargo, a finales de los 60 la situación económica cambió y había que tomar nuevos rumbos.

Teniendo como referencia un local muy popular de Málaga llamado ‘El Café de Chinitas’, los hermanos Verdasco decidieron darle a Madrid también un local de este tipo. Así se fundó en el año 1970 el ‘Café de Chinitas’ que es ya parte de nuestra ciudad. Cumple sus primeros 40 años en 2010.

Parece ser que el origen del nombre está en las piedrecitas que cubrían el suelo del patio andalúz en que se ubicaba el ‘Café de Chinitas’ original. Tan conocido era, que García Lorca le dedicó un poema.

Un trozo de Andalucía en Madrid

‘El Café de Chinitas’ es un amplio local ubicado en la calle Torija, 7. Se encuentra en un palacio del siglo XVII, en plena zona de los Austrias.
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Donde se encuentra actualmente ‘El Café de Chinitas’ hubo en su momento otro restaurante de la familia, ‘El Senado’, visitado por hombres de negocios y, sobre todo políticos. Hemos de tener en cuenta que el local se encuentra muy cerca del Senado. Sin embargo, a finales de los 60 la situación económica cambió y había que tomar nuevos rumbos.

La decoración es de ambiente andalúz, con cuadros relacionados con el toreo, y mesas y sillas que nos recuerdan los típicos patios.
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Tiene una capacidad para 150 personas y ofrece dos pases de actuaciones de lunes a sábado. El primer pase es a las 20:30 y suele ser visitado sobre todo por aquellos que quieren también cenar. Tengamos en cuenta que el restaurante cuenta con una calificación de 4 tenedores. La especialidad de la casa son las paellas o platos de arroz en general, aunque podemos tomar cualquier plato de carne o pescado o un menú a base de tapas.
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El segundo pase es a las 22:30 y, aunque también se puede cenar, suele asistir más bien público que quiere ver el espectáculo tomando una copa.

El cuadro flamenco lo componen 16 artistas flamencos entre cantaores, guitarristas y bailaor y bailaores. Mensualmente se cambia el programa y se trata de ofrecer una espectáculo variado que guste tanto a especialistas como a aficionados.

Un sitio con solera

Comenta Mara Verdasco, que en un principio los clientes eran sobre todo americanos (por aquel entonces los Estados Unidos tenían una base militar en Torrejón de Ardoz). También solían acudir muchos artistas, tanto españoles como extranjeros y gente adinerada.
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Hoy en día el público la mayor parte del público sigue siendo extranjera y suele ser de clase media/media alta. Actualmente vienen muchos italianos, latinoamericanos y japoneses, aunque la mayor parte de los turistas son de origen europeo.

A pesar de que el flamenco parece haber resurgido de sus cenizas en estos últimos años, el público español sigue considerando estos locales sólo para turistas. Dice Mara que muchos españoles después de asistir al espectáculo le comentan lo mucho que les ha gustado y que se han sorprendido de la calidad de los artistas y del concepto equivocado que tenían del local.

Por ‘El Café de Chinitas’ han pasado muchísimos políticos relevantes desde su apertura, desde la familia real española, hasta Lady Di o Bill Clinton. Evidentemente el número de artistas internacionales sería interminable. Juan Quintana Aguilar, uno de los camareros del local, comenta que tiene un album de fotografías en el que no le falta prácticamente nadie. Lleva más de 30 años trabajando en ‘El Café de Chinitas’ y se conoce su historia al dedillo.

Entre los artistas que han actuado en este local podemos mencionar a María Vargas, Carmen Linares, Rafael Amargo, sin olvidar que fue dónde una de las más famosas bailaoras conoció el éxito, La Chunga.

Entre los cantantes, uno de los más conocidos es José Mercé, que sigue frecuentando el local cuando puede.

Realmente nos gustaría animar a los madrileños a que visiten este tipo de locales, olvidándose de sus prejuicios y dispuestos a disfrutar de una velada más que agradable.
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La familia Verdasco tiene una larga tradición dentro del mundo de la hostelería madrileña. Sólo la mención del restaurante ‘La Bola’ nos recuerda inmediatamente uno de los lugares emblemáticos de Madrid, cuyo cocido es famoso en toda la geografía nacional.

‘La Bola’ fue fundada por la bisabuela de los Verdasco que están actualmente al frente de sus distintos locales. Aunque ella era de Asturias, las siguientes generaciones han nacido todas en Madrid.
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Café de Chinitas tiene por título es una película española de 1960, escrita y dirigida por Gonzalo Delgrás.

Trata sobre la vida de un joven llamado Antonio Vargas, encarnado por el cantante español Antonio Molina.
La película empieza con la vuelta de Antonio Vargas a España tras una exitosa gira por América. Nada más llegar a Málaga, Antonio pide ver el famoso Café de Chinitas, dónde empezó su carrera como cantante, y se encuentra el local totalmente en ruinas. A partir de ese momento, el argumento se centra en un flashback que nos mostrará los humildes orígenes del protagonista y cómo alcanzó el éxito; sin dejar de lado sus amores y desamores ni su rivalidad con Paco el Rondeño, interpretado por Rafael Farina, que en esta ocasión encarna al antagonista.
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Curiosa Historia. Virgen de Loreto, patrona aviación.

Aunque nada tenga que ver con el flAmenco , hoy es el di de la Virgen de Loreto, patrona de aviación y me he topado con una curiosa historia que quiero compartir.

Ante todo felicitaremos a toda aquella mujer de nombre tan precioso, Loreto. Muchas Felicidades…y paso a relatar la historia…

La Virgen de Loreto tiene la curiosa afición, una afición como otra cualquiera, de ser la patrona de las fuerzas aéreas: así, lo es de las españolas, pero lo es también de las argentinas, de las colombianas, de las chilenas, de las peruanas y de tantas y tantas otras. Y en realidad, no es tan extraño que así sea, como van a comprobar Vds. en cuanto les cuente su apasionante historia.

Se llama la Virgen de Loreto a la que se venera en la ciudad italiana de Loreto. Pero para que la Virgen de Loreto decidiera “acantonarse” en esa ciudad, hubieron de pasar antes muchas cosas. La historia, más que la de una virgen , como veremos, la de una casa (ver debajo), y trae origen en las cruzadas, cuando en 1291, tiene lugar la invasión del Reino de Jerusalén por los mamelucos, la cual culmina el 5 de abril con la toma de San Juan de Acre, a sólo 40 kms. de Nazaret, por el Sultán Malek-Aschraf.

La denominación de Loreto se debe a una fiel tradición transmitida oralmente desde el siglo XIII y fijada por escrito a partir de la segunda mitad del siglo XV, según la cual en el año 1291, cuando los cruzados tuvieron que abandonar Tierra Santa, la casa de la Virgen, en la que vivía cuando se encarnó el Hijo de Dios y donde Éste pasó la mayor parte de su vida con su Madre y San José, fue transportada mediante misterio angélico desde Nazaret a Tersaco, en Dalmacia, y desde allí, en la noche del 10 de diciembre de 1294, al monte de Laureles, en el territorio de Recanati (Italia).

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Y aunque son muchos los descreídos que se empeñan en que pudo ser trasladada por encargo de la familia Angeli reinante en Epiro (Grecia), y en esa misma línea del transporte marítimo se ratifiquen los trabajos arqueológicos realizados sobre la casa entre 1962 y 1965, a nadie con dos dedos de frente se le escapa que mucho más probable es que la noche del 12 de mayo de 1291 fueran los mismísimos ángeles en persona, y no los Angeli, los que, haciendo acopio de la capacidad de volar que les dan esas alas de las que tendremos que hablar en algún momento, trasladaron con tan fausto motivo la llamada Casa de María, en la que la madre de Jesús había vivido con su hijo y con José, desde Nazaret al otro confín del Mediterráneo, concretamente hasta Trsat (Tersato) en Dalmacia (Croacia), donde sus asombrados habitantes no supieron que la casa repentinamente aparecida entre ellos era la de la Virgen hasta que la propia Señora en persona decide comunicárselo a un sacerdote del lugar al que, además, sanó de su enfermedad.
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damente la noticia se extendió por todo el área próxima y paralelamente la Virgen María se apareció al que más tarde sería San Nicolás de Tolentino y al ermitaño fray Pablo de la Selva, quienes testificaron que la Casa debía ser la misma de Nazaret, razón por la cual el Consejo de la Comarca acordó enviar una doble comisión a Nazaret y a Terzatto, que a su regreso testificaron la autenticidad de la “casita” e imagen de la Virgen después de comprobar que las mediciones y planos que llevaban eran idénticos a los cimientos y señales de ambos lugares.

Este nuevo emplazamiento de la Casa de la Virgen originaría una multitud de peregrinos y caravanas de toda Europa que se desplazaban a contemplar los prodigios y milagros que se atribuían al lugar y que llevaban ofrendas, muchas de ellas valiosas, que dieron motivo a la aparición de robos y asaltos por toda clase de bandoleros, lo que originaría una nueva misteriosa mudanza de la Casa hasta una colina no muy lejana, dentro de las tierras de dos hermanos residentes en la localidad de Renacati, llamados Esteban y Simón Reinaldi. Pero éstos cegados por la avaricia debido a las grandes limosnas que se ofrecían suscitaron un grave y sonoro pleito y el asunto llegó hasta la Santa Sede. Pero antes que el Papa emitiese su fallo, los Ángeles llevarían la Casa de la Virgen otra vez por los aires hasta su definitivo y actual emplazamiento, un lugar próximo abierto a todos los caminos como centro donde ellos habrían de converger.

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Situada cerca del Monte Tabor, la Casa dond vivió la Virgen María en Nazaret había sido primeramente el hogar de sus padres, Santa Ana y San Joaquín y posteriormente la recibió en dote al desposarse María con San José. Fue escenario
por tanto de la Anunciación, de la Inmaculada Concepción, de la Encarnación y también de la vida privada de Jesús hasta sus treinta años.
Después de la Asunción de Cristo, los primeros cristianos convirtieron esa Casa en lugar de culto, donde se veneraba una imagen de la Virgen que, según la tradición cristiana, había sido esculpida en la madera negra de un cedro del Líbano por las manos del evangelista San Lucas. En el año 327 la emperatriz Santa Elena, madre de Constantino I el Grande, recorre Palestina y decide edificar una grandiosa basílica alrededor de la Casa, templo que permanecería venerado durante varios siglos. El santuario sería prácticamente destrozado a principios del siglo XIII por los musulmanes que invaden Judea después de derrotar a San Luis rey de Francia durante la séptima Cruzada, pero la Casa de la Virgen quedaría intacta entre las ruinas. En el año 1291 las fuerzas del sultán de Egipto, Kalil, entraban en las tierras de Galilea y aunque pudo derrotar a los cristianos sin embargo se produjo un hecho milagroso, la Santa Casa se salvaría de esta nueva amenaza pues al mismo tiempo que Kalil entraba en Tierra Santa, el 10 de mayo de 1291 se produciría un gran hecho milagroso, la Casa de la Virgen María fue transportada por los Ángeles y llevada hasta las costas del mar Adriático y asentada en la cima del monte Raunizza, entre Terzatto y Fiume, en el Valle de Dolazt, situada en la antigua Dalmacia, hoy Croacia.

En esos terrenos no había habido hasta esa fecha más que una vegetación silvestre, por lo que al divulgarse por unos leñadores la aparición de esa “casita” sin cimientos, la población de la comarca comenzó a calificar lo acaecido como algo milagroso, pues precisamente ese mismo día el párroco de la iglesia de San Jorge de Terzatto, que se encontraba gravemente enfermo de una antigua dolencia, tuvo en sueños la aparición de la Virgen María quien tras anunciarle que le devolvía en ese momento la salud le hizo saber que aquella “casita” era su Casa, donde Ella nació y vivió la Sagrada Familia y que había sido transportada por los aires por los Ángeles desde Palestina para evitar su destrucción por el sultán Kalil.

No termina aquí el viaje de la inquieta construcción, pues sólo tres años después, exactamente la noche del 9 al 10 de diciembre de 1294, es vuelta a trasladar por los mismos ángeles, los cuales no se achantan de cruzar de nuevo el ancho mar, llevándola esta vez a la orilla occidental del Adriático, para emplazarla en un bosque de laureles (“laureti” en latín), que es el que termina dando nombre a la Virgen en cuestión: la Virgen de Loreto. Por su parte, en el entristecido Tersato croata no dejan de construir sus habitantes una iglesia para conmemorar los tres años en los que la casa “convivió” con ellos.

No debieron de quedar los ángeles muy satisfechos del nuevo emplazamiento, pues apenas ocho meses después deciden llevársela de nuevo, ante los numerosos atracos que realizaban los asaltantes entre los muchos peregrinos que visitaban el lugar. Si bien esta vez no se alejan demasiado, llevándosela a la propiedad de los condes Stefano y Siméon Raineldi que debieron considerar mucho más segura. Pero ¡ah amigo! el lugar seguía sin ser del entero agrado de los ángeles, pues la casa trajo el enfrentamiento a la familia, pugnando los hermanos por quién era el propietario de la preciada reliquia, disputa que los alados personajes resolvieron trasladando la casa por cuarta vez. Y última hasta la fecha, aunque vaya Vd. a saber, que estos ángeles son muy caprichosos, y a poco que se les cruce el cable, capaces son de reproducir el transporte a los ojos de los descreídos humanos del s. XXI y llevarse la casa a cualquier otro lugar del mundo que consideren más apropiado.
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Y eso que esta vez no va a ser fácil, dado que desde 1469 se levantó para protegerla toda una preciosa basílica, renacentista por más señas, en torno a la cual, por cierto, creció la nueva ciudad de Loreto. Una basílica en cuyo interior quedó lo que se da en llamar “la Santa Casa”, que revestida mediante una maravillosa fachada en mármol diseñado por Bramante en 1509 a solicitud del Papa Julio II (a la izquierda), no es otra cosa que aquella casita que un día trajeran los ángeles desde Nazaret, de tres muros y 9×4 metros de superficie, realizada en ladrillo y piedra de origen indudablemente palestino, trabajada con técnicas nabateas, y con grabaciones en la piedra, entre las cuales una que dice “Jesús hijo de Dios”. Y por cierto, perfectamente coincidente con el hueco que se venera en Nazaret como la Gruta de la Anunciación del que supuestamente se extrajo .

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En cuanto a la Virgen de Loreto, es una virgen como tantas otras, -como la de la Almudena, como las dos de Guadalupe-, de tez morena, en este caso por una más que prosaica razón, el humo de las velas. Fue alguna vez una talla del s. XV, la cual fue robada por los ejércitos napoleónicos en 1797 y que no volvió a Loreto hasta 1801.

Lo cierto es que en 1921 ardió presa de las llamas, y para cuando llegaron los ángeles a su rescate, esta vez era tarde, y ni siquiera los mágicos alados pudieron hacer nada por salvarla. En Cannara puede visitarse la copia que se exhibió en Loreto durante los cuatro años (1797-1801) en que la imagen original estuvo fuera del santuario. Por lo que hace a la que hoy día se venera en Loreto, es una réplica salida de los sabios formones de Enrico Quattrini, coronada por el Papa Pío XI en 1922 y revestida con un llamativo manto llamado, en honor a aquellos primeros años en Dalmacia, la Dalmática.
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La Virgen de Loreto, como es fácil de entender después de todo lo relatado, es la patrona de la aviación española, como así declaró el Papa Benedicto XV por decreto de 24 de marzo de 1920. El ejército del aire español no tardó en adoptar parecida decisión, convirtiéndola igualmente en su venerada patrona el 7 de diciembre de 1920.

Cuando comenzaban los Grandes Vuelos transoceánicos de la Aviación, a comienzos de los años 1920, SS. el Papa Benedicto XV dispuso lo siguiente:
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“Nuestro Santísimo Señor Benedicto XV, accediendo con el mayor gusto a las piadosas súplicas de algunos Sagrados Prelados y otros fieles, presentadas por el Cardenal Prefecto de la Sagrada Congregación de Ritos, ha declarado y constituido con su Suprema Autoridad Patrona ante Dios de todos los Aeronautas a la Beatísima Virgen María Titulada de Loreto. No obstante cualquier disposición en contraria.
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A. Cardenal Vico, Obispo de Porto y Santa Rufina, Prefecto de la Sagrada Congregación de Ritos Alejandro Verde, Secretario”

Con esta disposición del Santo Padre todos los aviadores y tripulantes de aeronaves de la Aviación Mundial quedaban bajo el Manto protector de la Virgen de Loreto. Teniendo en cuenta lo anterior, el 7 de diciembre de 1920 los miembros de la Aviación Militar Española, que estaba entonces inmersa en la participación de las operaciones militares para pacificar el Protectorado de Marruecos, solicitaron de la Superioridad que la Virgen de Loreto fuese declarada su Patrona, lo que se aprobó por la siguiente disposición:

“Excmo. Sr.: Atendiendo el deseo del Servicio de Aeronáutica Militar de tener un titular, al igual que las diversas Armas y Cuerpos del Ejército, y acatando lo dispuesto por Su Santidad el Papa, en decreto de la Sagrada Congregación de Ritos, de fecha 24 de marzo último, El Rey (q. D. g.), de acuerdo con lo informado por el Provicariado General Castrense, ha tenido a bien declarar Patrona del Servicio de Aeronáutica Militar a Nuestra Señora de Loreto.

De Real Orden lo digo a V.E. para su conocimiento y demás efectos.
Dios guarde a V.E. muchos años.
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Así pues, y aunque con algo de retraso, permítanme nuestros aviadores y nuestros valiosos y valientes militares y soldados del ejército del aire, felicitarles por la celebración del dia de su voladora patrona, mimada de los ángeles, la Virgen de Loreto.

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La Reina del Duende, una gitana que pudo llegar a reinar.

Una Historia de Novela.

Treinta y cuatro años se cumplieron el pasado 13 de septiembre, de la muerte de una figura histórica: Pastora Rojas Monje (Pastora Imperio), hija de un conocido sastre de toreros y de La Macarrona, bailaora de leyenda; fue una de las grandes pioneras de la canción andaluza –aunque su fama le llegó a través de la danza- cuando todavía a ese género se le llamaba cuplé. Estrenó El amor brujo, de Falla. Y fue, en resumen, una gran artista, de gran popularidad.
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Su boda con el matador de toros Rafael Gómez “El Gallo”, hermano del mítico Joselito, muy comentada en su tiempo, año 1911, apenas duró un suspiro: menos de un año.
imageNo se supo, ni entonces ni en décadas posteriores, por qué se separaron. Por mucho que investigué el asunto no encontré fuentes fiables hasta que dí con un testimonio de la escritora Mercedes Fórmica, que me resultó revelador: el torero gitano maltrataba psicológicamente a su esposa, cuando entonces no se aireaban esos motivos. Era muy celoso, no la dejaba salir sola a la calle, le prohibió seguir bailando en público, y para colmo le racionaba el dinero, incluso para hacer frente a los gastos hogareños. Además, vivían en la casa familiar “de los Gallos”, con la omnipresencia de “la señá Gabriela”, su suegra. En tiempos en los que la mujer tenía que plegarse al dominio machista del cabeza de familia la excelsa bailaora, apoyada por los suyos, salió de estampida de aquella vivienda de la sevillana Alameda de Hércules para no ver nunca más a quien en los ruedos se le conocía como “el Divino Calvo”, genial a veces y otras, abroncado por sus célebres “espantás”.

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Mas quedaba en la vida de Pastora otro misterio, no hace mucho desvelado: el de su maternidad. Guardó silencio hasta que se fue de este mundo el 13 de septiembre de 1979. Y sólo recientemente, nos hemos enterado de quién fue el padre de su hija, por otra parte uno de sus grandes amores, emparentado con la más rancia nobleza y aristocracia. Pues se trataba nada menos que de un primo de Alfonso XIII, de nombre Fernando de Borbón, que ostentaba el Ducado de Dúrcal.
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Fernando Sebastián de Borbón y Madán, nacido en Francia en 1891. Contaba seis años menos que Pastora. Los presentó el propio Rey, el día del estreno de El amor brujo, 15 de abril de 1915. El monarca, enamoradizo, bebía los vientos por la bailaora, con quien tuvo más de un encuentro sentimental. Instó a su primo para que le tuviera al corriente de las andanzas de la artista. Sin darse cuenta de que lo llevó hasta los brazos de ella. Pero no podían casarse: él había contraído matrimonio con Leticia Bosch-Labrús y Blat, dama de la reina Victoria Eugenia, de rica familia catalana, con quien tuvo dos hijas. En ese sentido, no engañó a Pastora, quien se sentía locamente enamorada de aquel caballero bien plantado. Claro está que sus encuentros íntimos lo fueron en la clandestinidad, al parecer en un elegante piso propiedad del Rey, situado en la calle de Alcalá, junto al Casino de Madrid.
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Fruto de aquellos amores, fue el nacimiento de una niña de tez blanquísima (la madre era de piel aceitunada) a la que bautizaron con el mismo nombre que la abuela materna, Rosario. El progenitor pudo conocerla a poco de venir al mundo (en contra del criterio de Pastora) y se ofreció a darle su apellido. Pero ésta se negó en redondo. Estaba pendiente, por otra parte, de obtener el divorcio del torero, que no consiguió hasta 1934. Aquellos amantes dejaron de verse. No se reencontraron hasta muchos años después, cuando Fernando estaba arruinado, muy enfermo y vivía en el madrileño hotel Bristol, en la Gran Vía. Entonces, primeros años 40 del pasado siglo, su hija Rosario pudo abrazarlo. Poco sabía de él; ni siquiera lo conocía por fotos, pues Pastora quemó cuantas tenía de Fernando, y también de Alfonso XIII, a poco de proclamarse la II República, para evitarse problemas.
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Pastora Imperio hizo frente a las facturas impagadas de su antiguo amante en aquel hotel al igual que satisfizo las minutas del médico que lo atendía. Pudo despedirse de Fernando de Borbón la víspera de su fallecimiento, acaecido el 28 de marzo de 1944.
Problema de celos

Problema de celos
Pero los celos no se limitaron a lo profesional.También envenenaron su matrimonio hasta hacerlo imposible. Pastora o ‘Pestora’, como la llamaba su amiga Mata-Hari se enamoró muy joven de Rafael ‘El Gallo’. Una historia de amor que daría por sí misma para un culebrón televisivo. El torero se declaró a la cantaora el mismo día que su novia oficial esperaba que fijaran el compromiso para la boda. Luego, temiendo la oposición de los padres de ella, la convenció para que huyeran de Sevilla a Madrid y allí se casaron en una misa a la que solo asistieron veinte personas. Después, la pareja, cuya celebridad era enorme, acudió al teatro para anunciar desde el palco su unión. Al día siguiente, tras una más que decepcionante noche de bo-das, el torero le dejó las cosas muy claras: no volvería a pisar un esce-nario y cada vez que fuera a salir a la calle debería pedirle permiso. Contra lo que era previsible en una mujer de su carácter, aceptó vivir encerrada. Porque ser la esposa de un torero de éxito someti-da a esas restricciones equivalía a no salir de casa durante meses.
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Ni eso apagó los celos enfermizos de ‘El Gallo’. Un día, se enteró de que su esposa se había detenido un momento en la calle a hablar con un músico de la orquesta con la que actuaba. Y él le rasuró las ce-jas con una navaja.Otro, recibió un anónimo que aseguraba que tenía tratos con un hombre, y la dejó sin un pelo en la cabeza. En otra oca-sión, le dijeron que ella salía al bal-cón para que los hombres la vie-ran, y en medio de una discusión sobre el asunto, la empujó, con tan mala suerte que se golpeó contra el suelo y perdió el niño que la pareja esperaba.Pastora Imperio no pudo más.Apuntó a su marido con una pistola que su madre le había dado y le dijo que el matrimonio había terminado por la única vía posible en ese momento: se marchaba de casa.A la semana siguiente, estaba de nuevo en el escenario. Su regre-so fue acogido con una expecta-ción enorme y sus éxitos fueron arrolladores. De nuevo, los celos, pero de otro modo, y no menos peligroso. Una rival sedujo a un tramoyista para que serrara un ta-blón del escenario. Pudo haberse roto una pierna en aquel inciden-te, pero apenas si sufrió algunas heridas. Nada que no se curara con un proyecto que por sí mismo la habría hecho pasar a la Historia: un día, estando en su casa, Falla empezó a componer una obra que desde los primeros compases estaba pensada para ella. Era ‘El amor brujo’. El compositor pensó en Ignacio Zuloaga para diseñar los decorados, pero una de las muchas rivales sobre el escenario de Pastora Imperio era por aquel entonces la amante del pintor vasco y éste, bien a su pesar, no quiso aceptar el encargo. El estreno fue un éxito.Al día siguiente, en el teatro había un es-pectador muy especial: el rey Alfonso XIII.
Al terminar la función, el monarca la invitó a palacio.Allí, el galanteo fue subiendo de tono
Alfonso XIII la perseguía con el afán indisimulado de llevarla a sus apo-sentos.Al final fue su primo Fernando de Borbón quien logró sus favores. De esa relación nació su única hija, una singular mezcla de genes gitanos y sangre azul. Pastora Rojas, nacida en el barrio sevillano de La Alfalfa, fue una de las mujeres más célebres de la España

Tras el estreno de ‘El amor brujo’, Alfonso XIII la invitó a palacio. El propio Falla tuvo que rescatarla

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Su hija Rosario (que siempre llevó los apellidos maternos) se casó con el matador de toros Rafael Vega de los Reyes (Gitanillo de Triana), con quien tuvo cinco hijos: Curro (padre de Pastora, la que fue mujer de Imanol Arias), Carmen, Pastora (excelente bailaora), Rafael y Charo (que en reciente pasado ha frecuentado los programas televisivos del corazón, contando sus cuitas con Carmen Ordóñez, Lolita y Francisco Rivera). La vida de Rosario Rojas Monje fue tranquila, pese a esos avatares antedichos. Moriría en Madrid el 20 de agosto de 2010.

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Buena parte de cuanto aquí he referido ha sido gracias a la lectura de “Reina del duende”, historia novelada de la vida de Pastora Imperio, publicada por María Estévez con la colaboración de Héctor Dona, bisnieto de aquella sensacional mujer.

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Bertin un aristócrata con vocación de artista.

Norberto Juan Ortiz Osborne (Jerez de la Frontera , España, 7 de diciembre de 1954),1 conocido como Bertín Osborne, es un cantante, presentador y actor español. También es uno de los descendientes de Francisco Pizarro.
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Biografía
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Nació en Jerez de la Frontera , es de una familia aristocrática española, hijo mayor y único varón de Enrique Ortiz y López-Valdemoro, VIII conde de Donadío de Casasola, y de María Teresa Osborne y Marenco (fallecida en 1991).

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Estudió en los Jesuitas de Chamartín, en el colegio internado San José de Campillos (Málaga) y en el colegio Alfonso XII de San Lorenzo de El Escorial. Cuando tenía dieciséis años abandonó los estudios y se marchó de su casa. Poco tiempo después, hacia 1970, empezó a cantar en discotecas, más por afición que por necesidad. Al mismo tiempo desempeñaba toda clase de oficios: corredor inmobiliario, agente de seguros y representante inmobiliario en Sofico.
En julio de 1977 contrajo matrimonio con Alejandra Domecq Williams (fallecida en 2004) con quien tuvo cuatro hijos, Cristian (fallecido), Alejandra, Eugenia y Claudia Ortiz Domecq.

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El 10 de junio de 2006 contrajo matrimonio con Fabiola Martínez Benavides con quien tiene dos hijos, Norberto Enrique Ortiz Martínez, nacido el 31 de enero de 2007 en Madrid, en el Hospital Universitario La Paz, y el 20 de noviembre de 2008 su sexto y, según ha comentado, último hijo, Carlos Alberto Ortiz Martínez; éste nació en Sevilla, en la Clínica Infanta Luisa (antigua Cruz Roja de Triana).
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En 2003 fue condenado a pagar 900.000 € por un delito de alzamiento de bienes y un año de cárcel que no lo cumplió al ser su primera condena.

Música
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Si bien su primera actuación musical se remonta a 1971, en el Festival de la Canción de El Escorial, hubo de esperar a 1980, para firmar su primer contrato para grabar un disco, que salió a la luz en 1981, con temas como Amor Mediterráneo, “Tú, solo Tú” (compuestos y producidos por Danilo Vaona), Perdóname (del compositor Camilo Sesto), “Qué nos pasa esta mañana” (del compositor Juan Carlos Calderón), Adiós Lucía. Un año después editaba Como un Vagabundo, su segundo LP dirigido y producido por Danilo Vaona.
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En 1983 participa en el Festival de San Remo con el tema Eterna Malattia (Eterna Melodía), recibiendo el Premio de la Crítica al mejor intérprete. Entre sus últimos trabajos figura Sabor a México, donde rinde tributo a las rancheras.
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Televisión
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Comienza a trabajar en la pequeña pantalla interpretando una telenovela en México llamada Amor de nadie junto a Lucía Méndez; a su regreso a España, en 1992 es contratado por la cadena Telecinco para presentar un espacio nocturno de citas de parejas titulado Contacto con tacto, con contenido considerado de alto nivel erótico para los cánones del momento. A partir de ese momento se convierte en uno de los presentadores más populares de televisión en España.
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Tras su experiencia en Telecinco, es contratado por Antena 3, donde permaneció nueve años, conduciendo varios programas entre los que destacaron el concurso musical Lluvia de estrellas y su versión infantil Menudas estrellas, además del programa infantil Esos locos bajitos y el concurso Trato hecho en el que los concursantes podían ganar dinero o alguna sorpresa dependiendo de la elección que hicieran.
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Recientemente el presentador ha destacado esa etapa en Antena 3 como la más bonita de su carrera profesional.

También el programa dedicado a los animales Ankawa en Televisión española.
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Además, también presentó el concurso Grand Prix, con la cantante Natalia, emitido en las televisiones autonómicas en las ediciones de 2007, 2008 y 2009.
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En 2009 presenta el concurso de talentos Un beso y una flor en Canal 9 con la dirección musical de Danilo Vaona y Federico Vaona.

En febrero de 2010 participa del programa El gato al agua, de Antonio Jiménez y anuncia su fichaje por Intereconomía Televisión,6 el canal del Grupo Intereconomía.
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Allí presenta dos programas esa misma temporada, Bertiniños y Noche de bodas. En la temporada 2010-2011 comienza una nueva aventura profesional al presentar el programa de índole social Un Granito de Arena. El programa ha recibido tres premios por su valiosa labor social.
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Vida personal
Estuvo casado con Alejandra Domecq Williams (conocida familiarmente como Sandra),10 con quien tuvo a cuatro hijos: Cristian(†), Alejandra, Eugenia y Claudia, tiene seis nietos, Santiago, Fausto y Valentina (hijos de Alejandra) y Juan, Sandra y Leticia (†)11 (hijos de Eugenia).

Contrajo nuevas nupcias en 2006 con Fabiola Martínez Benavides, una modelo venezolana (Miss Zulia 1993 en Miss Venezuela) veinte años más joven con quien ha tenido dos hijos. El primero, Kike, afectado por una grave lesión cerebral producto de una infección intrauterina provocada por la bacteria Listeria. El 29 de abril de 2008 durante la presentación de “Va por ellos” anuncia que espera su segundo hijo junto a Fabiola.El 20 de noviembre de 2008 nace el pequeño al que llamarán Carlos.
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Conoció al grupo de música heavy metal Manowar durante una estancia en Ámsterdam.
En 2005 apareció en algunos programas de televisión excesivamente delgado debido a un tratamiento que se realizó para superar la hepatitis que sufría desde hacía muchos años.
Entre sus aficiones, además del vino y los caballos, hay un deporte que considera muy especial: el buceo. Durante la presentación de uno de los programas de Contacto con tacto confesó que se erotizaba con el buceo, a pulmón y con equipo. Pero su deporte actual por excelencia es el pádel, lo practica casi todos los días.
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Es el heredero del título nobiliario de conde de Donadío de Casasola.
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A mediados de 2009, Bertín creó una fundación con su nombre destinada a orientar e informar a otras familias con niños que sufren lesiones cerebrales, en terapias hechas en casa y menos convencionales pero altamente eficaces
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En el 2013 , fue el pregonero de el carnaval de El Tiemblo en Ávila dada su amistad con José Antonio Abellan, comentarista de radio.

Durante este año Bertin Osborne juntó con Paco Arevalo han compartido escenario con el espectáculo: “Mellizos: 2 caras duras en crisis”
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Una nueva imagen, un nuevo y renovado espectáculo, para consolidar a estos dos grandes de la escena española. Ellos mismos, con sus propias palabras, nos cuentan qué nos podemos encontrar en esta nueva puesta en escena.
“Volvemos con una nueva aventura de Mellizos: “2 caras duras en crisis”; obra que hemos decidir estrenar en Barcelona. En ella intentamos explicar por qué seguimos juntos: nos hemos dado cuenta de lo bien que lo pasamos todos, empezando por el público que es lo más importante para nosotros.
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En este nuevo espectáculo habrá canciones y música en directo como antes, habrá historias nuevas tan divertidas como siempre y sorpresas e imprevistos…en definitiva, vamos a pasar un rato inolvidable con y para toda la familia!
Nota: queremos advertirles que durante la representación se puede producir algún cambio de estación. Igual entran al Teatro en Primavera y durante la obra es Navidad…”
Os esperamos a todos para pasar cerca de dos horas alejados de la realidad, inmersos en un tratamiento intensivo de risoterapia que os durará toda una semana. ¡Garantizado!
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Chiquito de la Calzada

Gregorio Sánchez Fernández1 (Málaga, 28 de mayo de 1932), conocido por el pseudónimo de Chiquito de la Calzada, es un humorista, cantante y actor cómico español.
Biografía
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Gregorio Sánchez Fernández nació en el barrio malagueño de “La Trinidad”, en el lugar conocido como la “Calzada de la Trinidad” y que más tarde inspiraría su nombre artístico.
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Hijo de un electricista, a los ocho años subió por primera vez a un escenario y un poco después, como miembro de una compañía de chaveas llamada Capullitos Malagueños desarrolló sus habilidades para el cante flamenco con el apodo de “Chiquito de la Calzada”, “Chiquito” porque empezó a trabajar siendo muy “chico” y “de la Calzada” por la calle donde nació, desplazándose en numerosas ocasiones a Madrid donde actuó en escenarios de renombre como el Teatro Calderón, en Price o el de La Latina.
También actuó en el extranjero y durante dos años residió en Japón.
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Con 62 años, Chiquito de la Calzada fue “descubierto” para el mundo televisivo por el productor Tomás Summers, y contratado para el programa de televisión de humor Genio y figura por Antena 3 Televisión. El programa comenzó sus emisiones en la temporada de verano de 1994. Su estilo personal e innovador le llevó rápidamente a destacar sobrimagee todos sus compañeros de programa, catapultando la emisión en los máximos niveles de audiencia, a tal punto que al final de la temporada su éxito era reconocido por la crítica favorable como el personaje televisivo del verano: (…)
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Se trata de un hombre de mediana edad, gaditano probablemente, que «acciona» los chistes más que contarlos, y es de tal calibre su vis cómica, el magnetismo que ejerce sobre la risa del prójimo, que no bien se levanta de su asiento, la gente, desde el propio Pepe Carrol hasta los técnicos del estudio, pasando por el público de plató, los telespectadores y los compañeros cuentachistes se descojona de risa. Y lo curioso es que el humor de Chiquito de la Calzada no es escatológico, ni genital, ni de anciana que resbala sobre una piel de plátano, esto es, no es un humor «español» al uso, sino que nace de las travesuras de la inteligencia y de los guiños surrealistas de la razón.
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Chiquito de la Calzada ha sido el personaje del verano en televisión, y aunque a partir de ahora invadirá el medio una turba de sujetos grotescos y risibles (los contertulios, las estrellas, los políticos del Régimen), espero que consolide su cetro en el otoño. Los chistes que cuenta son malísimos, pero nadie sería capaz de contarlos tan bien como él. Rafael Torres, Diario El Mundo, 02/09/1994.
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Chiquito de la Calzada El tirón mediático de Chiquito de la Calzada se mantuvo durante el otoño de 1994, siendo aprovechado por la cadena para afirmarse en el liderazgo de audiencia en detrimento de emisiones hasta entonces de gran popularidad en España, como los eventos deportivos. Así, el 27 de octubre de 1994, una emisión recopilatoria de los mejores chistes de Chiquito de la Calzada superó en 500 000 espectadores la emisión del partido de fútbol Karslruhe-Real Madrid, alcanzando 4,5 millones de audiencia.
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Mientras se acrecentó su éxito popular, el análisis de su llamativo estilo fue recibido con división por la crítica y comentaristas de los medios de información. Alabado como fenómeno sociológico por unos, en otros casos las particularidades de su estilo y de su figura fueron aprovechadas como instrumento para la crítica sociopolítica, y desde entonces empleadas por los medios para la sátira o la ridiculización del adversario: En este país de descubridores el último descubrimiento ha sido Chiquito de la Calzada Carmen Rigalt, El Mundo, 13/10/1994.

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Javier Villán,El Mundo, 2/01/1995, ¡Qué risa, qué paisanaje! En diciembre de 1994, Warner Home Video y Antena 3 Televisión publicaron Genio y figura, una cinta en formato video recopilando una selección de las actuaciones de Chiquito alcanzando en tres meses los 280.000 ejemplares vendidos con un volumen de facturación de 500 millones de pesetas (3,01 millones de euros), cifras consideradas entonces récord para un cómico españo

En ese mismo año aunque unos meses antes, chiquito también apareció en el recopilatorio Bolero Mix (Apodado, Bolero Mix Fistro y Pecador…) (Blanco y Negro Music 1994), donde en la portada, aparecia su cara en un cuerpo de culturista.
En el Megamix del disco elaborado por Quique Tejada, se podría oir, sus famosas coletillas, y frases. mezclados con los mejores temas dance del momento, también había una pista de efectos y jingles, donde se podía oir, la frases que previamente grabo, para la elaboración del Megamix.

En septiembre de 1995, la actividad televisiva de Chiquito de la Calzada se extendió a la radio en un momento de alta competencia entre las emisoras principales por captar mayor audiencia mediante programas de humor. La Cadena Cope ha contratado a Chiquito de la Calzada y a Paz Padilla para participar en un concurso de chistes que se emitirá en el programa La mañana, dirigido y presentado por Antonio Herrero. Desde febrero de ese año, Chiquito intervendría semanalmente junto a Paz Padilla y El Faly, en las emisiones del programa La Mañana de la cadena COPE, donde interpretaba los chistes de los oyentes

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Uniéndose a la oferta humorística de otras cadenas como la del programa Hoy por hoy de la cadena SER con los personajes de la señora María y del señor Casamajor, el Debate sobre el estado de la nación de Protagonistas, Chumy Chúmez en Las mañanas de Radio 1, Gomaespuma en M-80 y El Terrat, en Radio Barcelona. En agosto de 1996, Chiquito ejerció de pregonero de las celebraciones de la Feria de Málaga invitado por la corporación municipal en una decisión que aunque objeto de críticas, fue justificada por diferentes portavoces mediante un público elogio de la personalidad del humorista. Para el concejal Antonio Romero, Chiquito de la Calzada representa la “grandeza de lo sencillo” y la “elevación del hombre medio”, destacando su sencillez y humildad, siendo “un malagueño de la calle con una gracia especial, muy querido”.
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En octubre de 1996, participó en la emisión del especial De los buenos junto con los también cómicos Arévalo, Tip, Antonio Ozores y Miriam Díaz7 Durante la primera década de los años 2000, Chiquito ha colaborado en campañas publicitarias, actuaciones en salas y apoyado con su presencia diversos actos promocionales. En 2009, su página en Facebook alcanzó cierta notoriedad al ser destacada por su parodismo de alguno de los elementos de la campaña de promoción electoral en apoyo de Barack Obama durante las presidenciales a los Estados Unidos de 2008, identificados por el grafismo al estilo de Shepard Fairey y el uso del eslogan “Yes, We Jarl”.
A finales de 2009 es estrenada la película cómica Spanish Movie donde Chiquito de la Calzada aparece junto al actor canadiense Leslie Nielsen en una pequeña escena emitida por Internet y en los títulos de crédito finales.10 Su esposa Josefa “Pepita” García Gómez, compañera fiel e infatigable que siempre acompañaba a su marido en sus galas, falleció el 3 de marzo de 2012.

Estilo e influencia

El contenido de sus chistes, normalmente simples y cortos, presenta ingeniosas comparaciones, reforzadas en su presentación por una forma de andar de un lado a otro del escenario sin parar, mientras se sujeta las lumbares, fingiendo tener dolores. El lenguaje incluye palabras y expresiones de propia invención, resultado de distorsiones onomatopéyicas del lenguaje formal del español, del habla andaluza e incluso del inglés. Vocablos como “fistro”, “pecador”, “cobarde”, expresiones como “no puedor”, “al ataquer”, “diodeno vaginarl”, “¡Hasta luego Lucas!” (popularizada tras su presentación de la popular emisión del ritual de las uvas de nochevieja en Antena 3), e interjecciones como “¡cómorr!”, “jarl”, o “mamarl” han trascendido al registro del habla coloquial e informal del español de España.
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El estilo de Chiquito ha influido en numerosos humoristas. Así en el programa Esta noche cruzamos el Mississippi de Pepe Navarro, el humorista Florentino Fernández interpretaba el papel de “Lucas Grijander”, un personaje creado a imitación de Chiquito. De igual forma, en el programa Los clones, emitido por Intereconomía Televisión, el cómico Federico de Juan interpreta un presonaje llamado “Chiquito del Parqué”, que funge como el analista económico de la serie. Tal ha sido la transcendencia de Chiquito de La Calzada, que de él se han hecho numerosos tributos y homenajes, desde recopilaciones en video y DVD de sus apariciones televisivas hasta carreras11 imitando sus singulares andares y movimientos.
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Palomo Linares ,Torero y Artista

“Palomo Linares” es el nombre artístico de Sebastián Palomo Martínez, matador de toros, pintor, actor de cine y criador de reses bravas español. Nacido el 27 de abril de 1947 en Linares, provincia de Jaén (el mismo pueblo en el que meses después Manolete encontró la muerte en la plaza de Santa Margarita).
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Su padre era minero, viviendo una infancia llena de carencias en la España de la posguerra. Fue aprendiz de zapatero, pero a partir de los ocho años acudía a tentaderos y capeas en donde empezó a entender el arte de torear, como maletilla le apodaron “El rata” por su vivacidad.
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El 20 de julio de 1964 se inició profesionalmente al ser anunciado formalmente en la Plaza de Vista Alegre de Madrid como aspirante a torero en una novillada de concurso.
Aficionado a los toros desde muy temprana edad, se enfundó su primer terno de luces el 20 de junio de 1964, en la madrileña plaza de Vista Alegre. Era costumbre por aquellos años celebrar en dicho coso una serie de festejos veraniegos nocturnos que recibían el nombre de “novilladas de la oportunidad”, habida cuenta de que estaban destinados a promocionar los nombres de aquellos chavales que, recién nacidos a la carrera taurina, andaban luchando por abrirse un hueco en el escalafón novilleril. “Palomo Linares” fue, precisamente, uno de los triunfadores de dichos festejos.
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El día 3 de enero de 1965, en el ruedo de la plaza de Ondara (Alicante), Sebastián Palomo lidió su primera novillada picada; y el 19 de mayo del año siguiente, en las arenas de Valladolid, tomó la alternativa de manos del diestro ecijano Jaime Ostos Carmona, quien, en presencia del coletudo gaditano Juan García Jiménez (“Mondeño”), que hacía las veces de testigo, le cedió los trastos con los que había de dar lidia y muerte a estoque al astado Feíllo, perteneciente al hierro de don Salustiano Galache. Durante aquella temporada de 1966, “Palomo Linares” intervino en cuarenta y nueve corridas, para acabar el año toreando en Hispanoamérica.
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Debuta con picadores en Ondara el 3 de enero del año 1965 donde corta cuatro orejas en un encierro de Núñez Guerra, alternando junto a Gregorio Tébar, El Inclusero y Vicente Punzón.
Vuelto a España, el infortunio se cebó en el día 8 de abril de 1967, cuando, en el coso de Castellón de la Plana, un toro portugués de la ganadería de Palha, que atendía al nombre de Jareteiro, le infirió una cornada de considerable gravedad. Apenas se había repuesto de este percance, cuando de nuevo fue herido gravemente, esta vez en el coso de la Ciudad Condal. Fue el día 9 de julio de aquel mismo año, cuando un toro que había pastado en las dehesas de doña Amelia Pérez-Tabernero le causó la fractura del húmero izquierdo. A pesar de que tan malhadados sucesos le forzaron a lidiar tan sólo treinta y cuatro corridas durante la campaña de 1967, “Palomo Linares” aún tuvo pundonor y arrestos para encerrarse en solitario con seis toros en la madrileña plaza de San Sebastián de los Reyes, en un bello gesto humanitario a beneficio del infortunado Manuel Álvarez (“El Bala”), que se había visto obligado a abandonar los ruedos después de que le fuera amputada una pierna.
El mismo año en que tomó la alternativa toreó en cuarenta y nueve corridas y emprendió su primera campaña americana. No dejó de acudir a América ninguna de las temporadas en las que estuvo en activo, si bien a menudo éstas se vieron interrumpidas por graves cogidas, de las que no se libró ningún año.
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Recibe la “alternativa” el 19 de mayo de 1966 siendo Jaime Ostos su padrino y Mondeño el testigo, en la plaza de Valladolid, con toros de la ganadería de Salustiano Galache. A Feíllo, un toro negro, con el número 9, de 448 kilos, “Palomo” le cortó las dos orejas. Al toro que cerró plaza le hizo lo mismo.

En 1968 -año en el que, a pesar de haberlo anunciado, no consiguió confirmar en Madrid su alternativa-, Sebastián Palomo volvió a matar seis toros en Valladolid, el día 31 de marzo, esta vez en favor del Montepío de Toreros. Esta temporada le resultó mucho más beneficiosa que la anterior, ya que, al margen de lo que después toreó en Ultramar, firmó y cumplió en España setenta contratos.
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En 1969 se comprometió con Manuel Benítez Pérez (“El Cordobés”) a torear juntos sin someterse a los dictados leoninos de la mayor parte de los empresarios que a la sazón dominaban el mundillo del toro, dando así lugar a la llamada “campaña de los guerrilleros”. Esta valiente actitud obligó a ambos coletudos a torear, durante casi toda la temporada, sólo en plazas menores; sin embargo, Sebastián Palomo acabó el año habiendo firmado sesenta y cinco ajuste, sin contar los que después subscribiría en Hispanoamérica.

El día 12 de abril de 1970 volvió a ofrecer una generosa muestra de su talante humanitario, encerrándose a solas con seis astados en la plaza de Almería, a beneficio del malogrado novillero Ángel Vázquez (acabado el festival, “Palomo Linares” se brindó también a matar el sobrero). Y el 19 de mayo de aquel año, en las arenas de la plaza Monumental de Las Ventas (Madrid), compareció, por fin, dispuesto a confirmar su doctarado taurino. Venía apadrinado por el espada sevillano Francisco Romero López (“Curro Romero”), quien, bajo la circunspecta mirada del coletudo salmantino Juan José García Corral (“Juan José”), que hacía las veces de testigo, le cedió los trastos con los que había de dar lidia y muerte a estoque al astado Presumido, perteneciente a la vacada de don Antonio Pérez Angoso. Acabó aquella temporada en España habiendo intervenido en ochenta corridas, y pasó luego a Hispanoamérica, donde fue herido de gravedad en las arenas ecuatorianas de Quito.
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Cada vez más consagrado como figura del toreo, en 1971 protagonizó dos gestas admirables. El día 22 de mayo se anunció para lidiar y matar, en solitario, dos corridas seguidas, una por la tarde y otra por la noche, en el madrileño coso de Vista Alegre. Mató, en efecto, los seis toros apartados para la primera; mas, comoquiera que el festejo previsto para la noche hubo de ser suspendido a causa de la lluvia, “Palomo Linares” volvió a anunciar la “doble función” para el próximo 19 de junio, fecha en la que al fin pudo encadenar la corrida vespertina con la nocturna (en la que, para mayor asombro, dio también lidia y muerte al sobrero). El balance de trofeos conseguidos aquel día dejó constancia de un triunfo clamoroso: seis orejas y dos rabos por la tarde, y seis orejas y un rabo por la noche. Tras haber intervenido en sesenta y nueve corridas durante aquel año, marchó de nuevo a Hispanoamérica, donde volvió a ser herido de gravedad, esta vez en Monterrey (México).
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Para los anales del toreo, su campaña más gloriosa fue la de 1972. En efecto, el 22 de mayo de dicho año, en el transcurso de la Feria de San Isidro de Madrid, cortó las dos orejas y el rabo del toro Cigarrón, perteneciente al hierro de don Atanasio Fernández. Aunque la faena fue buena, el premio fue muy discutido por una parte considerable de la severa afición que se hallaba presente en la primera plaza del mundo, que estimaba que el toreo desplegado aquella tarde por “Palomo Linares”, aun siendo de muy aquilatada ejecución, no había rayado a la altura requerida en Madrid para ser galardonado con el máximo trofeo; buena prueba de ello es que, desde entonces hasta la fecha (1998), han pasado veintiséis años sin que ningún otro torero haya logrado cortar un rabo en Las Ventas. Pero lo cierto es que Sebastián Palomo acabó siendo el máximo triunfador de aquella temporada de 1972, a pesar de que hubo de darla por concluida en España el día 19 de agosto, cuando sólo llevaba cumplidos cuarenta y cinco ajustes, porque un toro perteneciente a la ganadería de Osborne le fracturó su pierna izquierda.
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Una vez restablecido, en otoño de aquel mismo año marchó de nuevo a Hispanoamérica, donde siguió cayendo herido por asta de toro: en Lima fue corneado por un toro de La Viña el día 10 de noviembre, y en México fue un astado perteneciente al hierro de don Javier Garfias el que le infirió una seria cornada (el día 7 de enero de 1973). A pesar de haber empezado el año con tan mal fario, durante esta campaña de 1973 completó en España setenta y ocho corridas. En la de 1974 intervino en setenta y un festejos, uno de los cuales, celebrado en el coso de Vista Alegre el día 1 de octubre, tuvo de nuevo a Sebastián Palomo como único espada. En 1975 firmó sesenta contratos; ochenta en 1976; cuarenta y nueve en 1977; cuarenta y seis en 1978; cuarenta y cuatro en 1979; treinta y tres en 1980; y treinta y seis en 1981. Ante este progresivo descenso en el número de ofertas, en 1982 decidió no vestirse de torero, inactividad que prolongó durante el año siguiente. Sin embargo, reapareció en la temporada de 1984, en la que intervino en treinta y cinco festejos.
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Por su toreo fundamentado en el coraje, Palomo Linares ha sido considerado un diestro de raza, capaz de crecerse ante las dificultades, pero que no ha cuidado la depuración artística en la interpretación de las distintas suertes de la lidia. Se encerró en numerosas ocasiones como único espada: en San Sebastián de los Reyes (Madrid), en 1967, a beneficio de Manuel Álvarez el Bala; en Valladolid (1968), a beneficio del Montepío de Toreros; en Almería (1970), a beneficio del novillero Ángel Vázquez; y en la plaza de Vista Alegre, en 1971 y 1974. Compartió cartel a menudo con Manuel Benítez, el Cordobés, con el que protagonizó, además, la que se dio en llamar “campaña de los guerrilleros”: en 1969 se comprometieron a actuar juntos sin someterse a las exigencias de los grandes empresarios, y llegaron a torear de este modo sesenta y cinco tardes en plazas modestas.

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La “Campaña de Los Guerrilleros”

Eduardo Lozano y Paco Ruiz, apoderados del de Linares y Manuel Benítez “El Cordobés” respectivamente, llegan a un acuerdo por el cual los dos espadas torearían siempre juntos durante la temporada de 1969, manteniendo así la independencia ante los empresarios, algo que fue conocido como la campaña de ‘Los guerrilleros’. Suman así hasta 65 corridas de toros, que en su mayor parte dejaban bastante que desear, sobre todo por el ganado lidiado y la categoría de las plazas.
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Confirma su alternativa en Madrid el 19 de mayo de 1970, con Curro Romero como padrino y “Juan José” García Corral como testigo, lidiando cinco toros de Antonio Pérez Angoso y uno de Antonio Pérez de San Fernando. Del primer hierro fue el toro de la ceremonia, de nombre Presumido, negro listón, número 87, de 555 kilos de peso, con el que el de Linares no se acopló.

El Rabo de Madrid
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La faena que instrumentó en Las Ventas al toro Cigarrón, negro meano, número 21, con 566 kilos de peso, perteneciente al hierro de Atanasio Fernández. Dos trofeos más conseguiría en el otro toro de su lote, en una tarde que estuvo acompañado en el cartel por Andrés Vázquez y Curro Rivera. Era el 22 de mayo de 1972 y desde hacía treinta y siete años no se cortaba un rabo en Madrid. Este hito suscitó la polémica en el mundo del toreo, pero sin duda significó una fecha histórica para Palomo Linares y para los enorgullecidos paisanos suyos. Se convirtió en un fenómeno social.
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El Cine
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Fruto de esta circunstancia se sucedieron títulos cinematográficos en los que el linarense era el principal protagonista. Nuevo en esta plaza y Solos los dos, en ésta junto a Marisol, fueron películas de gran calado popular. También se le hace referencia en la película “El espejo” de Andréi Tarkovski.
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Retiros y Regresos

La primera retirada de los ruedos tuvo lugar en Bogotá, el 31 de enero de 1982, en una tarde en la que compartió cartel con Pepe Cáceres y Curro Romero frente a tres toros de Vistahermosa y otros tantos de Pueblito Español, en la que consiguió cortar tres orejas.

Reaparece en la plaza de toros de Acho, en Lima, en 1983 alternando junto a José Mari Manzanares y Paco Ojeda con toros de Marcos Núñez, saldándose su actuación con las dos orejas de uno de sus toros.
Sebastián Palomo se cortó la coleta en la plaza de toros de Granada, el día 7 de junio de 1985.Empero, esta retirada no fue definitiva, porque el gusanillo del toreo le forzó a reaparecer en la temporada de 1993, en la que participó en diecinueve corridas, en las que, a excepción de Madrid, no pisó cosos de relevancia. En la campaña de 1994 firmó veinte ajustes, y desde entonces ha venido toreando muy poco, con presencias anecdóticas en festivales, corridas extraordinarias y festejos menores.

El 8 de septiembre de 2007 reaparecerá en la reinauguración de la plaza de toros de Belmez (provincia de Córdoba) en la que se prevé sea su última faena.
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Fotografía del cartel taurino, en su reaparición.

Las temporadas en las que más actuó en España fueron las de 1970 (80 corridas), 1971 (79), 1973 (78), 1974 (71) y 1976 (80). En 1972, en la plaza de Las Ventas (Madrid) y alternando con Andrés Vázquez y Curro Rivera, cortó las dos orejas y el rabo al toro Cigarrón, de Atanasio Fernández, aunque su éxito fue polémico. Después de no haber vestido el traje de luces durante las temporadas de 1982 y 1983 y de haberlo hecho en treinta y cinco ocasiones en 1984, el 7 de mayo de 1985 se despidió del toreo en Granada, ante José María Manzanares y Emilio Oliva, con toros de María del Carmen Camacho, aunque en 1993 volvería momentáneamente a los ruedos.
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Ganadero y más

En 1969 compra junto a Eduardo Lozano la Ganadería de Pérez Tabernero, una de las más acreditadas ganaderías de España con antigüedad de 1895, que a partir de ese momento cambia de nombre a Palomo Linares, en 1997 Palomo le vende la mitad de sus intereses a su socio pero esta ganadería sigue lidiando bajo su nombre.
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Junto a su faceta taurina se encuentra su pasión por la pintura y las armas de fuego. Como pintor ha expuesto su obra en diversas galerías del mundo, se afirma que recoge en sus cuadros sus vivencias y las plasma recurriendo a la luz y al color (con predilección por la abstracción y los temas taurinos) y realizó su primera exposición en 1988.

En 1990 resultó gravemente herido en un accidente en el que murieron los demás ocupantes del vehículo.
A fecha del año 2007, Palomo Linares está volcado en la carrera de uno de sus hijos, Sebastián “Palomo” Linares hijo, que quiere seguir los pasos de su padre.
El día 27 de abril de 2011, en Radio Marca, se declara seguidor del Club Atlético de Madrid, debido a la gran amistad que tuvo con Vicente Calderón.
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Vida personal

Su primer amor fue Teresa Cantalapiedra.
Tras un noviazgo de ocho años con la ex modelo colombiana Marina Danko Villalba, diseñadora de joyas, se casaron el año 1977. Tuvieron tres hijos: Sebastián (1977-), Miguel (1980-) y Andrés (1988-).4 Sin embargo, el 31 de agosto de 2011, se anuncia su separación, tras 42 años juntos y 34 años de matrimonio
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El 30 de enero de 2012, se firma finalmente el divorcio.

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Tras los difíciles momentos vividos durante su separación, Palomo Linares se ha refugiado en la pintura, una pasión que le lleva dando alegrías desde el año 1967, cuando hizo su primera exposición en Colombia: “No es ninguna terapia, es una necesidad. He pintado toda mi vida desde que tengo uso de razón y ahora le dedico mucho más tiempo que antes”. Además, como todo artista, su obra refleja en gran medida el estado de ánimo en el que se encuentra: “Tiene mucha luz, mucha claridad, muy buena energía, tiene un sentimiento muy limpio. Quiero que refleje eso para que se transmita a la gente”. “Últimamente estoy pintando colores más claros. Estoy más abierto porque mi espíritu ahora está muy abierto y, entonces, estoy encontrado más luz”, añade. Pero, “¿quién le da esa luz?”, preguntaba Mariló Montero: “La tranquilidad y la felicidad en mi alma, que está muy en paz”, respondió.

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Manuel Benítez , El Cordobés, de casta….Torero¡

imageManuel Benítez “El Cordobés” fue en la posguerra, más que un fenómeno taurino, un fenómeno social. Le aplaudieron todas las clases sociales, taurinos o no. Dicen los entendidos que no sabía torear, pues si hubiera sabido qué hubiera pasado…. Muy joven y mediante una buena campaña publicitaria , organizada por su apoderado, surge de repente llenado las expectativas de muchos españoles que vivían en aquella época con ansias de progreso y de mejora en una sociedad en pleno desarrollo.image

Partía de una difícil situación económica y social; no disponía de nada , ni de padre; pero la motivación que le hizo progresar rápidamente , exponiendo su vida, fue su ambición de ser muy rico . La clase ortodoxa taurina nunca le aceptó, no le reconocieron nada, para ellos era sólo un bufón que entretenía y hacía reír a los legos en la materia. Se había establecido , otra vez, la diferencia entre dos Españas. La verdad es que con la llegada del Cordobés a la Fiesta Nacional, todo cambió rápidamente ; se dispararon todos los records de asistencias, en las plazas y de televisión, cobraba , con mucha diferencia, más que el resto de sus compañeros.
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Se atrevió a torear sin saber torear, no conocía las reglas del juego; su valor resultó suficiente y determinante para lograr su objetivo. Supo desarrollar y mantener cuidadosamente su imagen de joven rebelde . Se dejó crecer la melena y la barba, reflejo contestatario de una juventud con ganas de torcer el destino previsto para ellos por sus padres adaptados al momento social que se vivía en la España de los años sesenta.
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Mucho se ha escrito a favor y en contra de El Cordobés, de lo bueno y malo que le dio a la Fiesta Nacional. Recuerdo todavía las numerosas tardes que nos reuníamos toda la familia delante de la TV en blanco y negro, nerviosos y expectantes con las corridas televisadas del El Cordobés.

El comienzo de la retransmisión interrumpía el tráfico y el comercio, los municipales desaparecían , se paralizaba la ciudad , no se llamaba ni por teléfono….
Fue mi primer contacto con los toros. Importante era disponer de confianza y sobre todo tolerancia entre los espectadores presentes, ya que las opiniones , siempre eran radicales a favor y en contra. Los dos sectores estaban radicalmente enfrentados y, tan apasionados en sus posturas eran los unos como los otros. La verdad, no recuerdo nada parecido , ni con las retransmisiones de futbol de aquella década. Recuerdo que se televisó en ¡directo ¡ una corrida suya desde México, toda España se paralizó ante la pantalla en blanco y negro, el que no disponía de televisión propia , vio la corrida en caso de amigos , familiares o delante de algún escaparte de tiendas de electrodomésticos .

La realidad es que el Cordobés fue un revolucionario y ganó la batalla pese a la oposición de los eruditos.
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Llegó a para salvar la fiesta cuando ya estaban en ella los Diego Puerta, Paco Camino, Santiago Martín El Viti y Palomo Linares. Con todos toreó y a todos superó en los rankings de la época. Junto a Manuel Rodríguez “ Manolete”, sin duda, el Cordobés, ha sido la figura más universal del toreo.

LA INFANCIA DEL CORDOBÉS
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Manuel Benítez Pérez nació en el pueblo cordobés de Palma del Río el 4 de mayo de 1936. De origen muy humilde, era el último hijo de la familia. Queda muy pronto huérfano . Al poco tiempo de fallecer su madre, muere su padre en un hospital de Córdoba donde estaba ingresado, por tuberculosis, desde que salió de la cárcel. Su padre había sido miliciano en el bando republicano durante la Guerra Civil Española.
Manuel vive su infancia y adolescencia en un ambiente de miseria y hambre. El hambre en una época muy dura, le llevó a una vida de pícaro. Sus primeros hurtos de comida, los realiza con su amigo Juan María Horrillo Chacón. Pero Manuel está decidido a salir de su paupérrima situación, lo que le empujó a “buscarse la vida” en el mundillo taurino. Sus primeras experiencias taurinas tienen durante la luna llena en las dehesas donde pastaban los toros de don Félix Moreno Ardanuy.

LA ÉPOCA DE MALETILLA DEL CORDOBÉS
Manuel se escapa de su casa, deja a su hermana y viaja a Madrid intentar desarrollar su incipiente carrera taurina.. Se gana la vida como albañil y cumpliría el servicio militar. Se tira como espontáneo a los ruedos de Córdoba, Aranjuez y Madrid, en cuya plaza, el 28 de abril de 1957, un toro de Benítez Cubero le tuvo contra las tablas en reiterados remates que no llegaron a herirlo.
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El 28 de abril de 1957 , cuando tenía 20 años, el Cordobés se lanzó a un toro de Escudero Calvo en la plaza de Las Ventas de Madrid . Toreaban Juan Antonio Romero y Pablo Lozano. Cuando salta al ruedo, pierde el equilibrio y cae al suelo. Recibe una tremenda paliza junto al burladero del tendido 6 por fortuna no resultó herido y salió con la ropa hecha trizas. La cogida fue terrible. La policía le detuvo en el callejón. Su primer apelativo , “El Renco” heredado de su padre, lo cambió por “El Palmeño”, en honor al pueblo donde nació.
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El 25 de mayo de 1963 tomó la alternativa en Córdoba apadrinado por Antonio Bienvenida y José María Montilla de testigo, con toros de Samuel Flores y la confirmó, con ganado de Benítez Cubero, el 20 de mayo del año siguiente, alternando con Pedro Martínez Pedrés y Manuel García Palmeño.

Su carrera fue producto de un astuto montaje publicitario de su primer apoderado, Rafael Sánchez, el Pipo. Fue un fenómeno de masas, a pesar de que en el toreo no ha representado nada. Heterodoxo, alejado de los cánones y de la autenticidad del toreo clásico, su transmisión con el público se basa en el desplante, la extravagancia y el histrionismo, en faenas realizadas a toros muy pequeños y generalmente de escasa casta y fiereza.

LA ETAPA DE NOVILLERO DEL CORDOBÉS
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• En 1959 comienza la leyenda cuando se presenta por primera vez como novillero con el apodo de El Palmeño , aunque un año después ya se presentaría como El Cordobés
• 15 de agosto de 1959 se pone por primera vez un traje de luces para en Talavera de la Reina (Toledo), con Carlos Barroso. Novillos de Mariano García.
• 13 de septiembre de 1959, torea en Loeches, un novillo coge a los dos novilleros y son trasladados al Hospital General de Madrid. Allí, en la misma habitación, moriría su compañero de novillada, Manuel Gómez Aller.
Es después de este drama, cuando amargado y antes de irse a vendimiar a Francia , se entrevista con quién sería el responsable de su lanzamiento definitivo a la popularidad: Rafael Sánchez El Pipo.
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• 27 de agosto de 1960 , debuta con caballos en Palma del Río. Novillos de Juan Pedro Domecq. Buena tarde, corta 4 orejas y un rabo. Manuel Benitez, ya anuncia como El Cordobés, apelativo que ya nunca abandonaría.
Después de este triunfo, El Pipo lanzo la nueva imagen de El Cordobés . Una campaña sensacionalista que realzaba su pasado paupérrimo, ladrón de gallinas y de frecuentes palizas sufridas a manos de la Guardia Civil.
• Temporada 1960: 14 novilladas.
En 1960 participó en 14 festejos, tuvieron gran difusión en los medios de comunicación, gracias a la campaña de marketing dirigida por El Pipo.
• Temporada 1961: 67 novilladas con picadores. El 5 de marzo debuta en Barcelona. El 26 de mazo, torea otra vez en Barcelona, es cogido grave en la ingle derecha por un novillo de Pilar Sánchez Cobaleda al clavar un par de banderillas cortas. Esta suerte de banderillas cortas, la practicaba con mucha frecuencia en esta época. ¡ Espectacular cuando citaba al toro con ambas las rodillas en tierra !
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En esta temporada, tuvo muchas cogidas . El 15 de abril en Bilbao en el muslo derecho por un novillo de Sierra Grande ; una cogida de extrema gravedad , el 2 de junio en Granada ,en el muslo derecho por el novillo Comisario durante el tercio de banderillas; y el 14 de agosto, en Valencia, cogida también grave en el muslo derecho, con un novillo de Cobaleda .
Era tal la popularidad de este novillero que intervino en un festival benéfico en el Pardo, celebrado bajo la presidencia del general Franco . Su actuación fue espectacular, estuvo más tiempo en el suelo que de pie. Actuó junto a Álvaro Domeq y Miguel Báez, Litri.
• Temporada 1962: ¡109 novilladas!
Compagina los contratos con el rodaje de “Aprendiendo a morir” . El 17 de marzo, fracasa en Valencia, 2 avisos en el primero y otro en el segundo. Al terminar la temporada se anuncia su alternativa para el 12 de octubre, no se celebra por culpa de la lluvia.
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• Temporada 1963: 13 novilladas, antes de tomar la alternativa.
El 14 de abril , en la plaza de toros de Murcia, le coge un novillo de Eusebia Galache , calificada como menos grave.

LA ETAPA DE MATADOR DE TOROS DEL CORDOBÉS

La popularidad del Cordobés precedió a su fama taurina. Las plazas resultaban de capacidad insuficiente, le acompañó la leyenda del pobre espontáneo de Las Ventas convertido en famoso y rico torero , lo que caló hondo en el corazón del pueblo español de la época.
Vistió por primera vez de luces el 15 de agosto de 1959 en Talavera de la Reina (Toledo). El 27 de agosto de 1960 debutó en Palma del Río con caballos y ganadería de Juan Pedro Domecq y Díez, cortando cuatro orejas y un rabo.
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Toreó doscientas tres corridas como novillero desde 1960 a 1963 antes de tomar la alternativa ese último año, el 25 de mayo, en Córdoba, siendo su padrino el diestro Antonio Bienvenida y saliendo en hombros esa misma tarde al obtener dos orejas en el festejo. Mantuvo una gran rivalidad con Miguelín.
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Fue líder de la estadística los años 1965, 1967, 1970, 1971 retirándose de los ruedos ese año hasta su regreso en 1979, lidiando pocos festejos hasta el 14 de septiembre de 1981 cuando resulta muerto un espontáneo durante una corrida celebrada en la plaza de toros de Albacete en la que compartía cartel con Rafael de Paula y Palomo Linares y decide su retiro definitivo.

En 1972 anunció su retirada y se alejó definitivamente de las plazas después del 14 de septiembre de 1981, en la plaza de Albacete, cuando estaba toreando y un espontáneo se arrojó al ruedo y, sin que las cuadrillas ni él mismo pudieran impedirlo, el toro se hizo con él acabando con su vida.

Reapareció en Madrid de 1986 para lidiar en un festival a beneficio de damnificados en Colombia y en la temporada 2000 el 22 de abril en Marbella.
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Reaparece en 2000 y luego de solo dos corridas vuelve a anunciar su retiro debido, según sus palabras a que “con el toro actual no se puede, sencillamente no anda…”, a pesar de esto regresa a los ruedos en diversas corridas y festivales.

CRONOLOGÍA DE SU CARRERA

• Alternativa: 25 de mayo de 1963 en Córdoba. Recibió la alternativa de mano del maestro de los maestros, D. Antonio Bienvenida y testigo fue , José María Montilla. Toros de Samuel Flores. Le cortó dos orejas al toro y salió a hombros.
El 23 de junio sufre una cornada en la región ilíaca externa por un toro de José Benítez Cubero en Palma de Mallorca.

• Temporada 1964: el 20 de abril corta 2 orejas y rabo en la Real Maestranza de Sevilla
• En la feria de San Isidro del 1964, se va a producir el acontecimiento taurino más impactante de la época moderna. El 20 de mayo va a tener lugar la corrida de mayor expectación de la historia con la confirmación de alternativa de Manuel Benítez. Actuaron como padrino, Pedro Martínez Pedrés y testigo, Manuel García Palmeño. Ganado de Benítez Cubero.
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Pedrés le cedió a Manuel Benítez su toro, de nombre Impulsivo . El Cordobés, se llevó el toro a los medios, y allí inició la faena con su peculiar estilo, al iniciar los muletazos, el toro le hizo un derrote y ya caído en la arena le clavó el pitón en la ingle. A pesar de no haber matado al toro se le concedió una oreja. El Cordobés no pudo matar a Impulsivo y se retiró a la enfermería antes de matarlo. La cornada en el muslo derecho fue gravísima, y le llevó al borde de la muerte.

La imagen de la cornada ocasionada por el toro de Benitez Cubero en la ingle del Cordobés, dio la vuelta al mundo. El Cordobés ya era una figura universal.

• Temporada 1965: 111 corridas
• Temporada 1967: anuncia su retirada, pero finalmente cambia de opinión gracias a las presiones de algunos empresarios como Canorea, Barceló, etc.. Torea 109 corridas
• Temporada 1971: 87 corridas. Se retira el 21 de septiembre en Oviedo .
• Temporada 1979: reaparece el 22 de julio en Benidorm (Alicante). Actúa sólo y consigue 5 orejas un rabo . Total: 37 festejos en plazas de segunda categoría.
• Temporada 1981: 17 corridas. Se retira definitivamente el 14 de septiembre en Albacete. Toreó junto a Rafael de Paula y Palomo Linares, con reses de Los Guateles y Martínez Uranga. En esta corrida es herido mortalmente el espontáneo Fernando Villarroel. Este hecho trágico pudo influir en su larga retirada, pero no definitiva de los toros como profesional.
• Temporada 2000: reaparece, sin éxito, el sábado, 22 de abril en Marbella . Repite al día siguiente en Zarza la Mayor (Cáceres ) consiguiendo dos orejas
• Temporada 2001: el 10 de marzo , torea en la inauguración de la plaza de Morón de la Frontera, cortando una oreja. El 18 de marzo, corta tres orejas en Lorca. El 5 de mayo lo hace en Palavás y corta dos orejas. El 13 de mayo torea en Estepona , logrando tres orejas y un rabo. Corta tres orejas en Benalmádena, el 10 de junio. Corta dos orejas en Cehegín el 30 de junio. En esta corrida se rompe el ligamento externo de la rodilla derecha , lo que le obligará a finalizar la temporada antesd e tiempo. . El 8 de julio finaliza la temporada cortando dos orejas en Grau du Roi.
• Temporada 2002: 27 de abril, tres orejas en Pozoblanco. 1 de mayo, corta oreja en Palavás. 4 de mayo dos orejas en Guillena .17 de mayo 2 orejas en Nimes. 1 de junio en Córdoba, corta dos orejas y un rabo.
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• Temporada 2003: 8 de mayo, corta oreja en Málaga.4 de mayo oreja en Palavas.
• Temporada 2004: 22 de febrero, torea en festival benéfico en Arles, y corta una oreja. 6 de marzo, torea en festival benéfico en Málaga. 7 de marzo, corta oreja en festival en Cantillana. 20 de marzo, oreja en festival benéfico en Puente Genil. 3 de abril , consigue dos orejas en festival benéfico en Cartagena . 9 de mayo, corta oreja en Palavas .
• Temporada 2007: cuando tenía 71 años, el 27 de enero es su última actuación, de momento, en un festival taurino a beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer en Navalcarnero, un pueblecito que está a 30 km de Madrid. Novillos de Domingo Hernández, para el rejoneador Fermín Bohórquez, silencio; Manuel Benítez El Cordobés ,dos orejas; Jesulín de Ubrique, oreja; Finito de Córdoba ,oreja; Pedro Gutiérrez “El Capea” , oreja ; Julio Benítez ,oreja y Carbellido Colomo, dos orejas y rabo.
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El 11 de octubre de 1975, Manuel Benítez El Cordobés y Martina Fraisse contrajeron matrimonio en Palma del Río, en la ermita de Belén, patrona del pueblo. Como padrinos actuaron Angelita, hermana del diestro, y Sebastián Almagro, piloto y amigo personal de la pareja. La novia llegó antes a la ermita y se las vio y deseó para llegar hasta el altar, pues los vecinos habían tomado posiciones en el interior desde primeras horas de la tarde. Al rato apareció El Cordobés, que fue entrado a hombros de la gente que abarrotaba la pequeña iglesia. La boda fue todo un acontecimiento social.
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Padre de Manuel Díaz González El Cordobés, hijo no reconocido, y de Julio Benítez, El Cordobés.
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Logró convertirse en uno de los más afamados representantes de la tauromaquia internacional y es considerado uno de los íconos de la década de 1960. Poco ortodoxo, exaltó siempre en su estilo la inmovilidad ante el toro y como matador causó siempre emoción y controversia.
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En 1967 se le concede la medalla de oro al Mérito Turístico en España.
Ha participado como actor en películas como Aprendiendo a morir (1962), Chantaje a un torero (1963) y Europe Here We Come! (1971)
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El 29 de octubre de 2002 fue proclamado quinto Califa del Toreo por el ayuntamiento de Córdoba, título compartido con Rafael Molina Lagartijo, Rafael Guerra Guerrita, Rafael González Machaquito y Manolete.
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imageManuel Benítez ?El Cordobés? fue proclamado V Califa del Toreo, máximo reconocimiento al que puede aspirar un matador de toros cordobés y que, hasta ese momento, sólo ostentaban cuatro diestros: Rafael Molina ?Lagartijo?, Rafael Guerra ?Guerrita?, Rafael González ?Machaquito’ y Manuel Rodríguez ?Manolete?.
Rodeado de toda su familia, el diestro de Palma del Río recibió con emoción la medalla de manos de la alcaldesa de Córdoba, Rosa Aguilar. “Todo esto es muy fuerte. Cómo se ha portado toda Córdoba entera, todo el mundo. No puedo pagar con nada esto. Llegar a estos escalafones es una emoción muy grande”, manifestó el galardonado. Y añadió: “Estos cuatro monstruos que están en el cielo si están ahí es por algo, yo quiero aproximarme a ellos, si Dios quiere algún día me encontraré y les diré como es en vida disfrutar de esto, que yo creo que es muy grande”, refiriéndose a los califas anteriores.
El acto, que albergó a más de mil personas entre los que se encontraban grandes figuras del toreo como José Ortega Cano, que estuvo acompañado por su mujer, Rocío Jurado; Paco Camino e Isabel Sánchez Flor; El Viti; Finito de Córdoba y Arantxa del Sol; Espartaco y Patricia Rato, se celebró en el patio central del Alcázar de los Reyes Cristianos, lugar donde tuvo lugar la primera corrida de toros en la capital cordobesa en 1512.

A este importante evento taurino no podía faltar la esposa de Manuel Benítez, Martina Freisse, con la que el pasado mes de octubre celebró el 27º aniversario de boda, y sus cinco hijos, Manolo, Rafa, Julio, Maribel y Martina. Una vez nombrado V Califa del Toreo, ?El Cordobés?, que se despidió de los ruedos el pasado día 1 de junio, ha decidido volver a torear varias corridas ya que sus antecesores recibieron tal distinción una vez fallecidos. “Volveré a los ruedos porque por desgracia los anteriores no han podido, pero yo lo haré para que todos aportemos algo más a la familia taurina”.
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Tiene calles en su nombre en numerosas ciudades, siendo quizás una de las más llamativas la avenida en su honor que tiene en Sunrise Manor en el área metropólitana de Las Vegas, EE. UU., junto a la calle Palma del Rio, en honor también al pueblo que le vio nacer.

EL ESTILO DE TOREAR DEL CORDOBÉS

El triunfo absoluto del Cordobés se debió a su particular estilo de torear. Discutible desde el punto de vista del arte taurino, pero una indiscutible realidad que le llevó a lo más alto de la historia de la tauromaquia.
Su estilo con la muleta, absolutamente opuesto al estilo clásico, escandalizaba a los más puristas. No parecía arte porque no estaba acompañado estéticamente de la ejecución clásica de la suerte. Era un estilo exagerado y tremendista que enloquecía a sus seguidores.
El torero durante la lidia mostraba un valor insuperable, sus faenas se basaban en una quietud total y absoluta ante el toro. El Cordobés no se movía. Esta inmovilidad impresionaba y aterrorizaba al público , parecía como si se fuera a suicidar en medio de la plaza. Era una locura total que fascinaba a los tendidos.
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El Cordobés , como matador era muy malo, mataba muy mal. Aunque de vez en cuando había suerte y un estoconazo hasta la bola aseguraba las dos orejas como mínimo. Este era el momento cumbre y donde generalmente más sufrían sus seguidores. Con el tiempo el Cordobés llegó a desarrollar esta técnica de manera efectiva , pero nunca fue su fuerte.
Un desplate con los cuernos pegados al pecho y citando de perfil con la muleta retrasada
Destacaron , entre otras extravagancias espectaculares , el famoso salto de la rana, el combates de boxeo y la monta del toro.image

También se debe reconocer su esfuerzo por aprender las técnicas clásicas de la tauromaquia y llegó a cuajar faenas dentro de los cánones clásicos, aunque la verdad no fueron muchas.

EL CORDOBÉS TAMBIÉN TRIUNFA EN EL CINE

Aprendiendo a morir. (1962), dirigida por Pedro Lazaga.
Manuel Benítez, El Cordobés, cuando faltaba un año para tomar la alternativa , su fama era tal que ya había protagonizado su primera película, Aprendiendo a morir, de Pedro Lazaga . La película está basada en la biografía del famoso torero. El argumento, escrito por Tico Medina, relata las desventuras de El Cordobés; las palizas que le da un mayoral, las humillaciones a las que le somete un señorito andaluz porque de noche ha entrado en su finca a torear unos novillos, la venganza del joven que estoquea un semental de la ganadería del mismo señorito. Manuel supervive robando gallinas y fruta y, finalmente en los momentos de gloria muestra su solidaridad con los que menos tienen. Con esta película su popularidad se dispara.
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Sinopsis: por matar a un toro semental, Manolo es encarcelado en Córdoba. En la prisión conoce a Jeremías, que le habla de la vocación, aconsejándole que olvide los toros. Al salir de la cárcel, vagabundea por tentaderos y plazas. Conoce a Carmela en Baeza y con Juan, otro maletilla, se dirige a Madrid con la decidida intención de convertirse en una figura del toreo.

Chantaje a un torero. (1963) , director Rafael Gil.
Sinopsis: Un joven apodado “El cordobés”, quiere convertirse en un torero importante, pero se ve involucrado en el asesinato de una extranjera y tiene que ir a la cárcel. Cuando cumple condena y sale a la calle, sus sueños se verán cumplidos, y se convertirá en una figura del toreo.

LA BRONCA HISTÓRICA DE PAMPLONA AL CORDOBÉSimage

imageEl 13 de julio de 1965, en Pamplona recibe su mayor bronca en una Plaza de Toros. Al retirarse le cae una cerrada lluvia de almohadillas. El Cordobés , durante nos instantes se paraliza y reacciona dando unos derechazos a las almohadillas que caen desde la grada. Esta suerte, espoleó todavía más al enfurecido público navarro . En el callejón se lía una batalla campal entre algunos espectadores, el torero y sus peones. Patadas y puñetazos se suceden. Interviene la Policía Armada.
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El cántico “córtate el pelo, córtate el pelo , córtate el pelo , cacho cabr… ” que hasta hace poco se escuchaba en el Tendido de sol pamplonés, nació aquella tarde en honor del VI califa cordobés

El Cordobés salió por la puerta trasera del hotel, pagó la multa y nunca regresó a los Sanfermines.
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PRESENTACIÓN DEL LIBRO “El Cordobés”
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Tan contento estaba Manuel Benítez con la publicación de este libro sobre su vida que asistió a la presentación del mismo acompañado de su esposa Martina y sus cinco hijos. El acto, presidido por el alcalde, José Antonio Ruiz Almenara, se celebró en ´Palma del Río, en la explanada de la ermita de Ntra. Sra. de Belén, Patrona del pueblo y donde “El Cordobés” y Martina contrajeron matrimonio hace treinta y cinco años.Este libro lo ha editado el Ayuntamiento de Palma del Río, cuna del V Califa del toreo, con motivo de haber cumplido el diestro setenta y cinco años. Numeroso público se dio cita en el lugar y disfrutó sobremanera cuando Manuel Benítez, con su peculiar estilo y simpatía, tomó la palabra para agradecer el gesto del Ayuntamiento hacia su persona.

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LA CHUNGA

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MICAELA FLORES AMAYA, bailaora gitana, más conocida con el nombre artístico de LA CHUNGA, originado por un apelativo familiar, nació en Marsella (Francia), en el año de 1938. Hija de padres andaluces, vivió desde que tuvo un año de edad en Barcelona, ciudad donde se inicia artísticamente a los seis años bailando por los bares, hasta que la descubrió el pintor Francisco Rebés, quien encauzó su trayectoria artística y la presentó en el Cabaret El Emporium, convirtiéndose en una figura atrayente para un grupo de intelectuales catalanes. En el estudio de su protector, se aficiona a la pintura, practicándola al estilo naif o ingenuista, arte en el que ha adquirido también notoriedad, exponiendo en Paris, Madrid y otras capitales españolas,

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Arte grandeza y sabiduría
la Chunga en su cuerpo tiene,
viéndola bailar es un genio
porque con sus pie descalzos
tiembla de envidia el suelo,
Arte que le regalo dios
para orgullo del mundo entero.

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Europeas y americanas, mereciendo los estímulos de Picasso y Dalí. Después de una serie de actuaciones por el litoral mediterráneo, formando parte de un grupo flamenco, Pastora Imperio la contrata, en l956 para su tablao de Palamós, pasando seguidamente a Madrid y debutando en el tablao El Corral de la Morería. Por recomendación dc Ava Gardner, interviene en Hollywood en dos películas cinematográficas, y el importante empresario Sullivan la presenta en Las Vegas, y participa, en los Estados Unidos, en los primeros programas de televisión en color. Después de actuar en Nueva York, lo hace en Méjico, concretamente en El Patio, en Afro y en el Teatro de las Bellas Artes, donde se le tributó un homenaje

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Postal enviada por mis hermanas Isabel y María Ruiz Fuentes,
cuando estuvieron en esa tierra, Panorámica de Paris

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Barcelona, carabela Santa María y monumento a Colón
postal enviada por mi hermano Francisco Ruiz Fuentes
cuando se encontraba en esas tierras (1-07-1963)

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En 1958, regresa a España, y ofrece un recital en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, en un homenaje al coreógrafo marqués de Cubas, y a continuación viaja por Europa, y culmina su gira con su actuación en el Maxim’s de París. Después vuelve a América. Recorriendo los Estados Unidos, Méjico, Cuba, Venezuela y Argentina, entre otros países, siéndole otorgado en Chile el trofeo Laurel de Oro. De nuevo en España, recorre con su compañía Sevilla, Badajoz y otras capitales, reapareciendo en Madrid en las salas de fiestas Pavillón y Rex.

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En la denominada York Club, 1o hace en 1961, año en el que presenta en el Price madrileño su espectáculo de variedades Chunga Carrusel, llevando en su elenco a El Chaleco, Ramón Vélez, Juan El Pelao, Pepín Cabrales, Manolo Sisón y Paquito Izquierdo. Con este espectáculo recorre gran parte de la geografía española, debutando en el Teatro Victoria de Barcelona. Después de actuar en la Sala de Fiestas Pasapoga de Madrid, en 1962, es contratada para una serte le actuaciones en Líbano, iniciando con ellas una gira por África v Asia. En 1964, trabaja en Italia, Estados Unidos, Sudáfrica, Japón y Australia, después de sus actuaciones en las salas madrileñas Folies y Florida Park. Con un elenco en el que figuraron José Salazar, EI Cohete, Pepe Habichuela, Francisco Izquierdo y Lorenzo Aparicio, en 1965, realiza una gira por España. Actuando entre otras capitales en Sevilla y Cádiz. Este mismo año baila en el festival de la UNESCO, en Bruselas. Tras una gira por Japón y Australia, en 1967, ofrece en el Teatro de la Comedia de Madrid, un nuevo espectáculo, presentado por el flamencólogo José Manuel Caballero Bonald, en el que participaron El Cohete, El Moro, Juan El Pelao y Paco Valdepeñas.
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Al año siguiente ofreció un recita en la Universidad de París. En el Teatro Windsor de Barcelona, junto a El Perlo de Triana, Tomás de Madrid y Faiquillo, presenta su espectáculo de 1969, con el que vuelve a recorrer España y diversos países. Inaugura, en 1971, el Tablao El Cordobés de Barcelona, y seguidamente permanece inactiva hasta 1977, reapareciendo en el tablao madrileño Café de Chinitas, local donde continúa siendo la primera figura, combinando sus actuaciones en él con sus salidas al extranjero. En 1983 fue estrella invitada en el espectáculo de Lola Flores Con casta. Entre las películas en las que ha intervenido, destaca La cogida y la muerte, realizada por su esposo, y entre los diferentes trofeos que le han sido otorgados figuran la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid, Medalla Oro de la Asociación dc la Prensa de Sevilla, Trofeo Delfín de Alicante, Premio del Ayuntamiento de Alicante y Premio Cidale de los Almendros. Su personalidad artística se caracteriza por su originalidad, sus bailes descalza y la plasticidad y nervio de sus posturas, que crean una estética flamenca sumamente singular. Blas de Otero, Rafael Alberti, José Manuel Caballero Bonald y León Felipe, entre otros poetas, le han dedicado poemas y es una de las bailaoras flamencas de mayor fama internacional.
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Micaela Flores, “La Chunga”, muestra en El Corral de la Moreria su faceta como pintora

LA BAILAORA EXPONE EN SU TABLAO FAVORITO UNA COLECCIÓN DE CUADROS DONDE NO FALTAN SUS FAMOSAS GITANILLAS

Se sigue celebrando el 50 aniversario del tablao más antiguo del mundo, por el cual pasaron, pasan y pasarán los más grandes del flamenco. El Corral de la Moreria está de celebración y no descansa después de un año en homenajear su ya medio siglo.

imageEn su programación especial, durante todo este año de celebración de su 50 aniversario, se ha disfrutado y se podrá disfrutar hasta mayo de la presencia de grandes bailaores, de numerosas exposiciones y diferentes actividades representativas del arte flamenco.

Entre las exposiciones que en el Corral de la Moreria se dan lugar, cabe destacar la que ofrece la bailaora Micaela Flores Amaya, más conocida como La Chunga . Micaela, que ya homenajeó el pasado verano a Antonio Gades con motivo de éste aniversario, ahora vuelve a aportar su granito de arena a la celebración con su otra faceta artística: la pintura.

COLOR, FRESCURA Y NATURALIDAD EMANAN DE CADA UNO DE SUS CUADROS
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La Chunga, famosa por ser una de las bailaoras más representativas de nuestro país por bailar sobre las tablas descalza, llegó a Hollywood y fue musa de numerosos poetas y pintores del siglo XX, y ya en aquella época sorprendió a propios y extraños con su nueva faceta como pintora.
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Maxim´s, en París, o el Parks Galleri, en Noruega, son algunas de las galerias que han podido disfrutar de los lienzos y el estilo de esta polifacética artista, de lo que Picasso denominó como Naïf Luminoso . Ahora, en el Corral de la Moreria donde ella comenzó a dar sus primeros taconeos se exponen sus gitanillas, tablaos y macetas. Obras donde predomina, como siempre, el color, la frescura y la naturalidad que esta artista muestra en todos los ámbitos de su vida. Una obra diferente, digna de ver y en la que la autodidacta Micaela Flores muestra, como ya dijo en su día, todo lo que le sale de dentro, como el baile
cronica de prensa y foto
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Pepa Borrego alma de traje Goyesco y del festejo Rondeño.

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Esta singular artista y artesana, nace en Ronda durante los días posteriores a la Guerra Civil Española, en esa época especialmente dura y dramática era habitual que todos los miembros de la familia contribuyeran al mantenimiento familiar.
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Pepa no fue una excepción y comenzó desde niña su aprendizaje en un taller de costura, perfeccionando su oficio y aportando pequeños ingresos a su hogar.
Posteriormente destacó como una gran modista/diseñadora imprimiendo un singular sello a todas sus creaciones (trajes muy estilizados e imaginativos que se adaptaban perfectamente al cuerpo femenino) trabajando ya en su propio taller.
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Casada con Ramón Flores (amigo y administrador junto al Maestro Antonio Ordóñez de la Plaza de Toros de Ronda) y alma mater de la Corrida Goyesca desde sus inicios.
Esta unión le hace vivir muy intensamente todo lo que rodea a este impresionante festejo rondeño, siendo animada a realizar su primer traje goyesco en 1961, siendo este el primero de más de 375 trajes realizados hasta la fecha, siendo todos y cada uno de ellos distintos y especiales.
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Como motivo de inspiración solo cuenta con los cuadros de Francisco de Goya, apenas 4 ó 5 pinturas femeninas, que serán la base de tan impresionante obra, que es reconocida y apreciada en todo el mundo, por los más insignes diseñadores de moda actuales.
En su realización incluye todo tipo de telas preciosas, pedrería, encajes, hilos, bordados…haciendo piezas únicas de incalculable valor. Adaptadas en exclusiva para la persona elegida.
Sus trajes y diseños han servido a la vez de inspiración a los grandes diseñadores de todo el mundo.
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CADA AÑO EL PÚBLICO ESPERA CON EXPECTACIÓN SUS DISEÑOS.
ESA SINGULAR ARTISTA RONDEÑA HA SIDO LA CREADORA DE LA MAYOR PARTE DE ESTOS ESPECTACULARES TRAJES QUE CADA AÑO SE LUCEN EN LA CORRIDA GOYESCA Y DE LOS QUE SE PODRÍA DECIR PRÁCTICAMENTE QUE ES SU INVENTORA ( AL MENOS TAL Y COMO SE CONOCEN EN LA ACTUALIDAD).

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SUS MODELOS HAN SERVIDO DE INSPIRACIÓN A GRANDES MODISTOS INTERNACIONALES CREANDO UNA ESCUELA PROPIA CON SUS DISEÑOS QUE SE INMORTALIZAN EN MILES DE FOTOS QUE HAN DADO LA VUELTA AL MUNDO.

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Como se empieza a dar forma a un traje de goyesca

Ya he comentado, que los diseños salen de la imaginación de Pepa. El proceso empieza con la visita de la dama elegida a su casa, ella no tiene ni ha tenido nunca más taller que su “salita” y su máquina de coser.
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Si la viérais!! desde el primer momento ya ve un color, ya ve una forma, ya ve una idea. Si la chica es ancha, ya hará ella algo para que no se note, si tiene mucho pecho, pues también, si tiene poco, da lo mismo, no hay defecto o viertud de la que ella no saque partido!!!
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Por supuesto, las chicas y sus madres aportan ideas y dependiendo de si tienen encajes antiguos o no, preferencias en algún color…. se pre-diseña el vestido. Post tras post, comprobaréis como no hay dos trajes iguales, son creaciones únicas y perfectas. Pepa no solo tiene la capacidad de diseñar, viendo las fotos, podréis daros cuentas de que además, cose como nadie. Los trajes que hace Pepa se notan desde lejos, por como los entalla, por las mangas, por los escotes……………porque se nota!!.
Siempre innovando

Relación con la familia Ordóñez

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Pepa lleva toda una vida junto a Ramón Flores, su marido. Ramón siempre ha estado vinculado al mundo de los toros y en concreto a la Plaza de toros de Ronda, encargándose junto al maestro Antonio Ordoñez de la organización de las corridas goyescas. Desde pequeños los unió una gran amistad que se mantuvo a lo largo de los años y hasta el final de la vida del maestro. Mientras Ramón organizaba las corridas, Pepa se encargaba de darle color con sus trajes para las Damas Goyescas.

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Esa amistad continúa viva en su hija y en sus nietos, muestra de ello es que Francisco Rivera sigue contando con Ramón cada feria de Septiembre en Ronda y Pepa es la que le ha hecho los trajes que su hija Cayetana ha lucido en Ronda, imágenes que han dado la vuelta al mundo gracias a la proyección y auge que tiene la Tradicional Corrida Goyesca.
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Rondeña del año

La Federación de Asociaciones de Vecinos de Ronda entregará el premio “Rondeña del Año” a Pepa Borrego en reconocimiento a su labor. De sus manos han salido innumerables trajes de goyescas además de contar con otros méritos para recibir este premio. Rafael González es el presidente de la Federación de Asociaciones de Vecinos de Ronda. Quien posa en la foto junto a Pepa Borrego y Francisco Cañestro.
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En el 50 aniversario de la corrida goyesca, Se celebró una cena histórica en Ronda, organizada por Francisco Rivera y la Real Maestranza, donde se le hizo entrega a Pepa entre otros, de un reconocimiento por su trayectoria y su vinculación a la corrida Goyesca.
Quien conoce a Pepa sabe que este día fue muy especial en su vida.
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Para ella fue uno de los mayores reconocimientos, ella, que estaba dedicando su vida a vestir a otras damas y presidentas de goyesca había sido elegida para representar a Ronda en las Ferias y fiestas de Pedro Romero. Esta decisión vino propuesta por el maestro Antonio Ordóñez, lo que aún supuso un motivo más de orgullo.

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Plaza de Toros de Ronda

La Plaza de Toros de Ronda, propiedad de la Real Maestranza de Caballería de Ronda, es una de las más antiguas y monumentales Plaza de Toros. Ronda es considerada como una de las cunas de la tauromaquia moderna surgida en el siglo XVIII, en una ciudad donde se conservaba muy viva la tradición de la caballería al existir una corporación dedicada a que no se perdiera la disciplina ecuestre.

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Historia

Las necesidades de defensa del territorio hicieron que Felipe II fundase en 1572 la Real Maestranza de Caballería de Ronda, para que se mantuviese el necesario manejo de los caballos. Para ello, este cuerpo dedicó un espacio de la ciudad para los ejercicios ecuestres, entre los cuales, como es tradicional en España desde la Edad Media, se incluyeron los juegos de destreza con toros. La bravura de este animal al acometer a caballos y jinetes servía de inigualable entrenamiento a los caballeros, y se convertía en un emocionante espectáculo para toda la población.
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Cuando en el siglo XVIII los toreros a pie toman el relevo de los caballeros en los juegos con el toro, surge en Ronda la familia de los Romero, que durante tres generaciones reúne a los toreros más singulares de la época. Entre ellos destacó sobre todos Pedro Romero (1754-1839), figura cumbre y la más representativa de la historia de la tauromaquia. Se retiró después de estoquear más de 5.600 toros, sin recibir el más mínimo rasguño. Su personalidad consiguió que su oficio alcanzara respeto y dignidad social, al reunir valor, destreza y sentido estético. Pedro y su hermano José Romero fueron retratados por Goya.

Construcción

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El auge del toreo llevó a la Real Maestranza de Caballería de Ronda a erigir su famosa plaza, obra que se atribuye a Martín de Aldehuela, el mismo arquitecto del Puente Nuevo sobre el Tajo de Ronda. La construcción de la plaza duró seis años, y fue inaugurada en 1785 con una corrida de toros en la que actuaron Pedro Romero y Pepe-Hillo. Concebida en piedra arenisca con un esquema monumental, la nobleza de su traza arquitectónica, con su doble galería de arcadas y la ausencia de tendidos al descubierto, tiene más espíritu de claustro que de recinto para espectáculos, y recuerda al patio circular del famoso palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada.
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Su ruedo de 66 metros de diámetro está considerado como el más amplio del mundo y está circundado por un callejón formado por dos anillos de piedra. Los tendidos tienen cinco filas de gradas, de dos pisos, con 136 columnas formando 68 arcos de columnas toscanas, salvo la del Palco Real. Cubierta con tejado a dos aguas de teja árabe, la elegancia de su interior no tiene igual en ninguna otra plaza de toros.
En el siglo XX, una segunda dinastía de toreros rondeños, los Ordóñez, constituye otra aportación de Ronda a la historia de la Tauromaquia. Sus dos figuras fundamentales fueron Cayetano Ordóñez (1904-1961) y su hijo Antonio Ordóñez (1932-1998), que despertaron, por su manera de concebir el toreo, el interés de personalidades como el cineasta Orson Welles y del escritor norteamericano Ernest Hemingway, a los que dedicó obras como Fiesta y Muerte en la tarde.
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Fueron los Ordóñez los que inauguraron en 1954 la corrida goyesca de Ronda, con motivo de la celebración del II Centenario del nacimiento de Pedro Romero. Se trata de un festejo con el exorno, vestimenta y el aparato de los tiempos de Francisco de Goya. La corrida tiene lugar a principios de septiembre, coincidiendo con la más popular de las tres ferias que celebra Ronda, junto a una exhibición de carruajes y enganches y una corrida de rejoneo.
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imageEl Museo de la Real Maestranza de Caballería de Ronda está situado bajo los tendidos de sombra, y sus contenidos se dividen en tres grandes apartados: La Real Maestranza de Caballería de Ronda, Orígenes y evolución de la Tauromaquia, y Ronda en la Historia de la Tauromaquia.

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Cuenta con una colección de aguafuertes, grabados, litografías y estampas, con una edición de la «Tauromaquia» de Francisco de Goya, y las tauromaquias de extranjeros como Lake Price, Victor Adam y Edward Orme; libros, ejecutorias y grabados relativos a la disciplina ecuestre, óleos del XVII, XVIII y XIX, cartelería histórica y contemporánea, trajes, objetos y documentación relacionados entre sí con complementos gráficos para ofrecer una visión de conjunto que permite acercarse al universo de la tauromaquia de forma didáctica y clara.

La Escuela de Equitación de la Real Maestranza de Caballería de Ronda es la más antigua y una de las más prestigiosas de España. Sus orígenes se remontan a los de la Institución, dos años después de la fundación de la Escuela de Viena en 1571.
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La Escuela tiene una consolidada trayectoria en la enseñanza profesional de la doma clásica con gran presencia en el ámbito deportivo y una clara apuesta por el Caballo de Deporte Español. Ofrece una formación técnica y deportiva, con la posibilidad de obtener una titulación reconocida en el catálogo de la educación ecuestre profesional.

La corrida goyesca (de Ronda o de cualquier otra ciudad) está compuesta por matadores de toros, banderilleros y picadores, todos ellos vestidos con trajes goyescos, una vestimenta surgida en el Madrid del siglo XVIII y utilizada hasta el siglo XIX por su burguesía para, posteriormente, extenderse su uso al resto de España.
La primera corrida goyesca de Ronda se celebró con el II Centenario del nacimiento del torero Pedro Romero en el año 1954 y por influjo de Cayetano Ordóñez en la plaza de toros de Ronda, propiedad de la Real Maestranza de Caballería de Ronda.
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Corrida Goyesca de Ronda
La segunda corrida goyesca hubo de esperar a 1957. Será la primera edición en la que el hijo de Cayetano, Antonio Ordóñez participe. Este matador se convertirá en el auténtico centro de las goyescas y en su empresario. Gracias a su labor durante todos estos años, las goyescas son una fiesta destacada del calendario taurino, ejemplo de la tauromaquia de nuestros días, y en un acontecimiento social y cultural que trasciende a la propia ciudad de Ronda.
Actualmente, se celebran durante los primeros días de septiembre enmarcadas en la Feria de Pedro Romero junto a una novillada sin picadores y otra de rejones, así como el Concurso Exhibición de Enganches de Ronda. Francisco Rivera Ordóñez desempeña la labor de empresario para esta tercera etapa.
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Leyendas sobre la Alhambra

Washington Irving (1783-1859), considerado como “patriarca de la literatura americana” y “el mejor escritor de habla inglesa de su tiempo” tuvo el privilegio de vivir en la Alhambra mientras escribía el libro Cuentos de la Alhambra. Después de recoger todas las leyendas de los habitantes de la Alhambra, y tras investigar en los archivos de la Biblioteca universitaria granadina, desarrolló un género de novela fantástica de imprescindible lectura.

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Washington Irving es tan querido y recordado en Granada que goza de una placa junto a la Puerta de la Justicia. Además, una parte de los palacios tiene el nombre de Habitaciones de Washington Irving por ser allí donde residió (donde también encontramos una placa commemorativa). Su libro, Cuentos de la Alhambra, ha sido traducido a un gran número de idiomas y lo publican multitud de editoriales.

IRVING WASHINGTON
Nueva York 1783 -Tarrytown 1859
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Hijo de un rico comerciante y madre inglesa, pronto desarrolló una gran pasión por los libros. Escritor de libros de viajes, cuentos, biógrafo, ensayista, columnista y poeta, fue un gran creador de relatos, Irving contribuyó a establecer el relato corto en la literatura americana. Estudió leyes, pero ejerció por un breve espacio de tiempo. Viajó por Europa, a partir de 1804 a 1806, siendo sus metas, Marsella, Génova, Roma y Sicilia, en donde llegó a conocer al famoso almirante inglés Nelson. Durante la guerra de 1812. Irving estaba a las órdenes del gobernador militar Tompkins de Nueva York en el ejército de Estados Unidos. .

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Empezó su carrera de escritor publicando en diarios y periódicos. Colaboró en el Morning Chronicle (1802-03), del cual era corrector su hermano Peter Washington , publicó una revista que se llamó Salmagundi (1807-08), escribiendo en colaboración con su hermano Guillermo y James Kirke Paulding. A partir de 1812 a 1814 fue redactor del Departamento de Análisis en Filadelfia y NuevaYork. Publicó una historia cómica del dominio holandés en Nueva York: Una Historia de Nueva York por ‘ Dietrich Knickerbocker ‘, el nombre de ‘ Knickerbocker’ obtuvo fama y fue utilizado más adelante para identificar a la primera escuela americana de escritores, el grupo de Knickerbocker, del cual Irving era una figura principal. El libro se convirtió en parte de folklore de Nueva York, y la palabra Knickerbocker también fue utilizada eventualmente para describir a cualquier neoyorquino que pudiera remontar su genealogía a los primeros colonos holandeses. El éxito de Irving continuó con El libro de los bocetos. (1819-20), una colección de historias, que le permitieron dedicar su tiempo plenamente a escribir. Trabajó en asuntos financieros de la embajada de Estados Unidos en Madrid (1826-29). En 1829-32 fue secretario de la legación americana bajo las órdenes de Martín Van Buren. Durante su estancia en España, escribió una biografía, Colon (1828), La Conquista de Granada (1829), Vida y viajes de Cristóbal Colon (1831) libros basados todo en investigación histórica muy cuidadosa. En 1829 se trasladó a Londres y publicó Cuentos de La Alhambra (1832), referente a la historia y a las leyendas de los Musulmanes en España. Entre sus amigos literarios estaba Mary Shelley, autora de Frankenstein . En 1832 vuelve a Nueva York y tiene un recibimiento entusiástico al ser considerado como el primer autor americano de fama internacional. Viajó por todos los Estados Unidos y escribió un Viaje por las praderas (1835). Entre los años 1842-45 era embajador de Estados Unidos en España.. Las últimas publicaciones de Irving incluyen Mahoma y sus sucesores (1850) y su quinto volumen de la vida de George Washington. Irving pasó los últimos años de su vida en Tarrytown. Las obras más importantes de Irving fueron publicadas en 1860-61 en 21 volúmenes.

Otras Leyendas sobre la Alhambra

Leyendas de La Puerta de la Justicia
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Cuenta una leyenda sobre la puerta de la Justicia, relacionada con la construcción misma de la Alhambra. Siempre se ha hablado de la dedicación puesta en la construcción de la Alhambra, tanto en lo decorativo como en lo arquitectónico. Se asegura que tan sumamente recia era su construcción que, aún recibiendo el ataque de mil ejércitos enemigos, jamás caería. Así pues, el día que la llave del arco interior de la Puerta de la Justicia y la mano de su arco exterior se unan, es decir, si la Alhambra cae, será por que ha llegado el fin del mundo.
Otra leyenda cuenta sobre el Arco de la Justicia, que tal era la magnificencia de esta entrada a la Alhambra, que se aseguraba que ningún caballero, montado a caballo con su lanza, podría tocar con la punta de ésta la mano esculpida en lo alto del arco exterior. Tan seguros estaban de ello, que aseguraban que quien lo consiguiese conquistaría el trono de la Alhambra.

Leyenda de La sala de los Abencerrajes
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El nombre de Abencerrajes proviene del apellido de una familia de la nobleza de la época, que tenían sus viviendas en el interior de la Alhambra. Dice la leyenda que esta familia tenía como rival político a otra llamada Zenetes, los cuales decidieron acabar con sus oponentes mediante una conspiración… Así, inventaron una relación amorosa entre la sultana y uno de los Abencerrajes, para conseguir despertar los celos y la ira en el sultán… El sultán, cegado por la consternación, y en ocasión de una fiesta en la sala que lleva el nombre de la familia, hizo decapitar sobre su fuente a los 37 caballeros que llevaban el nombre de Abencerrajes. Se cuenta que el color rojizo que aun hoy día se puede contemplar en la taza de la fuente, y en el canal que lleva su agua hasta la fuente del Patio de los Leones, se debe a las manchas de la sangre de los caballeros asesinados…

El Suspiro del Moro
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Tras arrebatar los Reyes Católicos el último reducto de la dominación musulmana a Boabdil (Mohamed Abu Abdalahyah); el rey moro y su séquito fueron desterrados de Granada y les fue cedido un pequeño territorio en las áridas Alpujarras, donde aguantarían aún unos años. La caída de Granada se debió a la despreocupación de Boabdil por la defensa de Granada y su afinidad a las fiestas y al ocio. Camino a su destierro, Boabdil no osó girar la mirada hacia Granada, y sólo cuando estuvo a mucha distancia, sobre la colina conocida por El Suspiro del Moro se detuvo y observando por última vez su palacio… suspiró, y rompió a llorar. , y fue su propia madre quien le dijo: “Llora como mujer lo que no has sabido defender como hombre”.
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Silla del Moro
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Más allá del Generalife (cuando se observa desde la Alhambra), puede observarse una desnuda y pelada colina que está coronada por unas ruinas.
Aún hoy día esta colina es conocida como La Silla del Moro.
Esto se debe a que, debido a una insurrección en la Ciudad de la Alhambra, el rey Boabdil (último gobernante de la Granada musulmana) tuvo que buscar refugio en este monte. Fue desde allí donde se sentó tristemente a contemplar su amotinada Alhambra…image

El Soldado encantado
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Existió en la antigüedad un estudiante de Salamanca que durante el verano se dedicaba a viajar y, cantando al son de su guitarra, conseguía fondos para pagar sus estudios.
Llegado a Granada, y celebrando la víspera de San Juan, reparó en la presencia de un extraño soldado ataviado de lanza y armadura.
Preguntándole a éste por su identidad, el soldado dijo estar padeciendo un encantamiento desde hacía 300 años: un alfaquí musulmán le conjuró a montar guardia al tesoro de Boabdil por toda la eternidad, dándole sólo licencia para salir de aquel escondrijo una vez cada 100 años…
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Preguntó el estudiante cómo podía ayudarle. El soldado le ofreció la mitad del tesoro por él custodiado si le ayudaba a romper el hechizo: se precisaba de un sacerdote en ayuno y una joven cristiana. La joven no fue difícil de hallar, pero el único cura que encontró era un obeso adorador de los manjares, por lo que mucho le costó convencerlo, y sólo con la promesa de riqueza aceptó ayudarle.
Subieron aquella noche hasta el escondite, sito en la Alhambra, portando una cesta de comida para que el párroco saciase su gula una vez acabado el trabajo. Llegado ante una torre, las piedras de su pared se abrieron a la orden del soldado, dejando al descubierto una estancia con el formidable botín…
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Una vez dentro, y mientras realizaban el sortilegio, el hambriento cura se abalanzó sobre la cesta y devoró un grueso capón. De repente estudiante, muchacha y sacerdote se encontraron en el exterior de la torre y la entrada sellada… ¡el hechizo se había roto demasiado pronto!
Fue así como el soldado perdió la oportunidad de escapar de tan cruel castigo, y los demás sus sueños de riquezas. Aunque al estudiante le pesaban los bolsillos, lo que le permitió vivir en paz y amor con la bella joven cristiana
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Ya es Navidad en Madrid, una excelente elección para dar un paseo.

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¡¡¡FELIZ NAVIDAD!!!
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La Navidad tiene cierta connotación nostálgica o triste para muchas personas, pero no hay nada como darse una vuelta por Madrid para contemplar a padres con sus hijos, para cargarse cargarse de ilusión y ver cómo la ciudad se transforma en un espacio de luz y color que no deja indiferente a nadie.
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Este año, a pesar de la crisis, Madrid se vuelve a transformar con su espectacular iluminación e invita a pasearla más si cabe y disfrutar de sus calles y sus tiendas para hacer las compras de regalos que con tanta ilusión nos dejan nuestros Reyes Magos y Papá Noel.
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Las preciosas luces que nos encontraremos por el centro del Madrid han sido diseñadas por Hanníbal Laguna (C/ Ortega y Gasset), Ángel Schlesser (C/ Princesa), Purificación García (C/ Goya), Juanjo Oliva (C/ Jorge Juan), Ben Busche (Plaza Mayor, calles Mayor y Ballesta), Ana Locking (calles Fuencarral y Montera), Sergio Sebastián (Chueca), Teresa Sapey (C/ Serrano) y Roberto Turégano (C/ Velázquez). Además, en la Puerta del Sol se encuentra el espectacular árbol de navidad patrocinado por Loterías del Estado.

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Barrio de Salamanca

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Árbol de Navidad de la Puerta del Sol

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Cortylandia… ¡¡La de veces que he podido ir con mis niños a ver las representaciones que allí hacen!!

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Gran Vía de Madrid

Las luces de Madrid se encienden oficialmente el 29 de Noviembre, dando vida a la ciudad hasta el 6 de Enero. ¿Qué podéis hacer en Madrid en estos días? Bueno, pues aquí os dejo algunas ideas para que disfrutéis con hijos o en solitario de esta maravillosa ciudad: Una visita guiada por Madrid.
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Recientemente mi querido y gran amigo Diego Antoñanzas, uno de esas personas que ahora llaman emprendedores, ha hecho realidad un sueño. Ha montado una empresa de visitas guiadas súper originales por el centro de Madrid, porque si algo le sobra a Diego es ingenio e imaginación. ¡Es brutal! Recorren los monumentos y calles centenarias pero no te cuentan lo que ves, sino la historia que hay detrás de cada esquina, cada edificio y cada personaje que ha vivido en la ciudad.
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Acompañan sus visitas de un Ipad en el que muestran cómo eran los espacios y personajes de los que hablan hace tiempo, por lo que las visitas son muy entretenidas y además nos ayudan a conocer más nuestro Madrid ¡ese gran desconocido! Podéis reservar vuestras entradas en Madrid&You donde estoy segura que pasaréis un buen rato conociendo nuestra ciudad, sus anécdotas y su historia. Os aseguro que os va a encantar y se sale de una visita turística al uso. Son visitas amenas, divertidas y se va a convertir en una visita inolvidable, para repetir. Mi familia, como algun@s sabéis son de Córdoba y viven allí. Pues bien, ya he reservado varias visitas porque han anunciado visita pronto. Estoy segura que los voy a impresionar, porque aunque Madrid tiene muuuuchaaaa historia, la más divertida, sin duda, es la que tiene y no se ve. ¿Os atrevéis a trasladarlos en el tiempo?
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Y… ¿Un paseo por los tiovivos del centro? ¿Sabíais que el nombre de tiovivo tiene su origen en un antiguo feriante de Madrid al que llamaban Tío Esteban y que “resucitó” literalmente cuando ya estaba en el féretro? Pues de una historia tan tenebrosa hoy nos llegan esos maravillosos carruseles en los que disfrutan tanto nuestros hijos y que este año han decido llenar de color la Plaza Mayor y la Plaza de Oriente. ¡No olvidéis la cámara porque las fotos que salen son preciosas!

¿Fans de los mercadillos? Con la Navidad Madrid se llena de ellos. Si todavía no conocéis el de Motores, es una ocasión única para encontrar chollos, piezas de coleccionismo y antigüedades que os servirán como originalísimos regalos. Este mes se celebra los días 7 y 8 de diciembre, como siempre en el Museo del Ferrocarril, y la colección de vagones antiguos hará las delicias de vuestros hijos.

Entre los clásicos y conocidos por todos los madrileños están el mercadillo de Navidad en la Plaza Mayor, con sus adornos y figuritas para los nacimientos y abetos naturales, muy de moda en los últimos años. Para los más pequeños, los puestecitos de bromas, pelucas y zambombas se han colocado en la cercana plaza de Santa Cruz (no os podéis imaginar la de pelucas de colores que mis enanos tienen en casa de cada visita navideña a estos puestos con tanto sabor a tradición y Navidad).
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Y, otro imprescindible navideño es el mercado de artesanía de Plaza España, donde siempre se pueden encontrar objetos de lo más originales para sorprender a tu familia y amigos (ya sabéis, lo importante no es lo que cueste sino ese pequeño detalle hacia los que queremos).

Y para pasar un rato inolvidable con los peques y no tan peques, en la Plaza de la Luna y en Callao se han vuelto a colocar este año pistas de patinaje sobre hielo, ¡son un éxito todas las navidades!

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Otras plazas de Madrid, como la de Santa Ana o la de Jacinto Benavente, tendrán también sus mercados navideños, así que lo mejor será que os abriguéis bien y os dispongáis a disfrutar de la ciudad y de todo lo que nos ofrece en estas fechas.

¡Eso sí!¡Abrigaos porque la nieve ha hecho su primera visita en Madrid!

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Cuando fui capaz de salir a la terraza de casa, aún quedaban restos en el tejado de la nieve que cayó esa noche. ¡¡¡Qué fríooooo!!!

Todavía quedaban restillos de nieve en las copas de los árboles aún pasadas las primeras horas de la mañana

Y si el frío os gana la partida, lo mejor será hacer una parada en San Ginés y tomar un chocolate con churros bien calentito.

Y ahora sí… ¡¡¡Feliz Navidad!!!

Esta entrada se publicó el Sábado, 30 noviembre,por Gema Ruiz Cuadrado.

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Marina Heredia, uno de los quejíos más flamencos que se pueden escuchar.

Marina Heredia Ríos (Granada – 10 de abril de 1980) es una cantaora de flamenco conocida con el nombre artístico de Marina Heredia.
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Marina Heredia forma parte de esa generación de cantaores que mantiene en su cante y en su valía el cante añejo, el cante de los cantores antiguos, como Arcángel, Miguel Poveda o Estrella Morente. Como apunta el estudioso Luis López Ruiz, Marina Heredia mantiene ”ecos legendarios en su espléndida voz”.

La cantaora nazarí tiene temple, gran puesta en escena, compás, elegancia y una amplia base pura, fruto de la herencia paterna, el cantaor Jaime Heredia “El Parrón”. Pero no sólo de su padre bebe Marina Heredia para nutrirse en el mundo del flamenco. Entre sus influencias se encuentran Camarón de la Isla, Manolo Caracol, la Paquera de Jerez, Terremoto, La Niña de los Peines, Antonio Chacón, Antonio Mairena o Bambino.

Biografía artística
Los orígenes (1980 – 1991)
Marina Heredia Ríos nace en Granada el 10 de abril de 1980, en el barrio del Albaicín, una de las cunas universales del flamenco, a los pies de la Alhambra. Pertenece a una familia de larga tradición flamenca: Marina Heredia es hija de uno de los grandes exponentes de este género musical, Jaime Heredia “El Parrón”, cantaor de voz potente y afillá, y diestro, sobre todo, en el cante por soleá; y nieta de Rosa Heredia, conocida como La Rochina, matriarca gitana que en 2001 fue premiada por el Ayuntamiento de Granada por “su contribución para convertir la zambra en un hito cultural”
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En el artículo que se publicó en El País se puede leer:
«A Rosa, de 68 años, todos la conocen como La Rochina, nombre que le puso su madre en la cuna y con el que se ha paseado por cientos de tablaos. Empezó a cantar con solo nueve años, ‘con una voz potente, limpia y con eco gitano’, dice sin reparar en falsas modestias. ‘He cantado muy bien y he sido la mejor de Granada por bulerías, tientos, verdiales, alegrías y soleás’. Por eso, dice, ninguna otra cantaora quería trabajar con ella: ‘Sabían que les ponía la zancadilla y a mi lado se caían’.
Durante años cantó para los huéspedes del hotel Alhambra Palace, en el cuadro en el que bailó la mítica La Golondrina. Pero el premio del Ayuntamiento se debe, sobre todo, a su labor por engrandecer las zambras, las fiestas de los gitanos del barrio del Sacromonte.
Desde niña, La Rochina asombró con su chorro de voz a los granadinos y a los turistas que visitaban las cuevas de María La Canastera, Manuela Maya y su tía, La Faraona. ‘Ha contribuido a que el Sacromonte sea conocido en todo el mundo’, explicaba ayer el alcalde durante el acto».
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Además de la herencia paterna, la casa de los Heredia siempre ha sido un camino de paso para grandes figuras del flamenco: desde Camarón de la Isla, pasando por las grandes familias flamencas como los Habichuela, los Maya o los Morente, hasta maestros como Chano Lobato o profesionales de otras disciplinas artísticas como Pedro Almodóvar.

Primeros pasos (1992 -2000)
Su padre Jaime Heredia “El Parrón” abrió la puerta para una vocación que comenzó a los siete años. Marina Heredia comenzó bailando en la escuela de Mariquilla, con las bailaoras Maite Galán y Angustilla. “Me metí en flamenco por mi padre y por Camarón. Desde chica he vivido el flamenco sin moverme de casa, me daba vergüenza cantar en público” , comentaba Marina. La vergüenza desapareció pronto, pues a los 12 años debutó como cantaora, en 1992, en el espectáculo de inauguración del Palacio de Congresos de Granada que encargaron a su padre. Marina Heredia iniciaba así su camino.
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A los 13 años entró por vez primera en un estudio de grabación para colaborar en el disco Malgret la Nuit, un disco de flamenco para niños editado en París. A los 15 repetía experiencia, esta vez en un disco de World Music también para niños. En ese tiempo, Marina Heredia ya conocía los escenarios de Portugal, Francia y Suiza, con la compañía de la bailaora “La China”, y de Inglaterra con el espectáculo El Legado Andalusí.
Después llegaron las colaboraciones con gitanos de Pakistán y Hungría dentro del Festival Madrid Sur (1995), las actuaciones en el festival de rock Espárrago (1998), los estrenos con María Pagés de las canciones de Federico García Lorca, la presentación de la obra Banderillas de Tiniebla, de José María Gallardo, en el Festival de la Guitarra de Córdoba y en la X Bienal de Flamenco de Sevilla (1998), marco donde también colaboró en las actuaciones de la bailaora Eva Yerbabuena, en su espectáculo Eva.
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Desde sus comienzos como cantaora, Marina Heredia ya mostró su versatilidad única en el mundo del flamenco, su capacidad para trabajar con artistas de primera fila y de los estilos más variados. El 19 de abril de 1999, Marina estrenó en la Bienal de Múnich (después en 20 conciertos más en Bélgica, Holanda, Luxemburgo y España) la ópera De Amore, del músico Mauricio Sotelo, con libreto de Peter Mussbach, donde Marina cantaba flamenco también en inglés y alemán. Las críticas fueron arrebatadoras: “Colosal en los diferentes palos flamencos, abre nuevas vías de expansión al flamenco en una noche de gloria para la música española”,4 escribió el día del estreno Juan Ángel Vela del Campo, crítico de El País, para alabar más tarde “la fusión del quejío y su voz maravillosa, cálida y sombría, con la fusión electrónica y el canto operístico”.

Tras su éxito en Múnich, siguió su paseo por España. Colaboró con Miguel Ángel Cortés para el que sería su primer trabajo discográfico: Patriarca. En el espectáculo que presentaba el guitarrista, Marina interpretaba la Baladilla de los tres ríos. En el mismo año 1999, formó parte del Circuito Joven de Flamenco de Andalucía, en el programa La Aventura del Flamenco en los trasnoches del Festival Internacional de Música y Danza de Granada. En él, cantaba junto a otros artistas como Estrella Morente, Arcángel o Segundo Falcón.
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Asimismo, participó en el XVII Festival Internacional de Música de Ayamonte, en el IV Ciclo Flamenco A corazón abierto (Madrid), junto a Arcángel, o en el concierto benéfico por las mujeres afganas, en Sevilla, organizado por la Unesco. Aunque ese año, coincidiendo con el XXVII Congreso Internacional de Arte Flamenco, varios artistas rindieron homenaje a Camarón de la Isla en el concierto El flamenco es universal (San Fernando, Cádiz).
En el año 2000 siguió moviéndose por festivales, entre los que cabe destacar su participación en el I Festival de Otoño de Granada y en el Festival Grec de Barcelona. Pero es el 2000 también un año de cine documental: la realizadora polifacética Dominique Abel decide rodar un documental sobre la transmisión del flamenco de padres a hijos. La cinta recoge, bajo el título En nombre del padre, la herencia flamenca del baile, de Manolete Maya a su hija Judea Maya, y del cante, de Jaime Heredia “El Parrón” a su hija Marina.

Salto de atrás hacia adelante (2001 – 2006)
Marina Heredia se va afianzando poco a poco y su presencia es cada vez más solicitada en los escenarios flamencos. Sin embargo, a principios del nuevo siglo, surge un requerimiento muy alejado del mundo jondo: Marina Heredia se reúne con Robbie McIntosh (guitarrista de The Pretenders y de Paul McCartney) y Raimundo Amador para intentar un nuevo experimento. Y en los estudios El Cortijo (Málaga), Howie B (productor de U2, entre tantos otros) y Trevor Morais (colaborador de Björk) quedan impresionados por la voz de Marina hasta el punto que uno de los temas del “experimentado” se incluirá en el próximo disco de Howie B (Folk, 2001). La voz corre y Elkie Brooks, una de las grandes blancas de la música negra, pide a Marina para una colaboración en su próximo disco. Y Marina canta con Elkie lanzando su flamenco a los cuatro vientos y a los cinco continentes.
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Mientras tanto, después de años cantando para el baile, y de algunas actuaciones en solitario, Marina Heredia decide dar un paso adelante: graba su primer disco: Me duele, me duele. Producido por Pepe de Lucía, el disco mezcla bulerías, tarantos, alegrías, tangos, rumbas, baladas flamencas. Una fusión de espíritus flamencos, de música gitano-andaluza, de canciones de luz y canciones de oscuridad, de dolor y de alegría, de baile y de reposo, como el corazón de una cantaora joven, inquieta y arriesgada. De una artista destinada a fusionar el alma jonda y la alegría cotidiana. De una mujer capaz de trasladar lo contemporáneo a la calle con una voz que sobrecoge e impresiona. De una Marina Heredia que engrandece nuestra música popular.

Conimage todo, Marina Heredia no deja de cantar por festivales de todo el país. Entre 2001 y 2002 participa en el V Festival de Jerez (Cádiz), en la Feria Mundial del Flamenco (Sevilla), en el IX Festival Flamenco del Palau de la Música (Valencia), en la segunda edición del festival benéfico de la Fundación Gomaespuma Flamenco Pa Tós (Madrid), en el X Festival Flamenco Caja Madrid (Madrid), en el XXXVI Festival Flamenco de Almería (Almería) o, nuevamente, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, con el espectáculo Flamenco a voces. Y atraviesa el charco y la vemos en el II Festival Flamenco de Nueva York, ilustrando una conferencia del crítico y flamencólogo Ángel Álvarez Caballero. Además, Marina Heredia, cantaora culturalmente inquieta, se mueve en otros ámbitos artísticos y musicales, aunque manteniendo siempre su esencia flamenca. Así, colaboró en el VII Encuentro de Mujeres Poetas, organizado por asociación cultural Verso Libre (Granada); en el espectáculo Maya, el flamenco de un marginado, de José Andrés Maya, en el Teatro Nuevo Apolo (Madrid) y en el que participaron más artistas, como Miguel Poveda, Duquende o el Capullo de Jerez; y, finalmente, poniendo su voz al servicio de la obra clásica de Manuel de Falla: El amor brujo, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

imageEn 2003 participa en la Feria Internacional de Turismo, actuando como representante de Granada y en la Feria Mundial del Flamenco, en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Sevilla. Vuelve a interpretar El amor brujo en el 25 Aniversario del Auditorio Manuel de Falla en Granada. Viaja a la ciudad marroquí de Essaouira para cantar en el Primer Festival Internacional de las Andalucías, junto al grupo Ketama, y deja ver de nuevo su lado más solidario en un concierto benéfico organizado por Miguel Ríos en el Palacio Municipal de Deportes de Granada.
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Al año siguiente, en 2004, graba el himno de Andalucía junto a artistas como Paco de Lucía, José Mercé o Enrique Morente. Asimismo, colabora con la coreógrafa y bailarina Blanca Li para la interpretación personal de El amor brujo, obra que se estrena tanto en Francia como en Granada, en el Palacio Carlos V, dentro del ya frecuentado Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Y en junio del mismo año forma parte del cartel del XLVIII Potaje Gitano de Utrera (Sevilla), que en esa edición rinde homenaje al cantante Alejandro Sanz.
Después de recorrer medio mundo, Marina Heredia, con tan solo veinticuatro años, recibe en 2004 el Premio Andalucía Joven de las Artes, de manos del Instituto Andaluz de la Juventud, por su trabajo, por su talento y por contribuir a la difusión del flamenco y de Andalucía en el mundo.
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Con el reconocimiento a su trabajo, y con la cabeza puesta en lo que sería su segundo trabajo discográfico, Marina Heredia afronta los dos siguientes años con la misma fuerza que le había caracterizado hasta el momento: es ovacionada en el 45º Festival del Cante de las Minas (Murcia), canta en la 23ª Edición Jueves Flamencos de Caja Madrid y en el Festival Flamenco viene del Sur, en Sevilla, y actúa en el espectáculo inaugural de la XIV Bienal de Flamenco, en el Teatro Lope de Vega de la capital hispalense. Al mismo tiempo, Marina Heredia vuelve a mostrar su vertiente más comprometida en el VI Festival Flamenco Pa Tós (Madrid) y en un debate organizado por el diario El País sobre la mujer en Andalucía. En dicho debate participaron, además, la cineasta Chus Gutiérrez, el cantautor Pedro Guerra o la escritora Almudena Grandes. Todo sin olvidar su pasión por la poesía, que la lleva a formar parte del II Festival Internacional de Poesía de Granada, festival en el que pone su voz al servicio de poemas de Rafael Alberti o José Bergamín. Una actuación que, resumida por Félix Grande de “emocionante”,preludiaba su segundo trabajo discográfico: La voz del agua.

La independencia artística (2007 – 2009)
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La voz del agua supone para Marina Heredia, no sólo la publicación de su segundo trabajo, sino el comienzo de su independencia artística. Para este segundo disco crea un sello propio (Los Gitanillos) y se pone en manos de José Quevedo “El Bola”, su guitarrista y su mano derecha artística, para la producción del mismo. La voz del agua no es un disco estrictamente flamenco —aunque tienen cabida unos pregones y los tangos de la penca—, pero sí muy literario. En él, Marina Heredia musicaliza poemas de Rafael Alberti, José Bergamín y Manuel Benítez Carrasco, siempre con su toque flamenco, y se atreve con el tango argentino que popularizó Carlos Cano, el “Tango de las madres locas”, un homenaje a las madres de la Plaza de Mayo de Argentina.

El estreno de este trabajo tiene muy buena acogida, tanto por el público como por la crítica. El público premia La voz del agua como mejor disco flamenco en Internet, con un total de 23.000 votos (premios por Deflamenco.com). La crítica, por su parte, alaba su presentación, tanto en Madrid como en Málaga, respectivamente:
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«Y salida a hombros tras la tanda de pregones a pie de escena, con la decena de músicos cubriéndole, callados, las espaldas. Marina Heredia selló así, derrochando jondura, gusto y raíz, la presentación de ‘La voz del agua’, el disco que pone de nuevo el acento en una de las cantaoras más destacadas (…)».
Silvia Calado. Flamenco World

«La cantaora granadina Marina Heredia logró el lleno en este hermoso recinto del Castillo, que parece recobrar su embrujo antiguo cuando se hace presente el arte. Marina trajo el suyo con la orla de su bella imagen gitana para llenar la escena con sereno porte y desplegar un repertorio entre el cante y la copla con arrojo y entrega».
Fermín Lobatón. El País
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Así, la trayectoria de Marina Heredia, a partir de su segundo disco, coge aún mayor envergadura y La voz del agua se pasea por toda España: desde la II Bienal Málaga en Flamenco hasta la clausura del Ciclo Flamenco de Los Veranos de la Villa, en los Jardines de Sabatini (Madrid), pasando por el Teatro Monumental de Mataró. Marina Heredia insiste en no abandonar su labor solidaria y participa en el VIII Festival Flamenco Pa Tós y en el Festival Flamenco Solidarios, ambos en Madrid. Y todavía tiene tiempo para viajar junto a uno de sus guitarristas, Luis Mariano, a Pekín para celebrar el Año de España en China.
En 2008 se producen tres encuentros artísticamente personales para Marina. En el primero, la Heredia se junta con la cantante marroquí Amina Aloui para tender un puente entre el flamenco y la música tradicional árabe-gharnati, un acercamiento entre la tradición andalusí y la gitana, surgido de un encuentro en la Escuela de Estudios Árabes, en Granada. Dicho encuentro se materializa en el espectáculo Con-Vivencias, dentro del Festival Internacional de Música y Danza de Granada. En el segundo, Marina pone su voz al servicio de la guitarra de Pepe Habichuela, hermano de Juan Habichuela, para los Jueves Flamencos de Cajasol (Sevilla), en el que ambos ofrecen un recital de corte clásico bajo el nombre De Graná. Y, finalmente, en el tercer encuentro, la granadina, aficionada a la poesía, se reúne con Luis Eduardo Aute para deleitar al público del Olivar de Castillejos con un recital que bailó entre lo flamenco y lo poético.
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«Heredia, de gris y rojo pasión, se apodera de la noche sin necesidad de palabrerías ni aspavientos. Su voz fluye natural, límpida, ardiente como llamarada. Y puesto que la velada iba de poetas, escogió un repertorio de hondo trasfondo lírico: desde la “Balada del que nunca fue a Granada”, de Rafael Alberti, a la tauromaquia de “Illo y Romero”, transformada en verso por José Bergamín. Aute la observaba embebecido, marcando el compás tímidamente por debajo de la mesa (…). Faltaba lo mejor. Aute se atrevió a pelo con “Al alba” en una lectura rota, desgarrada, dolorida, y Heredia le replicó con el mismo tema por bulerías. Como José Mercé, pero aún mejor. La hija de “El Parrón” acaba de cumplir 28 añitos, pero su arte fue capaz anoche hasta de quitarnos el frío del cuerpo. Y casi, casi, de los pies».
Fernando Neira. El País

Y viaja a Sabadell (Barcelona) para el Festival 30 Nits, y a Murcia para el XXIX Festival Flamenco Lo Ferro, y a Ciudad Real para el XXVIII Festival Nacional de Arte Flamenco Valdepeñas, y a Madrid al Festival por Tarantos… y viajando llega hasta Londres, para cantar en el Lilian Baylis Theatre, en el VIII Flamenco Festival. Finalmente, y dos años más tarde de la publicación de su segundo trabajo discográfico, la culminación de Marina Heredia como artista independiente nace en la creación de su propio espectáculo: Cancionero del Sacromonte. En él pretende rendir homenaje al eterno barrio granadino, cuna universal del flamenco. Para ello, se rodea de su gente: su padre, Jaime Heredia “El Parrón”; Manolo Osuna, para el estreno en Granada; José Quevedo “El Bola” y Luis Mariano a las guitarras; Reyes Martín, Anabel Rivera, Toñi Nogaredo y Jara Heredia a las palmas y coros y, ésta última, también al baile. Además, cuenta con el diseño en el vestuario de Vicky Martín Berrocal. El espectáculo tiene muy buena acogida en su estreno en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada:
«Marina fue la protagonista indiscutible. Su voz está hecha, redonda y juega con ella a su antojo. La dulzura de su cante abraza el desgarro de sus quejíos cuando su voz emite ecos de hondura».
Antonio Conde. Deflamenco.com
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«El espectáculo propició una de esas noches difíciles de olvidar para la retina y para el oído. Una noche donde Marina consiguió reunir a lo sagrado y a lo profano, a lo popular y a lo culto. Por siempre, viva el Sacromonte».12
José Manuel Rojas.Ideal
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Ese mismo año, Marina Heredia se convierte en la primera mujer flamenca en actuar en el Auditorio Nacional de España. Y sigue “de gira” flamenca por España: en Madrid para el Festival Flamenco Caja Madrid y para el X Festival Flamenco Pa Tós; en Málaga para el Festival de Cante Grande Casabermeja y el XXXVI Festival Torre del Cante; en Almería para el festival Flamenco viene del Sur; en Cádiz para la XXXVII Noche Flamenca Vejer de la Frontera; o en Granada para el XXX Festival Flamenco de los Ogíjares y para celebrar el 60 aniversario de la Peña La Platería, la peña flamenca más longeva de Andalucía y de España. Visita, además, las ciudades de Zurich (Suiza) y Montevideo (Uruguay) para representar de nuevo El amor brujo de Manuel de Falla. Y, con todo, aporta su voz flamenca al musical A un Musical de Nacho Cano del compositor y músico Nacho Cano, en el tema “La codicia mata el alma”.
Marina Heredia cierra así, en estos tres años, un periodo de crecimiento artístico que culminará en 2010 con la publicación de su tercer y, hasta el momento, último trabajo discográfico: Marina.
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Madurez y Consagración (2010 – 2012)
En 2010, Marina Heredia lleva ya quince años trabajando sin descanso: ha viajado por toda la geografía española, ha mostrado su cante por medio mundo y tiene dos discos a sus espaldas. Así que, como no hay dos sin tres, 2010 se presenta como el año adecuado para la publicación de su tercero: Marina, firmado de nuevo por Universal, pero realizado por ella, sin injerencia artística alguna.
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Marina es el trabajo con el que Marina Heredia se siente más identificada, en el que vuelca toda su tradición: la de su tierra, la de su Albaicín, la de su Graná, pero también la de los viejos maestros que han cultivado sus oídos y su conocimiento, como “El Chino” de Málaga, la Paquera de Jerez o Encarnación Fernández. Un disco que rinde homenaje al flamenco clásico: unos tangos de su tierra; unos fandangos de su Albaicín; una soleá, guiño indiscutible a su padre; una seguiriya, mirándose en el espejo de la Paquera; unas alegrías, compuestas por Farruquito; una malagueña, arropada por la guitarra de Diego del Morao; unas bulerías de “El Chino” que Marina Heredia realiza sin artificios, desnudas, a palmas y voz, y que sólo hacia el final acaricia la guitarra de “El Bola”; unos cantes de levante, que homenajea en contenido y forma a la cantaora alicantina Encarnación Fernández y que ejecuta con Luis Mariano a la guitarra; y, finalmente, un tema por bulerías, que abre el disco, adaptación de un tema original de Parrita: “No me lo creo”.
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Con un disco tan suyo, de esencia tan clásica como personal, qué mejor lugar para estrenarlo que su estimada ciudad. Y así lo hace: el 7 de mayo de 2010 Marina Heredia presenta Marina en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Granada. La crítica vuelve a rendirse a sus pies. Con una puesta en escena cuidadísima, y con la presencia en el escenario de los artistas que han colaborado en el disco (Parrita, Diego del Morao y Farruquito), Marina Heredia pisa fuerte Granada para proclamar su autoría flamenca.
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«Ya desde la espectacular salida, Marina dejó claro que esa no iba a ser una noche de aguas cristalinas, sino de llamas encendidas».
Silvia Calado.Flamenco-world.com

«Vibramos, pues, con esta Marina Heredia que, en un ejercicio de recuperar el pretérito no dulcificado por la añoranza sino abierto al mundo, había evidenciado que el sentimiento universal del cante no sólo dimana del carácter autóctono de las melodías, sino de su tratamiento estético, que es el que por la intensidad comunicativa y por el grado de excelencia artística, lo puede cambiar de local en universal».
Manuel Martín Martín.El Mundo
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«En definitiva, Marina Heredia nos demuestra con un proyecto de gran nivel ser una de las mejores artistas para el futuro y evolución del flamenco en otra acertada producción de José Quevedo “Bolita”. Un disco que será imprescindible para comprender la evolución del flamenco a comienzos del siglo XXI».
Jacinto González. Aireflamenco.com

«Pablo San Nicasio dice que es una cantaora que ha llamado para quedarse, que va a más cada día y que pone a todos los flamencos de acuerdo. Efectivamente estoy de acuerdo con sus palabras porque eso solamente lo consiguen los grandes cantaores y los grandes artistas y Marina hace muchísimo tiempo irradiaba formas de gran cantaora. Hoy día está brillando como una de las primeras figuras del flamenco».
Perico de la Paula. Jondoweb.com
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Con semejante reconocimiento por parte de la crítica, Marina Heredia estrena su disco en los festivales flamencos con más solera del país: el 44º Festival Flamenco de Almería, el Festival Flamenco de San Roque y el Festival Al Kalat (Cádiz), el XXXVI Festival Flamenco Castillo del Cante de Ojén (Málaga), el XVI Festival Embrujo de Luna Mora (Carratraca, Málaga), el Festival Flamenco Algurugú (Sevilla), la XXVIII Noche Flamenca de Villa de Alhaurín el Grande (Málaga), la XLII Reunión de Cante Jondo (Puebla de Cazalla, Sevilla), el XVIII Festival Flamenco de San Pedro del Pinatar (Murcia), la XII Muestra de Flamenco de Los Veranos del Corral (Granada), en la que se rodea del maestro Rafael Riqueni a la guitarra… Y sigue su espíritu inquieto explorando nuevos escenarios: en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en el ciclo Ellas Crean, para conmemorar el Día Internacional de la Mujer; en el VI Ciclo Flamenco y Poesía de Málaga, o en la I Velada de Flamenco y Toros, en la que canta junto a su padre y Manuel Lombo, en el Coliseo Atarfe de Granada, en una noche en la que salen a hombros El Juli, El Fandi y Domingo López Chaves. En el mismo 2010 también viaja a Francia, para ofrecer un recital de corte clásico en el Instituto Cervantes de París, y a Nueva York y Washington, donde forma parte del cartel del X Festival Flamenco junto con la Orquesta Chekara.
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Sin embargo, la cumbre de su trabajo, de su talento y de su madurez estaba por llegar. Fue el día 2 de octubre de 2010. Marina Heredia actuaba en el Teatro Lope de Vega, dentro de la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla, la cumbre flamenca por excelencia. En un marco tan difícil y exigente, Marina Heredia “se cuajó para los restos”. La crítica se deshizo en elogios y la elevaron definitivamente a “primera figura de cartel”:
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«Marina Heredia salió anoche a hombros de Sevilla y a partir de ahora hay que ponerla en grande en los carteles. Esa cantaora ha acabado con el cuadro. Ea. Otra figura que cuaja. Y el que venga detrás, que arree».18
Alberto García Reyes.ABC Sevilla
«Marina es sinónimo de flamenco de rango superior. Su modo de actuar es sin artificio, y a la virtud de la veracidad une la de la sinceridad y el darse a conocer como portadora de una identidad que le distingue».
Manuel Martín Martín.El Mundo
«La consagración como primera figura de la granadina Marina Heredia, que en una actuación histórica ofreció un cante por seguiriyas para enmarcar».20
Alberto García Reyes.ABC Sevilla

En febrero de 2011, la Crítica Nacional de Flamenco le otorga a Marina, su tercer trabajo discográfico, el Premio al Mejor Disco de Cante Flamenco 2010, dentro de los Premios Flamenco Hoy. Marina Heredia ha salido vencedora entre sus otros dos candidatos finalistas, Enrique Morente, finalista por su disco Morente+Flamenco y Fernando Terremoto por su trabajo Fernando Terremoto, ambos tristemente fallecidos.
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Ese mismo mes Marina vuelve a actuar en el Auditorio Nacional de Madrid, dentro del Ciclo Andalucía Flamenca. Está presente en el XI Festival Flamenco Ciudad de Majadahonda (Madrid) y actúa en el Gran Teatro de Huelva, dentro del programa de Flamenco Viene del Sur. Destacan sus actuaciones en el Palacio de Congresos Manuel Rojas de Badajoz, dentro del X Festival Porrina de Badajoz, su participación en el acto benéfico por las víctimas del terremoto de Lorca junto a Miguel Poveda, Diego el Cigala, Carmen Linares, Tomatito o Pitingo, entre otros. Y viaja hasta Tampere (Finlandia) para ser la cabeza de cartel del XVI Festival Flamenco de Tampere.
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De regreso a España, colabora con la Compañía Sánchez Cortés de Antonio de Verónica en el concierto benéfico “Flamenco y Arena” que tiene lugar en la plaza de toros La Malagueta (Málaga). Ese verano forma parte del cartel del VIII Ciclo Poesía y Música en el Laurel (Granada), del XLII Festival de Cante Flamenco de Campillos (Málaga), del XLII Festival Flamenco “Lucero del Alba” (Salobreña, Granada), del XLV Festival de Cante Grande “Fosforito” (Puente Genil, Córdoba), del IV Festival Noches de Luna y Flamenco (Níjar, Almería) . Con el fallecimiento del guitarrista Manuel Moreno Junquera, conocido como Moraíto Chico, se le homenajea en Jerez en la XLIV Fiesta de la Bulería (Jerez de la frontera, Cádiz) y en Madrid en un concierto especial: El Flamenco por Moraíto Chico, con muchos artistas y amigos invitados. Marina Heredia estuvo presente en ambas citas.

A su Tempo (2012)
A principios de 2012 viaja a San Francisco (California) para actuar con la Sinfónica de San Francisco. Marina pone su voz a la interpretación del ballet flamenco El amor brujo de Manuel de Falla, dirigido por el director granadino Pablo Heras Casado. Y destaca en los festivales flamencos de Zaragoza, en el Ciclo BBK de Bilbao, junto al polifacético Luis Eduardo Aute, y en el Festival del Cante de las Minas (Murcia), obteniendo un gran éxito de crítica y público.
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En septiembre de 2012 estrena A mi tempo, el espectáculo de su nuevo disco, en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, dentro de la XVII Bienal de Flamenco de Sevilla, donde revalida el éxito obtenido en la Bienal de 2010, contando en esta ocasión con las colaboraciones especiales de la diva Mónica Naranjo y del Coro gaditano de Luis Rivero de los Carnavales de Cádiz. La crítica la define como “cantaora magna” que “trae la esencia del cante”. “Marina Heredia es Marina Heredia”, sentencian.
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«’A mi tempo’ ha sido el concierto más completo de una cantaora gitana en la Bienal de Sevilla, a la que ha proporcionado la evidencia del ayer, la certeza del presente y la claridad del mañana. Los aplausos del Maestranza le dieron la razón y la felicidad porque no trajo a Sevilla el cante, sino la esencia del cante, y con ella el tiempo nació nuevamente, porque para el tiempo, su tiempo, todo es eterno. ».
Manuel Martín Martín.El Mundo
«El cante está vivo. Una albaicinera se ha puesto a mandar en él y está vendiendo caro el género. Marina Heredia clavó anoche su bandera en lo alto del cerro de las cantaoras magnas. Y se puso detrás una orquesta de guitarristas de tronío para imponerse como bastión de lo jondo cuando le echó mano a la bulería por soleá de la Moreno. Desde ahí se vio venir lo que la hija del Parrón ha refundado. Marina Heredia es una aficionada grande que está a la altura de los anales del cante».
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Alberto García Reyes.ABC Sevilla
«Poco a poco, a su ritmo, como prometía el nombre del espectáculo, la cantaora granadina se fue abriendo hasta cuajar uno de los mejores recitales que ha dado en nuestra ciudad. Una nueva lección de cante a compás».
Juan Vergillos.Diario de Sevilla
«Pero es que todo lo cantó bien, dando a cada cante su carácter y medida. Y, por supuesto, su personalidad, por más que remitiera a los maestros que la guían y la inspiran. Marina Heredia es Marina Heredia. Y lo fue por seguiriyas y por fandangos chocolateros y por la caña coral y por ranchera-bulería de Adela la Chaqueta y por los emotivos tangos morentianos. Y lo fue en todo el recorrido, que creció poco a poco en luminosidad y en comunicación con la audiencia».
Silvia Calado. Flamenco-world.com
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Marina Heredia se nos presenta como una cantaora madura, con una vida, no curtida por las viejas duquelas de entonces, pero sí acostumbrada a las inquietudes presentes que arroja con hondo quejío. Marina ha crecido. Marina ha madurado. Marina Heredia se ha convertido, en definitiva, en unos de los quejíos más flamencos que se pueden escuchar hoy día, un quejío entre el hoy y el ayer.
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