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Carnavales de Cádiz

imageEl Carnaval de Cádiz es uno de los carnavales más famosos de España por lo que ha sido reconocido (conjuntamente con el Carnaval de Santa Cruz de Tenerife), como de Interés Turístico Internacional (únicos en España con tal distinción).
Por su parte en 2010 el Carnaval de Cádiz y el Carnaval de Santa Cruz de Tenerife se hermanaron.
Todos los años y durante los meses de enero y febrero se celebra en el Gran Teatro Falla el Concurso de Agrupaciones del Carnaval.
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En la actualidad la fiesta del carnaval se celebra en los tres o cuatro días anteriores al miércoles de ceniza que da inicio a la Cuaresma cristiana. Estas fiestas preceden a un supuesto tiempo de recogimiento y ayunos.

Los orígenes del carnaval, según algunos historiadores, se pueden remontar hasta el tiempo de los egipcios y sumerios hace unos 5000 años.
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Pero seguramente las celebraciones que más pueden haber influido son las de los romanos en la época de esplendor del Imperio, cuando en honor del dios Baco, el dios del vino, las gentes estaban durante días en una fiesta que compartían como iguales junto a los esclavos, algo que únicamente sucedía durante esa celebración.

Con la llegada de los europeos a América en el siglo XV, la fiesta del carnaval se introdujo en el nuevo continente.
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A pesar de que es una celebración muy típica y antigua en la vieja Europa cristiana, tiene sus orígenes como la mayoría de las festividades, en antiguas tradiciones paganas.

El Carnaval “Cristiano”

El origen latino de la palabra carnaval, viene de “carnelevarium”, que se refería al hecho de quitar la carne, algo relacionado con la prohibición del consumo de carne en la cuaresma cristiana.

Durante la Edad Media a pesar de estar muy arraigadas las costumbres cristianas y de perseguirse a los que no seguían la tradición, la fiesta de carnaval tuve bastante auge debido a que era una forma de prepararse para los días de ayuno que se aproximaban.
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En nuestros tiempos, las fiestas de carnaval se han separado completamente de cualquier sentido religioso, a pesar de continuar celebrándose antes de la cuaresma. Aunque hay algunos lugares en los que se celebra al terminar la Epifanía el día 6 de enero. O en otros lugares como Alemania comienzan el día 11 a las 11 y 11 minutos.

Hay países como Brasil en los que el carnaval es un auténtico hito imprescindible del año, y en los que la preparación de la fiesta y la duración de la misma se alargan durante más de un fin de semana.
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Lugares donde el carnaval es famosos y atrae a un público interesado en conocer la forma en que se celebra y disfrutar de días con las costumbres de la ciudad hoy en día, podrían ser: el Carnaval de Río, el de Santa Cruz de Tenerife, el de Venecia, o también es muy típico dentro de nuestro país el carnaval de Cádiz, alejado de la pomposidad de otros como los de las islas pero con el encanto de lo sencillo y la imaginación de los participantes. Sin olvidar por supuesto a las Chirigotas que siempre retratan con ironía y mucho humor los temas de actualidad durante el último año, en las letras de sus composiciones.
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Se celebra en los distintos lugares de formas similares, pues siempre se presencian desfiles de carrozas, comparsas formadas por grupos de máscaras o bailarines vestidos con un mismo estilo que caracteriza a cada una de ellas así como bailes de disfraces.

Sin embargo, parece ser que el Carnaval de Cádiz, es un hijo, aunque sea pródigo, del cristianismo; mejor dicho, sin la idea de la Cuaresma no existiría en la forma en que ha existido desde fechas oscuras de la Edad Media Europea.
Se lo relaciona también con los ritmos del tiempo, con la percepción cualitativa del tiempo. El cristianismo establece «un orden pasional del tiempo», en el que los momentos de alegría y tristeza se alternan cronológicamente, según sea tiempo de prohibiciones o tolerancias, asimilados por el cristianismo.
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El Carnaval es una consecuencia de la concepción simple del tiempo que adopta el cristianismo. Una concepción ajustada a los ciclos vitales y de las cosechas.
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Su principal significación es que autoriza la satisfacción de todos los apetitos que la moral cristiana, por medio de la Cuaresma, refrena acto seguido. Pero al dejarlos expansionarse durante un periodo más o menos largo, la moral cristiana reconoce también los derechos de la carne, la carnalidad. El Carnaval encuentra así, además de su significación social y psicológica, su función equilibradora en todos los aspectos. Y todo pese a que en 1523, Carlos I había prohibido totalmente las máscaras.
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Pero sin duda con el transcurso del tiempo distintos aspectos se han ido marcando con mayor profundidad hasta alcanzar en Cádiz una fiesta distinta. En el proceso de su propia definición, el Carnaval gaditano toma peculiaridades del italiano, explicable por la influencia fundamentalmente genovesa que Cádiz conoció desde el siglo XV, tras el desplazamiento hacia el Mediterráneo de los turcos, los comerciantes italianos se trasladan a Occidente, encontrando en Cádiz un lugar de asentamiento perfectamente comunicado con los objetivos comerciales que los genoveses buscaban: el norte y centro de África. Los antifaces, las caretas, las serpentinas, los papelillos (confeti) son otros tantos elementos que se asimilaron del carnaval italiano.
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Las primeras referencias documentadas a la celebración del carnaval que conocemos hasta ahora, se encuentran en la obra del historiador gaditano Agustín de Horozco. Datan de finales del siglo XVI, expone que en tiempos de carnaval, las gaditanas arrancaban las flores de las macetas para lanzárselas unos a otros a modo de broma. Otros documentos donde queda constancia de la celebración de los carnavales son las Constituciones Sinodales de 1591 y los Estatutos del Seminario de Cádiz en 1596, ambas contienen indicaciones para que los religiosos no participaran de las fiestas de la misma forma que lo hacían los seglares. Estas referencias, sobre el Carnaval, confirman que ya a finales del siglo XVI las fiestas debían tener gran arraigo entre los gaditanos.
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Del siglo XVII también existen referencias, un documento de 1636 reconoce la impotencia del poder civil ante la celebración popular y una carta del General Mencos fechada en Cádiz a 7 de febrero de 1652 se queja de que los trabajadores gaditanos se negaban a reparar su barco por estar en Carnestolendas. También se tiene constancia de los hechos acontecidos en 1678, año en el que se acusó al clérigo Nicolás Aznar de mantener relaciones adúlteras con una tal Antonia Gil Morena, a la que había conocido durante los carnavales.

A partir del siglo XVIII se reiteran frecuentemente las órdenes intentando desterrar el Carnaval. En 1716 se prohibieron los bailes de máscaras por orden de la Corona, prohibiciones que se repitieron a lo largo de todo este siglo. A pesar de todo, existen testimonios que pueden confirmar que el desacato de las órdenes era bastante notable. En el carnaval de 1776 se cometieron excesos en el convento de Santa María y en el de Nuestra Señora de la Candelaria, lo que provocó escándalos en la ciudad. Este mismo año visita la ciudad el viajero británico Henry Swinburne, que dejó testimonio sobre las celebraciones carnavalescas de los gaditanos.
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Siglo XIX.Los carnavales continuaron en este siglo y se celebraron incluso durante el asedio francés y el reinado de Fernando VII. Otro de los intentos por prohibir los carnavales, fue el bando municipal del 20 de febrero de 1816 en el que se prohíbe de manera total la celebración de las fiestas carnavalescas, pero esta medida no tuvo ningún éxito.
La primera agrupación de la que se tiene constancia es Cuadrilla de gallegos, que data del año 1821. Durante aquel año el gobernador de Cádiz, Cayetano Valdés, dio el visto bueno para la celebración de un máximo de seis bailes públicos de disfraces y máscaras. Estos bailes fueron regidos por un estricto reglamento para evitar los excesos. Este carnaval tuvo que ser uno de los mejores de la época, porque no se produjeron disturbios
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El bando municipal 30 de enero de 1833 bando a cargo del gobernador José Manso, también especificaba las restricciones y como novedad aquello que estaba permitido. En el bando del 4 de febrero de 1834 por Pedro Nolasco, recuerda a bandos anteriores, pero destaca la no prohibición de las máscaras.

De mediados de este siglo proviene la costumbre gaditana de pedir alguna invitación o monedas por parte de las agrupaciones tras cantar sus coplas.

En 1861 el alcalde Juan Valverde ordena que se dote con una partida de 30 000 reales de vellón con el fin de iniciar una reforma en el carnaval. Esta tutela por parte del ayuntamiento continúa hasta nuestros días. El objetivo de esta era erradicar las malas costumbres que daban una mala imagen de la ciudad y de los gaditanos. Los bandos siguieron recordando, año tras año, a los ciudadanos las diferentes normas de comportamiento.
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En 1884, el alcalde Eduardo Genovés Puig, publicó un edicto en el que volvería a repetir las restricciones ya conocidas, y añadió la obligación de las agrupaciones participantes en los carnavales a presentar previamente las coplas que cantarían durante las fiestas. Las agrupaciones conseguían así una licencia para poder salir por las calles y solo interpretarían aquellas que fueran autorizadas, es el primer antecedente de censura en el carnaval de Cádiz. Gracias a esta decisión del ayuntamiento, desde este año se conocen los nombres de las agrupaciones, el número de componentes y sobre todo se conservan las letras de las coplas.
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Es en esta época cuando Cádiz influye de sobremanera en otro carnaval andaluz, el de Isla Cristina, gracias a los intereses comerciales mutuos en el negocio conservero, cuando empresarios isleños crean colonias comerciales en la costa de Cádiz y ésta da su impronta cultural al carnaval de Isla Cristina.
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Los coros alcanzan su primera madurez a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, con la participación de Antonio Rodríguez Martínez, el tío de la tiza. image
Sus coros más recordados son Los claveles (1896) y Los anticuarios (1905). De éste último es recordado el tango de los duros antiguos que es hoy día el himno oficioso del carnaval de Cádiz.

Siglo XX.El periodo entre 1920 y 1936, abarca un periodo de madurez de las agrupaciones. En éste podemos situar a Manuel López Cañamaque, autor más prolífico del carnaval junto a Agustín González, El Chimenea.
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Los carnavales de 1936 fueron los últimos que se celebraron antes del comienzo de la Guerra Civil, porque esta comenzó el 18 de julio.

Durante la guerra, el 5 de febrero de 1937 se publica el boletín oficial del estado que dos días antes había firmado el gobernador general Luis Valdés, en este se prohibía la celebración del carnaval. El 12 de enero, se publica una nueva orden manteniendo definitivamente la prohibición. En Cádiz, sin embargo, la prohibición no llegó a ser tal y los nostálgicos de la fiesta la seguían celebrando a escondidas. La situación política del momento, no era lo más idóneo dar mucha publicidad a lo que realizaban. Este paréntesis en el carnaval de Cádiz duraría hasta 1948.

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Paradójicamente, el Carnaval de Cádiz resucitó gracias a la explosión del depósito de minas de San Severiano, ocurrida en 1947.
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Vistió a Cádiz de luto y llevó la tristeza a la ciudad de la alegría. Tanto, que el gobernador civil, Carlos María Rodríguez de Valcárcel, pensó que había que levantar los ánimos. Los viejos carnavaleros le habían mostrado su deseo de volver a sacar un corito en alguna velada de verano. Y tras escuchar los tangos de los coros Piñata Gaditana grupo aglutinado por José Macías Retes y Los Chisperos, no encontró motivos para no permitir de nuevo la celebración de las fiestas. Así fue cómo se permitió, fuera del Carnaval, en las fiestas del verano, que aquellos coros de veteranos volvieran a cantar viejos tangos. Había garantías políticas. Entre los coristas figuraba Joaquín Fernández Garaboa, el Quini.
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Y tanto levantaron los caídos ánimos de Cádiz los coristas con sus viejos tangos de Los Claveles, y tanto gustó el género a Rodríguez de Valcárcel, que el gobernador se las ingenió para recoger el sentir popular, apoyar la iniciativa municipal y conseguir que el gobierno de Madrid permitiera una resurrección del Carnaval según la ideología dominante.
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El espíritu de la ciudad se impuso de tal forma que fue disfrazado el propio Carnaval, con el tipo ocasional de Fiestas Típicas Gaditanas. A los coros se les consentía salir, pero poco menos que en la estética de coros y danzas. Por supuesto que sin máscaras en la calle y sin disfraces en el pueblo, sólo en las agrupaciones.
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En el dirigismo cultural de la época, fueron unas fiestas más del Ayuntamiento que del pueblo, que las insertó en una estética entre juegos florales y fiesta de la vendimia, con reina de las fiestas, que era siempre la hija de un ministro, y cabalgatas como las que don José León de Carranza, el gran impulsor, junto con el concejal Vicente del Moral, había visto en Niza.
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Gracias a las Fiestas Típicas el Carnaval se salvó y vivió una de sus etapas de mayor esplendor. Paco Alba, fue el gran exponente de este período superando en calidad al Carnaval anterior a la guerra. Se produjo la universalización del Carnaval, con agrupaciones que gustaron a toda España e Hispanoamérica, sobre todo se recuerda a los Los Beatles de Cádiz (Los escarabajos trillizos) de Enrique Villegas Vélez, que en Cádiz ganó el segundo premio de comparsas en 1965 tras Los hombres del mar de Paco Alba.

En 1967 se produjo el traslado de las fiestas al mes de mayo, organizando una auténtica feria, con casetas incluidas.

Desde 1973, los cuartetos participaron en el concurso oficial de agrupaciones. En 1975 se produjo un hecho histórico en el concurso, la chirigota de Paco Alba, Los belloteros ganó el primer premio pero en la categoría de comparsas junto a Los napolitanos de Pedro Romero Varo.
Esta decisión no agradó al aficionado, pero este suceso fue lo que originó que se considerara a Paco Alba el inventor de la comparsa actual.
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El 6 de junio de 1976, se celebraron las últimas Fiestas Típicas Gaditanas, para el año siguiente se volvió a febrero y a la denominación de carnavales.

Carnaval democrático o carnaval en libertad.
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El 15 de febrero de 1977, es la primera fecha del carnaval democrático o en libertad. De este año destaca el coro Los dedócratas, fundamental en la transición de las fiestas típicas gaditanas a carnaval y en la recuperación del coro.
Como no podía ser de otro modo, con la idiosincrasia de los gaditanos, el 5 de febrero de 1978 a las cinco y cuarto de la tarde comenzó el entierro de las Fiestas Típicas Gaditanas.
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Acto auspiciado por el coro La guillotina, sucesor de Los dedócratas. Encabezaba el desfile fúnebre, que revistió la mayor seriedad por parte de sus participantes, una pancarta con la inscripción: «Entierro de las Fiestas Típicas R.I.P. ¡Ya era hora!», portada por dos miembros del coro vestidos de ciudadanos de la Revolución francesa.
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Seguían dos tambores que, durante toda la marcha estuvieron sonando con redoble a la funerala. También dos miembros del coro que portaban una especie de incensario, uno, y otro un mortero de cocina a modo de hisopo. Después, cuatro verdugos portaban el féretro, sobre el que se colocó el martillito clásico de las antiguas fiestas, sobre la inscripción R.I.P. la caja llevaba adosada a ambos lados seis coronas fúnebres, con las inscripciones: «Un concejal in memoriam», «Vicente no te olvida», «Pepiño con amor», «El látigo Macareno», «De tus amigas las casetas» y «El Quini no sabe si olvidarte».
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Cuatro soldados de la revolución, con las bayonetas a la funerala acompañaban a la caja. Seguían el duelo mujeres de riguroso luto, que estuvieron llorando todo el trayecto, portando algunas de ellas velas. Inmediatamente después marchaba un prelado, el director del coro patrocinador del acto y tres representantes de las autoridades. Los músicos de la agrupación formaban tras ellos, interpretando con sus pitos marchas fúnebres y sones de Carnaval. Eran seguidos por el resto del coro y por un grupo bastantes numeroso de máscaras. Cuatro soldados cerraban el desfile.
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Numeroso público se congregó para ver pasar el entierro, aplaudiendo en ocasiones y demostrando su aceptación a la idea de La guillotina.
Los espectadores rieron con ganas, comentándose que el cortejo corresponde a lo que debe ser el Carnaval y también mostrando su solidaridad con el motivo de la marcha: enterrar aquellas Fiestas Típicas Gaditanas, que no eran ni lo uno ni lo otro.

En 1981, llega la televisión al concurso retransmitiendo parte de la final. En 1982, se unifican la categoría provincial y local.
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En 1984, la Fundación Gaditana del Carnaval (FGC), Organismo Autónomo del Ayuntamiento de Cádiz, recibió por acuerdo del mismo, la competencia de organizar, dirigir, programar, encauzar, administrar y ejecutar los carnavales de la ciudad. En el mismo año, se presentan al concurso 111 agrupaciones superándose por primera vez la centena de grupos participantes, de la que nunca se ha bajado hasta ahora.
En 1989 se retransmite por primera vez la final completa, al año siguiente, con la llegada del primer canal de televisión autonómico andaluz Canal Sur, ésta se hace íntegramente en directo y también se emiten resúmenes de las semifinales. Losimage resúmenes serían la base del conocido programa El Ritmo del Tangai presentado por los periodistas Modesto Barragán y Manolo Casal.
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Siglo XXI.La calle Columela, una de las más céntricas de Cádiz, abarrotada en pleno Carnaval.
En 2002, tras diversas negociaciones con colectivos de autores carnavalescos, la Fundación Gaditana del Carnaval fue sustituida por el Patronato del Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas y Fiestas del Carnaval de Cádiz. Los órganos del Patronato del Carnaval, como se acostumbra a abreviar su nombre, son el Consejo Rector, y sus dos juntas ejecutivas: una del COAC y otra de las Fiestas.
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En 2007 se emite por primera vez el concurso completo para la provincia de Cádiz. Las preliminares a cargo de la televisión municipal Onda Cádiz y las semifinales y la final por parte de Canal Sur. En 2008 se introduce una nueva fase en el COAC, los cuartos de final (o primera semifinal). También se decide acortar la final del concurso a tres agrupaciones por modalidad.
En 2012 se emite las preliminares en directo con la misma señal tanto en Onda Cádiz TV como en el canal privado Metropolitan TV a cargo de los presentadores Agustín Bravo y Mayte Huguet.

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Programa del carnaval

En 1862 el municipio, presidido por Juan Valverde puso en marcha el primer programa de fiestas con el doble objetivo de limitar el carnaval popular y de atraer forasteros a la ciudad siendo el antecedente de los actuales programas. En este programa se incluía: pregón, tablaos, bailes de máscaras, cabalgata, exornos, concurso de agrupaciones y fuegos artificiales.
En Cádiz, el carnaval oficialmente dura once días, pero si unimos a estos: los días del concurso, los actos gastronómicos, ensayos generales y el «carnaval chiquito» o «carnaval de los jartibles», suman más de un mes de carnaval.

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Por orden cronológico, este sería el programa actual de actos del carnaval de Cádiz.

Ensayos generales.
Presentación del carnaval en Madrid.
Imposición de bandas a las ninfas.
Pestiñada popular.
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Erizada popular.
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Ostionada popular.
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Fase preliminar del COAC.
Fase de cuartos de final del COAC.
Fase semifinal del COAC.
COAC categoría infantil
COAC categoría juvenil
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Jueves. Inicio de Carnaval,Inauguración del alumbrado.
Viernes de la finalProclamación de la Diosa del carnaval.
Final del COAC.
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Sábado de carnaval.Pregón infantil.Carrusel de coros de Puerta Tierra.Pregón del carnaval de Cádiz.Concurso de romanceros.
Domingo de carnaval Carrusel de coros.Cabalgata magna.Fuegos artificiales en La Caleta.
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Lunes de carnaval Carrusel de coros.
Martes de carnaval Quema del Dios Momo.
Viernes de carnaval Carrusel de coros en La Viña.
Conciertos.
Sábado de Piñata Panizada Popular.Homenaje al comparsista. Conciertos.
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Domingo de Piñata.Carrusel de Coros.Frito popular.Quema de la Bruja Piti. Fuegos Artificiales en La Caleta.

II Domingo de Cuaresma.Carnaval de los jartibles o carnaval chiquito.
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Resto del año
Gala Lo mejó de lo mejón.
Festival Me Río de Janeiro.
Concursos de antologías.
Carrusel de coros de verano.
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Published on:
March 4, 2014 18:21
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las “pisadas”, Olga Pericet,

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Festival de Jerez 2014.
Teatro Villamarta, 27 de febrero de 2014.

“Olga Pericet protagonizó uno de esos momentos mágicos que tan pocas veces suceden. En mitad de su baile del taranto, en la pausa anterior a unos tangos, atronadores aplausos interrumpieron su actuación durante unos minutos. Fue la salida natural del público a unos minutos de danza primorosa, que enlazaba giros sin descanso, alternando la composición serena de la figura con el brioso y justo zapateado. Su cuerpo pequeño ceñido por un pantalón negro y un diminuto bolero (ay, Carmen Amaya). Un baile ligado y siempre pegado a la música, al que los ojos asistían incrédulos y en el que cada movimiento ocupaba su espacio en el momento preciso, dentro de un equilibrado despliegue de recursos que hicieron evocar a Fernanda Romero. Tras la explosión de los aplausos, llegarían los tangos bailados en un pequeño corro. El tiempo para la femineidad y el juego de cintura y caderas. Un compendio de baile en una bailaora que adquiere aires de diosa cuando se sube a un escenario. Misterios del arte.”EL Pais
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Olga Pericet (Córdoba 1975) es una bailaora, bailarina y coreógrafa de flamenco y danza española, es una de las figuras más renovadoras de la escena flamenca actual.
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Ha sido ganadora de importantes reconocimientos como el Premio MAX por mejor coreografía por “De Cabeza”, Premio Artista revelación en el Festival de Flamenco de Jerez, Premio Villa de Madrid a la mejor intérprete de danza, entre muchos más.
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Ha estudiado con grandes figuras como Matilde Coral, Manolo Marín, Maica Moyano, La Toná, José Granero y Cristóbal Reyes, entre otros. Ha sido solista y artista invitada de compañías como la de Rafaela Carrasco, Nuevo Ballet Español, Arrieritos, Miguel Ángel Berna, Teresa Nieto, Belén Maya y Ballet Nacional de España.
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Historia

Olga Pericet nació en 1975 en Córdoba en donde obtiene la Licenciatura en Danza Española en el Conservatorio Profesional Luis del Río. También ha estudiado en Sevilla y Madrid con maestros como Matilde Coral, Manolo Marín, Maica Moyano, La Toná, José Granero, Cristóbal Reyes y Milagros Mengíbar, entre otros.
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Estuvo bailando en distintos tablaos en Japón y Madrid cuando en 1998 entra a formar parte de la compañía de Rafael Amargo siendo la primera bailarina de la ésta. Dentro de la compañía estrenó “Poeta en Nueva York” en el 2001 siendo ella la primera bailarina.
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Para el 2002 pasa a formar parte de la compañía de Rafaela Carrasco.
En 2003 participa como artista invitada en el Festival Milenium en el espectáculo “A Tres Bandas” con música de David Dorantes en donde comparte escenario con Lienz Chang, Montse Cortés, Miguel Ángel Berna y Maite Bajo. Con el espectáculo “Amor Brujo”, en donde fue primera bailarina, obtuvo muy buenas críticas después de haberse estrenado en la Quincena Donostiarra.
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Para el año 2004, Pericet estrena como solista y coreógrafa el espectáculo “Bolero, Cartas de Amor y Desamor” en Madrid, el cuál es después es presentado y recibe muy buenas criticas en Barcelona, donde participa Edith Salazar y actúan Lucía Bosé, Terele Pávez, Antonia Sanjuán y Loles León entre otros. Ese mismo año Estre con el Nuevo Baller Español la obra “Tierra” y colabora en el papel de “Ama de Julieta” en la obra “Romeo y Julieta”. Pericet obtiene el 1er Premio a la Coreografía gracias a su participación en el XII Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid con la pieza “Suite en Cámara Negra”.
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En 2005 crea el espectáculo “Cámara negra” junto al bailaor, Manuel Liñan. Ese mismo año crea la compañía “Chanta la Mui” junto con Marco Flores y Daniel Doña, en donde realizan un montaje con el mismo nombre que significa “Callate la boca”. Es artista invitada en la Compañía Residente Miguel Ángel Berna de Zaragoza y participa en el espectáculo “Las trece rosas” de la Compañía Arrieritos.
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Junto con su colega, Daniel Doña, participa en el Ciclo del Teatro Pradillo con “A pedir de Boca”. Daniel Doña la invita a su espectáculo “Estación Seca-Atakedona” junto con Caludia Faci y junto con Marco Flores es artista invitada en el Festival Flamenco de la Fortuna.
En 2006, gana el Premio Pilar López a la Mejor Intérprete de Danza de los Premios Villa de Madrid, por su trayectoria en 2005.
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El segundo trabajo de la compañía Chanta la Mui fue llamado “Complot” el cual fue estrenado en el ciclo La Otra Mirada del Flamenco, luego estrenan el XV Bienal de Flamenco de Sevilla, “En sus 13″. En el 2009 participa con una coreografía para la compañía de Teresa Nieto en el espectáculo “De cabeza”, gracias a esto ganó el Premio MAX a mejor coreografía.
En el 2010 Chanta la Mui, junto con Belén Maya, crean su tercer espectáculo titulado “Bailes alegres para personas tristes” estrenado en el Festival de Jerez. Gracias a este trabajo, Pericet gana el Premio Artista Revelación.
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En 2011, Pericet lanza su primer trabajo en solitario, “Rosa Metal Ceniza”, por el cual recibe una nominación a mejor intérprete femenina de danza en la XV edición de los Premios MAX las artes escénicas. Su segundo trabajo como solista se titula “De una Pieza” el cual fue estrenado en 2012 en la cuarta edición del festival de flamenco Biennale Holanda y festival de Düsseldorf en Alemania.
También es artista invitada del Ballet Nacional de España para la nueva producción “Ángeles Caídos” (2012).
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Published on:
March 1, 2014 10:42
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La Alcazaba de Málaga.Bien de Interés Cultural Patrimonio Histórico de España

Otro de los destinos que podemos visitar en las próximas vacaciones es Málaga, donde podemos deleitarnos ademas del sol, con un paseito a la ciudad y visitar La Alcazaba

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Siglo X–Siglo XV .Estilos predominantes Califal, taifal y nazarí La Alcazaba de Málaga (del árabe al-qasaba, al kasbah, ‘ciudadela’) es una fortificación palaciega de la época musulmana, construida sobre una anterior fortificación de origen fenicio-púnico.
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Se encuentra en las faldas del monte Gibralfaro, en una posición elevada pero contigua y unida al centro histórico de la ciudad, lo que constituía la antigua madina de M?laqa, y en cuya cumbre se halla el Castillo de Gibralfaro. Ocupaba el extremo oriental del desaparecido recinto amurallado de la ciudad, de manera que los frentes de mediodía, poniente y norte quedaban a intramuros.
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Su superficie actual de 15.000 metros cuadrados no alcanza ni siquiera la mitad del tamaño que poseía en su época de esplendor, como demuestran los planos históricos conservados. Según el arquitecto restaurador, D. Leopoldo Torres Balbás, la Alcazaba de Málaga es el prototipo de la arquitectura militar del periodo taifa, siglo XI, con su doble recinto amurallado y gran cantidad de fortificaciones, siendo su único paralelo el castillo del Crac de los Caballeros, fortaleza levantada en Siria por los Cruzados entre los siglos XII y XIII.
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La Alcazaba de hoy día es el resultado de un largo proceso histórico que podría dividirse en cuatro etapas:

El periodo árabe, del siglo X al siglo XV
Tras la Reconquista hasta el siglo XVIII
El del abandono de su estructura militar y deterioro, que abarcaría el siglo XIX hasta los comienzos del siglo XX
Y el de su recuperación como Monumento Histórico Artístico desde la década de los años 30 del siglo XX hasta nuestros días.
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Algunos historiadores musulmanes afirman que fue el rey de taifas bereber, Badis ben Habús, quien ordenó construir la Alcazaba, usando para su embellecimiento mármoles, columnas y estatuas del teatro romano adyacente, pero estudios ponen en tela de juicio esta afirmación ya que existen indicios que plantean que en vez de una labor de construcción, se trató de una restauración de un antiguo recinto amurallado de origen fenicio-púnico.
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Asimismo, anteriormente a Badis ben Habús, la dinastía Hammudí, últimos Califas de Córdoba y reyes de la Taifa de Málaga, que trasladaron durante la Fitna de al-Ándalus la corte califal a Malaqa, utilizaron el recinto de la Alcazaba y sus estancias como residencia palaciega.
Los Almorávides irrumpieron en ella en 1092 y los Almohades en 1146.
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Posteriormente, en 1279, es rendida a Muhammad II Ben al-Ahmar y pasa a formar parte del reino nazarita.
Durante la Reconquista, la Alcazaba constituyó un infranqueable bastión musulmán en la toma de Málaga por Fernando el Católico, quien tras vencer y conquistar a El Zagal en Vélez, sitió la ciudadela que estaba en manos del Hamet el Zegrí y sus Gómeres.

El asedio comenzó el 5 de mayo de 1487 y no logró derrotar al ejército musulmán constituido por tres mil gómeres y ocho mil hombres armados.
El 18 de agosto, Ali Dordux, tras negociar su ciudadanía como mudéjar, rinde la Alcazaba, pero, bajo el mando de el Zegrí y Alí Derbal, el Alcázar de Gibralfaro resistió dos días más hasta sucumbir por el hambre y la sed.
El 19 de agosto de 1487 entraron en la ciudad los Reyes Católicos, izando la cruz y el pendón de Castilla en la Torre del Homenaje de la Alcazaba.
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El rey Fernando entregó a Málaga la imagen de la Virgen de la Victoria, talla de origen alemán regalada por el emperador Maximiliano I al monarca español, que desde ese momento se convirtió en patrona de la ciudad.
Aunque existen testimonios sobre su buen estado de conservación hasta 1675, con el paso de los años, la ciudadela padeció un largo proceso de deterioro, siendo especialmente dramáticos el terremoto de 1680 y el bombardeo de la ciudad de Málaga que hicieron nueve buques franceses desde la bahía en 1693, en el transcurso de la Guerra de los Nueve Años.
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Durante la Guerra del Rosellón en 1794 fue presidio para 479 franceses y se erigió en el recinto, por orden del Secretario de Estado, el Duque de Alcudia, el Hospital Real de San Luis. Más tarde los muros exteriores y parte del recinto interior fueron usados para caserío.
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No fue hasta las primeras décadas del siglo XX cuando comienzan los trabajos de rehabilitación, especialmente desde los años 30 del siglo XX. Los principales responsables de estas labores fueron, entre otros, el crítico de arte Ricardo de Orueta, los arquitectos González Edo, Torres Balbás, Fernando Guerrero-Strachan Rosado y Prieto Moreno, y el investigador y académico Juan Temboury, todos bajo el auspicio del gobernador civil en aquel momento, Emilio Lamo de Espinosa.

Descripción histórica y contemporánea

Murallas almenadas La Alcazaba es una edificación construida sobre la roca y en la que destaca la armoniosa conjunción de las necesidades defensivas y la serena belleza de sus estancias y jardines interiores.
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Desde su construcción, se trataba de una fortaleza urbana, con uso político-administrativo como sede del gobierno y aposento para las jerarquías de la ciudad.
De los 15.000 metros cuadrados de espacio interior que se conservan en la actualidad, 3.478 son de construcciones que podríamos calificar como civiles, 3.516 de edificaciones de carácter militar y el resto es superficie no edificada.

De su estructura original, se ha perdido completamente el denominado Haza de la Alcazaba o Haza Baja, el recinto inferior cerrado y meridional de la Alcazaba, que los castellanos denominarían tristemente “el corral de los cautivos”, y que el Dr. Rodríguez de Berlanga, testigo de su demolición, describía en su obra “Malaca” como estructura de ciclópeos muros y torreones, sin duda, más importantes que los actualmente conservados, ya que constituian la primera línea defensiva frente al mar.
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Asimismo, en la antigua calle del Zagal de la Alcazaba, se encontraba la antigua mezquita-capilla bajo la advocación de San Gabriel que mandó construir el rey Fernando en 1497, hoy también desaparecida. Para llegar a la zona superior del palacio, donde habitaba el cadí o el alcaide de la ciudad, y que aún se conservaba en buen estado en 1675 según relataba D. Cristóbal Amate de la Borda y donde se hospedó S.M. Felipe IV durante su visita a la ciudad en 1625, era necesario atravesar desde el interior de la ciudad tres recintos concéntricos amurallados y alargados, y ocho puertas fortificadas; dos de ellas en recodo, que daban seguridad a sus habitantes, tanto a los reyes y gobernadores musulmanes, que habitaron el palacio taifal y el palacio nazarita, como a los que moraron en el arrabal a intramuros.
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Las torres y los muros han sido reconstruidos en parte, antes y después del paso de la ciudad a manos cristianas. En su construcción se emplearon materiales de acarreo y se reutilizaron piezas del anexo teatro romano, como columnas y capiteles. Las construcciones en los comienzos del periodo musulmán se realizaron de piedra caliza numulítica, de canteras próximas al mar, alternando sillares de canto con otros de frente. Pero esta piedra se descompone muy rápidamente con la humedad, por lo que se tuvieron que efectuar pronto reparaciones.
A finales del siglo XIII o primeros del XIV, se reforzaron los muros y torres, adosándoles muros de mampostería al exterior.

Zona de ingreso al recinto superior.

Patio de los Surtidores. Toda la zona de ingreso sufrió modificaciones recién conquistada la ciudad por los Reyes Católicos.
Una vez traspasada la puerta principal y la llamada Puerta de las Columnas, se ha de subir una rampa con peldaños, que termina en el Arco del Cristo. Éste arco es un pasadizo en recodo abierto en el interior de una torre, cuya parte superior fue reconstruida.
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El arco de entrada, rodeado por un alfiz de ladrillos, descansa sobre pilastras y tiene clave de piedra, que estuvo dorada, en la cual se labró en hueco una llave.
En la estancia alta había un matacán, como así atestiguan dos ménsulas de piedra que sobresalen en el muro. La bóveda del pasadizo es vaida y de ladrillo. En las jambas del arco interior quedan restos de piedra numulítica, de la obra del siglo XI. La puerta fue reconstruida a finales del siglo XIII, como demuestra la llave esculpida en la clave del arco de ingreso.
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Frente a la puerta de salida del Arco del Cristo aparecieron restos de muros romanos de hormigón revestido de estuco rojizo y pequeñas albercas excavadas en pizarra, destinadas a la preparación del garum (pasta de pescado que elaboraban los romanos).
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Plaza de Armas. Se trata de uno de los elementos conservados más interesantes, es una zona llana desde la cual se domina casi toda la ciudad, y donde después de la conquista se instaló la artillería, por lo que se bautizó como Plaza de Armas.
Junto a esta se encuentra la Torre de la Vela y la Puerta de La Coracha, una comunicación al paso murado que la une con el castillo de Gibralfaro. En la Torre de la Vela se instaló una campana después de la conquista de la ciudad. Trabajos arqueológicos realizados por el Dr.Acién han localizado en este enclave vestigios de una primitiva mezquita aljama del periodo emiral, siglo VIII.
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Puerta de los Arcos.El ingreso al último recinto se hace a través de la Puerta de los Arcos y Torre del Tinel. Una vez traspasada la puerta de los Arcos se tuerce a la izquierda para alcanzar la plataforma superior. En las excavaciones de esta parte tan sólo se encontró un silo o mazmorra, donde encerraban durante la noche a las cautivas cristianas que trabajaban de día. Fernando Guerrero Strachan trazó en esta zona una serie de jardincillos en pequeñas terrazas, donde se instalaron una pila de baño romana de mármol, un jabalí labrado en piedra y un enorme pie humano de mármol de época romana también.

Recinto superior: Palacio taifal y nazarí

Patio de la Alberca. El recinto superior, al que solo se accede a través de la puerta abierta en la Torre de los Cuartos de Granada, llamada Puerta Siete Arcos, está protegido en su otro extremo por la gran Torre del Homenaje. Está ocupado íntegramente por el Palacio, que en realidad son dos, los restos de uno taifal y el nazarí, y el barrio de las viviendas o barrio castrense, con ocho viviendas del siglo XI, los baños, el actual taller de restauración y el aljibe.
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Cuartos de Granada. En la parte central del recinto superior se encuentran los “Cuartos de Granada”, donde vivían los reyes y gobernadores. La arquitectura aquí es de estilo nazarí, tratando de conseguir un escenario neutro donde se alternen zonas de luz y de sombra. En los muros de las salas y habitaciones, reconstruidas, existen pequeñas alacenas para exhibir fragmentos de cerámica musulmana hallados en las excavaciones.
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El palacio estaba organizado a base de patios rectangulares y crujías en torno. Hay tres patios subsistentes que tuvieron en sus lados pórticos abiertos por tres arcos, mayor el del centro, disposición típica de los patios islámicos andaluces. Del primero de ellos, el más pequeño, sólo está reconstruido el pórtico sur, con tres arcos de herradura, que descansan sobre dos columnas intermedias de mármol. Este pórtico pertenece a la reconstrucción realizada durante los siglos XIII o XIV.
A occidente del pórtico, y en comunicación con él, existe un pequeño pabellón también reconstruido, abierto en sus cuatro frentes por arcos lobulados de yeso entrecruzados.
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Barrio de viviendas o castrense y Torre del Homenaje.
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En la parte más oriental del último recinto se encontraron las ruinas de un barrio de pequeñas casas formado por tres manzanas entre calles enlosadas. Un pequeño baño y dos viviendas muy pequeñas conformaban la manzana sudoeste y otras dos pequeñas también las de la manzana más oriental. De mayor tamaño eran las tres viviendas encontradas en la manzana sur. La altura máxima de los muros que se han conservado es de un metro. Las puertas de las viviendas estaban compuestas por dos hojas de madera. La distribución de las viviendas estaba muy bien aprovechada: todas con un pequeño patio casi cuadrado, con aceras y crujías alrededor, en torno al cual se distribuían las habitaciones. Algunas de las casas conservan los primeros peldaños de las estrechas escaleras que conducían a la planta superior. El suelo de las habitaciones consistía en una capa de mortero de cal teñida de almagra, aunque algunas conservan losetas de barro y piezas de mármol aprovechadas.
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En el interior de las casas se encontraron zócalos pintados de rojo, con inscripciones en cúfico y dibujos geométricos de lazo de a ocho. En la parte septentrional del barrio había un baño, en donde el agua subía a través de una noria desde un pozo profundo al que llamaron Airon, en el recinto inferior.
El barrio disponía asimismo de un sistema de atarjeas para el alejamiento de las aguas negras, y casi todas las viviendas disponían de letrinas, lo que acredita el alto nivel de civilización que existía.
Al final del barrio se encuentra la Torre del Homenaje de planta casi cuadrada, obra del siglo XIV. Se construyó una vivienda en su parte alta, con salas y patio. De la escalera de subida no quedan huellas.
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Por si este artículo les anima a visitar la Alcazaba, les dejamos un pequeño mapa.

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2. Way in
3. First Angled Gate – Puerta de la Bóveda (Gate of the Vault)
4. Puerta de las Columnas (Gate of the Columns)
5. Exit to the Haza de la Alcazaba
6. Second Angled Gate – Torre del Cristo (Christ’s Gate)
7. Plaza de Armas
8. Silo
9. Puerta de los Cuartos de Granada (Gate of the Halls of Granada) leading to upper precinct
10. Silo, Garden and Patio de los Surtidores (Jets of Water)
11. Torre de Maldonado (Maldonado Tower) and Torre de la Armadura Mudéjar (Mudéjar Ceiling)
12. Patio de los Naranjos (Orange Trees)
13. Patio de la Alberca (Pool)
14. Patio del Aljibe (Reservoir)
15. 11th century dwellings
16. Torre del Homenaje (Homage Tower)
17. Well
18. Dungeons
19. Access to the Coracha and the Gibralfaro
20. Toilets
21. Access to lifts

Esperamos que disfruten tanto como yo con esta maravilla que nos ha dejado la historia.
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Published on:
February 26, 2014 08:18
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Sevilla, una Semana Santa inigualable.

Como quiera que soy “profano e ignorante” en estos temas de celebraciones de Semana Santa, y contando con que habrá muchos que, como yo, quieran visitar alguna provincia andaluza con motivo de las vacaciones de pascua y disfrutarlo en toda su magnitud, vamos a intentar compartir con uds nuestros descubrimientos y empezaremos, como no, por Sevilla.
imageLa Semana Santa de Sevilla es la conmemoración de la pasión y muerte de Cristo a través de las procesiones que realizan las cofradías a la Catedral de la ciudad durante el periodo comprendido entre el Domingo de Ramos y el Domingo de Resurrección. A lo largo de esos días, 61 cofradías realizan su recorrido por las calles y 10 más lo hacen en los 2 días previos, Viernes de Dolores y Sábado de Pasión.
Además de los aspectos religiosos, la Semana Santa en Sevilla es un fenómeno de carácter sociocultural, turístico y económico de gran importancia en la ciudad, está declarada de Interés Turístico Internacional, constituyendo una de las grandes fiestas de primavera, junto a la Feria de abril.

La Semana Santa se vive durante todo el año en la ciudad y las hermandades trabajan día a día en tres pilares fundamentales: formación, culto y caridad. Son múltiples las obras asistenciales que estas instituciones realizan en Sevilla y su Provincia. La estación de penitencia o salida procesional es el principal culto externo de las corporaciones, pero cuentan con numerosos cultos internos a sus titulares a lo largo del año, como novenas, quinarios, triduos y besamanos.
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El Consejo General de Hermandades y Cofradías de Sevilla, es el órgano encargado de la regulación del conjunto de procesiones de la Semana Santa, agiliza trámites y acuerdos con las instituciones oficiales y controla los horarios de paso por la Carrera Oficial. Sus miembros son elegidos cada cuatro años por los Hermanos Mayores de las distintas hermandades. Los desfiles procesionales de la Semana Santa, transforman la ciudad durante ese periodo y son el resultado de la evolución durante siglos de las formas, modos y maneras de las cofradías y hermandades, las cuales cuentan entre sus miembros a personas de todas las clases sociales. En la evolución de estas corporaciones han influido múltiples factores, tanto religiosos como artísticos, sociales e históricos.

Historia de la Semana Santa en Sevilla
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Aunque durante la Edad Media ya existieron cofradías, no es hasta el siglo XVI cuando se consolidan las hermandades de pasión o penitencia como asociaciones que veneran la pasión y muerte de Cristo y le rinden culto con una salida procesional. En sus comienzos, las cofradías sevillanas hacían estación de penitencia a iglesias o conventos cercanos a su templo. En el Sínodo de 1604, el cardenal Fernando Niño de Guevara estableció algunas normas que forman el germen de la actual Semana Santa de Sevilla: las cofradías quedaban obligadas a realizar la estación de penitencia a la catedral y las de Triana debían realizarlo a la Iglesia de Santa Ana, debían vestirse túnicas sencillas de lienzo basto y se prohibía a la mujeres disciplinarse.
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Durante el siglo XVIII la Semana Santa atravesó una profunda crisis, a causa del decaimiento económico y demográfico de la ciudad de Sevilla, de tal manera que en la primera mitad del siglo XIX, todo indicaba que las cofradías estaban a las puertas de su desaparición definitiva. Hacia 1850 solamente había cofradías en la calle el jueves santo y durante la madrugada y tarde del viernes santo. A finales del siglo XIX, en el periodo de la restauración borbónica, las cofradías resurgen en número y esplendor y se empieza a considerarlas un atractivo turístico para la ciudad y su economía.

A este nuevo auge no es ajena la instalación en Sevilla de la “corte chica” de Luisa Fernanda, hermana de la reina Isabel II, y su esposo, Antonio de Montpensier, en el antiguo colegio de marineros de San Telmo. Ellos favoreciendo la celebración de la Semana Santa, impulsando hermandades como Montserrat o La Lanzada, creándose en esos años la tradición del Santo Entierro Magno, que desde entonces se realiza cada cierto número de años, sin una periodicidad fija.
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En el siglo XX, durante el gobierno de la Segunda República se experimentó una fase de enfrentamiento social y político que perjudicó la celebración de la Semana Santa. El año 1932 las Juntas de gobierno de las hermandades tomaron la decisión de no salir en procesión. El alcalde José González Fernández de Labandera, sabedor de la trascendencia de esta medida, trató en sus declaraciones de estimular la normalidad de las procesiones y garantizar su celebración. La hermandad de la Estrella fue la única que, contraviniendo el acuerdo del conjunto de las hermandades, hizo procesión el jueves santo, produciéndose varios altercados de carácter violento durante su recorrido; el incidente más grave fue protagonizado por un militante anarquista que disparó contra el paso de la virgen.
En esta decisión de no salir en procesión, tomada por las hermandades, se combinaron por una parte el temor a los posibles ataques que pudieran producirse y por otra la utilización de la suspensión como herramienta política contra las disposiciones del gobierno republicano en materia religiosa. Durante el año 1933 se repitió la decisión y ya en 1934, tras el triunfo de la CEDA, 14 cofradías volvieron a salir de sus templos durante las fiestas.
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Ya a finales del siglo XXy debido al aumento de cofradías, que pasaban de las 57, se decidió en un momento determinado que las nuevas no realizarían la carrera oficial, saliendo el Viernes de Dolores en recuerdo a los Dolores de la Virgen María y el Sábado de Pasión por sus feligresías. Sin embargo en 2007, se autorizó la salida de la Hermandad del Carmen Doloroso el Miércoles Santo, en 2008 se autorizó también el Lunes Santo la Hermandad de San Pablo y en 2010 la Hermandad del Sol, del barrio del Plantinar, en la tarde del Sábado Santo.

Evolución del número de cofradías entre 1758 y 1990
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Entre los años 1758 y 1808, salieron una media anual de 10,68 cofradías por año, teniendo su mínimo en 1795 en que solo hubo dos cofradías y 1787 con tres. El máximo fue en 1775 con 19 cofradías. Entre los años 1809 y 1874 salieron un media de 8,54 cofradías por años, lo que significa una bajada de más de dos cofradías con respecto al periodo anteriormente expuesto. En este periodo hubo siete años en que no salió ninguna hermandad.
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Recorrido y carrera oficial

Primitivamente las hermandades de Sevilla realizaban su recorrido por los alrededores de las iglesias donde tenían su sede. En 1604 se estableció la obligación de que todas las cofradías tuvieran que acudir a la catedral en su recorrido, excepto para las que tuvieran su sede en Triana que debían dirigirse a la Iglesia de Santa Ana.

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En 1830 la hermandad de la O, fue la primera en atravesar el entonces existente puente de barcas para dirigirse también la catedral

Se denomina Carrera Oficial al itinerario común que deben seguir todas las Hermandades en su trayecto hacia la catedral. Marcada oficialmente por el Consejo de Hermandades y Cofradías de Sevilla, comienza en la plaza de la Campana, continúa por la calle Sierpes, la plaza de San Francisco y la avenida de la Constitución, terminando en la catedral, a la que acceden por la denominada puerta de San Miguel, abandonándola por la puerta de Palos. Al inicio de la carrera oficial, en la Campana, se sitúa el palquillo del Consejo de Cofradías, presidido por el presidente del propio Consejo, y en el que las hermandades solicitan la venia para realizar su recorrido.
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El orden teórico establecido de paso de las cofradías por la carrera oficial es el inverso a su antigüedad, excepto en la madrugada en que el sentido es al contrario. Aunque razones de organización y de horario alteran este orden en distintos casos.

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Pedir «la venia» es la solicitud que realiza cada una de las cofradías de penitencia a su paso por la Campana, para poder efectuar la entrada en la carrera oficial y continuar con su «estación de penitencia». La solicitud la realiza el Diputado Mayor, acompañado por el diputado de Cruz de cada hermandad al representante del Consejo de Cofradías, que controla el cumplimiento de los horarios de paso y registra cualquier incidencia que pueda surgir, la hermandad de El Silencio es la única que realiza esta petición por escrito, en cumplimiento de su voto de silencio durante la estación de penitencia.
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Cabildo de Toma de Horas

Para organizar el paso de las cofradías por el centro de la ciudad, se estableció en 1604 el denominado «Cabildo de Toma de Horas», protocolo donde se reglamentaba, entre otras cosas, la sede canónica de cada hermandad, el día y hora de su salida, así como las calles que debía transitar en su recorrido. Con el tiempo se añadió a este acto la totalidad del itinerario de cada hermandad y varios puntos de control horario en su recorrido.
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El procedimiento se desarrollaba en sus principios en la Capilla de las Doncellas de la Catedral, el Martes Santo, estando presente todos los hermanos mayores, a veces también los mayordomos (en estos momentos ocupan ese lugar los diputados mayores de gobierno).

Entre 1844 y 1880 se realizó en el antecabildo catedralicio y a partir de 1880 pasó a celebrarse el Sábado de Pasión. Durante el siglo XX se ha celebrado en distintos puntos de la catedral, llevándose a cabo actualmente en la Capilla Real ante la Virgen de los Reyes. También se ha cambiado el día de convocatoria al domingo previo al Pregón de Semana Santa (siete días antes del Domingo de Ramos). Con el transcurrir de los años este protocolo se institucionalizó y terminó conociéndose con el nombre determinado en estos momentos.

El cortejo procesional

Cruz de guía
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La Cruz de guía es la insignia que abre las procesiones. Es portada por uno de los hermanos nazarenos en la cabecera del cortejo. En algunas hermandades constituye por sí misma una espléndida obra de arte, por ejemplo la Cruz de guía de la Hermandad del Gran Poder fue realizada en el siglo XVII e incluye representaciones de todos los atributos de la Pasión.

Libro de Reglas
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El Libro de Reglas es una de las insignias fundamentales de las Cofradías, consiste en un libro con las reglas o estatutos de la Hermandad. Es portado por un hermano con la túnica de nazareno, generalmente situado en los últimos tramos del segundo paso. Suele estar ricamente decorado con cantoneras de plata y el escudo de la corporación en el centro, se conservan algunos muy antiguos del siglo XVIII.

Estandarte
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El estandarte es una de las insignias más características, formadas por una gran tela, generalmente de terciopelo y de un color representativo de la Hermandad, que se recoge en forma ovalada y decorativa sobre una barra de plata repujada y rematado siempre por una cruz o crucifijo pequeño. La tela tiene bordado el escudo de la hermandad.

Senatus
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Es una insignia de origen romano, en la cual se pueden leer las letras bordadas S.P.Q.R que singnifican Senatus Populusque Romanus (el senado y el pueblo de Roma). Está inspirado en el estandarte que utilizaba ejército romano que se llamaba signum.

Bocinas
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Tienen significado histórico, pero no litúrgico. Son trompetas de gran tamaño y ricamente labradas de las que cuelgan paños de terciopelo bordado. Tienen una función únicamente decorativa, pues no producen ningún sonido, son un vestigio de las antiguas “Trompetas de Lamento” que en siglos pretéritos eran hechas sonar por los penitentes. Generalmente son portadas por una o dos parejas de nazarenos delante de los pasos.

Los nazarenos
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Los nazarenos son los hermanos que acompañan a los pasos durante el transcurso de la “Estación de Penitencia”. Cada Hermandad tiene establecido en sus reglas fundacionales las características del vestuario de los nazarenos, en lo relativo a túnica, zapatos, insignias y complementos. El nazareno puede llevar cirio, vara, insignia, farol o una cruz sobre el hombro.

Los acólitos
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Son aquellos que, vistiendo dalmática o sotana y sobrepelliz, van inmediatos a las imágenes alumbrándolas o incensándolas. Pueden ser de varios tipos:

Acólitos ceroferarios: Portan las ciriales y se sitúan delante de los pasos. En algunas cofradías, dos ciriales escoltan a la Cruz parroquial o manguilla.
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Acólitos turiferarios: Van incensando las andas de los titulares. Su nombre proviene de la denominación latina de la planta de donde principalmente se obtiene el incienso u olíbano: boswellia thurifera.
El incienso que se quema en la estación y cultos internos suele ser una mezcla de elaboración propia que se realiza en Cuaresma siguiendo una receta antigua.
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Pertiguero: En la terminología cofrade el pertiguero es el responsable de los acólitos, viste ropón largo y porta medallón y una pértiga con la que golpea el suelo para ordenar que sean subidos o bajados los ciriales.
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Monaguillos: Son grupos de niños que visten sotana y forman parte de la procesión en algunas hermandades.
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Los pasos

María Santísima de la Amargura Coronada y San Juan Evangelista.
Constituye el centro de toda la procesión, formado por un conjunto o grupo de imágenes que representan la Pasión.

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Lo más habitual es que las cofradías tengan dos pasos, el primero de Cristo, que puede ser un “nazareno” (Jesús con la cruz a cuestas); un Jesús crucificado o un “misterio” (representación de un episodio de la Pasión protagonizado por Cristo).
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El segundo de los pasos suele llevar una representación de la Dolorosa bajo palio; en algunos casos la Virgen va acompañada por otra imagen como por ejemplo la imagen de la Virgen de la hermandad de la Amargura, acompañada de San Juan Evangelista.
Hay algún caso de cofradía con tres pasos y también alguna con solo uno como Santa Marta o La Mortaja.

El tamaño actual de los pasos oscila entre 2,20 y 2,40 metros de ancho y los 3,50 a 5,5 metros de largo.
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El paso consta de una parihuela cubierta con unos faldones de terciopelo.

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Sobre la parihuela se sitúa una peana construida en madera noble, denominada canastilla que suele estar tallada en estilo barroco, aunque se pueden encontrar también algunas en estilo neogótico, renacentista o romántico. Sobre la canastilla se encuentran las flores, la iluminación formada por candelabros, hachones o faroles y por último las imágenes.
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El llamador o martillo es un aldabón de metal con el que llama a los costaleros. Se ubica en la parte frontal del paso y suele presentar motivos religiosos relacionados con la hermandad.
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Los costaleros

El término costalero es un andalucismo, proviene de costal, y ya aparece recogido en el Vocabulario Andaluz (1ª edición 1934) en dónde se definen a los costaleros como: “los que llevan los pasos de las imágenes, con un costal algo relleno que se colocan en la cabeza y les cae por la espalda”.
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Por lo tanto, los pasos son llevados por los costaleros, que es el nombre que reciben, cada una de las personas encargadas de llevar sobre sí o cargar una de las imágenes o pasos que forman parte de los cortejos procesionales durante la Semana Santa.
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Los costaleros cargan el peso sobre su cuello, sobre la séptima vértebra cervical, protegen esta zona con una tela llamada costal que suele ser de arpillera, las zonas adaptadas para que los costaleros carguen el peso son las trabajaderas. Desde los años setenta del pasado siglo, los costaleros suelen ser hermanos de cofradía, con anterioridad eran la mayoría eran cargadores profesionales del puerto de Sevilla. Se denomina chicotá al trayecto que recorre un paso desde que se levanta (levantá), hasta que detiene la marcha (arriá).
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El capataz
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El capataz es la persona responsable de conducir un paso en procesión, jefe de la cuadrilla de costaleros a los que manda y ordena. Se le puede ver siempre en la parte delantera del paso, al cuidado del llamador con el que hace ejecutar sus órdenes.
Hay capataces famosos que han creado escuela, y un estilo a la hora de llevar los pasos. Familias como los Ariza o los Santiago, los Villanueva, Bejarano (famoso por darle los andares que llevan el Gran Poder o La Lanzada), Salvador Dorado “el penitente”, “Rafael Franco”…
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Escultores

Siglos XVI y XVII

El Señor de Pasión (1619) es una obra cumbre de Juan Martínez Montañés
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Tras el Concilio de Trento se promueve el culto a la imagen sagrada. Algunas de las que procesionan en Sevilla son obras de los más destacados escultores del barroco español:
Juan Martínez Montañés: el Señor de Pasión (1619).
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Juan de Mesa: Señor del Gran Poder (1620), Cristo de la Buena Muerte (1620) (Hermandad de Los estudiantes), Cristo del Amor (1618) y Cristo de la Conversión del Buen Ladrón (Hermandad de Montserrat).
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Andrés de Ocampo: Cristo de la Fundación (1622).
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Juan Bautista Vázquez el Viejo: Cristo de Burgos (1573).

Francisco de Ocampo y Felguera:Cristo del Calvario (1611).
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Francisco Ruiz Gijón: El Cristo de la Expiración (El Cachorro)
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La Roldana: Virgen de la Estrella (atribución).
Pedro Roldán: Cristo del descendimiento (1650-1660) (La Quinta Angustia), el Nazareno de la O (1685) y el Cristo de la Misericordia de la Hermandad de Santa Cruz.
Felipe de Ribas: Jesús de la Divina Misericordia, titular de la Hermandad de Las Siete Palabras (1641).

Siglo XVIII
Cristóbal Ramos (1725-1799): Talla de María Santísima de las Aguas, perteneciente a la Hermandad del Museo (1772).
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Siglo XIX
Juan de Astorga: Virgen de la Presentación de la Hermandad de El Calvario, Nuestra Señora de la Esperanza de la Hermandad de la Trinidad (1820).

Siglo XX y XXI
Antonio Castillo Lastrucci: Misterio de la Presentación de Jesús al Pueblo de la Hermandad de San Benito (1928), Misterio del paso de Jesús de la Sentencia de la Hermandad de la Esperanza Macarena (1929), Virgen de la Hiniesta de la Hermandad de La Hiniesta (1937).
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Misterio de Nuestro Padre Jesús Ante Anás y también la Virgen del Dulce Nombre de la Hermandad del Dulce Nombre, Misterio Nuestro Padre Jesús del Soberano Poder en su Prendimiento (Hdad de los Panaderos), Misterio de Nuestro Padre Jesús de las Tres Caídas (Hdad de la Esperanza de Triana)
Sebastián Santos Rojas. Virgen del Refugio de la Hermandad de San Bernardo (1938).
Luis Ortega Bru. Cristo de la Misericordia de la Hermandad del Baratillo, Misterio de la Hermandad de Santa Marta, Jesús del Soberano Poder (1975), Caifás y Nuestra Señora de la Salud para la Hermandad de San Gonzalo, Cristo de la Salud de la Hermandad de Monte-Sion, apostolado de la Hermandad de la Cena.
Antonio Perea Sánchez. Imagen de Jesús de la Hermandad de Jesús Despojado (Sevilla) realizada en 1939.
Francisco Buiza Fernández. Cristo de la Sangre de la Hermandad de San Benito (1966).
Antonio Illanes Rodríguez. Cristo de la Sagrada Lazada (1929).
José Paz Vélez. Nuestro Padre Jesús Cautivo, Nuestra Señora de las Mercedes Coronada titulares de la Hermandad de Santa Genoveva.
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Antonio Eslava Rubio. Virgen de los Dolores y Misericordia de la Hermandad de Jesús Despojado (Sevilla).
Luis Álvarez Duarte. Cristo de la Sed, para la Hermandad de La Sed (Sevilla), Virgen del Patrocinio, para la Hermandad de El Cachorro (Sevilla), Nuestro Padre Jesús Cautivo y Virgen del Rosario, para la Hermandad de Jesús Cautivo (Polígono de San Pablo) de Sevilla y Virgen de Los Dolores de la hermandad de San José Obrero.
José Antonio Navarro Arteaga. Cristo de Pasión y Muerte de la Hermandad de Pasión y Muerte, Jesús de la Esperanza en el Puente Cedrón de la Agrupación La Milagrosa.
Fernando Aguado, autor del Señor de la Caridad (2003) y Simon de Cirene (2013) de la Hermandad de San José Obrero.

Orfebrería

La rica orfebrería que adorna pasos e insignías ocupa un lugar destacado en la Semana Santa de Sevilla. Existen numerosos talleres en la ciudad dedicados a esta actividad. Entre los orfebres más importantes puede citarse a:
Cayetano González. Algunas de sus obras son consideras auténticas joyas de la orfebrería, como los respiraderos, crestería y varales del paso de palio de la Virgen de la Concepción, de la Hermandad de El Silencio, fechados entre 1929 y 1930, o las andas del paso del Señor de la Pasión realizadas entre los años 1940 y 1949.
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Fernando Marmolejo Camargo. Autor entre otras muchas obras, del camarín de la Virgen de la Macarena y los ciriales de plata de la Hermandad de Jesús del Gran Poder (Sevilla).

Bordado

El arte del bordado, sobre todo en los mantos de las vírgenes y bambalinas de los pasos de palio, alcanza gran perfección y originalidad. Destacan entre otros los siguientes:
Juan Manuel Rodríguez Ojeda (1853-1930). Además de bordador fue diseñador y contribuyó con sus innovaciones al cambio estético que se produjo en las hermandades de la Semana Santa de Sevilla en los primeros años del siglo XX. Una de sus obras más conocidas es el manto de la Esperanza Macarena conocido como El Camaronero, terminado en 1900 y considerado como su obra cumbre.
Esperanza Elena Caro (1906-1985). Prolífica artesana en cuyo taller se bordó el manto de la Esperanza de Triana (1945), el palio de la Virgen de las Aguas de la Hermandad de El Museo (1946) y el palio de la Virgen del Baratillo (1953) entre otras muchas obras.
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Música

La música es un aspecto muy importante de la Semana Santa en Sevilla, la mayor parte de las hermandades llevan banda de cornetas y tambores, agrupaciones musicales que incorporan trompetas y trombones, o bandas de música completas que incluyen clarinetes saxofones y otros instrumentos. Algunas hermandades de silencio llevan únicamente música de capilla formada por un trío o cuarteto compuesto por fagot, clarinete y oboe. Las bandas se sitúan detrás de los pasos e interpretan diferentes marchas procesionales.
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Bandas de música

Algunas de las bandas de música más antiguas que tradicionalmente acompañan a las procesiones son las siguientes:
Banda de cornetas y tambores de la centuria romana de la Hermandad de la Macarena. Se desconoce la fecha exacta de su creación, pero está documentada su existencia al menos desde el 5 de julio de 1865.
Banda del Maestro Tejera, fundada en 1910.
Sociedad Filarmónica Nuestra Señora de la Oliva de Salteras, fundada en 1913.
Agrupación Musical Santa María Magdalena (Arahal), fue fundada en el año 1964 y acompaña tradicionalmente a la Hermandad de la Hiniesta el Domingo de Ramos.
Banda de cornetas y tambores Nuestra Señora del Sol, fundada en 1975.
Banda de cornetas y tambores “Las Cigarreras”, fundada en 1979.
Banda de las Tres Caídas de Triana, fundada en mayo de 1980.
Marchas procesionales[editar]
Entre las composiciones más habituales, se pueden destacar por su antigüedad y tradición las siguientes:
• Amargura. Fue compuesta por Manuel Font de Anta en 1919 y está considerada el himno de la Semana Santa de Sevilla. Su nombre deriva de que el autor la dedicó a la Hermandad de la Amargura.
• Virgen del Valle. La partitura es obra de Vicente Gómez Zarzuela y Pérez que la dedicó a la Hermandad del Valle. Se estrenó en el año 1898.
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• Estrella Sublime. Fue compuesta por Manuel López Farfán en el año 1925 y está dedicada a la Hermandad de la Hiniesta.
• Quinta Angustia. Es una de las marchas más conocidas de la Semana Santa en Sevilla. La compuso José Font Marimont en 1895, el cual sintió la necesidad de sustituir la música de cornetas y tambores que por entonces se utilizaba, por nuevos estilos de mayor calidad y menor monotonía.
• Pasan los campanilleros. Fue compuesta por Manuel López Farfán en el año 1924 y está dedicada a la Hermandad de Las Siete Palabras.
• Rocío. Obra de Manuel Ruiz Vidriet fechada alrededor de 1923. Contiene un solo de flauta tomado de la obra de Joaquín Turina La Procesión del Rocío.

Saeta
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La saeta es un canto de tema religioso que tiene su origen en el folclore andaluz y se ejecuta sin acompañamiento durante las procesiones de Semana Santa. La copla consta de varias estrofas de 4 o 5 versos octosílabos.
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Se canta generalmente por seguiriyas o martinetes y su interpretación exige conocer el estilo del cante jondo propio de la tradición musical del flamenco.
Suele cantarse delante de las imágenes, bien desde los balcones o a pie de suelo.
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Sillas para ver los pasos.

Usted puede ver los desfiles profesionales cómodamente sentado en una silla
La junta de gobierno del Ayuntamiento ha aprobado en la mañana de este viernes los precios de las sillas y palcos de la carrera oficial para la Semana Santa de 2014, unos precios que, después de varios años, no experimentarán cambio alguno respecto a 2013. Así lo acordaron los hermanos mayores en el pleno de las hermandades de penitencia, que se celebró el pasado 25 de junio, al considerar que en la actual coyuntura económica no se debían aumentar unas tarifas que ya de por sí se han disparado en la última década, en contra de la opinión del tesorero del Consejo de Cofradías, Tomás Vega, que sí abogaba por una subida para paliar la merma de ingresos que ha sufrido la institución tras quedarse dos mil sillas libres la pasada Semana Santa.

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Los asientos más caros para ver los desfiles procesionales son, como es habitual, los situados en la zona 1 de la Tribuna de la Campana. Los abonados tendrán que desembolsar 147,77 euros, algo más de 4 euros más que en 2012, cuando hubo la última subida.
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Las localidades más baratas para ver las cofradías por su recorrido oficial son los de la Plaza Virgen de los Reyes, a la salida de la Catedral, para los que hay que pagar 67,54 euros. Una silla en la Campana y en Sierpes saldrá por 117,08 euros, mientras que los Palcos de la Plaza de San Francisco oscilarán entre los 758,96 euros y los 559,17 euros. Hace dos años, el Consejo de Cofradías justificaba el incremento de los precios para equilibrar la subida del IVA, que pasó del 18% al 21%, y por el alza que también experimentó el IPC.
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Espero que con esta información puedan disfrutar de la espectacular Semana Santa Sevillana.

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Published on:
February 22, 2014 11:39
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Ir de Setas por Andalucía.

imageY seguimos con la naturaleza… será que con la llegada del buen tiempo nos encontramos con mas ánimo para disfrutarla y hoy vamos a hacer un paseito campestre a por setas…..¿quien se anima?
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Con el otoño, llegan las primeras lluvias y el campo se llena de setas. Si estamos atentos en nuestros paseos las veremos en el suelo, entre las hojas setas, creciendo en los troncos de los árboles o en la madera podrida. Muchas son comestibles, pero hay que tener cuidado, ya que la mayoría se confunden fácilmente con otras cuya ingesta puede ser mortal. Por eso, en las salidas seteras debe regir el principio de precaución, y limitarse a recoger solo las especies que conozcamos a la perfección. Además, hay que tener en cuenta que en algunas regiones la recogida de setas está regulada y se necesita un permiso.

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Si este mundo te atrae pero no tienes muchos conocimientos, lo ideal es unirse a las salidas que organice la asociación micológica de tu localidad. Es una buena manera de aprender, recolectar setas de manera responsable y de pasar un día agradable en el campo. Para ir calentando motores, hacemos una selección de seis zonas andaluzas donde se pueden observar algunas de las setas más típicas de nuestros bosques.
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Espiel (Córdoba)
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El pueblo de Espiel se encuentra situado al norte de la provincia de Córdoba, en plena Sierra Morena. Aunque la vegetación natural son los encinares, en los pinares de repoblación los aficionados a la micología pueden encontrarse los apreciados níscalos (Lactarius deliciossus), de color típicamente anaranjado.
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Jimena de la Frontera (Cádiz)
Gran parte de este municipio gaditano se sitúa en el Parque Natural Los Alcornocales. Aunque crece en todo tipo de suelos, es típico encontrar rebozuelo (Cantharellus palens) en zonas de alcornoques y quejigos. Esta seta de aspecto retorcido y amarillento es muy apreciada por su buen sabor.
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Serranía de Ronda (Málaga)
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En esta zona podemos pasear entre bosques de pinsapo (Abies pinsapo), un abeto muy peculiar que se refugió en las montañas andaluzas tras la última glaciación. En el pinsapar se encuentran setas como la oronja o amanita de los césares (Amanita cesarea) y, en primavera crecen las colmenillas (Morchella crassipes), fácilmente reconocibles por su aspecto reticulado que recuerda a un panal de abejas.
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El Andévalo (Huelva)
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La `seta estrella´ de la comarca del Andévalo onubense es la trufa blanca (Tuber magnatum), una especie muy rara que además no se puede cultivar y solo se conserva fresca unos días. En primavera también crece el gurumelo (Amanita ponderosa), endémica de la zona centro y oeste de la Península Ibérica.
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Parque Natural Sierras de Cazorla, Segura y Las Villas
El mayor espacio protegido de España es también un paraíso setero. Níscalos (Lactarius deliciossus), seta de cardo (Pleurotus eryngii), seta de chopo (Agrocybe aegerita)… entre las muchas especies que los aficionados a la micología recogen aquí, destaca sin duda la trufa negra (Tuber melanosporun), que vive bajo tierra en simbiosis con las raíces de los árboles, generalmente encinas o robles.
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Sierra de Aracena (Huelva)

Los bosques de la Sierra de Aracena se prestan especialmente para una escapada de otoño. Además de castañas, el visitante con suerte puede encontrar boletos (Boletus sp) y los gallipiernos o parasoles (Macrolepiota procera).
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February 20, 2014 10:45
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Entre Cadiz y Málaga: Parque Natural de Los Alcornocales , última selva mediterránea.

imageEl parque natural de Los Alcornocales es un parque natural declarado por el Parlamento de Andalucía en 1989. Comprende una gran franja con orientación sur-norte entre la zona costera de Tarifa, en el mismo Estrecho de Gibraltar, hasta las sierras del interior, en los municipios de Cortes de la Frontera, Ubrique y El Bosque. Con una superficie 167.767 ha, es uno de los parques naturales más grandes de España.
Es una de las diez maravillas naturales de Europa.
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La mayor parte del parque natural pertenece a la provincia de Cádiz y sólo una parte es de la provincia de Málaga, con territorio de 17 municipios diferentes, Alcalá de los Gazules, Algar, Algeciras, Arcos de la Frontera, Benalup-Casas Viejas, Benaocaz, Castellar de la Frontera, El Bosque, Jerez de la Frontera, Jimena de la Frontera, Los Barrios, Medina-Sidonia, Prado del Rey, San José del Valle, Tarifa, Ubrique y Cortes de la Frontera y una población total de unas 380.000 personas.
Casi la totalidad de su territorio lo ocupan masas forestales de bosque autóctono mediterráneo, con muy diferentes aprovechamientos, forestal, ganadero, cinegético, recolecta de setas y brezo, aunque lo más destacable es su producción de corcho.
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Su variedad paisajística, de fauna y de vegetación de tipo mediterráneo y de ribera son excepcionales a nivel ibérico, así como spatrimonio cultural.

Clima
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Dada la posición geográfica de Los Alcornocales, el clima dominante en la zona es, lógicamente, mediterráneo con influencia atlántica, pero una serie de factores contribuyen a singularizarlo. En primer lugar, la cercanía al mar provoca un efecto amortiguador de la oscilación térmica, manteniéndose éstas muy constantes y suaves durante todo el año. A ello hay que unir unas lluvias anuales que superan prácticamente los 800 L/m², llegando en determinadas zonas a más de 1.400 gracias a los frentes oceánicos que lo barren de oeste a este durante los meses de otoño, invierno y primavera. En las sierras del sur, cabe destacar además la presencia de nieblas veraniegas conocidas como las barbas del levante, que proporcionan humedad ambiental y valiosísimas precipitaciones horizontales en la larga estación seca característica del clima mediterráneo.
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Todos estos factores contribuyen a crear un microclima especial, de características muy similares al existente en zonas subtropicales y macaronésicas, que favorece el crecimiento de una exuberante vegetación selvática, que ha sido el origen del calificativo otorgado a Los Alcornocales: la última selva mediterránea.
El viento es también un factor a tener muy en cuenta en el Parque. La cercanía del estrecho de Gibraltar y la disposición norte-sur de las serranías más litorales, condiciona su frecuencia e intensidad, llegándose a alcanzar los valores más altos de toda la península ibérica, prueba de lo cual es la existencia del mayor campo de producción de energía eólica de toda España.
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Vegetación
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El parque se caracteriza por el bosque de alcornoque más extenso de España y uno de los más grandes del mundo, en un magnífico estado de conservación aunque manteniendo el aprovechamiento humano del corcho. A diferencia de los montes alcornocales de otras latitudes donde la espesura es baja, en esta zona los árboles forman auténticos bosques acompañados de una rica y variada vegetación arbustiva y herbácea en íntima conexión, que asegura la regeneración natural del bosque, una buena mezcla de edades, y una biodiversidad florística y faunística muy elevada.
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Pero, además de alcornocales, el Parque tiene representadas otras masas forestales importantes tanto cualitativa como cuantitativamente. Merecen destacarse los bosques de quejigos o robles andaluces, relictos de épocas pasadas que conforman bosques de indescriptible belleza, donde la humedad ambiental y edáfica es la protagonista, con los troncos y ramas colonizados por líquenes, musgos, helechos epífitos y algunas plantas superiores que trepan en busca de la necesaria luz que escasea al nivel de suelo por causa de la elevada densidad de la cubierta y el gran tamaño que alcanzan las hojas de éste árbol. También es normal la presencia de otras especies típicas del bosque mediterráneo, como acebuches, y roble melojo.
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El terreno es de sierras relativamente suaves, de hasta 1.000 msnm, con algunos valles encajonados denominados canutos en los que corren pequeños arroyos de montaña, que propician la otra característica fundamental del parque y la comunidad vegetal más relevante desde el punto de vista científico, unos bosques de galería de tipo subtropical o laurisilva que son únicos en la Europa continental, con presencia de laurel, rododendro, avellanillo, durillo, aliso, acompañados por acebo y helecho, sumamente raro en estas latitudes, aunque este tipo de vegetación ocupaba la mayor parte del centro y sur de Europa durante la Era Terciaria. Los Alcornocales cuenta con el honor de poseer en varios de sus canutos el tipo de planta vascular más antigua que vive sobre la tierra, un helecho que únicamente puede encontrarse en varias zonas tropicales del planeta en áreas alejadas varios miles de kilómetros de su ubicación europea.
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Suelo, humedad y aprovechamiento tradicional han sido los factores determinantes para mantener la mayor masa conservada y productiva de alcornocal de la Península Ibérica, el Parque Natural Los Alcornocales.

Situado en la provincia de Cádiz y parte de Málaga, se extiende desde la sierra hasta el joven Parque Natural del Estrecho, presentando gran diversidad de relieves y paisajes. Esta riqueza se refleja en todos los ámbitos: flora, fauna, climatología, historia y folklore, constituyendo un lugar ideal para visitar y disfrutar de actividades tan diversas como la recolección de setas y la práctica de deportes en la naturaleza.

El primage

imageincipal responsable de esta riqueza es el agua, presente en numerosos ríos, arroyos y embalses que, además de abastecer a la provincia, son aptos para la pesca y actividades recreativas. Pero sobre todo destaca la humedad proveniente de la costa, que se acumula formando bosques de niebla en valles estrechos y profundos denominados canutos. En estas condiciones se conserva una flora muy singular, perteneciente a la Era Terciaria, la Laurisilva. Se caracteriza por hojas lisas y brillantes, que aprovechan la humedad y escasa luz que dejan pasar los alisos que bordean los canutos. Así, entre el aroma del laurel, la belleza del ojaranzo en flor, elegantes durillos y acebos, se caminará por esta especie de selva, en compañía de los sonidos del mirlo acuático, el hábil martín pescador y las currucas o pinzones, que se esconden entre los helechos.
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Los suelos de arenisca, que han favorecido el denso alcornocal, también albergan quejigos y roble andaluz en las zonas más húmedas. En estos bosquetes cazan las águilas calzadas, culebreras y ratoneras, además de azores, gavilanes y cárabos. En las alturas, asoman las rocas y sobre el suelo pobre aparece la herriza, denso matorral achaparrado de distintas especies adaptadas a suelos ricos en metales como el aluminio, entre las que abundan, por ejemplo, las aromáticas. En este espacio habitan la cabra montés y numerosas aves rapaces, destacando el buitre leonado, alimoche, águila perdicera, búho real y halcón peregrino.
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En las zonas bajas y arcillosas aparece el acebuchal aclarado desde tiempos inmemoriales para dejar paso al pasto que alimentará el ganado típico de la zona, la vaca retinta. En las laderas, aparece el matorral mediterráneo, con jaras, brezos, cantuesos, torviscos y majuelos. Por ellos discurre el corzo morisco, autóctono y emblema de caza mayor, además del gamo, ciervo y carnívoros como ginetas, tejones y sobre todo meloncillos, con la mayor población de la península.
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En un Parque tan completo y diverso, caben otras actividades, que van del montañismo en el pico del Aljibe o el Picacho; la espeleología en el enclave Ramblazo-Motillas, o el descenso de cañones en La Garganta de Buitreras, una de las pocas áreas preparadas para esta práctica de riesgo y que por su singularidad ha sido declarada Monumento Natural. Para los más tradicionales se recomiendan las rutas a caballo, como las establecidas en La Almoraima.
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Conviene completar la visita al Parque Natural con un paseo por los pueblos que lo conforman: Jimena de la Frontera, Alcalá de los Gazules o Castellar de la Frontera son algunas de las posibilidades. Su rico patrimonio cultural y gastronómico se convierten en otros dos reclamos más del espacio.
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NO TE VAYAS SIN …
ACERCARTE A LA SAUCEDA ADENTRARTE EN UN CANUTO CONOCER LA ARTESANÍA DE CORCHO
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Published on:
February 17, 2014 09:40
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cortes de la Frontera, municipio privilegiado por la naturaleza

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Los parques naturales de Los Alcornocales (170.000 hectáreas) y Sierra de Grazalema (50.000 hectáreas) convergen en el municipio de Cortes de la Frontera, en el que adentran buena parte de su extraordinaria riqueza medioambiental, lo que, a ojos del visitante, se traduce en la percepción de un entorno paisajístico absolutamente privilegiado. Las grandes masas forestales de alcornoques que cubren gran parte de este territorio continúan en tierras gaditanas, pero antes de traspasar la frontera malagueña han conformado en ésta algunos lugares que, sin caer en hipérboles gratuitas, pueden calificarse de paradisíacos

Visitas Destacadas: Casa Consistorial, iglesia de Nuestra Señora del Rosario, Casa de los Valdenebros, Plaza de Toros, Casa de Piedra.
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Situación Geográfica: en el extremo más occidental de la provincia de Málaga, en la Serranía de Ronda, limitando con la provincia de Cádiz. El pueblo se encuentra a más de 600 metros de altitud sobre el nivel del mar, dista 40 kilómetros de Ronda, 20 de Benaoján y 159 de la capital de la provincia. La precipitación media es abundante (1.160 l/m2) y la temperatura media apenas rebasa los 16º C.

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El paraje de la Sauceda o el tajo de las Buitreras, junto a la barriada de El Colmenar, son tan sólo dos ejemplos de la generosidad con que la naturaleza ha tratado a este municipio. El primero está perfectamente equipado para acampar y, así, tomarse el tiempo que se quiera para disfrutar del entorno, y el segundo –las Buitreras-, con un acceso más dificultoso, recompensa el esfuerzo realizado en llegar a él con un espectáculo sorprendente: el curso del río Guadiaro encajonado entre unas paredes de más de 100 metros de altura.
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Los orígenes de Cortes de la Frontera se remontan, al parecer, a los siglos XII y XI a.C., cuando los fenicios llegaron a esta zona, donde ya se habían instalado los tartesos. Siglos después aparecieron los griegos, puede decirse que fugazmente, tal como lo hicieron en general en las costas andaluzas, y tras los griegos, los romanos, de cuya época sí han quedado suficientes testimonios: los vestigios de de la población de Saepona, a 28 kilómetros del actual casco urbano, y las ruinas de Cortes el Viejo, a sólo dos kilómetros del pueblo y en un enclave desde el que se domina un buen trecho del río Guadiaro.

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Los musulmanes se enfrentaron a los visigodos en tierras de Cortes en el año 711 y en un lugar aún hoy reconocible, a decir de algunos investigadores. A la muerte de Almanzor (1002), Cortes dependió, alternativamente, de los reinos de Sevilla y Granada e incluso de los de Ronda y Algeciras. Fernando III el Santo conquistó la villa en 1248, pero después pasó nuevamente a manos de los musulmanes hasta que en 1485, el marqués de Cádiz, Rodrigo Ponce de León, la tomó en nombre de los Reyes Católicos. Esta alternancia entre un reino y otro no era infrecuente en los pueblos que en su denominación incluyen el genérico ‘de la Frontera’.
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“expediciones fenicias, que se enfrentaron con los tartesios, a los que derrotaron, quedando asentados en esta zona y aportando numerosas prácticas agrícolas y comerciales. Pasados tres siglos, llegaron los griegos, rivales de los antiguos pobladores en cuanto a la explotación del comercio. Pero su situación era insegura debido a que casi todas las costas cercanas se encontraban en poder de los cartagineses. La colonización griega, como en el resto de Andalucía duró poco tiempo, lo que no impidió el vigoroso impulso que dieron a la civilización en todos los órdenes. El pueblo que más huella ha dejado en Cortes es el romano, del que toma incluso su nombre, que significa baluarte o coraza.
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De su estancia dan testimonio los restos de templos, monumentos, estatuas, puentes y acueductos, e incluso una importante población de grandes dimensiones, Saepona, que se encuentra a unos ocho kilómetros del Cortes actual y las ruinas de Cortes el Viejo, a unos dos kilómetros, situado en una ladera de la sierra Blanquilla, desde donde se domina el curso del río Guadiaro.

Entre los hombres ilustres de la época destaca Almanzor, el victorioso, que poseía numerosas tierras en Cortes. Tras su muerte, la villa tuvo una vida agitada, pasando del reino sevillano al granadino, y hasta en alguna época al de Ronda y Algeciras. Fue conquistada el 22 de diciembre de 1248 en una campaña del rey San Fernando. Vuelta a conquistar por los musulmanes, pasó a depender con toda su población mozárabe del reino de Granada.”
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El marqués de Cádiz, don Rodrigo Ponce de León, hizo su entrada en Cortes en nombre de los Reyes Católicos hacia el año 1485. El emplazamiento actual es del siglo XVII, época en la que empieza a adquirir importancia la explotación del corcho, que aún hoy sigue siendo una de sus principales riquezas
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El actual emplazamiento del casco urbano es más reciente puesto que tiene su origen en el siglo XVII. Fue entonces cuando la explotación del corcho, una de las principales fuentes de riqueza de la localidad, empieza a tomar auge, y aún hoy continúa siendo uno de los pilares de la economía de Cortes de la Frontera.

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Teniendo en cuenta la época del origen del pueblo, su estructura urbana se diferencia notablemente de la de otras muchas localidades serranas, de herencia morisca. Además, Cortes de la Frontera presenta la particularidad de contar con tres núcleos urbanos (algo que en la provincia de Málaga no es privativo de este pueblo, pero no por ello dejar de ser infrecuente): el centro principal, que es el propio Cortes de la Frontera, El Colmenar y La Cañada o la Estación de Cortes.
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Cómo llegar
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Desde la Costa del Sol, por la autopista AP-7 (N-340) se enlaza, a la altura de Manilva, con la A-377 hasta Gaucín. Hay que continuar por la A-369, y a unos siete kilómetros se toma el desvío que conduce a Cortes por la A-373. Si se parte de la ciudad de Ronda hay que bajar hacia el sur por la A-369, y tras dejar atrás Algatocín, adentrarse en la A-373.

Ermita
Ruinas de una antigua ermita ubicada en lo que fue el poblado de “La Sauceda”, actualmente, área recreativa de La Sauceda. La Ermita fue usada como escuela en su día. El poblado data del s. XVl , habitado entonces por partidas de bandoleros que terminaron por someterse al rey Felipe II.
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Llegando a su máximo apogeo a primeros del s. XX, fue durante la Guerra Civil cuando se refugiaron en el poblado numerosas personas contrarias al régimen franquista, lo que desembocó en un brutal bombardeo por la aviación del bando nacional en 1937 y la consiguiente destrucción del próspero poblado de La Sauceda, ahora utilizadas para turismo.

Fuente de los Cuatro Chorros
Se encuentra en la Calle Real, muy cerca de la Plaza de la Constitución, de la Plaza de Toros y de la Iglesia de Ntra. Sra. del Rosario. La estructura de la edificación presenta un gran muro frontal ornamentado con motivos barrocos, que está rematado por una espadaña con tejadillo a dos aguas, en la que se encuentra una imagen de la Virgen.
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De la parte del muro que está adornada con azulejos, sobresalen los cuatro caños de bronce que dan nombre a la fuente. En las baldosas de cerámica se representa el escudo de la villa. A pesar de la antigüedad de la fuente, se intuye que su aspecto actual se debe a una reconstrucción, posiblemente realizada a mediados del siglo pasado.

Fuente del Pilar Cortes el Viejo
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Se desconoce con exactitud la propiedad de esta surgencia de agua, pública o privada, la cual tiene asociada un abrevadero y una caseta de protección. Se encuentra en el Cortijo del Rosario, pie de la pista forestal que sube a Sierra Blanquilla y concretamente en el paso del sendero PR-A 252 que desde Montejaque nos conduce a Cortes de la Frontera (o viceversa) pasando por los “LLanos de Libar” donde también podemos visitar la “Fuente de Libar” entre otras.

Iglesia de Ntra. Sra. del Rosario
Se ubica en la Plaza de la Constitución, junto a la Calle Real donde se encuentran la Capilla y la Casa de los Valdenebro. La iglesia fue construida a finales del siglo XVIII y consta de tres naves separadas por arcos de medio punto apoyados sobre pilares de base cuadrada, con bóveda de medio cañón en la central.

En el interior destaca la capilla mayor así como los brazos de crucero con bóvedas de medio cañón. Y a sus pies el coro-tribuna con balaustrada de madera y soto-coro con bóveda de medio cañón rebajado. En el exterior deben señalarse las portadas de piedra del hastial y de la nave de la Epístola. La torre, adosada a la cabecera y realizada en ladrillo, piedra y mampostería, es de tipo prismático.

La Sauceda
Ya nos hemos referido a esta zona, es un núcleo recreativo ambiental. Su paisaje se compone de barrancos densamente poblados por alcornoques y quejigos que captan la humedad y la lluvia de las brisas oceánicas. Arbustos, helechos y rocas tapizadas de verde musgo decoran el interior de un bosque encantador, del que emergen altaneros riscos con personalidad propia.
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Luminosos claros formados por “lagunas”, “albinas”, “hoyos” y “bujeos”; orlados por fresnos y acebuches que perfumados con la fragancia de la menta poleo, se alternan con la espesura hasta superar los mil metros en las cumbres del Campo de Gibraltar siendo último balcón de la Serranía de Ronda.

Parque mirador de las Camaretas
Es uno de los paseos aconsejados más aconsejados, regala espléndidas vistas. Desde el mirador se obtienen unas excelentes vistas del valle del Guadiaro, Jimera de Líbar, Sierra Crestellina en Casares y el Campo de Gibraltar.
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Torre del Paso

Antigua torre atalaya construida por los árabes en el siglo XIII, con la finalidad de vigilar el camino que unía Gaucín, por el Puerto del Espino, con Ubrique. La torre se encuentra bastante deteriorada, es de planta circular y tiene dos pisos conectados por una escalera que se retiraba una vez dentro.

La terraza superior de la torre era la zona de vigilancia y desde allí se emitían señales visuales a otras torres y castillos en caso de peligro. Desde el piso superior se puede ver gran parte del Valle del Guadiaro y las sierras que lo circundan.
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En la parte malagueña del Parque Natural Los Alcornocales se esconde uno de los lugares con mayor historia y leyenda de la zona: La Sauceda. Llegarás a ella desde la carretera C-3331. Su nombre no es casual, ya que en ella durante siglos se refugiaron bandoleros y desahuciados. En la actualidad, es un complejo recreativo y punto de partida de rutas cicloturísticas y senderos señalizados. Se aconseja la visita en primavera, cuando el rododendro se encuentra en floración.

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Como recuerdo de un pasado clima tropical, Los Alcornocales acoge una formación vegetal muy interesante y única en España: los canutos. Laurel, avellanillo y rododendro son las especies más significativas de estos bosques en galería, que crecen aquí por las particulares condiciones climáticas de los estrechos valles encajonados por los cursos de agua. Senderos señalizados como Río de la Miel o Canuto de Risco Blanco te permitirán transportarte muy atrás en el tiempo.

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Durante el verano, para que el árbol sufra lo menos posible, se realiza la saca del corcho, dejando desnudos los alcornoques. La operación se repite en cada alcornoque cada nueve años, tiempo suficiente para que el árbol regenere su corteza protectora. Además de servir como tapón para botellas de vino de todo el mundo, en la zona podrás adquirir diferentes productos artesanos realizados en este material, como enseres para el hogar y monederos.
Pero el parque natural de los Alcornocales merece dedicarle especial atención en capitulo a parte que con gusto presentaremos otro día.
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Ana Fargas,cantaora y actriz paya.

ANA MARÍA FARGAS MUÑOZ, cantaora y actriz paya, mas conocida en el mundo del arte del cante flamenco con el nombre artístico de ANA FARGAS, nació en Algeciras (Cádiz) en el año de 1980, es de familia algecireña arraigada a la música. image
A muy temprana edad se traslada a Estepona (Málaga) donde nacen sus dos aficiones, el flamenco y el teatro. Ha realizado el curso de cante de la Escuela de Arte Flamenco de Estepona para el fomento de la Cultura Andaluza y el curso en la Escuela Superior de Arte Dramático de la Universidad de Málaga.
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De Paco Javier Jimeno sobran los elogios pues, pese a su juventud, atesora un palmarés del que muy pocos pueden presumir. Es uno de los guitarristas flamencos más premiados de la actualidad: en sus vitrinas tiene tres de los premios más importante que reconocen a un gran guitarrista: el Bordón Minero (Festival del Cante de las Minas de La Unión), el Premio Manolo de Huelva (Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba) y el de Jóvenes Intérpretes (Bienal de Flamenco de Sevilla). Es un guitarrista espectacular, con una técnica depurada que pone al servicio de los artistas que acompaña.

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Ana Fargas ha ganado mucho como cantaora y está consiguiendo unas formas propias y una estética que basa en la expresión y en su emocionante capacidad de transmisión, que hacen de ella una artista con personalidad distinguible pues bebiendo en las mejores fuentes va consolidando una desenvoltura flamenca que la hace ser distinta a las demás.
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Hoy la cosa está difícil, pero cantar personal ayuda a ser reconocida antes. Ana Fargas va camino de ese exitoso objetivo. Su juventud la aboca al estudio permanente. Y su ambición y su talento la debieran conducir al reconocimiento general, que de seguir así no tardará en llegar.
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La joven cantaora interpreta malagueñas de la escuela de La Trini, con preciosos textos poéticos, que adorna con las rondeñas natural y al estilo de Rafael Romero, alegrías con aportes personales, peteneras recordando a la Niña de los Peines pero con matices propios, tangos, que fueron de Extremadura a Málaga, y los muy bien cantados y mejor dramatizados cuplés por bulerías.
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Su innegable vocación de actriz propicia la mejor interpretación de los cantes, pues lejos de ser una dificultad es un mérito añadido, ya que hay veces en que el cante se transforma en su cara y en sus gestos, que parece como si nos quisiera hablar directo al corazón. Y como no hay palabra hablada sino cantada, pues el grito lo convierte en mensaje para provocar la emoción de quienes la escuchamos.
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Su arte nace en ella
como un rayo del sol,
que ilumina los campos
con radiante resplandor,
para guiar los caminos
del mejor flamenco
que dios le otorgo.

Sus inicios comienzan a los nueve años formando parte del grupo artístico de la Ópera Flamenca “ Xeb-Alhamar Su Voz” como cantaora e intérprete, con la que ha recorrido diferentes lugares por todo el territorio nacional. Con el Instituto Cervantes, y a través del Festival del Cante de las Minas, ha realizado la gira internacional con el espectáculo “NOVÍSSIMO” en lugares como Dublín, Leed, París, Londres, Estambul, Marruecos… compartiendo escenario con diversos artistas como Rocío Bazán, Bonela Hijo y David Morales.
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Ha sido componente artístico como solista de la obra “Sueños de Libertad” del autor Manuel Sánchez Bracho, dirigido musicalmente por el guitarrista Paco Javier Jimeno, estrenada en el “Primer encuentro Internacional de Peñas Flamencas” en Estepona y representada posteriormente en el Festival Internacional del Cante de Las Minas (La Unión, Murcia).
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Es vocalista del grupo instrumental de flamenco “CAÑADÚ” donde ha realizado conciertos por toda la geografía española. También forma parte del grupo municipal de teatro del Excelentísimo Ayuntamiento de Estepona. Obtuvo el Primer premio de Cantes Festeros y Compás del Festival de Calasparra (Murcia). Ha participado en diferentes espectáculos navideños como “Navidad Flamenca”, “Retablo Flamenco” y “Navidad Suena a Mujer” y en diferentes intercambios de peñas flamencas de toda Andalucía. Otra de sus colaboraciones ha sido con el grupo sevillano “SON DEL SOL”.
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De la mano del percusionista Chico Fargas, ha conocido la música instrumental de diversos estilos. Ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Málaga donde intervino como autora de la letra de una pieza de Piazzola y Camarón con el grupo Che-Camerata; con este último grupo también colaboró en la presentación del disco “Saluda”.

De su larga lista de actuaciones podemos destacar otras participaciones como en el concierto de cante en el “XVIII Festival Internacional de guitarra de Fribourg”, en el estreno del espectáculo “Abrazados” en el Festival de Jimena de la Frontera, en el recital de cante flamenco de la peña flamenca “La Tertulia” de Ceuta, en el “XXV Festival Flamenco” de la Estación de Jimena, en el concierto de guitarra y cante del “XIV Festival de Flamenco San pedro del Pinatar (homenaje a Camarón de la Isla), en el “X Festival de Jerez 2006” y en el “LIV Festival Internacional de música y danza de Granada”. Ha compartido cartel con diversos artistas entre los que destacan Cancanilla de Marbella, David Lago, Chano Lobato y Luis el Zambo entre otros.
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Julio 2013.La peña ‘Carmen Linares’ acoge a los jóvenes artistas .La cantaora Ana Fargas deslumbró con su actuación en Linares dentro del circuito ‘Ocho Provincias’

La peña linarense flamenca femenina ‘Carmen Linares’ da acogida la tercera edición del circuito ‘Ocho Provincias’ con un exitoso concierto a cargo de la joven cantaora Ana Fargas, y Francisco Javier Jimeno al toque.
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Una actuación de «gran calidad y completa» como señalan desde la peña linarense que de nuevo ha permitido disfrutar a los amantes del flamenco en la ciudad de una de las jóvenes artistas en potencia de Andalucía.
Precisamente, el circuito ‘Ocho Provincias, que este año rinde homenajea los cantaores Antonio Mairena y Manolo Caracol, tiene por objetivo la promoción de jóvenes valores del arte flamenco, por lo que las personas participantes son artistas menores de treinta y cinco años que actúan fuera de sus provincias.
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Una finalidad que es compartida por parte de la peña ‘Carmen Linares’, que hace tan sólo unas semanas celebraba su II Bienal de Cante y Guitarra Flamenca en la ciudad minera, con un enorme éxito de participación, y que por ello acogen desde su puesta en marcha las actuaciones de esta iniciativa organizada por la Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco y la Confederación de Peñas Flamencas de Andalucía.

Junto con la peña ‘Carmen Linares’, también los amantes del buen flamenco de ‘La Taranta’ participan en la tercera edición de este circuito que realizará un total de 14 recitales en la provincia de Jaén, y un total de 80 actuaciones en toda la comunidad autónoma andaluza.

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February 12, 2014 23:46
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Maria del Monte, la reina de las sevillanas.

María del Monte Tejado Algaba (Sevilla, Andalucía, España, 26 de abril de 1962), conocida artísticamente como María del Monte, La Reina de las Sevillanas, es una cantante española de sevillanas y de copla, así como presentadora de radio y televisión.
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Hija de Bibiana Algaba Barragán1 (1925) y de Antonio Tejado Vargas († 2005), es la menor de cinco hermanos, y la única mujer. Tras ganar el concurso televisivo Gente joven, cuya final se celebró en Ceuta en 1982, editó su primer disco.

El segundo, titulado Cántame sevillanas se convirtió en poco tiempo en un éxito, consiguió 3 discos de platino, su tema más popular fue Cántame, este tema que habla sobre el camino hacia El Rocío hizo que empezara a ser popular en España, especialmente enmarcada dentro del llamado Boom de las sevillanas.
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Con el paso del tiempo y con varios discos ha conseguido ganarse al público y es llamada “Reina de las sevillanas” por uno de sus discos con ese nombre.

Además de su actividad artística como cantante de sevillanas y en el mundo de la copla, María del Monte es presentadora de programas en radio y televisión.
En 1993-1994 presenta Vamos juntos de Canal Sur Radio.
En 1996 pasa a ser presentadora en televisión, debutando en Antena 3 con el espacio semanal Al compás de la copla (1996). Ha colaborado en los programas Los debates de Hermida en Antena 3 Televisión (2000) , y en El club de Flo (2006) en La Sexta.
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En TVE presentó La canción de mi querer, Esa copla me suena (1998) y Especial Feria de Abril.
En 2000 ficha por Canal Sur Televisión y presenta Cántame (2000), Contigo (hasta la temporada 2002), galas de verano y Nochebuena flamenca (2003), en 2004 presenta el Especial de Nochebuena, un año más tarde trabaja para FORTA en Shalakabula.
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Posteriormente presenta las galas de primavera, así como el especial 10 años de Rocío y el programa especial Rocío Jurado, un año después, también participó en el programa concurso de TVE Mira quién baila en 2005, y presenta su popular magacín diario en Canal Sur Televisión: La tarde con María. Entre el 1 de octubre de 2012 y el 11 de febrero de 2013, María del Monte participó en el concurso televisivo Tu cara me suena, donde imitando semanalmente a otros artistas quedó en cuarta posición.

Trayectoria en televisión

Gente joven (1982), en TVE.
Al compás de la copla (1996), en Antena 3.
Esa copla me suena (1998), en TVE.
Los debates de Hermida (2000), en Antena 3.
La canción de mi querer (2000), en TVE.
Cántame (2000), en Canal Sur.
Contigo (2000-2002), en Canal Sur.
Shalakabula (2005), en Canal Sur.
El club de Flo (2006), en La Sexta.
La tarde con María (2007-2009), en Canal Sur.
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DEC (2011), en Antena3, presentadora. Día especial (último programa).
Tu cara me suena (2012-2013), en Antena 3, concursante.
Uno de Los Nuestros (2013), en TVE1, jurado
Tu Cara Me Suena[editar · editar código]
1ª gala: Georgie Dann (35 puntos) Perdedora.
2ª gala: Gloria Estefan (40 puntos) Quinta.
3ª gala: María Dolores Pradera (69 puntos) Ganadora.
4ª gala: Carlos Gardel (45 puntos) Tercera.
5ª gala: Sara Montiel (50 puntos) Tercera.
6ª gala: Michel Teló (34 puntos) Tercera.
7ª gala: Amaya Uranga (Mocedades) (38 puntos) Cuarta.
8ª gala: Jeanette (24 puntos) Perdedora.
9ª gala (Especial Eurovisión): Peret (64 puntos) Segunda.
10ª gala: Juanita Reina (72 puntos) Ganadora.
11ª gala (Especial Batalla de Estrellas): Alaska (Alaska y los Pegamoides) (29 puntos) Sexta.
12ª gala: Chavela Vargas (70 puntos) Ganadora.
13ª gala (1ª semifinal): Manzanita (43 puntos) Quinta.
14ª gala (2ª semifinal): El Arrebato (34 puntos) Cuarta posición en la gala y finalista con 640 puntos en la clasificación general.
15ª gala (3ª semifinal): La Lupe (12% de los votos entre 5 finalistas y 22% de los votos entre 3 finalistas). Cuarta clasificada de ocho concursantes.
16ª gala (final): José Amaya de Los Amaya (No participaba en la final).
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Trayectoria en la Radio

Vamos juntos (1993-1994), en Canal Sur Radio.

Discografía
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1988 Cántame sevillanas: Agua pasada, Mi amor no tiene nombre, Sin ti…
1989 Besos de luna: amigo si lo ves, Así es la vida, Dime que me quieres, la historia terminó…
1989 Acompañame: Acompañame, Y la virgen con los dos, Una historia en el camino, Contigo…
1991 Al Alba: Loca, te quiero cantar, Al alba…
1991 Ahora: Necesito un nuevo amor, A que vuelo, Te lo diría, Me sobra el mundo…
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1998 Digan lo que digan: Digan lo que digan, Sus ojos me deslumbraron, Soledad de San Lorenzo, Se que puede ser, Que será de mi, Olvidate de mi, Pastora mía, No lo puedo evitar, Perdoname, Embustero, Te daré, Todo se terminó
1999 De Siempre: Antología de las Sevillanas volumen I: Y Se Amaron Dos Caballos, Silencio, Que también Es De Sevilla, La Historia De Una Amapola, Perdónala, Yo Soy Del Sur, Pasa La Vida, Así Es Triana, La Flor Del Romero, Fue Tu Querer, Solano De Las Marismas, Cántame
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2000 El dolor del amor: Antología de las Sevillanas volumen II: El Dolor Del Amor, Yo Siempre Fui Con Triana, Sevilla Eterna, Porque Te Llamas Rocío, Sobre Los Cristales, Tu Me Haces Llorar, El Desamor, Tiempo detente, Todo Termina En La Vida, Necesito hablarte, Sueña La Margarita, El Adiós
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2001 Reina de las sevillanas
2002 Con otro aire: Cuando Llore Mi Guitarra, No Te Vayas Nunca (Si Te Vas), Nostalgia, Que Nadie Sepa Mi Sufrir, Procuro olvidarte, Háblame del mar marinero, Algo De Mí, En Un Rincón Del Alma, A Ti, Comiénzame A Vivir, Y Te Vas, Si Supieras
2003 Cosas de la vida: Antología de las sevillanas Volumen III: Viva mi Andalucía, Sevillanas de colores, El embarque de ganado, Suspiros de mujer, Agua pasada, Campanitas, Carmen de los pinares, Un halcón y una paloma, Sevillanas de Triana, Cosas de la vida, Mi amor no tiene nombre, Una oración rociera
2004 Olé, Olé: Dame Otra Oportunidad, Amores Son Como Flores, Tirititando, Lo Prohibido, La Misma Sevilla, Tiene Dolores, Rosita Sotomayor, Otra Vez, Amores Bandoleros, Esa Niña, Salve Rociera del Olé, La Falsedad
2005 Un Chaparrón: Un Chaparrón chaparrón, He Vuelto A Mi Ciudad, Tierra De Pastores, Dame Tus Espinas, Tierra De Por Medio, Nada Es Eterno, Que El Relente Viene Frío, Farolita De Tu Calle, Lo Que Tú No Quieres, La Falda De Carolina, Tu mismo Lo Verás, Peligro

2011 Cómo te echo de menos: Cómo te echo de menos, Hoy solo quisiera ser, Te debo un Rocío, Nos diremos adiós, La calle donde tú vives, Baila conmigo, Te voy a querer por Sevilla, La vara que me guía, No me valen camelos, El perfume, Tú eres mi verdad y Todo quedó en na.
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February 11, 2014 12:35
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Fran Ocaña.Enamorado del Flamenco.

Francisco José Carmona Ocaña nace en San Fernando (Cádiz) en 1985 en el seno de una familia humilde y heredera de una gran tradición musical y vínculos muy cercanos a los nombres más ilustres del flamenco contemporáneo: Camarón, Rancapino, Chano Lobato…. Su madre, Carmen Ocaña, y su tío Andrelete de la Venta la Colina son sus referentes más cercanos y en buena parte responsables de una afición por la música que no tarda en manifestarse. Todavía hay quien recuerda su debut en un escenario, con cuatro años en un festival escolar. Desde la garganta de casi un bebé, su particular homenaje a Camarón sonaba a algo así como Yo soy titano.
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Prefiere rodearse de mayores a jugar a la pelota, como el resto de los niños. La música, el cante y el sentimiento flamenco tienen mucho tirón para este pequeñajo, extrovertido y curioso, que empieza a cantar bonito.
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Con la adolescencia se acentúa la afición, las tertulias flamencas y las visitas a las mejores peñas flamencas: Peña Camarón, Peña el Chato, Peña Juanito Villar, la Perla… Fran Ocaña empieza a sonar en los circuitos más eruditos, y muy pronto, en algunos escenarios y teatros de la provincia de Cádiz: el 50 Aniversario de Camarón de la Isla, el homenaje a Pijote, varias entregas del certamen Camarón de Oro… Y por fin como telonero del gran Miguel Poveda, icono de su generación y un verdadero ídolo.

Fran Ocaña comienza a sonar en el mundillo desde la admiración y el respeto al flamenco clásico, por el que ha cantado con guitarristas de la talla de Juani de la Isla (El Barrio) Jesús Guerrero (Miguel Poveda), Adriano Lozano, Luis Monje (hijo de Camarón), el Niño la Leo o Víctor Rosa. En busca de un estilo más personal, apuesta por un proyecto “que quiere contar una historia” y hacer llegar al público un cante nuevo. Entonces surge “Llegó la hora”, su debut en la industria.
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Un disco fabricado desde las entrañas y que ve la luz gracias al apoyo de grandes amigos y colaboradores de primer nivel cuya apuesta personal es el mejor indicador de que “este chico tiene algo”.

Yo vine al mundo rodeado del arte de una tierra y una familia flamenca de actitud y condición. ¡Si es que soy de San Fernando, Cádiz! Así no es de extrañar que acabara dedicándome a la música. “Llegó la hora” es mi primer trabajo, un disco lleno de vivencias personales y, cómo no, de un Flamenco fresquito que quiere llegar a todo el mundo. Acompáñame en esta aventura ¡Llegó la hora!

Se lo oirán tantas veces como cuantas le pregunten por sus comienzos. A pesar de que apenas tenía cuatro años, recuerda con precisión la primera vez que se subió a un escenario. Con su chaqueta y corbata, en una fiesta escolar y a petición de la asociación de padres a su madre, Carmen Ocaña. «Este niño tiene ‘ange’, que se cante algo», le repetían. La historia de muchos, artista desde la cuna aunque, en su caso, ni meteórica, ni con padrino de por medio, ni siquiera fácil. Del lanzamiento de la carrera musical del isleño Fran Ocaña es, culpable, en exclusiva, el propio cantante. Él, que ha trabajado durante años como pintor para ahorrar y así poder lanzarse, sin red pero con la seguridad de su talento, a la consecución de su sueño.
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‘Llegó la hora’. La de este flamenco diferente, familiar lejano de Chano Lobato, uno de sus referentes. El reloj lleva meses en marcha. Ha cosechado buenas críticas durante toda la gira de su primer disco, que comenzó el pasado año en el Real Teatro de Las Cortes de San Fernando. Ya Camarón se percató de la frescura del chiquillo, que no ha ido a más clase de música que las que se reciben y se dan en las peñas de toda la provincia. En las más importantes ha actuado, mientras seguía dándole a la brocha. Desde hace un año todo ha cambiado en la vida de Fran Ocaña, un joven nervioso, esforzado y humilde.
De entre sus guías en el cante, además de la leyenda de La Isla y Lobato, se cuentan El Beni de Cádiz, Chato de La Isla, Maite Martín y, sobre todo, Miguel Poveda. Otro recuerdo imborrable. «Me subió una vez al escenario, supuso mucho para mí», comenta el cantaor en su visita a LA VOZ, en una de sus múltiples entrevistas en los medios de comunicación de todos los puntos cardinales de España.
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Han cautivado sus letras que recogen besos de contrabando, desaires y suspiros de amor, hechas bulerías, rumbas o tanguillos y cantadas con «una voz diferente». Raúl Cabrera es el autor de todas las composiciones de ‘Llegó la hora’, excepto ‘A mi vida’, un tema compuesto por Ocaña y dedicado a su madre, su principal sostén.

El disco fue grabado en los estudios Domi Serralbo, en Morón de la Frontera (Sevilla), y ha contado con la participación de músicos de primera línea como Diego Magallanes, Juani de la Isla, Manolo Nieto, Jesús Guerrero, Daniel Gallego, Faluqui Torres, Ismael Alcina y Domi Serralbo. Tanto confía en él su discográfica, Wave Music, que ya ha firmado con el artista otros dos trabajos. Se estudia también su lanzamiento en Iberoamérica, donde ya suenan sus singles en México y Chile. «Yo nunca he pensado en tirar la toalla porque siento que la gente me apoya. Eso me da vida para seguir trabajando», cuenta agradecido el cantante. Un tipo cercano y divertido. Un joven que se transforma, tanto como su voz, cuando se dispone a cantar. Entre sus sueños está subirse al escenario del Gran Teatro Falla, pero, ante todo, «seguir adelante». Que continúe el tic tac. Que su hora sea eterna.
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Entrevista en Sevilla Magazine

-Han pasado unos meses desde el lanzamiento de su álbum… ¿Cuál es su balance?

-Para mí ha sido un sueño hecho realidad. En mi vida hubiera imaginado que un disco mío iba a sonar en las mejores radios nacionales ni que iba a vivir tantas experiencias en este trayecto.

-¿Fue muy complicado?

-Hombre, fácil no ha sido. Trabajé muy duro para poder reunir el dinero suficiente para poder empezar a grabar aunque, sin la ayuda de Joaquín Arregui -propietario de mi actual compañía discográfica, MaveMusic-, todo esto no hubiese sido posible. También he tenido la suerte de contar con la ayuda de muchísimos buenos amigos que me quieren y para quienes solo tengo palabras de agradecimiento.
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-¿De qué hablan sus canciones?

-De los sentimientos universales, del amor y del desamor. Raúl Cabrera es el autor de la mayoría de los temas y ha creado unas melodías preciosas con letras cargadas de sentimiento. Luego también he compuesto yo una canción dedicada a mi madre que se llama “A mi vida”. Hago flamenco-pop pero con un aire nuevo que creo le puede gustar a todo tipo de público. Por eso recibo muestras de cariño tanto de gente con muy poquita edad como de personas muy mayores.

-En los últimos tiempos se han puesto de moda los duetos… ¿Hay alguien es especial con quien le gustaría hacer alguno?

-Pues sí. Me encantaría poder cantar, por ejemplo, con Joana Jiménez. Me parece una fuera de serie. También con la Niña Pastori o con Miguel Poveda.

image-Porque, ¿cómo empezó Fran Ocaña en este mundo artístico?

-Empecé con cuatro añitos haciendo “Soy gitano”, el popular tema de Camarón del que, como era tan pequeño, yo decía “Yo soy titano”… ¡No sabía ni pronunciarlo correctamente! (risas)… Desde entonces he estado actuando en peñas. Con quince años empecé realmente a tomármelo todo en serio y aprender a cantar por derecho seguiriyas, soleas, fandangos…

-En la sesión fotográfica vemos que tiene una imagen muy cuidada… ¿Piensa que el físico es importante para su profesión?

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-Es muy importante estar bien y sentirte bien contigo mismo y, aunque el mundo de la canción no es lo más importante, es evidente que, como en el resto de profesiones, es un valor añadido.

-¿Se cuida de alguna forma especial?

-Normalmente me levanto temprano y voy al gimnasio. También me gusta correr y jugar al fútbol, cuidar lo que como e intentar no cometer excesos. Controlo mucho el pan, y las bebidas refrescantes que tomo pero, a pesar de todo, soy de buen comer (risas).

-¿Qué debe tener entonces una mujer para conquistarlo?

-Ante todo debe ser divertida y, en especial, cariñosa, porque yo lo soy mucho. Buena conversadora, extrovertida y, lo más importante, que me quiera.
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-Dé alguna pista más… ¿Cómo entiende el amor?

-Es algo maravilloso cuando es correspondido. No hay nada igual…

FRAN OCAÑA actuó en simof 2014 en Sevilla y en la pasarela de Jerez, en el desfile de Pilar Vera, Errantes.

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Un ultimo aplauso a nuestro Paco de Lucia, la guitarra de España.

imageEl guitarrista de flamenco Paco de Lucía falleció la madrugada de ayer a los 66 años de un infarto mientras se encontraba en una playa de México donde tenía una casa en la que vivía prácticamente todo el año. Al parecer el maestro se empezó a encontrar mal mientras estaba jugando con uno de sus nietos. El artista falleció camino del hospital.
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La familia está decidiendo en estos momentos el traslado de los restos del artista hasta su tierra natal, Algeciras. Por su parte, el consistorio gaditano va a decretar el luto oficial mientrras su alcalde, José Ignacio Landaluce, ha asegurado que se trata “de una pérdida irreparable para el mundo de la Cultura, para Andalucía”.
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Que pena mas grande, nos deja un hombre sencillo que nos ha acompañado con su guitarra desde que éramos pequeños, al menos yo, demasiado pronto para mi gusto, aún le quedaba mucha vida por delante, pero esta vida nos hace estas malas jugadas.
Este verano disfrutamos de el en Marbella, como siempre una maravilla para los cinco sentidos.
Vamos a repasar su vida y su carrera, como nuestro pequeño homenaje, no puede estar en otro sitio que en el cielo, ahora serán los angeles quienes disfruten de su guitarra. ¡¡que afortunados¡¡¡ Descansa en paz Paco.
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Paco, que, al igual que el resto de sus hermanos Ramón, María Lucía, Pepe y Antonio, muy pronto tuvo que buscar trabajo y llevar un sueldo a casa, le costó superar su falta de instrucción, pero cuando tuvo que buscarse un nombre artístico no dudó en apellidarlo con el nombre de su madre.

Primeros aplausos en los tablaos

Como tal, Paco de Lucía comenzó a actuar a los doce años junto a su hermano Pepe (entonces Pepe de Algeciras) como el dúo Los Chiquitos de Algeciras, que cosechó el aplauso de muchos tablaos de Cádiz. Con catorce años obtuvo un premio en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera, y aunque parezca sorprendente, fue entonces cuando inició su carrera internacional, ya que José Greco lo contrató como tercer guitarrista de su Compañía de Ballet Clásico Español y en seguida emprendió su primer viaje a Estados Unidos.
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Para él, el guitarrista más brillante del momento era el Niño Ricardo, amigo de su padre, y quería sonar igual de bien. Luego conoció a Sabicas y a Mario Escudero y sus influencias fueron variando, pero éstos le aconsejaron que buscara su propia forma de tocar, su estilo. El problema era que «para uno era un modo complicado de decir las cosas más sencillas, y para el otro un modo muy simple de decir cosas complicadas», recuerda el artista, quien confiesa haber resuelto el dilema el día que supo que el estilo no es un punto de partida, como era su caso, sino un resultado, y a fuerza de tocar formó su propia personalidad.

imageCon la dirección artística de su padre grabó los primeros discos junto a su hermano Pepe, y posteriormente registró otros tres a dúo con Ricardo Modrego, de la compañía de Greco. Poco después conoció a Fosforito, a quien acompañó en una actuación en Salamanca, y luego a Camarón de la Isla y a Juan el Lebrijano. Con ellos se integró en un grupo compuesto también por Matilde Coral, Paco Cepero y El Farruco, con el que, contratados por los managers internacionales Lippman y Rau para sus espectáculos, que llamaban «Festival Flamenco Gitano», recorrió varias veces Europa durante la segunda mitad de la década de los sesenta.
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Mientras tanto, animado por Sabicas y Escudero, se adentró en el terreno de la composición, y también grabó sus primeros discos en solitario: La fabulosa guitarra de Paco de Lucía (1967) y Fantasía flamenca (1969), algunos de cuyos temas tocó en 1970 en el Palau de la Música de Barcelona, en el marco de un festival internacional por el bicentenario de la muerte de Beethoven, que algunos biógrafos sitúan como el momento de su consagración.
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La influencia de Camarón

Pero el guitarrista de Algeciras, entonces ya asentado en Madrid, reservaba muchas sorpresas, y aquello no fue sino un peldaño más de una trayectoria en constante evolución que marcó muchos puntos de inflexión en la historia del flamenco.
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Por entonces acababa de nacer la mítica pareja Camarón-Paco de Lucía, cuyas cualidades extraordinarias y la manifiesta y firme voluntad de convertir el flamenco en una experiencia rabiosamente viva han quedado impresas en más de una decena de discos impresionantes y en la memoria del guitarrista, que recuerda aquellos años como la etapa más bonita de su vida.

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Para él, la excelencia del tándem tenía una explicación muy sencilla: «Mi sueño siempre fue ser cantaor, mientras que el de Camarón fue ser guitarrista». Su música perfecta fue, por tanto, fruto de la sana envidia recíproca y la mutua admiración.
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Paco de Lucía se convirtió en estrella de las listas de éxitos en 1973, con la rumba Entre dos aguas, que conquistó a un público más joven que se interesó por primera vez por la guitarra flamenca. Esto influyó además para que sus álbumes de la época, El duende flamenco de Paco de Lucía (1972) y, sobre todo, Fuente y caudal (1973), incrementaran su difusión y le valieran una fama que empezaba a exceder los límites del género
Dos años después, su actuación «para todos los públicos» en el
Teatro Real de Madrid haría historia.
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Un nuevo trabajo, Almoraima (1976), mostraba su voluntad rupturista y daba sobradas pruebas de una personalidad consolidada. Pergeñaba ya entonces el proyecto de formar un grupo, y lo iba a lograr unos años después. En aquella época se sentía lo bastante afianzado como para formalizar su relación con Casilda Varela tras ocho años de noviazgo y, pese a la oposición familiar, se casaron en Amsterdam en enero de 1977; desde entonces han permanecido unidos junto a sus tres hijos, Casilda (1978), Lucía (1979) y Curro (1983).
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Nuevos caminos para el flamenco

En 1981 formó el célebre sexteto con el que creó el concepto actual de grupo flamenco, con sus hermanos Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, Jorge Pardo, Carles Benavent y Rubem Dantas, a los que más tarde se uniría el bailaor Manolo Soler.
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La formación duró muchos años, hasta el día que decidió que después de tanto tiempo todo debía de sonar igual, y primero formó un trío con Juan Manuel Cañizares y su sobrino José María Bandera, y en 1998 rehizo el septeto: reemplazó a Cañizares por El Viejín, a Soler por El Grilo y a Pepe de Lucía por Duquende. Con ellos grabó Luzía (1998), en homenaje a su madre, que acababa de fallecer. Luego reunió en torno a él a otros artistas: el percusionista El Piraña, la guitarra del Niño Josele, el bajo de Alain Pérez, la armónica de Antonio Serrano y las voces y palmas de Duquende, La Tana y Montse Cortés.
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Los últimos años del siglo XX fueron los más duros de su vida. La muerte de Camarón, y la interesada confusión creada en torno a los derechos de autor conjuntos con el cantaor, agravaron la úlcera que padecía y lo sumieron en una profunda depresión que el fallecimiento consecutivo de sus padres contribuyó a prolongar.
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Después de un largo período alejado de la composición y recluido en su casa familiar de Mirasierra, dejó Madrid para pasar dos años en Playa del Carmen, su paraíso mexicano, donde proyectaba vivir su retiro en un futuro que anunciaba no lejano. Allí nació su trabajo Cositas buenas (2004), en el que, entre tangos y rumbas, se dan cita muchas voces amigas y la del propio guitarrista, que rescata del archivo la bulería Que venga el alba, para unirse por primera vez en el canto a su «primo» Camarón.
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En julio de 2004 era distinguido con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en septiembre obtenía también un Grammy Latino al mejor álbum de flamenco por Cositas buenas, que presentó durante el año en una gira mundial marcada por su intensidad.
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Tradición e innovación

Maestro del mejor flamenco, pionero en su evolución y su apertura a la fusión con otras músicas y otros estilos, hubo un tiempo en que sus constantes aportaciones convirtieron a Paco de Lucía en un revolucionario del género, y su influencia ha sido de tal calado que puede inferirse que ha cambiado la concepción del toque en más de una ocasión durante las últimas tres décadas.
Esa inquietud innovadora no siempre fue bien entendida por los defensores a ultranza de la ortodoxia del género, que al principio llegaron a causarle cierto desasosiego, si bien pronto entendió que él no podría traicionar jamás la esencia del flamenco porque lo lleva en sus genes, y haga lo que haga sonará a flamenco. A partir de ese momento, empezó a tocar con mayor espontaneidad y a permitirse libertades inusitadas que a la postre resultaron siempre enriquecedoras

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Si le invitases a casa

Para comer: Algún plato de cuchara
Para beber: Un tinto
No le hables de: Guitarra, su pesadilla
En la cadena de música: Camarón “el mayor genio que he conocido”
Para la sobremesa: Una película de Willy Wilder o la trilogia “Blanco, Azul y Rojo “ de Kieslowski.
Un libro para prestarle: Alguno de oscar Wilde( nada de filosofía porque dice que de tanto leer a Ortega y Gasset, terminó por analizarlo todo y perder el sentido del humor)
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Ya no podremos invitarlo a casa, pero permanecerá en nuestro corazón y disfrutaremos de su música por siempre, eso no nos lo puede quitar nadie.

La inesperada muerte de Paco de Lucía ha dejado rota a su familia, mujer e hijos. El guitarrista, que siempre se ha considerado una persona muy hogareña, el 29 de enero de 1977 se casó con Casilda Varela. La boda entre ambos tuvo lugar en Ámsterdam por la oposición familiar al enlace –ella era hijas de un General–, que finalmente se formalizó después de que la pareja llevara ocho años de noviazgo.

Fruto del amor entre ambos nacieron tres hijos: Casilda (1978), Lucía (1979) y Francisco (1983, a quien cariñosamente conocen con el sobrenombre de «Curro»). A la inmensa alegría que sintió Paco de Lucía con la llegada de estos pequeños a su casa se unió la de ser abuelo más tarde.

Años después, el reconocido músico se casó con la que sería su segunda y última mujer: Gabriela Carrasco. Con ella tuvo dos hijos, Antonia, de 14 años, y Diego, de siete. De hecho, se encontraba jugando con ellos, al lado del mar, cuando la muerte le vino en forma de infarto.
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Para todos ellos, la pérdida a los 66 años de este genio de la música es algo más que un triste lamento en el mundo de la música, puesto que la muerte de Paco de Lucía supone un enorme vacío que tardarán tiempo en superar.

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EUROPA PRESS. 26.02.2014 La bailaora gaditana Sara Baras confiesa que ha sido “un momento horroroso” el instante en el que le han comunicado la noticia del fallecimiento de Paco de Lucía, al que considera que fue “la persona que más defendió la grandeza del flamenco, un genio que ha abierto nuestra cultura al mundo entero y que representaba las mejores virtudes de este arte, todo lo mejor del flamenco”
image Sara Baras explica que llora la muerte de Paco de Lucía “no sólo por su arte, que era grandioso, sino porque su persona era igual de grande”, y añade que “por supuesto que el dolor es enorme desde el punto de vista personal, pero desde el arte el dolor es también muy intenso, porque es un genio que ha contribuido de manera inigualable a dar esa seriedad que este arte verdaderamente tiene”. “Era un orgullo para todos lo orgulloso que se sentía él del flamenco; él es el ejemplo de que el flamenco se clava directamente en el corazón, de que llega hasta el fondo y de que no tiene fronteras”, indica la bailaora, que resalta que ha tenido “la suerte de compartir con él los momentos más importantes de mi carrera”.

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Un ultimo aplauso para nuestro Paco de Lucía.

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Simof 2014 , espectacular pasarela flamenca.

imageSi algún ‘guiri’ se topara por casualidad con el pabellón 2 de Fibes lo más seguro es que llegara al éxtasis pleno, ya que se encontraría con el máximo tópico sevillano con el aditivo del vanguardismo y la originalidad contemporánea.

Del 30 de enero al 2 de febrero el Palacio de Congresos y Exposiciones aglutinó en su interior a la crême de la crême del mundo flamenco y, por qué no, de la farándula en general dirigida por la omnipresente Raquel Revuelta, directora de la Agencia Doble Erre y Co-organizadora del salón.
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En Simof desde que se atraviesa el torno, el visitante se encuentra de cara con uno de los protagonistas de la Feria de Abril, su portada. Una de las novedades de este año por el 20 Aniversario del evento, la cúpula de Fibes abrazó una exposición con las 25 últimas maquetas de las portadas, la perfecta antesala para ir entrando en materia. El siguiente nivel, compuesto por decenas de expositores, pone a disposición todos los abalorios, telas, bisutería y demás ingredientes básicos para lucir espléndida con un traje de flamenca.
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Al fin, el último nivel acoge la azabache pasarela por la que pasarán lo más de 1.300 vestidos de los distintos diseñadores y firmas que componen este salón.
Las mañanas en Simof son tranquilas, el público algo tímido pero no por ello los diseños menos importantes. Parsimonia, armonía y creatividad para iniciar las largas jornadas que oscilaban entre las 11:30 horas hasta las 21:30.
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Jueves 30 Simof 2014 abrió sus puertas un jueves con los diseños más vanguardistas de los diseñadores noveles. Diez talentosos jóvenes colmaron la pasarela de flores y de volantes con mucho vuelo para el disfrute de sus espectadores. El más prometedor, el sevillano Alex de la Huerta que con su colección ‘Un jardín en Marte’, propuso diseños en los que destacan los volantes minimalistas y asimétricos y las flores superpuestas. Tras el certamen, llegaron las pasarelas profesionales de este año para dar a conocer sus novedades.
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Lina fue la encargada de abrir la tarde siendo ovacionada por el público, por la fama que le precede, con sus nuevos diseños inspirados en el pintor Anglada Camarasa. ‘La gata rosa’ está capitaneada por los tonos pasteles, los bordados exquisitos y los tejidos fluidos. Marcando una tendencia de escotes altos por delante y de infarto por la espalda, hecho que seextiende por un gran porcentaje de los diseños del salón. Todo muy acompañado por unos exquisitos y elaborados complementos de los que destacan las crestas de flores, aunque dudosamente veremos muchas de ésas en el real.
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Siguiendo la estela de Lina, Aldebarán presenta una colección inspirada en lo ecuestre y el mundo del flamenco evocando las sensuales curvas femeninas. Tejidos naturales en tonos tierra para el camino del Rocío, y colores vivos combinados para la Feria. La firma presenta sus diseños más innovadores confeccionados en sedas son pedrería, bordados y superpuestos.
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La tarde la completaron Margarita Freire, M.J. Blay y Patricia Bazarot, Rocío Peralta y Pilar Rubio. Freire da un paseo desde el vestido más elaborado hasta el más corto y ligero, dando un especial protagonismo a los diseños de estilo rociero. De nuevo nos topamos con los tonos tierra y las flores estampadas. En lo complementos destaca sobre todo los sombreros de ala ancha. La primera intensa jornada la cerró Pilar Rubio con una travesía por las distintas etapas del diseño flamenco.
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Un homenaje confeccionado de forma muy sencilla, con mucho vuelo y desbancándose de los colores tierra para dar protagonismo a la variedad en la paleta.

Viernes 31 En la jornada del viernes se retomó el desfile “Espacio Camino” que, como su propio nombre indica, muestra las últimas tendencias para realizar la peregrinación hacia El Rocío. Los tonos tierra, las faldas canasteras, pantalones emulando trajes de corto, ponchos y chaquetillas acaparan esta colección.
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Seguidamente, Sevilla Style Outlets desvela su colección aglomerada por las distintas firmas con las que trabajas. Diseños menos glamurosos y más realistas de cara a la ‘batalla’ que se le da a esta indumentaria en sus días gloriosos. Para retomar la originalidad y el vanguardismo, Inma Castrejón impone el corsé y la estética taurina en la pasarela. Diseños muy sugerentes pero sin alejarse de la elegancia. Abunda el negro acompañado de los colores del capote de un torero. Sus diseños estuvieron acompañados por un desfile de ropa íntima siguiendo la misma estética de los vestidos de flamenca. Una presentación muy visual que no deja indiferente a nadie.
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Por la tarde, cabe destacar la colección ‘Sueños de luz’ de Rosa Rojo. Tonos muy vivos y alegres predominan en unos diseños elaborados y muy favorecedores para la figura femenina. La gran esperada del día fue la veterana Aurora Gaviño, la cual deslumbró con la sofisticación de sus vestidos. Atrevidas mezclas de texturas predominadas por el encaje y seleccionando los colores alegres y tradicionales del flamenco con el estampado siempre presente.
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Sábado 1 En la jornada del sábado, por segunda vez consecutiva, se celebró la Pasarela Solidaria contra el Cáncer, que contó con muchos rostros conocidos ofreciendo su apoyo y con la presentadora Mayra Gómez Kemp, que hizo entrega de la recaudación a beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC) en un acto “muy emotivo”.
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La pasarela Simof infantil también hizo “las delicias” del público en éste su segundo año de celebración, con la participación de un total de 40 niños de diferentes edades.
Ocho desfiles de firmas consagradas y veteranas en la moda flamenca completaron este sábado. La firma Nuevo Montecarlo se dedicó a deleitar al público con su luz.
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Estampados, colores cálidos, menos detalles, mangas largas y escotes mucho más pronunciados. Trajes ligeros de llevar pero sin perder el glamour, bien acompañados con mantoncillos que se vuelven a retomar este año a la par que el pendiente de aro.
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Uno de los nombres imprescindibles fue Pilar Vera que presentó ‘Errantes’ con un espectacular Fran Ocaña que acompañó con su voz a las modelos. Diseños arrogantes y pícaros inspirados en las gitanas antiguas con largas faldas y pañuelos en la cabeza con un cierto aire bohemio. Es una colección que mezcla dispares tejidos con un resultado excepcional. Algodones, sedas y popelinas mezclan estampados diversos (florales y lunares), escoltados por cascadas de volantes que nacen desde la cadera.
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El cierre de la jornada lo protagonizaría el regreso de Juana Martín con su colección ‘Amaya’. Destaca las faldas de volantes en forma de pétalo y sus trajes que tiran más al traje de noche que al de flamenca más convencional. Una aplicación interesante de los vestidos de largo dirigidos a esta temática.
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Domingo 2 El broche de oro al salón para cerrar su XX aniversario lo aportó el desfile de SIMOF Infantil que hizo las delicias del público en su segundo año de celebración, con la participación de 40 niños y niñas de diferentes edades, los cuales fueron los verdaderos protagonistas de la pasarela. Volvieron a pisar la pasarela firmas que se habían visto a lo largo de la semana como Carmen Vega o Faly.
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También fue el momento de Adrián González, que se consolida como diseñador en este evento con su colección ‘Lola’, inspirada en la cantaora Lola Flores. Debutó la firma Rosapeula, una agradable sorpresa granadina que centra sus diseños en la moda joven con trajes de escotes atrevidos y nada tradicionales. Aun así se acercaba más a la temática de Simof de lo que hizo la firma ‘Gitano’.
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La colección ‘Flores en el aire’ está compuesta por trajes de noche con aire flamenco más que de trajes de flamenca de noche.

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Por último, el candado a Simof 2014 lo echó Carmen Vega con una soberbia colección de inspiraciones interculturales. China, Marruecos, India… un paseo por la vestimenta mundial bien adaptada a la pasarela flamenca con colores exquisitos y diseños muy favorecedores.

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En definitiva, cualquiera que pisó Fibes en estos cuatro días, sea hombre o mujer, se encaprichó con algún suculento traje que estos 43 diseñadores/firmas presentaron con tanto mimo.

La XX edición de Simof ha contado con la visita de modelos y personajes destacados de la vida social, cultural y artística del país como Eva González, Patricia Yurena, Jessica Bueno, Elisabeth Reyes, María José Suárez, Rocío García, Estrella Jiménez, María José Santiago, Mayra Gómez Kemp, Norma Duval, Marina Danko, Lina, la Duquesa de Alba, Tony Benítez, Justo Salao, Natalia Álvarez, Raúl Gracia ‘El Tato’, Lourdes Montes, Lalo Tejada, Raquel Bollo, Carmen Tello, Carmen Lomana, entre otros.
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La muestra fue inaugurada por el alcalde de Sevilla, Juan Ignacio Zoido, acompañado del concejal delegado de Empleo, Economía, Fiestas Mayores y Turismo, Gregorio Serrano; el concejal delegado del Distrito Este, Ignacio Flores; el director general de Fibes, Gaspar Sáez, y la directora de la Agencia Doble Erre y Co-organizadora del salón, Raquel Revuelta.
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Como novedad este año, Simof ha hecho entrega este viernes, junto a la Fundación Cruzcampo, de los Premios ‘Flamenco en la Piel’, en la categoría de Premio Honorífico, a la Duquesa de Alba, por “su implicación en el salón desde sus inicios y su apoyo al sector de la moda flamenca”. Asimismo, el Premio a la Trayectoria Profesional ha sido para la renombrada diseñadora Lina. Como cada año, también se ha otorgado el Premio Aromas a la Mejor Modelo, que en esta edición se le ha entregado a la modelo Macarena Martín
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Por último, la organización ha indicado que en la cúpula de Fibes se ha instalado una exposición con las 25 últimas maquetas de las portadas de la Feria de Abril de Sevilla. Con esta nueva edición de Simof, Fibes ha afirmado que “este salón es el referente mundial de la moda flamenca”.

Quizás se echó de menos más diseños realistas de cara a la Feria, ya que los vestidos de noche de alta costura predominaron en su mayoría.
Lógico por otra parte ya que este salón se ha convertido en referente internacional en lo que la moda flamenca se refiere. Tampoco estuvo exento el evento del ‘famoseo’ y el correspondiente ‘postureo’ propicio que aun así no arrebató el verdadero protagonismo al flamenco.
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Destacar la supremacía de las jornadas del jueves y el sábado por encima del resto de días, e instar a la organización de que obvie cobrar la entrada al recinto ya que cinco euros era un precio excesivo para poder acceder a la exposición de portadas y los expositores. También se les podría pasar por la cabeza crear un bono para los cuatro días de duración del evento, precio más económico para que el pabellón 2 no muestre tantos claros como ocurría por las mañanas.
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Y por qué no, instar a algunas de las modelos a comerse un buen puchero que, como el flamenco, es muy propio de la tierra que pisamos.puchero.
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February 6, 2014 13:18
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Martirio, triunfar es hacer lo que quiero.

María Isabel Quiñones Gutiérrez conocida artísticamente como Martirio (Huelva; 21 de marzo de 1954) es una cantante española.
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En los años 70 María Isabel forma parte del grupo Jarcha, cuyas canciones tuvieron una gran fama en la España de la Transición.
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En 1981 cuando el grupo andaluz inició la búsqueda de aires mas flamencos y es cuando nació Martirio, un personaje creado por Maribel que se caracterizaba por usar grandes peinetas, gafas oscuras y trajes que combinaban lo folclórico y lo posmoderno.

En 1984 Martirio forma parte del grupo Veneno, liderado por Kiko Veneno y los integrantes de Pata Negra Raimundo y Rafael Amador.
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En 1986 inicia su andadura en solitario con el nombre artístico de Martirio, que es a la vez nombre y personaje: enfundada en escena entre unas gafas de sol y una peineta, fue una de las intérpretes más originales del panorama musical español en los años 80, y canciones como Sevillanas de los bloques (Estoy atacá) triunfan en los medios. Su música es un puente entre culturas y fusiona copla andaluza, flamenco, bolero, jazz, tango, rock, guaracha…

Lanza su primer disco ‘Estoy Mala’ en 1986, el primer intento de introducir y fusionar la copla española con el pop-rock. Con este disco realiza una gira por España y Francia.
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En 1989 Martirio editó su segundo disco ‘Cristalitos Machacaos’, en el cual comienza a introducir pinceladas de jazz y blues en su reinterpretación de la copla.
En 1991 lanza con Sony su tercer disco ‘La Bola de la Vida y del Amor’, uno de sus mas arriesgados trabajos en el cual busca fusionar la copla con las nuevas músicas, bajo el horizonte sonoro de Peter Gabriel.
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En 1994 edita ‘He visto color’, donde le da la vuelta al género de las sevillanas al mezclarlas con blues, jazz, rap, pop, música árabe o swing. Este mismo año hace su primera aparición cinematográfica en la película ‘Belmonte’ de Juan Bollaín

Se estrena como actriz de teatro, trabajando en una gira de seis meses con el Centro Andaluz de Teatro, en la obra de Pedro Álvarez Osorio ‘Don Juan, Carnaval de Amor y Muerte’, en el papel de Doña Ana De Ulloa.

Actúa como protagonista bajo la dirección de José Luís Cuerda, en dos capítulos de la serie ‘Makinavaja’ (La2). Rueda además, con Pedro Olea, la película ‘Más Allá del Jardín’ o más recientemente en la película Iris de Rosa Vergés en 2004, o televisión (dos capítulos como protagonista en Makinavaja dirigida por José Luis Cuerda, haciendo de una ciega malísima, ninfómana e hilarante).

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En 1997 aparece su quinto trabajo musical, el disco-libro ‘Coplas de Madrugá’, selección de clásicos de la copla con acompañamiento jazzistico, grabado con Chano Domínguez (piano), Guillermo McGuill (batería) y Javier Colina (contrabajo).
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En la gira de promoción iniciada el año anterior consigue que, por primera vez, la copla se escuche en los festivales de jazz, actuando en una docena de los más importantes festivales de España. Este mismo año Martirio graba con el mítico Compay Segundo para el disco ‘Lo Mejor de la Vida’ y realizan una gira juntos por España y Francia.
imageEn 1999 publica su primer libro ‘La Vuelta a Martirio en 40 trajes’ (Planeta) en colaboración con el poeta Juan Cobos Wilkins y prólogo de José Luís Sampedro.
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El mismo año sale a la luz ‘Flor de Piel’, una obra que elige temas del repertorio hispanoamericano acompañado por la guitarra flamenca de su hijo, Raúl Rodríguez.
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A finales de noviembre de 2001 edita ‘Mucho Corazón’, con la instrumentación del mismo grupo de Morón (Paco de Amparo, Pepe Torres, y Manuel Flores), los arreglos de Raúl Rodríguez y el trío de Chano Domínguez (Javier Colina y Guillermo McGill), entre otros músicos. Con este disco Martirio ha viajado a Puerto Rico (‘Fashion Week’), donde la hicieron hija adoptiva de San Juan por decreto; a Bogotá y Medellín donde recibe las llaves de la ciudad en un acto oficiado en la alcaldía de la Alpujarra.
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Ha colaborado entre otros artistas con Jesús Lavilla, Jerry González, Maria del Mar Bonet, Chavela Vargas, Compay Segundo, los cantautores Javier Ruibal, Carlos Cano, Alberto Cortez, Simón Díaz, Pedro Guerra, Luis Pastor o Miquel Gil, el pianista de jazz Chano Domínguez, Susana Rinaldi, Son de la Frontera, Mayte Martín, Jabier Muguruza o el cantaor Miguel Poveda con quien presentó el espectáculo Romance de valentía en 2005, con arreglos de su hijo Raúl Rodríguez, Jesús Lavilla y Juan Gómez “Chicuelo”, Un homenaje y recorrido por los años, intérpretes y autores de la copla presentado en el Festival Grec de Barcelona y en Teatro Español de Madrid.
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En 2002 colabora en el disco ‘Mujer’ para la concienciación y a beneficio del cáncer de mama, con el tema de Fito Páez ‘Yo vengo a ofrecer mi corazón’. Sigue de promoción por España y de galas, donde se destaca el estreno en Madrid en febrero de ‘Mucho Corazón’ (Teatro Pavón) y en Barcelona (La Paloma). En septiembre realiza tres intervenciones en el cine: ‘El Gran Gato’ de Ventura Pons, para Fernando Colomo en ‘Al Sur de Granada’ y para Franco Battiatto y su película ‘Perdutto Amor’. En noviembre, Nuevos Medios edita una recopilación de los dos primeros discos de Martirio en la colección de su vigésimo quinto aniversario. Se graban dos temas para la marca ‘Absolut’, que elige como imagen española las portadas de vinilos de Alaska y Martirio. Para apoyarlo, se organiza una exposición y un acto plástico y sonoro el 17 de septiembre en la Casa de Vacas del Retiro.

Ya en el 2003 se reedita ‘La Bola de la Vida y del Amor’. Colabora en el espectáculo de danza de la compañía de Ramón Oller, inspirado en la mítica Carmen.
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Interviene como actriz en ‘Iris’, de la directora Rosa Vergés, que se presenta en abril de 2004. A principios de ese año graba en directo, en el Teatro Monumental de Madrid, ‘Acoplados’ que se edita en mayo del mismo año. En este disco se une de nuevo a Chano Domínguez, volviendo ambos a darle otra vuelta a la copla acompañados por la Orquesta Sinfónica de RTVE y una big band. El disco se presentó por primera vez en enero con motivo de la inauguración del Auditorio de Roquetas de Mar.
En febrero se embarca en el proyecto que la une a la gran dama del tango argentino Susana Rinaldi, con una formación de músicos argentinos y otra de flamenco. El espectáculo se graba en directo y dará lugar a un disco a finales de 2004. En verano girarán por distintas ciudades dentro y fuera de España. El día 28 de febrero de 2004 es galardonada con la Medalla de Oro de la Junta de Andalucía. En mayo viaja a Cuba para participar en la Feria del Disco de La Habana ‘Cubadisco’.
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En 2006 participa junto a la cantaora de flamenco Mayte Martín en el espectáculo “Entre amigas” de Omara Portuondo celebrado en el Palau de la Música Catalana de Barcelona.

En 2007 Martirio se encuentra en una etapa artística de gran madurez tras su ya larga experiencia, con la publicación en los últimos años de la tetralogía formada conceptualmente por cuatro discos independientes: Coplas de madrugá, Flor de piel, Mucho corazón y Primavera en Nueva York.
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En 2008 realiza una serie de conciertos conjuntos con la artista mexicana Lila Downs, ya el 19 de noviembre de 2006 la invitó a su concierto del Círculo de Bellas Artes de Madrid incluido en su gira española, en 2008 repiten experiencia en este proyecto conjunto.

Los días 20, 21 y 22 de octubre de 2008 ofrece tres conciertos en la Sala Luz de Gas de Barcelona que son grabados para ser editados en un disco para conmemorar sus 25 años de carrera artística con el nombre de Martirio, con un recorrido acústico por su amplio repertorio.
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En 2010, Martirio se acerca a la música cubana de la mano del compositor y pianista cubano José María Vitier, junto a él graba un disco que recoge 13 poemas musicados de escritores españoles y latinoamericanos, con el título “El aire que te rodea”, se edita en España en 2011.
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En 2013 publica junto a su hijo Raúl Rodríguez el disco en homenaje a Chavela Vargas: De un mundo raro. Cantes por Chavela (Universal Music, 2013).

¿A ti no te pasa que pones a quererse a miles de personas y cuando llegas a casa estás sola?”, le preguntó un día Chavela Vargas a Martirio. “Casi siempre”, respondió la folclórica española.
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“¿Y tú? ¿Por qué no triunfas más?”, le preguntó Chavela en otra ocasión. “Triunfar para mí es seguir haciendo lo que quiero, siempre he buscado la profundidad, he querido andar por caminos sin huellas… Pero la libertad se paga, aunque sea con un precio tan pequeño como el económico. El éxito es conseguir que una persona se emocione cuando cante”, responde ahora Martirio,
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Este último disco-dedicatoria les llevará con compases flamencos a su ciudad natal, Huelva (el 8 de noviembre), a Barcelona (el 13), a Sevilla (el 16), a Canarias (el 28 y el 29), a Madrid (el 11 de diciembre), a Colombia y en primavera a México y a Argentina, “si Dios quiere”, aunque la religión para Martirio es un asunto complejo, muy animista, en el que hay santos, pero también hay piedras, energías… Pero sin contar con los designios de los dioses, aquí, pisando la tierra, cuando se le pregunta a Martirio qué es lo que ha tenido que hacer ella para sacar este último disco —tras 30 años de carrera sobre los escenarios de medio mundo—, responde sin gafas de sol y fijando la mirada de sus ojos verdes: “El disco lo ha tenido que pagar mi hijo, con eso te lo digo to”

Martirio tiene una muy considerable trayectoria con una muestra de propuestas de calidad y ha sido ya reconocida por público y crítica, Martirio ha sido galardonada con numerosos premios, entre otros
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el 21 de abril de 2005 Martirio y Chano Domínguez recogen el Premio de la Música 2004 en la categoría de Mejor Disco de Canción Española por Acoplados.
Entre otro reconocimientos públicos ha sido nombrada hija adoptiva de San Juan de Puerto Rico por decreto,
2004 recibe la Medalla de Oro de la Junta de Andalucía
2010 recibe el Premio Internacional Cubadisco.

Discografía
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Estoy mala 1986
Cristalitos machacaos 1989
La bola de la vida del amor 1991
He visto color por sevillanas 1994
Coplas de madrugá con Chano Domínguez 1997
Flor de piel 1999
Mucho corazón 2001
Martirio 1986-1989 Recopilatorio 2002
Colección Nuevos Medios. Martirio. Recopilatorio 20 años de Nuevos Medios. 2002.
Fundamental 2003
Acoplados con Chano Domínguez 2004
Primavera en Nueva York 2006
Martirio. 25 años en directo. 2009. Grabado en directo en la Sala Luz de Gas de Barcelona los días 20, 21 y 22 de octubre de 2008.
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El aire que te rodea con José María Vitier 2011
De un mundo raro. Cantes por Chavela con Raúl Rodríguez 2013. Homenaje a Chavela Vargas.
Colaboraciones y otros discos[editar · editar código]
A la memoria de Federico García Lorca de Jarcha. 1981.
Si tú, si yo de Veneno. 1984.
Pequeño salvaje de Kiko Veneno. 1987.
Pensión Triana, disco del cantautor gaditano Javier Ruibal. 1994.
A María Teresa Vera, disco homenaje a la autora cubana, canta el tema ¿Por qué me siento triste? y a dúo con Jacqueline Castellanos el tema Eso no es ná. 1995.
Rosas a Rosalía, disco de Amancio Prada en homenaje a Rosalía de Castro. 1997.
Más allá del jardín. B.S.O. de la película de Pedro Olea. 1997.
Punta Paloma de Kiko Veneno. 1997.
El cor del temps de Maria del Mar Bonet. 1997. Martirio canta Trigales verdes y La mort de na Margalida.
Lo mejor de la vida de Compay Segundo. El tema Juliancito. 1998.
Puro veneno de Kiko Veneno. 1998.
De Granada a la luna, Canta Tierra y luna. Homenaje colectivo a Federico García Lorca. 1998.
Azúcar Cande, disco de Chano Lobato en el que graba el tango Volver. 2000.
Las 101 canciones más flamencas. Romance de la rosa. 2001.
Gatísimo, disco de la Orquestra Plateria en homenaje al rumbero Gato Pérez, canta Cha, cha, chá de la locura. Blanco y negro, 2002.
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El gran Gato, B.S.O. de la película de Ventura Pons, Martirio canta Granito de sal.
Que naveguen los sueños, Martirio canta la copla Ojos verdes en el disco colectivo de homenaje a Carlos Cano. Emi, 2002.
Mujer. Yo vengo a ofrecer mi corazón de Fito Páez. BMG, 2002.
Perduto Amor. B.S.O. de la película de Franco Battiato, con el tema La noche oscura. 2002.
Canciones del buen amor de José María Vitier. Canta Tengo miedo a perder la maravilla (Soneto de la dulce queja de Federico García Lorca). Cuba, 2002.
Soy, disco del cantautor Luis Pastor, con el tema El caracol de mi tristeza. 2002.
Al sur de Granada, B.S.O. de la película de Fernando Colomo, canta el tema Pena de amor.
Duets de Compay Segundo, con el que canta Juliancito. 2003.
Flamenco woman. Sevillanas de los bloques. 2004.
Ya eres abril del cantautor venezolano Henry Martínez, Martirio canta Sentida canción. 2004.
Habanera de Carmen de Georges Bizet con arreglos de su hijo Raúl Rodríguez5 para la versión escénica del coreógrafo Ramón Oller del mito literario, 2004.
Las palmeras, a dúo con Alberto Cortez en un disco del argentino, 2004.
A partir de mañana, a dúo con Alberto Cortez en un disco benéfico contra el alzheimer, 2004.
Damas y Reinas. Sevillanas de los bloques. recopilatorio Dro East West, 2006.
Techarí de Ojos de Brujo. Martirio aparece junto a Raúl Rodríguez en el tema Tanguillos marineros.
Contaminados. Editado en 2006, es el fruto de una serie de grabaciones realizadas en directo en la Sala Galileo Galilei, de Madrid en mayo de 2000 y febrero de 2002. Martirio interpreta los temas Naranjo en flor y Las simples cosas junto a Pedro Guerra, Tiempo y silencio junto a Guerra y Luís Pastor y La flor de Estambul junto a Javier Ruibal.
El Europeo. Canta Las palmeras, 2006.
Dúos de Luis Pastor, con el que canta Caracol de mi tristeza. 2006.
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Morirse en domingo. B.S.O. de la película del mexicano Daniel Gruener, con la canción de Las simples cosas, 2007.
Suburbios del alma de Marcelo Mercadante. Martirio canta el tango ¿Cómo sigo?, 2007.
La Zarzuela+Pop – No corté más que una rosa de la zarzuela “La del manojo de rosas” (Fundación Autor,2007)
Konplizeak (Elkar, 2007), disco de Jabier Muguruza en el que Martirio canta el tema Ertz maitea.
Aquí en la Isla, disco de Troveros de Asieta, con ellos canta Verte Partir. 2008.
Rendez-vous Chez Nino Rota, CD+DVD del italiano Mauro Gioia, en el que intervienen también Adriana Calcanhotto, María de Medeiros, Ute Lemper, Catherine Ringer, Susana Rinaldi y Sharleen Spiteri. Martirio canta Parlami di me de la B.S.O. de La dolce vita de Federico Fellini. 2008.
Señora (ellas cantan a Serrat). Martirio canta Tiempo de lluvia. 2009.
El disc de la Marató de TV3. Martirio canta L’Àguila Negra. 2010.

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February 2, 2014 11:06
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Jerry Gonzalez, del jazz al flamenco.

El neoyorkino Jerry González se presenta en la Sala GARCIA LORCA acompañado por el contrabajo de Javier Colina (Pamplona) y la percusión de Israel Suárez “Piraña” (Madrid). La biografía de Jerry se ha contado muchas veces. Resumiendo, nació en Nueva York, de padres puertorriqueños y ya de chavalillo se aficionó a la trompeta y las congas.
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En la casa familiar junto a su hermanoAndy tocaba con Dizzy Gillespie, llegando a formar parte de su mítica banda. Posteriormente se enrola en diferentes formaciones al lado de músicos como Rubén Blades, Jacob Pastorius, Tito Puente… A finales de los 70, Jerry fundó la mítica Fort Apache Band, banda imprescindible del panorama Jazz a escala mundial.
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A principios del nuevo milenio, Jerry decidió fijar en Madrid su base de operaciones. Desde entonces ha sido un habitual de los escenarios españoles, colaborando a menudo con algunos de los músicos nacionales de mayor renombre –Paco de Lucía, Enrique Morente, Luz Casal, Chano Domínguez, Diego “El Cigala” y un largo etc…
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Jerry González (Nueva York, EE. UU., 5 de junio de 1949) es un músico de jazz neoyorquino de raíces puertorriqueñas afincado en Madrid. Trompetista y percusionista, es uno de los pioneros del latin jazz.

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Jerry González nació en Manhattan (Nueva York) el 5 de junio de 1949 en una familia de origen puertorriqueño. A muy temprana edad se trasladó junto a su familia el barrio del Bronx. Su padre, Jerry González Sr, era maestro de ceremonias y vocalista de distintas agrupaciones durante le era del carismático Palladium. Jerry González estudió en el Music & Art High School, el Music Collage de Nueva York y la Universidad de Nueva York. Comenzó su carrera profesional junto a Lewellyn Mathews tocando en la Exposición Universal del Estado de Nueva York en 1963. Sus influencias más relevantes se encuentran en Miles Davis, Mongo Santamaría y en Dizzy Gillespie, de cuya banda formó parte en los primeros años de la década de los 70. Luego formó parte de la banda de Eddie Palmieri hasta 1974, que comenzó a tocar en el Conjunto Libre del gran timbalero Manny Oquendo y Andy González.

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Junto a su hermano el bajista Andy González fundó el Conjunto Anabacoa y más tarde el Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorkino, González ha profundizado en los orígenes afrocubanos de su música y en el jazz. El grupo grabó tres discos: Concepts of Unity (1974), Lo Dice Todo (1975) y “Homenaje a Arsenio Rodríguez” (2011), y en sus inicios estaba compuesto por: Jerry y Andy González, Frankie Rodríguez, Milton Cardona, Gene Golden, Carlos Mestre, Nelson González, Manny Oquendo, Oscar Hernandez, José Rodríguez, Gonzalo Fernández, Alfredo “Chocolate” Armenteros, Willy García, Heny Álvarez, Virgilio Martí, Marcelino Guerra, Rubén Blades, Orlando “Puntilla” Ríos y Julito Collazo.
Entre 1984 y 1999 Jerry González tocó con el conjunto de jazz latino de Tito Puente, de 1984 a 1990 con McCoy Tyner (sexteto y luego big band) y de 1984 a 1987 con el grupo de Jaco Pastorius.

>Fort Apache Band.
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A finales de los 70’s publicó su primer disco en solitario, titulado “Ya Yo Me Cure”, y poco después fundó su mítico grupo la Fort Apache Band, que inicialmente incluyó a quince músicos, entre ellos su hermano Andy González, Kenny Kirkland, Sonny Fortune, Nicky Marrero, Milton Cardona, Papo Vazquez y Jorge Dalto. Los primeros dos discos del grupo fueron grabados en directo en festivales de jazz europeos: “The River is Deep” en 1982 en Berlín y “Obatalá,” en 1988 en Zurich.

imageSus siguiente discos fue el exitoso “Rumba para Monk” (1988), que fue nombrado disco “Disco de Jazz del Año” por la Academie du Jazz francesa. A partir de este disco el grupo deja de tener 15 miembros y pasa a ser un sexteto formado por Larry Willis (piano), Andy González (bajo), Steve Berrios (batería) and Carter Jefferson (saxo) and Joe Ford (saxo).
A este disco siguieron “Earthdance” (Sunnyside, 1990) y “Moliendo Café” (1991). Tras el álbum “Moliendo Café” Carter Jefferson falleció y fue reemplazado por John Stubblefield. En 1994 publicaron “Cossroads” y en 1995 “Pensativo”. Ambos fueron nominados a los premios Grammy. El grupo fue galardonado como “The Beyond Group of the Year” por los críticos y los lectores de la prestigiosa revista Down Beat Magazine en 1995 y 1996.

Jerry González y su grupo continuaron en 1996 con el álbum “Fire Dance,” grabado en vivo en el Blues Alley. El álbum fue galardonado con el premio a “Mejor Grupo de Jazz” por los lectores de la revista Playboy en 1997 y en 1998 con el premio del la industria y la crítica en los Premios del Jazz de Nueva York. El siguiente disco del grupo, “Rumba Buhaiana”, publicado en 2005 fue un tributo a Art Blakey. Éste fue el primer disco como quinteto, sin John Stubblefield, que falleció en 2005. El grupo aún está en activo.
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El festival de jazz Heineken dedicó la edición de 2008 a los hermanos Jerry y Andy González, siendo los primeros músicos de origen puertorriqueño a los que el festival rindió tributo. En octubre de 2011 la Afro Latin Jazz Orchestra del ganador de un Grammy Arturo O’Farrill, realiza en el teatro Symphony Space de Nueva York un tributo a Jerry González y a su hermano Andy.

Jerry González en 2011. Jerry González en España

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La popularidad de Jerry González creció enormemente con su participación en la película de Fernando Trueba Calle 54, en el que participaron muchos de los principales músico del Latin Jazz (Tito Puente, Bebo Valdés, Gato Barbieri, Paquito D’Rivera, Michel Camilo, Eliane Elias, etc.).
Tras el estreno de la película, en 2000 Jerry comienza a recibir invitaciones para participar en proyectos musicales y festivales y en España, fijando desde entonces su residencia principal en Madrid.

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El primer fruto de sus tiempos en España fue el disco “Jerry González camp; los Piratas del Flamenco”, que incluía al guitarrista flamenco Niño Josele, al cantaor Diego “El Cigala” y al percusionista Israel Suárez “Piraña”.
Fue una nueva aproximación a la fusión de jazz y flamenco, sin bajo, sin batería ni piano. El álbum fue nominado como mejor disco de jazz latino a los premios Grammy y ganó el premio de la crítica en los premios de jazz de Nueva York como mejor disco de jazz latino. En España también ha tocado con otros músicos flamencos como Enrique Morente, El Negri, Javier Limón, Jorge Pardo y Paco de Lucía, músicos de copla como Martirio o de pop como el argentino Andrés Calamaro.
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Los últimos discos de Jerry Gonzalez han sido “A primera vista” (a dúo con Federico Lechner, 2002), “Music for Big Band” (2006) y “Avísale a mi contrario que aquí estoy yo” (Cigala Music 2010), editado en Estados Unidos bajo el título “Jerry González y El Comando de la clave” (Sunnyside, 2011), nombre de su cuarteto en España, formado por los cubanos Alain Pérez (bajo), Javier Massó “Caramelo” (piano) y Kiki Ferrer (batería). El disco es nombrado “Mejor disco de Latin Jazz de 2011″ por los reconocidos críticos de jazz Ted Panken (Downbeat Magazine) y Doug Ramsey y nominado a “Mejor disco de Latin Jazz” en los Grammy Latinos 2012.
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En 2010 se le da un premio a “Latino del Año” dentro del certamen 100 Latinos-Madrid. Sus próximos proyectos son un disco con el contrabajista español Javier Colina, un disco a duo con guitarrista flamenco Niño Josele y un homenaje a Los Muñequitos de Matanzas.
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Colaboraciones
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A lo largo de su carrera Jerry González ha colaborado con músicos como Jaco Pastorius, Eddie Palmieri, Tito Puente, McCoy Tyner, Chet Baker, Israel López “Cachao”, Woody Shaw, Dizzy Gillespie, Tony Williams, Larry Young, The Beach Boys, Freddie Hubbard, Orquesta Filarmónica de Brooklyn, Archie Shepp, Paco de Lucía, George Benson, Ray Barretto, Papo Vázquez, Bobby Paunetto, Chico O’Farill, Alfredo “Chocolate” Armenteros, Hilton Ruíz, Chico Freeman, Famoudou Don Moyé, José “Chombo” Silva, Rashied Ali, Paquito D’Rivera, Diego El Cigala, Andrés Calamaro, Enrique Morente y Steve Turre.

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February 1, 2014 10:50
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Historia de alguno de los mejores” tablaos flamencos” (6) Casa Patas.

En el centro de la ciudad, en uno de los lugares más populares de Madrid como es Casa Patas, les presentamos un espacio ubicado dentro de la Fundación Conservatorio Flamenco “Casa Patas”:EL CAFÉ CANTANTE,UN PUNTO DE ENCUENTRO ORIGINAL, CON ENCANTO… Y MUY FLAMENCO
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Con la belleza de las antiguas edificaciones de Madrid, donde la luz juega entre los patios interiores y la decoración tiene aroma a “jondura”, el Café Cantante destaca como un espacio multifuncional.
Dividido en cuatro ambientes: el Café de Silverio, la Sala Camarón, El Patio de estilo andaluz y La Galería en torno al mismo, ponemos a su disposición este conjunto singular para la organización de todo tipo de reuniones
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Casa Patas es uno de los pocos tablaos flamencos que quedan en Madrid. Este tipo de espectaculos siempre han sido de gran fama en nuestra ciudad; y un gran reclamo turistico para los ‘guirys'; pero de unos años hacia aca muchos se han visto obligados a cerrar. Pero Casa Patas es uno de los más afamados mundialmente y de reconocido prestigio internacional. En el actuan artistas noveles y otras figuras consgradas entre las que han destacado algunos de los más grandes de la historia del flamenco como Camarón de La Isla, Remdios Amaya, Niña Pastori, Rancapino y Pepe Habichuela, Paco de Lucia, Jose Menese y otros muchos A la apra de escuchar buena musica se puede disfrutar de una magnifica cena o un momento de diversion; para eso dispone de distintas areas. En el salon del restaurante se puede disfrutar de comidas tipicamente relacionadas con el falmenco y todo su entorno como el rabo de toro, el jamon y los quesos tipicos del pais, sin olvidarnos de toda una extensa carat con platos de todo tipo; incluyendo una gran variedad de magnificos postres caseros. En la barra se puede esperar para entrar a cenar o simplemente se puede pasar un moemnto agradable degustando las afamadas tapas del lugar acompañadas del tipico ‘chato de vino’ o cerveza. Casa Patas está situada en la calle Cañizares no 10, a mitad de camino entre el metro de Antón Martin y Tirso de Molina. Por aqui han pasado gente como Prince, Joaquin Cortes y Antonio Canales, The Cure, Jose Merce, El Juli, Manzanita, Lolita, Johnny Depp y otros muchos vistantes conocidos.
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El barrio de Lavapiés es, sin lugar a dudas, el núcleo del mundo flamen- co en Madrid. En esta zona, donde han vivido, y viven, importantes familias del mundo del flamenco desde hace más de 150 años, se fundó la Taberna-Restaurante Casa Patas. Corría el año 1985 y desde entonces, este local ha permanecido ligado indisolublemente al flamenco hasta llegar a ser reconocida, hoy por hoy, como un punto neurálgico más de este arte en todo el mundo.
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A efectos de un mejor entendimiento, las actividades a las que se de- dica Casa Patas pueden dividirse en, por un lado, las propias de una empresa de restauración que ofrece comidas y cenas; y, por otro, las de una sala de espectáculos con el flamenco como eje central.
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Madrid no sólo es el centro económico, político y cultural de España, sino también lugar de encuentro para gente venida de todos los puntos cardinales y que ha permanecido en esta ciudad manteniendo sus tradiciones y enriqueciéndolas con otras. En este sentido, Madrid puede ser definida como “la capital mundial del flamenco”, pese a ser éste un arte tradicionalmente ligado a la cultura andaluza.
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El Restaurante Casa Patas.Ubicado en la calle Cañizares número 10, el restaurante se encuentra en la planta inferior de un edificio de mediados del siglo XlX y que alberga, en su conjunto, a la Fundación Conservatorio Flamenco Casa Patas y a la Taberna Casa Patas.
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La Taberna Casa Patas dispone de un amplio comedor con columnas de hierro fundido, capiteles de estilo corintio y paredes repletas de cua- dros y fotografías de los artistas que han pasado por su tablao; artistas de la talla de Antonio Canales, Enrique y Estrella Morente, José Mercé, Carmen Linares, Paco de Lucía, Remedios Amaya, Niña Pastori, Sara Baras o hasta el propio Camarón de la Isla. Todo para crear un ambiente que transporta a los clientes a lo más profundo del flamenco, a la vez que se degustan platos y productos tradicionales de la gastronomía española.

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La sala de espectáculos, situada al fondo del comedor, surgió con posterioridad al restaurante. El nombre que hoy tiene Casa Patas entre los fla- mencos se lo ha ganado a pulso a base de una programación variada y de calidad, de tal forma que las actuaciones varian semanalmente, llegando a tener incluso dos espectáculos distintos los fines de semana. La exigente clientela local, erudita y profesional de este arte, confiaron pronto en la conjugación de estos factores contribuyendo con su fidelidad a crear una imagen de prestigio a nivel internacional.
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Desde hace años, el nombre de Casa Patas aparece en las mejores guías tu- rísticas reconocido como “el lugar más auténtico de flamenco en Madrid”, y es que, nuestra oferta cultural también ha atraído y atrae a turistas deseosos de mezclarse con los protagonistas de la actualidad flamenca para conocer la esencia de este arte más allá de los tópicos.
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Las críticas por parte de la prensa especializada han alabado multitud de veces la programación de espectáculos y, en no pocas ocasiones, Casa Patas ha aparecido en reportajes de revistas y publicaciones extranjeras. Además de la programación de espectáculos de baile, cante y toque, en esta sala se celebran adicionalmente entregas de premios flamencos y taurinos, presentaciones de discos y libros, exposiciones de fotografía y otros muchos actos. Sus paredes son el decorado perfecto para ambientar entrevistas, de ahí que los pasillos se conviertan en trasiego, casi constante, de periodistas, artistas y otros protagonistas de la cultura.
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Los servicios:
– Cócteles, Vinos de bienvenida y almuerzos o cenas con una amplia oferta de menús para tapear o menús concertados.
– Música flamenca en vivo para amenizar o actuaciones de grupos de artistas con baile, cante y guitarra.
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Las salas:

El Café Cantante es un conjunto de espacios compuesto por:
– La Galería en torno al patio para cócteles y copas de bienvenida.
– La Sala Camarón, reservado con capacidad para doce personas.
– El Café de Silverio, para almuerzos o cenas, que cuenta con un escenario preparado para acoger actuaciones de flamenco en vivo
– El Patio, que llena de luz al resto de los espacios, es un ámbito ideal para su disfrute en épocas de buen tiempo.
Estos espacios pueden utilizarse independientemente o combinarse según sus necesidades.

La Fundación Conservatorio Flamenco Casa Patas, con el respaldo de Casa Patas, que cuenta con una experiencia de más de 20 años programando el mejor flamenco

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Israel Galvan, un coreógrafo innovador.

Israel Galván de los Reyes (Sevilla, 1973) bailaor y coreógrafo flamenco español conocido artísticamente como Israel Galván.
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Hijo de los bailaores sevillanos José Galván y Eugenia de Los Reyes, Israel Galván empezó a bailar desde muy pequeño de la mano de su padre hasta que en 1994, a los 21 años, entró a formar parte de la recién creada Compañía Andaluza de Danza dirigida por Mario Maya.
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Era el comienzo de una trayectoria imparable que, en poco tiempo, se materializó en los tres premios más importantes del baile flamenco: el Premio Vicente Escudero en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba (1995), el Premio ‘El Desplante’ del Festival Internacional del Cante de las Minas de La Unión (1996), y Premio del I Concurso de Jóvenes Intérpretes en la IX Bienal de Flamenco de Sevilla (1996). Diez años más tarde, en 2005, obtuvo el Premio Nacional de Danza en la categoría de creación, otorgado por el Ministerio de Cultura.
En 1996, Israel Galván acompañó al baile a Vicente Amigo en los conciertos de su disco Vivencias imaginadas, y después trabajó en espectáculos de otros bailaores como Mario Maya, Manuela Carrasco y Manuel Soler, con quien mantuvo una intensa relación personal y artística.

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En septiembre de 1998 presentó en la X Bienal de Flamenco de Sevilla ¡Mira! / Los zapatos rojos, el primer espectáculo de su compañía. Desde entonces, siempre ha presentado un nuevo trabajo en la Bienal. En 1999 fue invitado por el Ballet Nacional de España para coreografiar una farruca, para la obra Oripandó.

La dirección artística de todas sus obras es de Pedro G. Romero. La dirección escénica de sus primeras obras es de Pepa Gamboa, aunque la de las más recientes de Belén Candil.
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En 2000, estrenó La metamorfosis, una compleja coreografía elaborada a partir de la obra de Franz Kafka, con música de Enrique Morente, Lagartija Nick y Estrella Morente, basada en György Ligeti. Dos años después, presentó Galvánicas, con temas compuestos expresamente a raíz de su experiencia como bailaor de Gerardo Núñez Trío, con quienes recorrió 2001 los más prestigiosos festivales de jazz y flamenco del mundo.
En octubre de 2005, participó (junto a Chano Domínguez, Belén Maya, Alfredo Lagos y Carles Trepat) en el espectáculo: Albéniz: a propósito de Iberia, dirigido por José Luis Ortiz Nuevo y presentado en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.
Hizo, además, La edad de oro, en 2005, Tábula rasa, en 2006. En 2007, representó El final de este estado de cosas, que luego redujo, y en 2011, hizo un espectáculo con más actores: La curva.
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Pero ha vuelto a menudo sobre sus piezas anteriores, retocándolas. Así La edad de oro (que desde su estreno a inicios de 2005 hasta finales de 2008 había rebasado los cien pases), sólo entre 2011-2012, la ha representado —además de en ciudades españolas y francesas—, en Londres (Flamenco Festival), Sydney, Leipzig, Santiago de Chile o Nueva York.

Espectáculos desde 2004
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Israel Galván, Arena, coreografía y baile flamenco, festival Torinodanza.
Arena: Seis coreografías de Israel Galván para el mundo de los toros. Estreno el 13/10/2004 en la XIII Bienal de Flamenco de Sevilla.
La edad de oro: Israel Galván rememora la epoca dorada del cante, baile y guitarra del siglo XIX, con Fernando Terremoto al cante y Alfredo Lagos a la guitarra.
Tábula rasa: Una puesta en escena de Israel Galván con el cante de Inés Bacán y el piano de Diego Amador. Considerada su propuesta más radical y desnuda. Se estrenó en la sala Joaquín Turina de Sevilla el 23/02/2006.
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El final de este estado de cosas: Creación basada en el texto bíblico del Apocalipsis, con la colaboración entre otros de un coro de música contemporánea Proyectoele, Diego Carrasco, Fernando Terremoto y Juan José Amador al cante, la guitarra de Alfredo Lagos, el baile de Bobote y la música de Proyecto Lorca y Orthodox. Estrenado en el teatro Las Lagunas de Mijas el 29 de septiembre de 2007, dentro del festival Málaga en Flamenco.
El final de este estado de cosas, redux: resultado de la depuración del concepto iniciado con El Final de este estado de cosas. Se estrenó el 24 de septiembre de 2008 en el Teatro de la Maestranza, en la XV Bienal de Flamenco de Sevilla.
La curva, estrenada en 2011.
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Estilo y valoración
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Se hizo famoso en el mundo del flamenco por sus complicados pasos de baile con complicados movimientos de pies, así como por proponer un lenguaje expresivo propio, desconocido hasta el momento en el baile flamenco, basado en fragmentaciones, mezclas, sumas de gestos.
En los años 2002 y 2003 consolidó su reconocimiento en EE UU, Japón e Hispanoamerica. Además, fue requerido por Enrique Morente en su conciertos, grabaciones de discos como El pequeño reloj o en la película documental: Morente sueña la Alhambra. De Israel Galván dijo Morente: “es el más viejo de los bailaores jóvenes”.
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Cabe destacar su intervenciones dancísticas en obras de música clásica española, donde pudo contemplarse una absoluta cohesión entre el lenguaje expresivo del baile flamenco ortodoxo, la danza clásica española y sus figuras o actitudes personales. Ejemplos de ellos son su participación, a finales de junio de 2004, en el Fórum Universal de las Culturas 2004 en Barcelona, con gran éxito en el espectáculo Cante y Orquesta, junto a Miguel Poveda, Juan Gómez “Chicuelo” y la OBC (Orquestra Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya), con la dirección de Joan Albert Amargós.
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En 2006, el filósofo e historiador de arte Georges Didi-Huberman (tras haberle seguido desde el estreno en Sevilla de Arena, en octubre de 2004) publicó el libro: Le danseur des solitudes (El bailaor de soledades, Pre-Textos), una disertación ensayística en torno a la figura de Israel Galván y su obra inspirada en la tauromaquia Arena, con referencias a Bergamín o Chaves Nogales, así como, incluso, a la idea de ‘pathos’ en Aby Warburg.

Ha recibido numerosos premios de danza. La edad de oro ha recibido el Premio Flamenco Hoy 2005 al mejor espectáculo de baile, y Tábula rasa el Premio Flamenco Hoy.
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En 2006, fue coreógrafo de La francesa, con Pastora Galván como bailarina protagonista única (recibió los premios Giraldillo a “la mejor música” y “al espectáculo más innovador”).
Ha participado en el Festival de Avignon, 2009, y en toda Francia antes de ser reconocido por toda España.
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January 30, 2014 19:16
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El flamenco destaca en los Premios Nacionales de Danza Británicos.La nominación ya es un premio.

Israel Galván, Rocío Molina y Eva Yerbabuena están nominados a los premios Nacionales de Danza Británicos que fallaron este lunes.
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Por primera vez en las 18 ediciones de estos galardones de gran importancia en el Reino Unido, el flamenco accede a la final de los premios concedidos por el Círculo de Críticos de Gran Bretaña.

“Para Israel fue una gran sorpresa. Lo más sorprendente es la categoría, de intérprete clásico, con toda la guerra sobre si es rompedor y vanguardista. ?Ya no sé quien soy ni a donde voy?, bromeó cuando recibió la noticia”. “Los tres”, añade Blanco, “están en una búsqueda constante sin miedo a lo establecido ni a los márgenes del flamenco”.

El “Muy ilusionada. La nominación ya es un premio”, resalta Eva Yerbabuena, finalista junto a bailarinas del Ballet de San Francisco y del Bolshoi de Rusia al principal galardón femenino de los Premios Nacionales de Danza del Reino Unido, que se fallan el lunes 27 en Londres. “Estoy emocionada por mí y sobre todo por el flamenco porque es la primera que esto ocurre”, añade la bailaora y coreógrafa.
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flamenco gitano en ‘Bajari: Gypsy Barcelona’.
La bailaora y coreógrafa Eva Yerbabuena, nominada a la mejor intérprete, que compite con bailarinas del Ballet de San Francisco y del Bolshoi de Rusia, asegura sentirse emocionada por lo que esto significa para el flamenco, recoge El Mundo.
Por su parte, el sevillano Israel Galván asegura sentirse confundido, ya que ha sido nominado en la categoría de interpretación clásica. La malagueña Rocío Molina ha sido nominada en baile moderno.
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La candidata a mejor intérprete se “mueve” más allá del tablao. En Londres ha bailado en el estrado de la Royal Opera House en el montaje Just Tell the truth(Cuenta simplemente la verdad) dirigido por Mike Figgis. Con el mismo cineasta ha rodado el documental Flamenco Women y el filme Hotel.
El flamenco tiene mucho rodaje en Londres y el público, según explica Chema Blanco -productor de Galván-, “es muy exigente y sabe mucho de danza”.

Con la satisfacción de haber aupado al flamenco al estrado de los Premios Nacionales de Danza de Reino Unido, y sin perder la esperanza de abrir nuevos públicos, los tres bailaores seleccionados en la 18 edición del certamen siguen celebrando sus históricas candidaturas aunque esta tarde no las han materializado en premios. “La competencia es muy grande y el nivel muy alto”, señalaba Rocío Molina desde Sevilla. “La nominación ya es un premio”, comentaba Eva Yerbabuena. “No contaba con esta candidatura”, se sorprendía Israel Galván.
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El flamenco se quedó finalmente en la antesala de los premios de la sección de danza del Círculo de Críticos británico y en la ceremonia hubo también otro español invisible.
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El ballet Mikhailovsky fue galardonado como mejor compañía de 2013 pero su entonces director artístico, Nacho Duato, no recibió mención alguna en Londres. “Todos trabajamos mucho. No tengo más que añadir”, resaltó Mikhail Messerer, responsable del ballet, minutos después de recoger el premio en el teatro de The Place. El ‘maestro ejecutivo’ del ballet felicitó a bailarines, gestores, técnicos y demás personal de “nuestra modesta compañía” pero no tuvo palabras para el director artístico que la lideró desde enero de 2011.

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Esperanza Fernández, una de las voces flamencas mas bonitas.

Esperanza Fernández (Sevilla, 1966). Cantaora
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Esperanza Fernández posee una de las voces más bonitas y flamencas del actual panorama del cante. Es una cantaora de amplio registro, sobrada de compás y muy profunda por soleá o seguiriya. Pero, además, se ha convertido en una de las intérpretes más identificadas con “El Amor Brujo”, obra que ha llegado a grabar con tres orquestas diferentes.
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En el año 2001 graba “La Vida Breve” de Manuel de Falla con la Orquesta y Coros del Teatro Lírico de Cagliari, dirigidos por Rafael Frühbeck de Burgos en el Teatro Lírico de Cagliari. La ductilidad y delicadeza de su garganta le han permitido interpretar también distintas piezas de música contemporánea del compositor Mauricio Sotelo así como “El Café de Chinitas” con el Ballet Nacional de España. Esperanza intervino en la última grabación de Camarón: “Potro de rabia y miel”, y su voz ha enriquecido varios volúmenes colectivos como “Los gitanos cantan a Lorca”, “Oratorio por Ceferino” y “Así canta nuestra tierra en Navidad”. Su primer disco en solitario apareció en 2001 (BMG).
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En cantaoctubre del 2007 editó su álbum “RECUERDOS”, cuya producción y dirección musical fue realizada por el guitarrista José Antonio Rodríguez. Con este disco consiguió en el año 2008 cuatro premios, uno de El Público y tres en la IX edición de “Flamenco Hoy” que concede la crítica especializada, además de haber estado nominado a los Grammy Latinos como mejor disco flamenco. En 2009 la XV Bienal de Flamenco de Sevilla le concede el Giraldillo del Cante como mejor exponente de interpretación de las formas flamencas tanto en su acepción tradicional como en sus nuevos lenguajes.
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Este es un año de consolidación internacional de Esperanza Fernández. Con el Ballet Nacional de España (BNE) continúa cosechando grandes éxitos con “En el Café de Chinitas”, obra en la cual se torna indispensable su presencia.
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Realiza presentaciones con sus espectáculos “Recuerdos”, “Zahorí” y “La voz y la palabra” en Siria, Jordania, Líbano, Marruecos, Italia, Francia, Austria… Colabora con el músico de jazz francés Renaud García-Fons, grabando algunos temas en su CD “La Línea del Sur” y participando en algunos conciertos, también con David Peña Dorantes en el espectáculo “Convivencias” en el Festival ETNOSUR. Participa como invitada especial en el proyecto “MELOS” que reúne a artistas de varios países como Samira Kadiri (Marruecos), Giorgos Xylouris (Grecia) y dirigido por Keyvan Chemirani, que se presentó en el Festival de Música Sacra de Fez (Marruecos) y en la ciudad de Le Mans (Francia), en Atenas y en Förde (Noruega).
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En 2010 realizó presentaciones con el BNE (“El Café de Chinitas”) en numerosas ciudades en España y el extranjero. En marzo y abril participó en la ópera “La Vida Breve” de Manuel de Falla en Palau das Arts de Valencia con la Orquesta Sinfónica de Valencia, bajo la dirección de Lorin Maazel dentro de la temporada oficial del Palau. Interpretó “El Amor Brujo” con la Orquesta Filarmónica de Zagreb, con la Orquesta Sinfónica de Bilbao, con la de Extremadura y con la Estatal Rusa. Participó en el Festival “Ellas Crean” en el Teatro de la Zarzuela de Madrid y en el Teatro Urania de Budapest, compartiendo escenario con la cantante húngara Palya Bea. También presentó su espectáculo “RAÍCES DEL ALMA” en la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla. Actuó en el Teatro Alhambra de París en el Festival Au Fil Dex Voix, en Tolouse y en Le Mans con el proyecto Melos, así como en el Festival Andalucías Atlánticas de Essaouria y en Casablanca (Marruecos), entre otras ciudades. Además, participó como artista invitada de Miguel Poveda en la gala inaugural “Historias de viva voz” de la Bienal de Sevilla 2010 en la Plaza de Toros de la Maestranza.
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Durante el año 2011 realizó gira en Holanda, Bélgica y actuaciones con la Orquesta Staatskapelle de Dresden interpretando “El Amor Brujo” dirigida por Josep Pons y con la PostClassical Ensamble en Washington dirigida por Ángel Gil-Ordóñez, así como actuaciones en España: Auditorio Nacional, Liceo de Barcelona, Teatro Alhambra de Granada, Auditorio Cajasol de Sevilla, Centros Culturales Caixa Forum de Barcelona y Palma de Mallorca, así como en Festivales de Almería, Ronda y Alhaurín de la Torre, por citar algunos.
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El año 2012 comienza cantando “El Amor Brujo” en el Liceo de Barcelona y en el Teatro Real de Madrid. En febrero lo interpreta con la Orquesta Nacional de México en el Palacio de Bellas Artes de México D.F. y en marzo canta “La vida breve” y “El Amor Brujo” en el Palau de les Arts de Valencia. En junio actúa en la Sala Pleyel de París con el gran cantante marroquí de música andalusí Mohammed Bajedoub. Entre septiembre y octubre interpreta el papel de Candela en la producción “¡Ay amor!” de Herbert Wernicke en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En diciembre canta “El Amor Brujo” en el Auditorium Parco Della Musica de Roma con la Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia dirigida por el Maestro Pappano. A lo largo del año, realizado conciertos flamencos en diversas ciudades españolas y extranjeras. Junto a Javier Barón estrena en la Bienal de Flamenco de Sevilla el espectáculo “Arrabales”. Ambos estrenan otra nueva obra, “En clave de 6” en el Festival de Jerez 2013.
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Esperanza Fernández tiene en su haber los siguientes premios:
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Premio Andalucía Joven Flamenco
Premio Clara Campoamor
Premio programa “El Público” por su disco “Recuerdos”
Tres Premios en los IX Flamenco Hoy de la crítica de flamenco por su disco “Recuerdos”: Mejor disco de cante, Mejor productor y Mejor guitarra de acompañamiento
Premio Giraldillo del Cante concedido por la XV Bienal de Flamenco de Sevilla 2008
Premio Al Andalus 2009
Premio Gitano Andaluz 2009
Medalla de Sevilla 2011
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January 29, 2014 10:06
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Mariana de Cádiz.

Mariana Cornejo Sánchez, también conocida como Mariana de Cádiz (Cádiz, 29 de enero de 1947 – ibíd., 6 de noviembre de 2013) fue una cantante flamenca española, sobrina de Canalejas de Puerto Real.
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Mariana Cornejo se inició como cantaora de la mano de su tío Canalejas de Puerto Real. En 1988 grabó su primer disco, ‘Cosas de Cai’, en el que rendía un homenaje a su tierra y a sus barrios. Después vendrían ‘Fiesta en Cai’ o ‘Dos mundos cantan’, entre otros trabajos discográficos.
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Con la tradición familiar en el cante, pronto se dio a conocer entre el mundo flamenco y a participar en los concursos radiofónicos de la época, en Radio Cádiz o Radio Sevilla.

Tomó lecciones de La Perla de Cádiz y Aurelio Sellés, convencido de su arte, quiso llevarla de joven para que triunfase en Madrid. Desde 1980, presentada por el flamencólogo Antonio Murciano, participó en toda clase de espectáculos, peñas y festivales. Como seguidora de la Perla de Cádiz y la Niña de los Peines, su cante estuvo avalado por el sentimiento, la sencillez, la dulzura y la solvencia, hasta en los repertorios más complejos. Ganó el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba (1986) y participó en el homenaje al guitarrista Manolo Carmona (1987).
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Su primer disco, Cosas de Cai (Pasarela 1988) fue un homenaje a su tierra y a sus barrios. Luego grabó Fiesta en Cai, Dos mundos cantan y Villancicos del Barrio de Santa María. También participó en varios programas de televisión en distintos canales en España. Fue protagonista principal de El Patio, en Canal Sur TV, La Puerta del Cante, en Arte y Artistas Flamencos de Romualdo Molina en Televisión Española y en Puro y Jondo de La 2 de TVE.
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Sobrina de Canaleja de Puerto Real. Se convirtió en un personaje muy popular en Andalucía al protagonizar, con gracia y por tanguillos, un anuncio de lejía en televisión. Desde 1980, avalada por el flamencólogo y poeta Antonio Murciano, ha participado en toda clase de espectáculos, peñas y festivales. Como seguidora de la Perla de Cádiz y la Niña de los Peines, su cante tiene dulzura y salero; como gaditana, defiende con solvencia el difícil repertorio local, habiendo sido premiada en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, en tal especialidad (discografía: Dos Mundos cantan, 1992, Fiesta en Cádiz, 1997, Mariana de Cádiz, 1997).
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Los cantes festeros de Cádiz eran su especialidad. Sobre todo las Alegrías. Como no podía ser de otra forma Gonzalo la incluyó en su nueva película Alegrías de Cádiz. Aquí tienen un breve fragmento.
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La cantaora de flamenco gaditana Mariana Cornejo Sánchez, conocida artísticamente como ‘Mariana Cornejo’ y también como ‘Mariana de Cádiz’, falleció a los 66 años de edad el pasado 6 de Noviembre

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La cantaora Mariana Cornejo, Mariana de Cádiz, falleció el pasado miércoles con 66 años de un súbito fallo multiorgánico en la ciudad en la que nació y cuyo cante llevó por bandera. Los aficionados, sus compañeros, la ciudad entera, pudieron despedirse de ella entre el dolor y la sorpresa que su muerte ha causado. Su cuerpo estuvo expuesto durante el día de ayer en el Centro Flamenco de la Merced, en el corazón del popular Barrio de Santa María, muy cerca de la estatua de su amigo Chano Lobato de quien, al fallecer, recibiría el testigo simbólico de portadora de los estilos gaditanos. Ella era Cádiz por naturaleza y por vocación. Siempre sencilla y cercana, no se reconocía graciosa, pero su ser irradiaba una simpatía natural nada pretendida. Para su cante eligió los estilos de la tierra porque, confesaba, era lo que mejor sabía hacer. Fue así dominadora de las chuflillas con su vertiginoso compás, sabia en cantiñas y señora del tanguillo, pero Mariana portaba también esa vertiente grave del flamenco gaditano, el de la soleá de Enrique El Mellizo, por ejemplo, que interpretaba con una soberbia contención.

imageSu carrera fue curiosa cuanto menos. Sobrina de Canalejas de Puerto Real, con quien se iniciaría, fue artista precoz de niña y se asomó a los escenarios y a las radios, con sus concursos tan en boga. Le gustaba recordar que la llegaron a anunciar como La Paquera Chica, quizás por su fuerza o quizás por su devoción por la cantaora jerezana.

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Su otra pasión artística sería Antonia Gilabert, La Perla de Cádiz, por cuyo marido, Curro La Gamba, volvería a retomar una carrera abandonada prematuramente por exigencias paternas. Curro la animó porque decía que su voz era la que más le recordaba a su difunta Antonia. También la animó el poeta arcense Antonio Murciano, con el que se volvería a reunir después. Por fin, a mediados de los ochenta del pasado siglo, ya casada y con una hija, Mariana volvería al arte haciendo compatibles sus obligaciones de madre y de artista con la misma pasión. Imposible no pensar que una faceta se empapó de la otra y viceversa: derrochó arte en el día a día con su extraordinario ímpetu y generosidad, y mimó el cante con un cuidado casi maternal. Quizás por eso el éxito y el reconocimiento no tardaron en llegarle pese a una carrera discográfica irregular.
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Entre sus discos cabe destacar su trabajo de debut en 1988 con Cosas de Cai, su grabación Cádiz por Cantiñas (2007), dirigida por Antonio Murciano y de la que Mariana se sentía muy orgullosa, o su disco de villancicos De Cai a Belén (2009). Y, por supuesto, Tela marinera, de 2005, la obra con la que decía sentirse más identificada.

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En 2007, durante el XXV Congreso Internacional de Arte Flamenco, la cantaora recibió el Premio Miguel Acal de la Asociación Nacional de Críticos, Escritores e Investigadores del Arte Flamenco como reconocimiento por su trayectoria artística y por su calidad como persona, además de por la citada grabación Tela Marinera. En ella incluía el clásico tanguillo La guapa de Cádiz, de Quintero, León y Quiroga, que habría de proporcionarle una curiosa proyección.

El bailaor Antonio El Pipa la incorporó a su compañía con el espectáculo De Tablao y Mariana paseó su genio gaditano por los escenarios de medio mundo, recreando el monólogo de La Guapa. La historia ha querido que sea otro tanguillo, pero muy distinto, el que constituya su última grabación aparecida. Se incluía dentro de la grabación El bar nuestro de cada día del grupo La Canalla, con quien aceptó grabar pese a las distancias estilísticas. Hace apenas unos meses acudía en persona a la presentación del disco y dejaba su fuerza cantaora arropada por un grupo de metales y sección de ritmo. Cantó a dúo con el líder del grupo, Chipi Romera, que al despedirla exclamó: “¡Ay, quién tuviera veinte años más!”.
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(foto del retrato flamenco, autor Oibur Selbor para los retratos flamencos en SecretOlivo. http://www.secretolivo.com/index.php/category/flores/ilustracion/retratos-flamencos/ )

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Antonio Gades

>Antonio Esteve Ródenas, más conocido como Antonio Gades, (Elda, Alicante; 14 de noviembre de 1936 – Madrid; 20 de julio de 2004), fue un bailarín y coreógrafo español.
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Antonio Gades nace en el seno de una familia humilde en Elda, pocos meses después de comenzar la Guerra Civil Española. A principios de 1937, su padre, albañil de profesión, se alista voluntario en el Ejército republicano, trasladándose al frente de Madrid. Un poco más tarde lo seguirá toda la familia.

En 1947 Antonio Gades debe comenzar a trabajar y lo hará en un conocido estudio fotográfico, el de Campúa “donde las fotografías de artistas de la época llenaban toda la pared del cuarto oscuro” y en el diario ABC como mozo.
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En 1949 se inscribe en una academia de baile, donde la casualidad le permitiría conocer meses más tarde a Pilar López Júlvez. Fue ésta quien le sugiere el nombre artístico de Antonio Gades, como recuerdo a las bailarinas gaditanas.
Pilar será su descubridora y admirará en él las dotes naturales y su exquisita pureza.
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En 1951 entra a formar parte de la compañía. Pilar y el primer bailarín, Manolo Vargas, serán los encargados de darle a conocer el mundo del folklore español en un repertorio amplísimo. Al mismo tiempo que viaja por todo el mundo, descubrirá su gran inspiración para la creación de sus propias coreografías: Federico García Lorca.

Durante los 12 primeros años viaja, baila y se forma también en danza clásica, “aquél tiempo de aprender no lo he perdido jamás”. Gades es ya conocido y valorado internacionalmente. En el Teatro de la Ópera de Roma se le denominará “el bailaor de la esencia andaluza”, prueba de que se ha decantado firmemente por este folklore.
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En 1962 funda su primera compañía.

El mejor bailaor. “No vives para la danza, sino que la vida te hace danzar. Se olvida que el baile no es un ejercicio, el baile es un estado anímico que sale a través de un movimiento. Por eso mi compañía está humanizada. Hay gordos y flacos, calvos, altas, con tetas gordas, sin tetas; es un pueblo que baila, no son bailarines que imitan a un pueblo. El baile no son los pasos, la danza es lo que hay entre paso y paso. Es como el toreo. Por eso bailar despacio descubre a los malos bailarines, como a los toreros los buenos toros”.
(Antonio Gades: 1996)
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En Italia actuara, además de en Roma, en el Festival de Spoleto como primer bailarín y coreógrafo con Carmen y en el Teatro de La Scala de Milán. Alfredo Mañas había escrito expresamente para él “La historia de los tarantos”. Gades explicará su viaje al exterior como una manera de buscar las raíces flamencas, pues para él en España los oropeles y el exceso de virtuosismo habían “prostituido” la cultura flamenca popular.

Tras varios meses en Italia regresa a España representando La historia de los tarantos y rodando una película (ya había intervenido en un pequeño papel en Italia con Vittorio Gassman), Los Tarantos del director Francisco Rovira Beleta.
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Representa a España en 1964 en la Exposición de Nueva York, quien lo acoge como a un ídolo del flamenco.
Este es también el año que se casa por la iglesia con Maruja Díaz, de la que se separa 20 meses después.

En 1965 estrena Don Juan en el Teatro de la Zarzuela. La obra supone un buen triunfo de público. Antonio Gades había puesto buena parte de sus recursos en la producción y se encontrará pocos meses después casi sin dinero. Hasta 1968, cuando se casa con la bailarina Pilar San Clemente, no lo veremos regresar a la Scala de Milán junto a Rudolf Nuréyev donde, sin cosechar un gran éxito, Gades se reafirma en su capacidad para transmitir la pureza del baile español.image

En 1969 realiza la coreografía de El amor brujo con la Ópera de Chicago. Representa la obra en Francia, Italia, España, Japón, Estados Unidos, Marruecos, Argentina, y entre otros países con su propia compañía, el Ballet de Antonio Gades.
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En 1971 se separa de su esposa, de quien tenía dos hijos y en 1973 se une a Pepa Flores con quien tendrá tres hijas: la actriz María Esteve, Tamara y la cantante Celia Flores. Con Pepa se casaría en Cuba en 1982.
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Hasta 1974 recorrerá todo el mundo. Ese año estrena en Roma su nueva obra: Bodas de sangre o, en su título original, Crónica del suceso de bodas de sangre. El éxito le acompaña, ya incluso en España, pero Gades anuncia su retirada y disuelve la compañía como reacción ante los fusilamientos de septiembre de 1975 por parte del régimen franquista.

En 1976 rueda Días del pasado

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A excepción de un viaje por Cuba y Estados Unidos con Alicia Alonso, no vuelve a bailar.

En 1978 es nombrado Director del Ballet Nacional Español. A pesar de su rotundo éxito, sólo permanece dos años en el puesto.
Con los bailarines del Ballet Nacional que renuncian a su puesto, forma nueva compañía hasta 1981. Antes rueda Bodas de sangre con Carlos Saura, con quien haría además El amor brujo, Carmen y Flamenco. Es tiempo de la apertura y la figura controvertida de Gades se abre un hueco en el panorama político y cultural español.
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Durante la Transición Española se declaraba como un “catalán de Elda” de ideología marxista y pancatalanista independentista.

Participó en la política encabezando la candidatura del Bloc d’Esquerra d’Alliberament Nacional (BEAN) en las municipales de Alicante en 1979, y se mantendría vinculado a esta formación durante la década de los 80. Más tarde acabó militando en el Partido Comunista de los Pueblos de España (PCPE), siendo miembro de su Comité Central hasta su muerte y se mantuvo vinculado al Partido Comunista de Cuba toda su vida.
En 1986 se separa de Pepa Flores. En 1988 se casa con Daniela Frey, matrimonio que dura hasta 1993.

Inició el rodaje de ‘Carmen’, a las órdenes de Saura, en febrero de 1983. En marzo de 1983 se estrena en Madrid el ballet de igual nombre. Con está producción consiguió el Pegaso de Oro en el Festival de los dos Mundos de Spoleto (julio de 1984), la Medalla del Verano Teatral Veronense (agosto de 1984) y la Máscara de Plata para la Danza en Campione D’Italia (octubre de 1984).
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Carmen. Gades estrenó ‘Carmen’ en el Gran Teatro de París en marzo de 1983 y continuó representándola exactamente igual durante más de una década. Sin cambiar el vestuario ni corregir la coreografía, la obra dio la vuelta al mundo de la mano del bailarín.
(En el Festival de Teatro de Berlín/AP)

«Carmen tiene conciencia de clase, es honesta y no cree en la propiedad privada de los sentimientos. Prefiere la muerte antes que perder su libertad». Así definió el bailaor a Carmen, la protagonista de su coreografía más famosa. En alguna ocasión, Gades llegaría a decir que le hubiera gustado nacer mujer para poder interpretar este papel.
(En el “Sadler´s Well Theatre de Londres”/EFE)
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En septiembre de 1985 empezó a rodar con Saura ‘El amor brujo’, con Laura del Sol y Cristina Hoyos. En diciembre intervino en la representación de ‘Bodas de sangre’, en los actos de conmemoración del X aniversario de la creación del Ballet Nacional Español, en el teatro de la Zarzuela. Mientras, preparaba con el director Saura su espectáculo ‘Fuego’, con coreografía basada la película ‘El amor brujo’, con Stella Arauzo. La obra se estrenó a finales de enero de 1989 en el teatro Chatelet de París. Luego inició una gira por Japón, Hong-Kong, Turquía, Suiza, Alemania, España (3 meses en el teatro Monumental de Madrid) e Italia (enero a marzo de 1990).

Su última producción como coreógrafo será Fuenteovejuna sobre el texto de Lope de Vega y adaptación de José Manuel Caballero Bonald, estrenada en la Ópera de Génova en 1994.
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Recibió el 11 de diciembre de 1995 el Premio de Dirección Coreográfica de la Asociación de Directores de Escena (ADE) por su trabajo en Fuenteovejuna. Seguidor de las teorías del bailarín Vicente Escudero, al que nunca vió en un escenario, se le consideró a mediados de los sesenta como su sucesor e incluso de Antonio, lo que él rechazó. No aceptó ser definido como artista; prefirió “trabajador del baile”. Recibió también la Medalla de Círculo de Bellas Artes de Madrid, el Premio Vicente Escudero de danza y coreografía, el Premio Carmen Amaya, el Premio Nacional de Teatro de 1970 al mejor ballet español, el Premio del Gran Teatro de La Habana (2 de enero de 1990), el Premio Luigi Tani (abril de 1990). También era Premio Nacional de Danza 1988
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Desarrolla con su última obra una gira por Japón, Italia, Francia, Reino Unido, España, Cuba, y varios países latinoamericanos. Continúa con su ejercicio de pureza en el arte: “el baile no es un ejercicio, el baile es un estado anímico que sale a través de un movimiento”.
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Tras una larga enfermedad junto a su nueva compañera, Eugenia Eiriz, falleció en Madrid en 2004.

El 6 de junio había recibido de manos de Fidel Castro la Orden José Martí, máxima condecoración de la República de Cuba.
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El último comunista. Fidel Castro condecoró el mes pasado al bailaor con la orden José Martí, la mayor distinción que concede el Gobierno de la isla, por “su amor, amistad y fidelidad inquebrantables”. En efecto, el bailaor pensaba que era el único régimen no pervertido del planeta porque, según decía, “la gente lucha para que la autoridad y la garantía de la libertad puedan coincidir”.
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En 2005 sus cenizas fueron enterradas en el Mausoleo de los Héroes de la Revolución Cubana. A su muerte, Francisco Frutos, entonces Secretario general del Partido Comunista de España dirá que era “hombre de compromiso y dignidad, de lealtades y amigos, bebió desde niño de las fuentes de la tradición obrera, del sufrimiento del trabajo, de la necesidad, elevando su arte mayor, el baile flamenco, un baile de clase con conciencia, hasta la categoría de manifestación universal”.
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El 28 de febrero de 2009, la Fundación Obrera de Investigación y Cultura (FOIC), con la colaboración del Partido Comunista de los Pueblos de España (PCPE) y los Colectivos de Jóvenes Comunistas (CJC), le rendirían un homenaje en el Palacio de Congresos de Madrid, participando en el mismo personalidades como José Menese y Enrique de Melchor, Amauri Pérez, Carmen Paris, la compañía flamenca Sandra Baca, Buena Fe, Gustavo Cabrera, Orlas Pineda y Grupo Cayamba, así como interviniendo en el mismo el ministro de cultura cubano, Abel Prieto y el secretario general del PCPE, Carmelo Suárez.
Fuera del escenario. Gades exprimió la vida dentro y fuera del escenario.
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En cuanto a su vida familiar, Antonio Gades se casó cuatro veces y conquistó muchos otros corazones. Contrajo matrimonio por primera ves en 1964 con la tonadillera y actriz Marujita Díaz, pero la unión duró solo 20 meses. Posteriormente se une sentimentalmente con la la bailarina de TVE Sandra Lebrouch, pero tampoco duro mucho tiempo la pareja.

A finales de los sesenta se casa con Pilar San Clemente, miembro de su compañía que conocía desde 1957 y con quien tuvo dos hijos, Elsa e Ignacio. Se separaron en 1971 y dos años después se unió a la actriz Pepa Flores “Marisol”, con quien tuvo tres hijas: María, Tamara y Celia.
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En 1986 se rompe la relación y empieza una con la suiza Daniela Frey, con quien también se casó en 1988 y de la que se separó en 1993.
Antonio Gades estaba casado, desde hace unos meses, con Eugenia Eiriz, la persona que ha estado junto al bailarín en los momentos más difíciles de la enfermedad que le llevo a la muerte. Se encontraba enfermo de cáncer desde hace varios años.
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Un legado al descubierto

El 3 de noviembre, con la apertura de la exposición «Vientos del pueblo me llevan», empiezan los actos del «Año Gades» en homenaje al artista
«No me gustaría morirme —dejó dicho Antonio Gades— sin poder dar lo que sé. No; lo que quiero es encontrar a gente que se lo merezca y lo que sé, dárselo. Porque yo he tenido la suerte de que me lo han dado antes».
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Éste fue el espíritu con el que el artista —un adjetivo que siempre rechazó: «Yo soy un trabajador de la cultura»— creó, poco antes de su fallecimiento, en julio de 2004, la fundación que lleva su nombre. Con ella quería no sólo preservar su legado coreográfico —fundamental dentro de la evolución de la danza española y el flamenco—, sino también poner en valor y alimentar una herencia cultural única en el mundo.

El 14 de noviembre de 2011, Antonio Gades hubiera cumplido setenta y cinco años. Con ese motivo, la fundación —al frente de la cual están María Esteve, hija de Gades, y Eugenia Eiriz, viuda del bailarín— ha preparado una serie de actividades para recordar su figura y su obra. «Es una oportunidad excelente para que recordemos a una persona que nos ha dejado tanto», argumenta Eugenia Eiriz.
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También, añade, para darle un impulso a la fundación, «que creó no tanto para inmortalizar su obra como para dar continuidad a una forma de entender la danza española y para difundir este arte único».

Con esa labor divulgativa y pedagógica en la mente se han creado programas como el taller sobre «Fuenteovejuna» destinado a mujeres en desventaja social, y en el que colabora la fundación Tomillo (el 13 de diciembre actuarán en el Auditorio Nacional las participantes en el programa), o el taller sobre «Carmen» realizado en el Conservatorio profesional de Danza Fortea.
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Los actos del «Año Gades» arrancan , con la inauguración en el teatro García Lorca de Getafe, sede de la fundación desde hace unos meses, de la exposición «Vientos del pueblo me llevan». La componen veinticuatro obras gráficas del artista Antoni Miró, amigo de Gades, que a lo largo de los años fue creando estas piezas a partir de fotografías del bailarín. Otra exposición, titulada «60 años de danza española», circulará también por distintas ciudades; en ella se hace un recorrido por la vida artística de Gades. «La importancia del baile de Gades —sigue Eugenia Eiriz— no se limita únicamente a sus aportaciones “idiomáticas”; también, y sobre todo, a una filosofía y a una manera de entender la danza.

Él decía siempre que la danza no está en los pasos, sino en lo que hay entre ellos, y la exposición quiere acercar al público al hombre y al artista».

El buque insignia de la fundación es la compañía Antonio Gades, que dirige Stella Araúzo. El 11 de noviembre bailará en el teatro Calderón de Valladolid «Carmen», con un reparto renovado. En los primeros meses del año próximo viajará por Francia y por España, antes de llegar, en el mes de mayo, al Teatro Real. Allí ofrecerá las tres obras maestras del coreógrafo: «Bodas de sangre», «Carmen» y «Fuenteovejuna», y participará dentro de los programas audiovisual y pedagógico del Real. Y para el año siguiente, la compañía tiene previsto el montaje de «Fuego», una coreografía de Antonio Gades sobre «El amor brujo», de Manuel de Falla, inédita en España.

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JULIO BRAVO Día 01/11/2010, Foto Una de las obras de Antoni Miró dedicada a Gades

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