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Sevilla,tiene un “color especial”, también en Navidad. Un espectáculo único.

imageEn Sevilla vivirás la Navidad más real

Sevilla es la ciudad perfecta para sentir toda la magia de una fiesta que se comparte con la gente.

Tradiciones, gastronomía, luz, arte y espectáculos a pie de calle, además de la feria de belenes más importante de España.

La ciudad está deseando que vuelvas por navidad.
Sevilla es un lugar único en el mundo por su carácter abierto y acogedor
Una ciudad con una personalidad cautivadora que se sabe abrir al visitante y crea de manera natural espacios de encuentro. Una ciudad llena de cultura, historia y tradición, pero que también tiene atractivos espacios contemporáneos.
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Visitar Sevilla en Navidad es una experiencia única en la que descubriremos olores, sabores, sonidos y sensaciones que, en fechas tan entrañables, harán que el visitante nunca la olvide.

El ambiente en estas fechas es íntimo y bullicioso, las calles, edificios y comercios están adornados con miles de luces, encontraremos diversos alicientes para salir a disfrutar la ciudad, gentes por todas las calles haciendo las tradicionales compras navideñas (en calles comerciales, tiendas o mercadillos)…en definitiva, una ciudad llena de vida donde miles de personas están deseando recibirte.
Una dulce tradición
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¿Sabías que Sevilla es la ciudad con más conventos después de Roma?

Teniendo en cuenta que en cada uno de ellos se elaboran dulces y pastas desde hace siglos, ¿te imaginas lo dulce que pude ser una navidad así?

Los 17 conventos de Sevilla venden sus dulces tradicionales hechos a mano por las propias monjas en la primera quincena del mes de diciembre en el Palacio Gótico del Real Alcázar de Sevilla. Una cita con tanto éxito que las delicias se agotan en poco tiempo.
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El mejor destino para las familias

El parque temático Isla Mágica (http://www.islamagica.es ) abre sus puertas durante el período navideño con una decoración ambientada en estas entrañables fechas y una oferta tematizada con espectáculos únicos.

Por otra parte, son muchos los lugares para disfrutar de las vacaciones en familia. Sevilla se vuelca con los más pequeños y les reserva gran parte del protagonismo en estos días.

La tradición de los belenes

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En Sevilla existe una gran tradición belenista. Visitando las “rutas de los
belenes” de la ciudad, encontraremos magníficos Nacimientos en los distintos conventos, iglesias, hermandades, instituciones y establecimientos comerciales, donde se exponen para el disfrute de todo el público.
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También se celebra la Feria del Belén más importante en España, donde se venden exclusivamente elementos de los Nacimientos elaborados de forma artesanal.
Un año más, la plaza de San Francisco contará con el Mapping, un espectáculo multimedia que ya disfrutaron más de 700.000 personas el pasado año.
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Este 2013, la fachada del Ayuntamiento cobrará vida con «El espíritu de la Navidad», que va a ser visualmente mucho más avanzado, con una estética más vanguardista, y que estará especialmente dirigido a los niños, aunque contendrá también referencias culturales y a las nuevas tecnologías. El Ayuntamiento de Sevilla ha avanzado que la gran novedad del Mapping de este año será el uso del láser como efecto especial.

Nominado a mejor evento cultural europeo

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El espectáculo multimedia proyectado en la fachada del Ayuntamiento se ha ganado el reconocimiento internacional por su singularidad y excelencia. Así, el Mapping ha sido nominado a mejor evento cultural europeo en los prestigiosos premios EuBEA, (European Best Event Awards 2013), tan solo unos meses después de que la entidad Eventoplus, organizadora de los premios del mismo nombre, otorgara al mapping de Sevilla el segundo premio al Mejor Evento Cultural del año 2013 en España y Portugal.
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Asimismo, se contará un año más con el mapping en la plaza San Francisco, patrocinado por Telefónica, cuyo nuevo espectáculo llevará por título ‘El espíritu de la Navidad’, con una estética más vanguardista y que estará especialmente dirigido a los niños, aunque contendrá también referencias culturales y a las nuevas tecnologías.
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La gran novedad del mapping de este año la constituirá el uso del láser como efecto especial.La proyección cuenta con la particularidad de ser la primera en España realizada con la técnica de mapping “neutro en carbono”, lo que significa que fueron calculadas las emisiones CO2 asociadas al mismo, para conseguir un balance final de emisiones igual a cero.
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Según ha declarado el delegado de Urbanismo, Maximiliano Vílchez “el espectáculo multimedia proyectado por el Ayuntamiento de Sevilla durante los periodos navideños correspondientes a los años 2011 y 2012, se ha consagrado como uno de los acontecimientos culturales más exitosos y mediáticos de los últimos tiempos, superando todas las expectativas.

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Lámparas de led en la Plaza del Salvador
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Sevilla inaugurará este viernes su alumbrado navideño en un total de 190 calles, creando por primera vez un recorrido de iluminado con esta decoración de forma ininterrumpida desde el Prado de San Sebastián hasta el Puente de la Barqueta.

imageA lo largo de ese nuevo recorrido, se podrá ver un nuevo diseño para la avenida de la Constitución, en la Catedral y en la Giralda; se reforzará la iluminación de espacios emblemáticos como la Alameda de Hércules, y se instalará “una sorprendente y espectacular iluminación” en la Plaza de El Salvador, inspirada en la del mercado londinense de Covent Garden, además de estrenar nuevo espectáculo de mapping en la Plaza de San Francisco.
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EL alumbrado para estas Navidades se activará el viernes y hasta el 6 de enero, con horario de 18,30 a 23,00 horas y hasta las 1,00 horas los días 24 y 31 de diciembre y 5 de enero, quedando instalado con financiación de la Gerencia de Urbanismo en 159 calles, 26 de las cuales no habían sido iluminadas en los años anteriores, distribuidas 13 del distrito Bellavista-La Palmera, 71 del Casco Antiguo, 19 del Cerro-Amate, tres del distrito Este-Alcosa-Torreblanca, siete de Los Remedios, siete de Macarena, cuatro de Nervión, once del distrito Sur, nueve de San Pablo-Santa Justa, siete de Triana y 12 localizadas en el distrito Norte. A éstas hay que añadir las que iluminan los distritos, a cargo de sus propios presupuestos, que suponen 31 calles y espacios públicos más, en total.
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Además, se refuerza la avenida de Alemania; la avenida de Luis Montoto y la Alameda de Hércules, alargando el espacio con luces. En la Alameda de Hércules se iluminarán diez farolas más, sumando 30, todas en el espacio central del bulevard, estando precedida de la de la calle Trajano, y continuada por la de la calle Calatrava.

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La principal novedad del alumbrado de Navidad en Sevilla de este año la representa la iluminación elegida para la Plaza de El Salvador. Inspirada en una experiencia llevada a cabo en el Mercado de Covent Garden de Londres, en el año 2008, esta nueva iluminación está constituida por lámparas de leds en constante movimiento, que obedeciendo a una programación preestablecida, van conformando imágenes y figuras diferente. Para hacer posible este espectáculo, la Gerencia de Urbanismo colocará unos soportes verticales laterales, así como una especie de retícula a una altura de seis metros. Este efecto luminoso se extenderá a lo largo de toda la superficie de la plaza.

A todas estas iniciativas, hay que añadir las actividades programadas desde los Distritos, y desde servicios como el de Parques y Jardines, como la instalación de mercadillos o de pistas de hielo en puntos concretos del centro de la ciudad
Así, se ha adaptado la idea original expuesta en el Covern Garden de Londres a la Plaza de El Salvador, siendo la primera vez que se representa un espectáculo de este tipo y características en España, lo que supone un motivo de orgullo más para todos los sevillanos y para su Ayuntamiento. Además, este montaje se asume sin ningún incremento de gasto respecto al presupuesto de adjudicación acordado con la empresa instaladora.

Con la intención de preparar a los ciudadanos para recibir este efecto, en concreto a aquéllos que accedan a la Plaza de El Salvador por la calle Cuna, se ha dispuesto también una iluminación especial para esta vía, constituida por «snowfall», puntos de luz leds que se iluminan con una cadencia rítmica y constante, y cuyo efecto recuerda al de gotas de agua que caen continuamente.
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Navidad Gitana,mágica y en familia.Feliz Navidad.

imageLa navidad gitana es una cosa muy esperada para todos ellos, pues son unos días muy importantes en nuestra cultura, ya que en esos días en que estamos a cientos de kilómetros, hacemos todo lo posible para estar con toda la familia junta. Yo personalmente me acuerdo de mi infancia cuando mis padres se juntaban con todos sus hermanos que no vivían en la misma ciudad, pero todos los años para la navidad ese día sí estábamos juntos en una casa grande que tenían mis abuelos para ver la lotería  juntos, y ya empezaban a tomar copas, mientras las mujeres hacían los platos tradicionales, como el arroz con leche, las torrijas, el salmorejo, y todas esas  cosas que comemos en navidad, y que solo en esta fechas entrañables nos permitíamos hacer.

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Ahora lo que ha cambiado ha sido el lugar de reunión,  lo hacemos en la casa  de mis padres, nos juntamos todos los hermanos con nuestros hijos y mujeres pues este día vamos todos hacer las compras y las mujeres van cantando villancicos y se juntan con sus amigas que hacen lo mismo.

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Beben un poco de anís, mientras los hombres esperamos imagea que compren  en el bar y van llegando gitanos de otras familias, ahora los más jóvenes se hacen cargo también de las compras y se ponen hacer también las comidas que expliqué anteriormente.

Para los gitanos el día mas importante es el 24, noche buena, pues ese día comemos todos juntos una comida que se hace de dos formas, una con alubias y otra con garbanzos, pues así es el potaje gitano, luego que está listo y todos sentados en la mesa mi padre coge una cuchara y cede un poco de comida a mi madre y le da un beso, lo mismo hacen todos los matrimonios, empezando del mayor al menor y después nos da un beso y un abrazo a todos, luego esto mismo hacemos con nuestros hijos para empezar a comer todos, luego los hombres nos vamos al bar para darles tiempo a las mujeres para que se arreglen, en el bar nos juntamos tíos primos y amistades y empezamos a cantar y bailar y así hasta las 9 de la noche, momento que llegan nuestras mujeres, la de los primos y de las amistades. Nos juntamos todos, ponemos algo de dinero y vamos recorriendo de bar en bar cantando y bailando hasta que sea la hora de la cena, y en vez de ir a nuestras casas nos reunimos todos en un solo lugar y compartimos todo lo que vayan trayendo, y nos pasamos toda la noche cantando y bailando

imageHasta el amanecer, y desde luego hasta que el cuerpo aguante, quisiera extenderme mas pero ya no tengo papel para seguir pero en esta ocasión  quiero decir que la navidad es mágica y todo el mundo tendría derecho de disfrutar con las personas que aman, quieren y respetan.

 

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Cuento de Navidad gitano…

imageEmpezaba a nevar cuando avistaron el pueblo abajo, al final de la cuesta, a menos de media legua de distancia. El viento helado, que soplaba del Moncayo, agitaba la nieve menuda como perdigones. La cellisca les golpeaba el rostro y les obligaba a cerrar los ojos. El hombre tiraba del ramal del borrico, que llevaba encima a la mujer, una gitana muy joven de largos cabellos rizados. El animal, con el viento de cara, se resistía a andar. “¡Arre, burro, que ya nos falta poco!”, dijo el gitano, que llevaba una vara de acebo en la mano. Ella, envuelta en su mantón, apretaba los labios para no llorar. A la muchacha le dolía todo el cuerpo.“¿Cómo te encuentras?”, le preguntó el hombre, que había percibido un leve quejido detrás, como un suspiro contenido. “Bien, bien” -respondió ella-, voy bien, no te preocupes”. Cuando llegaron a la entrada del pueblo, anochecía, el cielo se puso de panza de burra y se cerró casi a ras de los tejados, el viento se había serenado algo y la nieve caía ya mansa y copiosamente. Unos perros ladraron cerca. Y de la plaza llegaban sonidos de zambombas y almireces. “¡Ah! Es Navidad, Manuel, no me había dado cuenta!” “Sí, María, es Nochebuena, los churumbeles van de puerta en puerta pidiendo el aguinaldo, ¿no los oyes?”. Los últimos vecinos rezagados salían de la Sala de Concejo con su ración de pan y vino y en una majada cercana balaron unas ovejas recién paridas.
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Manuel conocía bien el terreno. Más de una vez, yendo con su padre, había fabricado cestas de mimbre en el lavadero del pueblo y había echado asiento de aneas a las sillas rotas que les llevaban de las casas. Pero su especialidad era la chatarra. Recordaba con cariño el viejo carromato y, sobre todo, al “Pinto”, el perro que había criado de cachorro, su chuquel que le acompañaba siempre por los caminos y que unos mozos del pueblo ahorcaron para divertirse en un roble de las herrañes junto al rio. Esa fue la señal de que venían malos tiempos. Aquel día, por primera vez, sintió ganas de sacar la navaja, y menos mal que su padre le obligó a contenerse. Era moreno de cobre y plata, como las puestas de sol de la sierra, más que de verde luna, jaquetón y tieso como un junco. Y de poco hablar. De un tiempo a esta parte había notado que las autoridades perseguían con especial saña a los gitanos y a los quinquis, casi tanto como a los maquis. Estos, que andaban por el monte, eran, por lo visto, los más peligrosos, pero a los gitanos y quincalleros se les aplicaba la ley de vagos y maleantes. Lo peor que podía brillar en la revuelta del camino no era el acero de una bucha, sino el charol de los tricornios.
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Esa fue la razón por la que Manuel bordeó el pueblo por el camino del norte y siguió cuesta arriba en dirección al monte. Había que ahuecar y estar al loro. Cuando llegó junto a la gran encina sola sonaron las campanas llamando a la misa del gallo. Era ya noche cerrada y seguía nevando. “¿Vas bien, María?” “Sí, voy bien, no te preocupes”. “Ya falta poco”.
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Y se puso a tararear en voz baja: “Brincan y bailan los peces en el rio, brincan y bailan por ver a Dios nacido…” Traspusieron la loma hacia la umbría y pronto torcieron por una senda apenas perceptible a la derecha. Cien metros más allá tropezaron con la majada, que Manuel conocía bien. Allí se acomodaron ellos y el burro, que nada más entrar se puso a mordisquear la paja que había entre las cagarrutas. El marido amontonó hojarascas en el rincón más abrigo de la taina, las cubrió con una manta y sobre ella se acostó María, tapada con el mantón.
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El hombre cerró lo mejor que pudo el ventanuco de la pared para que no entrara la nieve y, con un brazado de ulagas y romeros, hizo lumbre, una buena chirindola. Sacó después la vieja olla de las alforjas, la llenó de nieve del tejado y calentó agua. “¿Estás bien, María?”, volvió a preguntar. “Creo que viene ya el niño, Manuel”. Desde antes de dejar la carretera había sentido los dolores de parto. Entonces él se sentó junto a ella y la ayudo. Le cogió la mano con fuerza y María no tardó mucho en dar a luz. “¡Es un niño, María, un precioso churumbel!”. Le cortó el cordón con el baldeo, lo lavó bien y después le limpió a ella con el pañuelo de flores el sudor de la frente, y la besó. El niño lloraba.“¡Ha nacido en Nochebuena!”, exclamó, feliz, el hombre. Y María sonrió. Fue entonces cuando sonaron junto a la puerta los cascos de los caballos. Era la guardia civil.image

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María Toledo, pianista y cantaora.Flamenca por encima de las leyes.

¿No han visto todavía actuar en directo a María Toledo? Pues no tarden, esta mujer, que a los once años ganaba el premio de artistas noveles en el Festival Internacional del Cante de las Minas, es hoy, rondando los treinta, una artista completa, profesional como la que más y con una puesta en escena llena de estética. Pero, claro, todo eso sería casi nada si no la acompañara una voz poderosa, diversa de registros y también muy flamenca cuando se sienta al piano y canta por soleá o aborda otros palos recordando a los viejos maestros, aunque siempre con un punto personal, creativo.

María Toledo actuó en la tercera gala de la Cumbre Flamenca de Murcia. Como India Martínez, que la precedió en el certamen, se ha forjado una popularidad de fieles seguidores en las redes sociales, aprovechando el impacto de las nuevas tecnologías de la información. Facebook o el móvil, la comunicación líquida, son para ellas herramientas de trabajo fundamentales.
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Sin embargo, María gana mucho en el escenario, en directo es más, mucho más. Se acompaña al piano en conjunción con el brillante violín de David Moreira, la guitarra de Jesús del Rosario y la percusión de Antonio Losada, pero otras veces se levanta, se da una vuelta por el escenario, se cimbrea levemente, esboza un movimiento de baile con las manos, se marcha para cambiarse de ropa… Y siempre con una puesta en escena estudiada y trabajada, sin improvisaciones, aunque todo surja ante el público con eficaz naturalidad, con la iluminación nítida y bien matizada. Es cercana y los asistentes lo agradecen, la jalean y se les van entregando poco a poco.
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María es de Toledo (su nombre artístico la delata), estudió Derecho y piano, pero su vocación flamenca puede con todo. Su afición y respeto hacia los maestros resulta conmovedora en una mujer joven, nacida y formada en la periferia geográfica y cultural del flamenco, o más bien extramuros de los centros neurálgicos de este arte. Y, sin embargo, al margen de su mirada amplia, que acoge también la copla o las canciones aflamencadas de su repertorio, muchas veces de creación propia, es flamenca por naturaleza.
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Recordó que de niña escuchaba a dos mitos del cante de La Unión, el desaparecido Pencho Cros (tres veces Lámpara Minera) y Encarnación Fernández, y en su recuerdo cantó una minera y una Levantica con otra armonía en el piano, pero fiel a los cánones. Y celebró a Camarón con una imagen del mito gaditano proyectada sobre el fondo del escenario y la melodía en su boca de Cómo el agua y otros temas camaroneros. También evocó a Morente con un repertorio morentino por tangos que incluía los versos sanjuanistas de La noche oscura. Y una colección de cantiñas en memoria de su admirada Perla de Cádiz. Una chicuelina por aquí, un trincherazo por allá, un pase de la casa para embelesar al público, y así durante casi dos horas en un espectáculo denominado Con otra mirada.

Y luego el repertorio más conocido por los jóvenes, como el popular Dame una oportunidad, de su último disco, Uñas rojas, que también ha interpretado junto a Antonio Carmona Y cómo no, un homenaje dispuesto sobre la marcha a la gran tonadillera que acaba de desaparecer, Marifé de Triana, con una selección de coplas que incluía María de la O y la foto de la maestra proyectada.
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María Toledo todavía no ha roto con tanta fuerza como India Martínez, con la que tiene algunas cosas en común, pero es cosa de tiempo, por donde pasa acumula nuevos seguidores. Denle una oportunidad, vayan a escucharla en directo si pueden. O mejor, dense a sí mismos la oportunidad de verla sobre el escenario. La vida, después de su actuación, les parecerá un poco menos oscura.
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María Toledo (María Rodríguez del Álamo: n. Toledo, 28 de julio de 1983) es una cantaora y pianista española. Es la primera cantaora que se acompaña con el piano.
Es licenciada en derecho y titulada en la modalidad de piano por el Conservatorio Jacinto Guerrero, de Toledo. Ha conseguido prestigiosos premios como “Premio Novel en el Cante de las Minas”, el “1er Premio Bienal de Cádiz”, “1er Premio Cantes de Compás en Mairena del Alcor” y reconocida por la audiencia de RTVE en 2009, “Como el mejor disco novel del año”. María Toledo ha podido triunfar en escenarios tan importantes, como el Lope de Vega de Sevilla, el Gran Teatro de Huelva, el Théâtre de Nîmes en Francia, el Teatro del Canal y el Teatro Circo Price de Madrid. También ha recorrido varios países Israel, Turquía, y ha estado presente en la Bienal de Nîmes, Francia.

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Historia

María Toledo comenzó en el cante con 8 años, posteriormente ha realizado los coros para Rocío Jurado en el homenaje “Rocío Siempre”, acompañó al cante junto al guitarrista Manolo Sanlúcar
En el año 2000 fue elegida por el Ministerio de Cultura a través de INJUVE para hacer una gira por España.1 Posteriormente al año 2005, participa en el programa “Gente de primera” de RTVE a partir de este programa se le abrieron las puertas para la elaboración de su primer disco.
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En 2009, sale al mercado su primer disco “María Toledo”. En 2012, su segundo disco “Uñas Rojas” producido por Oscar Gómez.
En sus disco han colaborado: Miguel Poveda, Diego Carrasco, David de María, María Jiménez entre otros.
Es conocida como la “Diana Krall del flamenco”, por ir siempre acompañada de su piano, combinando el flamenco más puro con este instrumento que, en principio, no forma parte del mundo flamenco. María Toledo nos demuestra cómo llevar el compás de una bulerías o de unos tangos con un piano; es, sin duda, una figura que el flamenco necesitaba, y no ha llegado de casualidad.
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Discografía

“María Toledo” su primer disco, lanzado en el año 2009 por Warner Music Spain, producido por Ismael Guijarro, Pablo Cebrián y Lin Cortés. Pasa por los estilos del flamenco, jazz y el pop. Participan el cantaor Arcángel, Carmen París y La Shica. Incluye una versión de “Una décima de segundo” de Nacha Pop.
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1.- En blanco y negro
2.- Ya no más
3.- No me vas a embolicar (con Carmen Paris)
4.- Con el tiempo
5.- Que difícil (con La Shica) 04:10
6.- Dime
7.- Cada día por un camino (con Arcangel)
8.- Eso me pasa
9.- Te advierto
10.- Una decima de segundo
11.- Fragmento (Instrumental)
12.- Bromeo
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“Uñas Rojas” en 2012 sale su segundo trabajo al mercado con Warner Music Spain, producido por Oscar Gómez, en este disco, se continua, con los estilos flamencos, jazz, latin-jazz y pop. Colaboran, Miguel Poveda, David de María, Diego Carrasco y su madrina María Jiménez. Cabe destacar la armónica de Antonio Serrano y el baile de Rafael Amargo.
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1.- Mala Cabeza
2.- Dame una Oportunidad
3.- Te Echaré de Menos
4.- María la Portuguesa (con Rafael Amargo)
5.- Uñas Rojas (con Antonio Serrano)
6.- La del Pelo Alborotado
7.- Nunca Me Olvidarás (con David de María)
8.- Que Le Den Candela (con María Jiménez)
9.- Marioneta
10.- De Nada Vale (con Miguel Poveda) 03:17
11.- El Sol, la Sal, el Son (con Diego Carrasco)
12.- Soleá
13.- Te Echaré de Menos (Versión Completa)
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Premios de Flamenco
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-1º PREMIO NOVEL EN EL CANTE DE LAS MINAS.
-1ª PREMIO EN CANTES DE COMPÁS EN MAIRENA DEL ALCOR (SEVILLA).
-1ª PREMIO EN LA BIENAL DE CÁDIZ Y PREMIO ESPECIAL A LA CANTAORA MÁS LARGA.
-FINALISTA: EN EL CONCURSO NACIONAL DE CÓRDOBA EN LOS GRUPOS “NIÑA DE LOS PEINES” Y CAMARÓN.
-1ª PREMIO EN LA FORTUNA (LEGANÉS) Y PREMIO A CANTES POCO INTERPRETADOS.
1ª Premio en Pedro Muñoz (Ciudad-Real).
1ª Premio en Mora (Toledo).
1ª Premio en Taranta cante matriz en Cartagena (Murcia).
1ª Premio en Osuna (Sevilla) para menores de 20 años.
1ª Premio en Carmona (Sevilla) para menores de 20 años.
1º Premio en Antequera (Málaga) para menores de 20 años.
1º Premio de Saetas en Utrera (Sevilla).
2º Premio de flamenco en Vejer de la Frontera (Cádiz).

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Maruja Garrido, rumba catalana.

Natural de Caravaca de la Cruz, Maruja Garrido fue una cantaora que recorrío palos considerados anatémicos para la época. Lejos de recluirse en ese mundo endogámico y autarquico que inevitablemente era el flamenco, decidió transitar por territorios arriesgados, a veces inhóspitos, a veces inapropiados, con un espíritu moderno en la mejor acepción del término.
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Hija del Niño de Levante, creció en Cartagena aunque muy pronto marchó a Barcelona, donde debutará en el Tablao Los Tarantos. Allí coincide con todos los que pretendieron -consiguiéndolo o no, ese es otro asunto- ser algo o alguien. Cruza su camino con un jovencísimo Antonio Gades llegando a formar pareja artística y actuando en Paris, en el celebre Teatro Olimpia, apadrinados por Salvador Dalí y con rotundo éxito.
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Vuelve a Barcelona, donde coincide con el primer fulgor de la Rumba Catalana, e incluso llega a ser considerada -como todoterreno imbatible que era, ajena y sorda ante el “Qué dirán”- una de sus abanderadas. Como tantas otras adopta la moda de aflamencar canciones populares, pero lejos de arder en la parodia o empecinarse en el chirrido anómalo, consigue que esa improbable pócima sea algo casi natural, fluida, adaptando su estilo a las canciones y no éstas a su manera de cantar. Triunfa con “Es mi hombre”, canción sublime, compuesta por Maurice Yvain y Albert Willemetz para Jean Bourgeois ( Más conocida como Mistinguett, la diva suprema del París del cambio del XIX al XX y cuyas piernas, se dice, llegarían a estar aseguradas por un valor de 500.000 francos) apoyada en un espectacular video avant-la-lettre rodado por Valerio Lazarov para TVE en Barcelona.
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Dicho “vídeo” cuenta con la presencia de ese marchant de tapis genial y trilero que fue Dalí, sempiterna mezcla de lujuría impotente y provocación de rentabilísima caja registradora. Aparece el susodicho con todo el atrezzo necesario; Sentado en un sillón estilo Luis XIV, bajo el Arco del triunfo sito entre la avenida Lluis Companys y el Paseo de San Juan (el mismo que sirvió de entrada a la Exposicion Universal de 1988) nuestro hombre se mesa los bigotes, cabellos al viento y baston nacarado en la mano, en espera de su Afrodita canora, mientras ésta desciende de un helicóptero ¡¡De la policía de Tráfico!!. Planos imposibles, contraplanos mareantes y zooms a cargo del ínclito Lazarov nos muestran el gracil -aunque poderoso- danzar de Maruja mientras entona una oda de sumisión casi sadomasoquista con referencias a Pigalle y lo que se tercie, musicada con aires mariachis, subidas y descensos vertiginosos de violines más un retumbe palmero atronador, sicalíptico y malévolo.
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Cada vez que escucho ésto me acuerdo de “From Elvis in Memphis”. No me pregunten por qué, no sabría decirles.

“…Mi vida tiene un camino y algún destino, ya lo verás,
Se pierde en campos verdes, con el sol y junto al mar,
Mi campo verde que pierde, se que te va, yo se que te va,
y hoy no importa si yo valgo mucho más.

A golpes de risa y llanto fui comprendiendo lo que es amor
y el dia que al fin lo encuentro se que no es mio y te lo doy
Y hoy no importa si yo valgo mucho más

Todos dicen que esto pasa, que es igual, que es igual
que se aprende, tu ya me entiendes,que se aprende a soportar
Y hoy no importa si yo valgo mucho más

Y hoy no importa si yo valgo mucho más…”

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La Flor de Pascua, Flor de Navidad.

imageHistoria de la flor de Pascua

La flor de Pascua o flor de Navidad (también conocida con el nombre de Poinsettia) tiene un origen poco conocido, aunque antaño ya era conocida como una típica flor navideña.

Con la llegada de la Navidad 2011, son muchas las personas que esperan el comienzo de la que se ha convertido desde hace siglos en una de las fiestas populares más celebradas.

Aunque antaño fue una fiesta puramente religiosa (y de hecho, aún hoy se siguen manteniendo sus principales elementos religiosos), lo cierto es que cada vez tiende a ser más habitual que se olviden esos elementos y simplemente se disfrute de un momento de alegría, gozo, felicidad y tranquilidad con los seres que más queremos al lado de una buena mesa repleta de deliciosas recetas navideñas.

Pero para disfrutar plenamente de estas fiestas tan populares es adecuado descubrir un poco más sobre sus elementos más característicos. Como es el caso, por ejemplo, del origen de la Navidad. No obstante, entre esos elementos clave destaca sobretodo la llegada de la denominada como flor de Pascua (también conocida como flor de Navidad o Poinsettia).
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¿Qué es la flor de Pascua?

La denominada como flor de Pascua es una planta sumamente especial en Navidades, dado que durante estas fechas, muchos hogares se llenan de estas plantas como símbolo navideño decorativo (sobretodo por sus característicos colores, que a la vez tienden a ser los más clásicos y habituales de estas fiestas: rojo y verde).

Es una planta originaria de Centroamérica, concretamente de México, país donde la Poinsettia contaba con un importante simbolismo para la misteriosa cultura azteca. No en vano, era una planta que utilizaban para ofrecérsela a sus Dioses o simplemente como remedio medicinal.

¿Cuál es el origen de la flor de Pascua como flor de Navidad?

Aunque históricamente no se conoce el origen de la flor de Navidad concebida como tal, sí es cierto que existe constancia de que ya en el siglo XVI, los frailes franciscanos que evangelizaron a la población deTaxco de Alarcón (México) ya la utilizaban en sus decoraciones navideñas como adorno floral.
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La Flor de Pascua, cuyo nombre indígena es Cuetaxochitl, tiene una larga e interesante historia, originaria de México, los Aztecas ya la cultivaban y la tenían como un símbolo de pureza, además de usarla con propósitos medicinales: con la leche o látex preparaban un compuesto para tratar la fiebre.

Pero la función de la flor de pascua como tal no se inició sino en el siglo XVII cuando unos misioneros Franciscanos que se habían establecido cerca de Taxco, México, comenzaron a usarla en la procesión del Santo Pesebre, conmemorativa del nacimiento de Jesús.

El 12 noviembre de 1825 es introducida a los Estados Unidos por el primer embajador de ese país ante México, Joel R. Poinsett, quien era además botánico. De él proviene el nombre con que las pascuas son conocidas en muchos países: “POINSETTIA”. Su nombre científico es Euphorbia pulcherrima.
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Las Pascuas enanas tan en boga actualmente son pues descendientes evolucionadas de las originarias de México, que han sido producto de trabajos genéticos, hechos por la familia Ecke en California, además por protocolos de cultivo que incluyen el uso de fitohormonas que retardan su crecimiento. La “flor de pascua” no es en realidad una flor; es un conjdo unto de brácteas (hojas modificadas) en cuyo centro aparece la verdadera flor de la planta, casi imperceptible, de color amarillo dorado y rojizo.

Pero si existe una persona que realmente se convirtió en el verdadero artífice de que la planta fuera conocida en todo el mundo, ese fue Joel Roberts Poinsett, quien entre los años 1825 y 1829 ejerció el cargo de embajador de los Estados Unidos en México.

Los historiadores cuentan que Poinsett comenzó a regalar esta planta a sus amistades por Navidad, que es en definitiva cuando ésta se encuentra en su máximo esplendor. Poco a poco esta acción se fue convirtiendo en una tradición, y de ahí llegó el día 12 de diciembre de 1991, en el que en Estados Unidos se proclamó el Día de la Poinsettia, como homenaje y conmemoración de la fecha en el que falleció Poinsett: 12 de diciembre de 1851.

Leyendas
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Cuenta una leyenda mexicana que la primera Flor de Pascua apareció gracias a las oraciones de un campesino y una campesina que eran hermanos. Como no tenían dinero para ofrecer un regalo a la iglesia en honor a Jesús, llevaron un año al altar un ramo de yerbas que colocaron alrededor del pesebre del templo.

Milagrosamente, la primera “Flor de la Santa Noche” brotó como una brillante estrella de colores rojo y verde en el lugar donde ellos pusieron el ramo de yerbas…
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La Flor de Pascua fue cultivada en México por los Aztecas, mucho antes de la introducción del Cristianismo en el Hemisferio Occidental. Inicialmente, la planta se asoció con las religiones en el siglo XVII, cuando, a causa de sus colores brillantes y su florecimiento en Navidad, los padres franciscanos de México utilizaron sus flores en las procesiones de la Natividad.

La Flor de Pascua fue introducida en los Estados Unidos en 1825 por Joel Robert Poinsett, el primer Embajador de los Estados Unidos en México. Poinsett, un eminente botánico, sembró las plantas en su invernadero en Greenville, Carolina del Sur, y luego envió brotes a los jardines botánicos y a sus colegas horticultores.
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La flor de pascua casi todo el año sus hojas son verdes pero cuando llega la época navideña sus hojas brotan de color rojo brillante. Muchos piensan que las hojas rojas que le brotan son los pétalos de flor, pero sus flores verdadera son pequeños racimos amarillos que se encuentran en el centro de las brácteas (bráctea es una simple hoja disfrazada de pétalo).

Leyenda sobre el rojo de sus hojas

Cuenta la leyenda que “cuando el Creador hizo la tierra quiso que las plantas entregaran sus mejores flores a los hombres. Un día, observó que un pequeño arbusto se esforzaba sinceramente por cumplirlo, sin embargo, nadie se fijaba en sus pequeños capullos amarillos que quedaban ocultos por sus enormes hojas.

Con el tiempo, Dios comprobó que aquella planta procuraba ser mejor cada día a pesar de que la gente siguiera sin prestarle atención. Entonces, se acercó a ella y le dijo: “Veo que eres muy hermosa y que realizas tu misión con mucho amor, aun cuando tu belleza no es valorada y sin embargo luchas por ser feliz dando tu amor incondicional a tus hermanos pues sabes que lo necesitan. Por eso te voy a dar mi sangre”.
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Cuando la depositó en sus hojas, estas se tiñeron inmediatamente del color rojo más hermoso que existía, y así se convirtió en la flor más bella, que florecería en la época más importante de la Tierra, en Navidad.

Desde aquel momento la planta de flor pequeña y de grandes hojas se transformó en la bella Flor de Nochebuena, haciéndola la más representativa de la Navidad”.

Ella, contenta y sintiendo en su savia los dones que Dios le había otorgado, decidió mostrar todo su esplendor en una época donde no lo hacían muchas otras flores y plantas, por Pascua, tomando también así su nombre y dando esa tonalidad roja y verde a la Navidad, dos colores, el rojo y el verde, que significan la sangre siempre renovadora de Dios y la esperanza que siempre trae la fe.

Leyendas Mejicanas

Cuanta la leyenda la historia de una niña mexicana muy pobre. Lloraba en Nochebuena camino a la iglesia, porque no tenía regalo alguno para dejar al Niño Jesús en el altar de la iglesia de su pueblo, mientras rezaba con mucha devoción, pidiendo se le concediera obtener un regalo valioso.
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Sus sinceras oraciones fueron escuchadas y un ángel se le apareció repentinamente. Le dijo que cortara algunas ramas de las plantas que crecían cerca del camino para llevarlas a la iglesia. Cuando la niña llegó al altar con su manojo de tallos, como humilde ofrenda, ocurrió un milagro. Al contacto con las lágrimas, que aún caían de sus ojos, de las ramas brotaron bellas flores rojas.

Así aparecieron las primeras Nochebuenas, debido al fervor de una niña afligida, quien ya tuvo en sus manos un regalo digno para darles al Niño Jesús y a su madre, la Virgen María.image
“Cuando creó la naturaleza en la Tierra, les pidió a las plantas que crearan sus mejores flores para entregar al mundo y que cada una seleccionara las estaciones del año para su nacimiento. También les pidió que siempre dieran a todo aquel que las tomara en sus manos y en su vida, todo lo mejor de ellas: belleza, amor, armonía y sabiduría.
Cierto día, Dios vio que una planta en especial desde el momento de su nacimiento daba todo lo más sagrado que se encontraba en su esencia, con el fin de ser elegida por los humanos para llevar a sus vidas la belleza, amor, armonía y la sabiduría.

Pero por más que se esforzaba por ser elegida, nadie se paraba ante ella para admirarla, nadie la apreciaba pues sus flores eran muy pequeñas y sus hojas muy grandes y solo de color verde; esto la entristecía. Sin embargo no dejaba de luchar por ser feliz, aun cuando ningún hermano la quería.

Al ver esto, Dios fue hasta la planta y le dijo: “Veo que eres muy hermosa y que realizas tu misión con mucho amor, aun cuando tu belleza no es valorada y sin embargo luchas por ser feliz dando tu amor incondicional a tus hermanos pues sabes que lo necesitan. Por eso te voy a dar mi sangre. Cuando la depositó en sus hojas, se transformaron en el rojo más hermoso que existía, y así la se convirtió en la flor más bella, que florecería además en la época más importante de la Tierra, en Navidad para ser la representante del amor y la esencia divina del universo.

Desde aquel momento la planta de flor pequeña y de grandes hojas se transformó en la bella Flor de Nochebuena, haciéndola la más representativa de la Navidad.”
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Y también cuanta la de un chico llamado Pablo estaba muy triste al no poder darle un obsequio al Niño Dios, era demasiado pobre y no tenía nada que ofrecerle, por eso se entristeció y estuvo llorando en un rincón de la Iglesia arrodillado. Lloro amargamente. Las lágrimas le resbalaban por el rostro y caían al suelo de la iglesia.

De repente, enfrente de él, una preciosa planta empezó a crecer. Sus hojas eran de un rojo encendido, estaban dispuestas en forma de estrella en el mismo centro, un manojito de menudas flores amarillas la inundaban de luz.
Pablo supo que eso que acababa de suceder fue un regalo que Dios que le había enviado para que se lo ofreciera a su Hijo recién nacido y, felíz como nunca, depositó aquella estrella preciosa a los pies del Pesebre.
Así cuentan que pasó y que desde aquella noche la Poinsetia se vuelve roja en navidad.

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Fiestas de los Patios Cordobeses en Navidad

Este año 12 patios vuelven a abrir sus puertas para compartir las antiguas tradiciones navideñas cordobesas, como se hacia hasta hace pocos años en las casas de vecinos…
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El programa está organizado de forma altruista por la Asociación de Patios “Claveles y Gitanillas”. Se basa en valores intangibles como la convivencia, la generosidad, la estética, la tradición, que son piezas clave del universo que forman los patios cordobeses.
Unos 15 patios particulares del casco histórico de Córdoba, más cuatro institucionales, ubicados en el Palacio de Orive, el Zoco Municipal, la Posada del Potro y la calle Rey Heredia, con cinco rutas para recorrerlos acompañando a diversos grupos de campanilleros de la provincia, conforman la oferta municipal del programa de ‘La Fiesta de los Patios de Córdoba en Navidad’, que comenzó el viernes 13 con un recital de villancicos flamencos.
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La idea de esta iniciativa, según ha explicado esta semana la concejal de Fiestas y Tradiciones Populares del Ayuntamiento de Córdoba, Amelia Caracuel, es que se disfrute de los patios como se hacía durante la Navidad en el pasado siglo, rememorando “la forma de vida de otros tiempos, cuando la Navidad se celebraba al son de la zambomba y de las botellas de anís”, mientras “se compartían típicos productos navideños” en los patios por los vecinos.

Así, entre ese viernes y el día 2 del próximo enero se podrán hacer dichas rutas por los patios que participan en este programa, a cuyos propietarios ha entregado el ayuntamiento plantas ornamentales, además de vino y mantecados, aportados por diversas firmas comerciales, para agasajar a los visitantes.
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En concreto, un recital de villancicos flamencos, este viernes a las 17,00 horas en el patio San Basilio, 50, en el que participan al cante Rosa de la María, Pepi Abad y Salvador Anaya, acompañados por los guitarristas José Luis Antolí, Paco de Dios y Marcos Maza, respectivamente, abre el programa ‘La Fiesta de los Patios de Córdoba en Navidad’, que organiza el Ayuntamiento, con la colaboración de la Diputación Provincial y que conmemora el primer aniversario de la Declaración de los Patios Cordobeses como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. La entrada será libre hasta completar aforo.

Así, el programa ‘La Fiesta de los Patios de Córdoba en Navidad’ incluirá, a partir del día 20, recorridos de coros, grupos de campanilleros y de zambombas, por patios institucionales y por 14 patios populares a partir del día 23.
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Esta celebración, que conmemora el 1er Aniversario de la Declaración de los Patios Cordobeses como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, se realiza con la idea de que se disfrute de los patios como se hacía durante la Navidad en el pasado siglo con la compañía de los vecinos, al son de la zambomba y de las botellas de anís mientras que se comparten típicos productos navideños.

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Visitantes y cordobeses, tienen de nuevo la oportunidad de disfrutar de estos espacios especialmente decorados para la Navidad y de deleitarse con las actuaciones de diferentes coros, no sólo los programados sino también los muchos expontáneos que los visitan.
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Patios que participan:

C/ San Basilio, 50 C/ Pozanco, 6 C/ Frailes, 6
C/ Duque de la Victoria, 3 C/ Pastora, 2 C/ Juan Tocino,3
C/ San Juan de Palomares, 11 C/ Escañuela, 3 C/ Carbonell y Morán, 20
C/ Isabel II, 1 C/ Martín de Roa, 2 C/ Duartas, 4
Historia de la Tradición
En 1921 se convoca un primer concurso de patios en Córdoba, aunque no es hasta el año 1933 cuando se institucionaliza un nuevo modelo de certamen que, en líneas generales, es el que ha llegado hasta nuestros días. De este modo se ponía en valor una tradición popular, que hunde sus raíces en una forma de vida heredada de nuestros antepasados.
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La casa-patio cordobesa toma como modelo la casa hispano-romana y posteriormente se adapta a los modelos árabes, siendo estos los que le dieron su fisonomía característica, evolucionando con los siglos hasta que a finales del siglo XIX se convierten en casas plurifamiliares que les costo la denominación de casas de vecinos.
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Estos bellos recintos, que sus habitantes cuidan y miman durante todo el año se exponen únicamente en el concurso popular de Mayo. De manera que un espacio íntimo y privado se convierte en público y compartido donde se disfruta de la belleza de las flores y plantas, se despliegan todos los sentidos y se reviven tradiciones, que por la actual forma de vida están desapareciendo de nuestros usos y costumbres.

Programa de La Fiesta de los Patios de Córdoba en Navidad 2013:

http://www.turismodecordoba.org/app/noticias/documentos/fiesta_patios_navidad2013.pdf

El consejero de Turismo y Comercio de Andalucía, Rafael Rodríguez, ha presentado en Córdoba la campaña de los ‘Patios en Navidad’, una iniciativa que cuenta con el patrocinio de la Junta con el objetivo de reforzar su atractivo turístico.
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En este sentido, explicó que la campaña durante la Navidad supone “mantener en el tiempo” la promoción de estos recintos populares como recurso turístico para la ciudad, “contribuyendo con ello a romper la estacionalidad”. Además, subrayó que es un “reconocimiento” desde la Consejería en el primer aniversario de la Declaración de Patrimonio Inmaterial de la Humanidad (Unesco) de los Patios de Córdoba.

imageEl consejero, que resaltó que la edición de este año será “la de mayor participación”, con un total de 12 recintos, apuntó que los ‘Patios en Navidad’ es un evento que se viene desarrollando desde hace diez años y que en 2012 recibió más de 140.000 visitantes. Según dijo, la colaboración público-privada en esta campaña se materializa con la aportación de un patrocinio de 9.500 euros.

El programa, de entrada gratuita, se celebrará del 20 de diciembre de 2013 al 4 de enero de 2014 (cerrado: 24, 25 y 31 de diciembre y 1 de enero) en horario 18.00 a 21.00. Los patios participantes son: Carbonell y Morand, 20; Duartas, 4; Duque de la Victoria, 3; Escañuela, 3; Frailes, 6; Isabel II, 1; Juan Tocino, 3; Martín de Roa, 2; Pastora, 2; Pozanco, 6; San Basilio, 50; y San Juan de Palomares, 11.

Visita a los patios Resto del año.

“DESCUBRIR LOS PATIOS CORDOBESES” es una visita acompañada que pretende ofrecer una visión global de la cultura de los patios, con un itinerario por una selección de casas-patios populares, ganadoras de distintos premios en el concurso municipal, ubicadas en la Axerquía Norte entre los castizos barrios de San Lorenzo, Santa Marina y San Agustín.

Podrán disfrutar de casas privadas con sus patios populares fuera de las fechas del concurso de Mayo, sin aglomeraciones y con un trato personal y exclusivo por parte de los cuidadores de los patios, espacios únicos imprescindibles para la celebración de la Fiesta de Mayo que ha sido Declarada por la UNESCO Patrimonio Intangible de la Humanidad en 2012.

Duración aproximada 2 horas.

Grupos reducidos, máximo 30 image

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Domingos y festivos: 12:00 horas.

Precios: Adultos: 12€. Niños: 9€ (5 a 12 años). Menores de 5 años gratis.

NFORMACIÓN Y RESERVAS: Visitas reservando al teléfono: 620460024 o al email: descubrirlospatios@rafaelbarondorador.comimage

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Historia del Árbol de Navidad, el concepto sagrado del abeto

La mayoría de nosotros decoramos nuestra casa en estas fiestas con un árbol de Navidad, pero ¿cuantos de nosotros sabemos a que se debe esta tradición?.

imagePues aunque no tenga que ver mucho con el flamenco, las fechas me provocan a compartir con Vds la historia, los símbolos y las leyendas del Árbol de Navidad. Sin embargo son famosos los villancicos y las celebraciones flamencas en Navidad, y bien podríamos hacer un árbol de navidad de faralaes!!

Cuando los primeros cristianos llegaron al norte de Europa, descubrieron que sus habitantes celebraban el nacimiento de Frey, dios del Sol y la fertilidad, adornando un árbol perenne, en la fecha próxima a la Navidad cristiana. Este árbol simbolizaba al árbol del Universo, llamado Yggdrasil, en cuya copa se hallaba Asgard (la morada de los dioses) y el Valhalla (el palacio de Odín); y en las raíces más profundas estaba Helheim (el reino de los muertos).image

Posteriormente con la evangelización de esos pueblos, los conversos3 tomaron la idea del árbol, para celebrar el nacimiento de Cristo, pero cambiándole totalmente el significado.
Se dice que San Bonifacio (680-754), evangelizador de Alemania, tomó un hacha y cortó un árbol que representaba al Yggdrasil (aunque también pudo ser un árbol consagrado a Thor), y en su lugar plantó un pino, que por ser perenne, simbolizó el amor de Dios, adornándolo con manzanas y velas. Las manzanas simbolizaban el pecado original y las tentaciones, mientras que las velas representaban la luz de Jesucristo como luz del mundo. Conforme pasó el tiempo, las manzanas y las luces, se transformaron en esferas y otros adornos.
Después se agregó la tradición de poner regalos para los niños bajo el árbol, enviados por los San Nicolás (y Papá Noel) o los Reyes Magos, dependiendo la leyenda de la zona donde se encuentre.

 

El árbol de Navidad en Europa
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Es posible que el primer árbol navideño, como se conoce en la actualidad, surgiera en Alemania, donde se implantó por primera vez en 1605 para ambientar el frío de la Navidad, comenzando así su difusión. A Finlandia llegó en 1800, mientras que a Inglaterra lo hizo en 1829, y en el Castillo de Windsor se vio por primera vez en 1841, de la mano del príncipe Alberto, esposo de la reina Victoria.

La costumbre de adornar un árbol en los hogares españoles fue traída en el año 1870 por una mujer de origen ruso llamada Sofía Trubetskaya, que después de enviudar del duque de Morny, hermanastro de Napoleón III, contrajo segundas nupcias con el aristócrata español Pepe Osorio, el Gran Duque de Sesto, uno de los mayores promotores de la Restauración borbónica que permitió a Alfonso XII reinar. Por ello, parece ser que la primera vez que se colocó un árbol navideño en España fue en Madrid, durante las navidades del año 1870, en el desaparecido palacio de dichos nobles, el palacio de Alcañices, ubicado en el Paseo del Prado, esquina con la Calle de Alcalá.

imageLa tradición de adornar el árbol navideño parece que se inició en Alemania y Escandinavia en los siglos XVI y XVII, extendiéndose posteriormente a otros países europeos.1 Para su decoración se emplea en la actualidad una gran diversidad de objetos y elementos, siendo los más tradicionales:

Estrella: colocada generalmente en la punta del árbol, representa la fe que debe guiar la vida del cristiano, recordando a la estrella de Belén.
Esfera: al parecer en un principio San Bonifacio adornó el árbol con manzanas, representando con ellas las tentaciones. Hoy día, se acostumbra a colocar bolas o esferas (en algunas regiones también llamadas bambalinas o chirimbolos), que simbolizan los dones de Dios a los hombres.

- Rojas son para peticiones – Blancas para agradecimientos – Azules de arrepentimiento – Doradas de alabanza.

Lazos: Siempre se ha pensado que los lazos representan la unión de las familias y personas queridas alrededor de dones que se desean dar y recibir.
Luces: en un principio velas, representan la luz de Cristo.

Campanas Las campanas representan la alegría del nacimiento del niño Jesús y de la llegada de la Navidad.

Ángeles Los ángeles, mensajeros entre el cielo y la tierra, son el símbolo, de la bondad y la misericordia.
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Flor de Navidad La Flor de Navidad, es originaria de las regiones tropicales de México. Tiene grandes brácteas rojas (especie de “pétalos” que rodean a las diminutas flores),que recuerdan una estrella, dada a conocer al resto del mundo durante la época colonial, en la cual se adornaban las iglesias con ellas, durante las fiestas navideñas.
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Otros símbolos Las manzanas rojas, simbolizan la abundancia y los bastones navideños, recuerdan una época donde los símbolos que representaban la fe cristiana, eran prohibidos.
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La vara del Pastor Jesús era un bastón, que invertido, mostraba la primera letra de su nombre “J”; de esa forma, se demostraba la fe. Las piñas, representan la inmortalidad y son un signo de esperanza en el futuro. Lo ideal es que el árbol de la Navidad esté decorado con los siete colores del arco iris, con dorado, plateado, y colores brillantes. Recordemos que todo el brillo es sinónimo de luz.

Significado religioso
El árbol de Navidad recuerda al árbol del Paraíso de cuyos frutos comieron Adán y Eva, y de donde vino el pecado original; y por lo tanto recuerda que Jesucristo ha venido a ser Mesías prometido para la reconciliación. Pero también representa al árbol de la Vida o la vida eterna, por ser de tipo perenne.
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La forma triangular del árbol (por ser generalmente una conífera, con particular incidencia del abeto) representa a la Santísima Trinidad. Las oraciones que se realizan durante el Adviento se diferencian por un color determinado, y cada uno simboliza un tipo:
El azul las oraciones de reconciliación.
El plata las oraciones de agradecimiento.
El oro las de alabanza.
El verde de abundancia, fortaleza y de naturaleza.
Origen alternativo según algunas iglesias cristianas
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Según la iglesia Católica y otras iglesias cristianas, el 25 de diciembre es la fecha observada por los paganos de la antigüedad como el día del nacimiento del hijo de la Madre de los Cielos, asociado con Nimrod y el dios del sol. Semiramis y sus seguidores sostenían que en el 25 de diciembre, un árbol siempre verde brotó durante la noche de un tocón seco en Babilonia, y que Nimrod volvería secretamente todos los años a la misma hora para dejar presentes en el árbol.
Pero con el fin de convertir a los pueblos paganos al cristianismo, la Iglesia Católica, estableció el 25 de diciembre como fecha del nacimiento de Jesús, así en lugar de celebrar a un dios pagano, se estaría celebrando al Dios judeo-cristiano.

Que un árbol esté plantado dentro de la casa asegura buena salud para la familia y si se coloca en el patio de la vivienda, significa fidelidad de cada uno de los integrantes del hogar. El elemento madera se asocia a Júpiter, planeta de la prosperidad; además, la madera significa crecimiento. Durante Navidad, quienes deciden adornar su árbol lo hacen con elementos cargados de simbología: las piñas representan la eternidad y las luces simbolizan la voluntad de Dios.

Existen otras leyendas que buscan explicar el origen del árbol de navidad, como la de un sacerdote que vivió hace 400 años en Alsacia y que cada noche de Navidad repartía alimento, ropa y dinero a los más pobres. Un día, el sacerdote admiró la hermosa noche y se le ocurrió colgar los regalos en las ramas de un abeto que estaba cerca a la iglesia, así los pobres podrían disfrutar de la noche mientras se reunían bajo el árbol a interpretar cánticos sagrados. Tan agradable resultó la reunión que desde entonces el árbol fue el centro de la fiesta navideña.

Otra leyenda se sitúa en Inglaterra, en el siglo XVIII, bajo el reinado de Jorge III. Se dice que Carlota, la esposa del rey, se caracterizaba por su bondad con sus súbditos y en el año 1765 decidió poner, en uno de los salones más grandes del palacio, un árbol de Pascua adornado con guirnaldas, luces, juguetes y un montón de regalos.
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Existe también la leyenda de un niño que durante una fría noche de invierno buscó refugio en la casa de un leñador y su esposa. El matrimonio de ancianos lo recibió amablemente y le dieron de comer. Al anochecer, el niño se convirtió en un ángel vestido de oro: era el niño Dios. Para recompensar la generosidad de los ancianos, el niño tomó una rama de pino y les dijo que la plantaran, indicándoles que cada año les daría frutos. Y cada Navidad, el árbol les daba manzanas de oro y nueces de plata.

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Fallece Peter O’Toole .Lawrence de Arabia, se rodó en Sevilla

Llegó al rodaje por casualidad, hace ahora cincuenta años, una tarde que pasaba por las inmediaciones del parque de María Luisa. Y antes que formar parte de la historia del cine, lo que se le apareció fue una oportunidad única para llevar algo de dinero a casa, cosa que siempre era bien recibido en aquella época de apreturas. El entonces veinteañero Antonio González, fue uno de los cientos de extras que la productora Columbia fichó en Sevilla para participar en una de las películas que hicieron su grande catálogo y al propio Hollywood, aún más grande: ‘Lawrence de Arabia’.
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Andaba Sevilla sumida en la tragedia en el comienzo de aquel invierno de 1961. El accidente de avioneta que acabó con la vida de cuatro personas cubrió de luto todo lo relacionado con una Operación Clavel que pretendía a paliar la desgracia en la que el Tamarguillo había ahogado el presente de miles de familias que se habían quedado sin hogar.

Y en esto llegó Hollywood con su fascinante maquinaria para transformar la ciudad en una realidad soñada. De El Cairo a Deraa, de Jerusalén a Damasco, calles y edificios de Sevilla se convirtieron en los escenarios de uno de los más épicos relatos de la historia del cine.

El ‘oasis’ sevillano

Entre los meses finales de 1961 y el primer trimestre de 1962, el populoso equipo de más de setenta técnicos de la Columbia que capitaneaban el director David Lean y el productor Sam Spiegel, desembarcó en la capital andaluza después de varios meses de rodaje en Jordania, donde se filmaron casi todas las escenas ambientadas en el desierto. Tras aquella dura experiencia en la que el equipo soportó las extremas condiciones del desierto jordano, rodar en Sevilla supuso un alivio considerable.

El actor irlandés Peter O’Toole, célebre por su interpretación del coronel T.E. Lawrence, personaje principal en Lawrence de Arabia, ha fallecido a los 81 años, según ha confirmado hoy su agente, Steve Kenis.

El intérprete pasará a la historia del cine por su versatilidad, y por su recordada interpretación del coronel T.E. Lawrence en la oscarizada cinta Lawrence de Arabia, de 1962.
De personalidad extrovertida y alegre pero también díscolo y combativo, O’Toole dio sus primeros pasos en el mundo interpretativo como actor de teatro encarnando papeles de Shakespeare para dar el salto a televisión en 1954 y debutar en el cine, en 1959, como actor de reparto en un film menor, “Kidnapped”.
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De padre irlandés y madre escocesa, su fecha y lugar de nacimiento siempre han estado rodeados de una cierta imprecisión, y si bien algunas fuentes aseguran que nació en Connemara (Irlanda), para otros es oriundo de Leeds (norte de Inglaterra).

Frente a esa ambigüedad, el propio O’Toole aceptaba como fecha válida de su nacimiento el 2 de agosto de 1932. Su versatilidad y talento natural para meterse en la piel de personajes especialmente complejos es ampliamente reconocido.

Sin embargo, O’Toole pasará a la historia por su colosal interpretación del controvertido coronel británico T.E. Lawrence en “Lawrence de Arabia” (1962), la obra maestra de David Lean, donde regaló una de las mejores interpretaciones que se han visto en la gran pantalla.
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La magia interpretativa que derrochó O’Toole dando vida al polémico héroe inglés que luchó en el frente turco en la I Guerra Mundial sobrepasó las expectativas, teniendo en cuenta que su elección llegó un poco de rebote, después de que Marlon Brando y Albert Finney hubieran rechazado ese papel.

La profunda implicación del actor en ese proyecto le llevó, incluso, a vivir con un beduino más por los desiertos de Jordania y Marruecos -dos de los países donde se rodó la cinta-, y varios beduinos que conocieron en vida al verdadero “Aurens” llegaron a decir que el irlandés había traído de vuelta al desierto al auténtico coronel.

El filme, un alegato anticolonialista que ganó 7 Oscar, incluido el de “mejor película” -si bien fue Gregory Peck el que se llevó el de mejor actor por “Matar un ruiseñor”-, fue un claro referente interpretativo y argumental en su época y continúa hoy siendo uno de los grandes clásicos de la historia del cine.

Llegarían otros proyectos de relevancia como “La Noche de los Generales” (1966) o “El Hombre de la Mancha” (1972), si bien ninguna de sus otras películas lograría superar el arrollador éxito de “Lawrence de Arabia”.

El Óscar se le resistió en ocho ocasiones. En 2003, llegó a plantearse rechazar el premio honorífico de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de EE.UU. a toda su carrera pues aún sentía que podía lograrlo en competición.

Fuera del universo interpretativo, O’Toole maltrató su salud con una confesa adicción al alcohol y esa dependencia del whisky le situó en 1976 al borde de la muerte, cuando le tuvieron que extirpar parte del estómago y el intestino. Como resultado de esos avatares, su páncreas resultó gravemente dañado y pasó a depender de la insulina.

Entre otros tropezones de salud con los que tuvo que lidiar, también sufrió una enfermedad en la sangre de la que posteriormente se recuperaría. En 1979, cuando parecía que su carrera interpretativa había perdido fuelle, participó en “Calígula”, con Malcolm McDowell y Helen Mirren, y volvió a implicarse en otros proyectos comerciales hasta que “El último emperador”, de Bernardo Bertolucci, y “Troya” le devolvieron de nuevo a la primera línea interpretativa.

En 2006, recibió una candidatura como mejor actor dramático en los Globos de Oro y quedó muy cerca de obtener, al fin, un Oscar en 2007 por su papel en “Venus”, un rodaje en el que se fracturó la cadera. El anuncio de su retirada el 11 de julio de 2012 tomó por sorpresa al mundo del celuloide. En un comunicado, su publicista explicó que el intérprete se había quedado “sin aliento” y que no volvería.

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Cartel original de la película.

Rodaje en Sevilla.

Establecieron su cuartel general en el hotel Alfonso XIII -que además sirvió como set de rodaje en algunas de las escenas de la película-, donde se alojaron el propio director y los actores protagonistas, Alec Guiness, Anthony Quinn, Omar Sharif y un joven Peter O’Toole que aceptó el papel principal tras el rechazo de Marlon Brandon, que prefirió marcharse a Tahití para rodar Rebelión a bordo.
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El ayudante de dirección Pedro Vidal fue contratado para coordinar la participación en la cinta de miles de extras sevillanos en algunas escenas como la llegada de Lawrence de Arabia al cuartel del general inglés en Jerusalén, recreada en la Plaza de América y la puerta principal del Museo Arqueológico.

Según relata Vidal en el ensayo sobre la película ‘Lawrence de Arabia’, del crítico cinematográfico Juan Tejero (T&B Editores, 2002), para animar a los 800 extras sevillanos que participaron en esa escena y que desconocían el personaje protagonista y su historia real pero debían mostrarse entusiasmados de júbilo ante las cámaras, se les dijo que la personalidad que llegaba en el coche acompañado de oficiales ingleses era el torero Antonio Ordóñez, ídolo taurino de la época.

La plaza de América como camerino

Antonio González no recuerda haber recibido aquella motivación, pero sí recuerda la cantidad de veces que tuvieron que repetir la escena. “Acudí a la cita en la plaza de América con mi padre, a quien también seleccionaron, y allí mismo nos vistieron de árabes y nos maquillaron para oscurecernos la piel”, recuerda. “Había muchos extras y muchos técnicos de la película corriendo de un lado para otro. Nos explicaron que teníamos que gritar y agitar un periódico enrollado que nos dieron a cada uno cuando escucháramos el grito de ¡acción! Lo repetimos decenas de veces, estuvimos todo el día para rodar sólo eso a cambio de varios bocadillos y 5.000 pesetas, una fortuna en la época”.
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En la escena rodada en el parque de María Luisa participaron 800 extras sevillanos
La película, basada en Los siete pilares de la sabiduría del Lawrence real, de nombre Thomas Edward, narra las aventuras y la complicada personalidad de este militar y aventurero inglés convertido en mito gracias a sus campañas en Arabia contra el ejército turco y a favor de la unificación de las tribus de la zona durante la Primera Guerra Mundial. La cinta, cuyo proyecto original nació con la intención de repetir el éxito de la anterior colaboración entre Spiegel y Lean, El puente sobre el río Kwai, obtuvo un gran éxito y cosechó siete oscar en 1963, cuatro meses después de su estreno mundial.

“Después del rodaje de aquella escena, los del casting me volvieron a citar, esta vez en una casa de la calle Miguel de Mañara. Allí me probaron varios uniformes de oficial inglés, hasta que dieron con uno de mi talla, incluyendo la gorra de plato y botas de montar que yo reconocí como de gran calidad porque yo me dedicaba al negocio de la zapatería”, recuerda Antonio.
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De incógnito hasta el Alcázar

“Me traladaron, junto a varios extras más, hasta el Alcázar, a apenas 100 metros, en el interior de una furgoneta porque nadie podía vernos. Y en el Alcázar rodamos una escena de tan sólo unos segundos en la que Peter O’Toole mantenía un diálogo con un oficial inglés delante nuestra mientras caminaban. La pena es que no se pararan delante nuestra, porque entonces me hubiera podido reconocer en la pantalla”.

El Thomas Edward Lawrence real.
La mayoría de las escenas de interiores de la película se rodaron en Sevilla, ciudad elegida por el diseñador de producción John Box por la gran variedad arquitectónica de edificios históricos, incluyendo algunos de estilo neomudéjar como el Museo de Artes y Costumbres Populares que tan bien encajaba con la estética de la historia. «No hizo falta construir muros, teníamos estructuras naturales que hacían que nuestro mundo fuese real», recuerda Box en el libro. «Evidentemente, los accesorios de atrezzo nos ayudaron considerablemente en nuestra labor».

En Sevilla se recrearon las ciudades de El Cairo, Deraa, Jerusalén y Damasco
Se eligió la capital andaluza por la variedad de edificios históricos
La sede de la Capitanía General del Ejército fue el cuarte inglés en Egipto
Todos los trabajos anteriores se habían desarrollado en Jordania, donde la Columbia llegó a ganarse las simpatías del rey Hussein mediante la contratación de Sir Anthony Nutting, arabista y ex secretario de estado de Asuntos Exteriores del Gobierno inglés. Las dificultades para rodar en el desierto -temperaturas extremas, frecuentes tormentas de arena, precarias instalaciones para los miembros de equipo…- disparó los costes del rodaje previstos por el productor Sam Spiegel.
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A pesar de que él y el director de la película, David Lean, acababan de firmar un éxito sin precedentes en la historia de Hollywood, ‘El puente sobre el río Kwai’, no pudieron permitirse rodar la nueva producción en Oriente Medio, por lo que la productora comenzó a buscar otro lugar donde continuar la película.

Entre las nuevas localizaciones se barajaron varias ciudades españolas, aunque John Box inclinó finalmente la balanza en favor de Sevilla por la “variedad de edificios históricos” que encajaban a la perfección como decorados de la historia de ‘Lawrence de Arabia’. La otra localización española fue, por sus características desérticas, la provincia de Almería, donde se rodó un mínima parte de la cinta.

De la Plaza de España a la Casa de Pilatos

En la capital andaluza se recrearon hasta cuatro ciudades árabes en las que se desarrollaba la trama. El edificio que actualmente ocupa la sede de la Capitanía General del Ejército, en la plaza de España, fue la sede del cuartel general inglés en El Cairo, cuyo bar de oficiales, que Lawrence profana haciéndose acompañar por un árabe tras la toma de Aqaba, se recreó en el cercano hotel Alfonso XIII.

Las calles de la ciudad de Deraa, donde el protagonista es apresado, torturado y violado -detalle éste sutilmente narrado que aún hoy pasa desapercibido para muchos espectadores-, se filmaron en los aledaños de la muralla de la Macarena, donde el equipo de producción recreó las calles sucias y miserables que exigían el guión.

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El sótano del pabellón de Perú construido para la Exposición Iberoamericana de 1929 -hoy sede de la Casa de la Ciencia- sirvió como sala de mapas del cuartel inglés en El Cairo donde el comandante Lawrence mata su aburrimiento al comienzo de la película. Las mismas dependencias sirvieron como decorado para la mencionada escena de la tortura del protagonista a manos del bey turco, interpretado por José Ferrer.

Una de las escenas más espectaculares se rodó en el interior del Casino de la Exposición, magistralmente transformado por el equipo de Box en el salón de plenos del Ayuntamiento de Damasco. Allí se materializa el fracaso del protagonista en su intento de unir a todas las tribus de Arabia en la lucha contra los turcos.

El Real Alcázar y la Casa de Pilatos se convirtieron durante días en el cuartel general del ejército inglés en Jerusalén. Cuentan que el equipo técnico no pudo evitar la rotura de alguna obra de arte pertenciente a la casa. Cuando la duquesa de Medinaceli descubrió el estropicio, exclamó: «Ah, bueno, sólo era romana».

La escena más espectacular, sin embargo, fue la de la llegada de Lawrence a Jerusalén, que se ambientó en la plaza de América, con el Pabellón Mudéjar como escenario de fondo. En ella se contó con la participación de más de ochocientos extras sevillanos seleccionados días antes en la ciudad.

El rodaje en Sevilla, que finalizó el 19 de marzo de 1962, estuvo plagado de anécdotas. Como las escapadas nocturnas de O’toole y Sharif a algunos tablaos o cómo la crecida del Tamarguillo inundó los sótanos del Pabellón de Perú de la Exposición Iberoamericana y echó a perder los decorados listos para rodar la escena de Lawrence trabajando en la sala de mapas del cuartel general inglés en El Cairo. Recompuesto el escenario, la secuencia tuvo su dificultad añadida: conseguir que una mosca se posara junto a la mano de protagonista en un plano detalle, algo que llevó horas de paciencia a los ayudantes de producción.

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Sandra Guerrero, La Negra.

SANDRA GUERRERO TORIL, bailaora mundialmente conocida con el nombre artístico de SANDRA GUERRERO “LA NEGRA”, nació en Sevilla en el año de 1977 y empezó a bailar con tan sólo 5 años de edad.
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En 1995 ingresó en el “Centro Profesional de Danza de Matilde Coral” donde empezó su carrera como bailaora y, donde 8 años después, se graduaba en Danza Clásica Española obteniendo el título de profesora de baile flamenco.
Mas tarde, en 2004, completaba su formación en el “Centro Flamenco de Estudios Escénicos Mario Maya”.
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Especialista en bailar con “bata de cola” y mantón, Sandra ha cursado baile flamenco con los mejores profesores, como Merche Esmeralda, La Toná, El Mimbre, Eva “La Yerbabuena” o Juán Polvillo; quién actualmente es uno de los componentes de su “Cuadro Flamenco”.

El arte en toda tu figura
uniendo tanta armonía,
embellece el aire que rodea
esos movimientos tan bellos
que llevas tan adentro,
sombreas todo lo que te rodea,
con solo mover tu cuerpo,
lo que encierra tanta belleza
brota sin tu saberlo,
con ese gran poderío
que vas derramando
al compás del taconeo
cuando estas bailando,
lo hace sentir tanto
que el suelo tiembla
porque quiere abrazadlos,
esa gracia infinita
que siempre perdurara
cuando nace de verdad,
ese arte tan grande
Que dios te dadoimage

Sandra Guerrero “La Negra” ha actuado en los tablaos más prestigiosos de España y ha trabajado con las compañías más importantes del mundo del flamenco: TABLAOS: Palacio Andaluz de Sevilla. Albaicín de Granada. Corral de la Pacheca en Madrid. El Arenal de Sevilla ESPECTÁCULOS; Con la Compañía de Cristina Hoyos: Yerma. Con la Compañía de Mario Maya: Un Dos Tres Fa. Con la Compañía de Carmen Mota. Con la Compañía de María Pagés: Luna de viento. Con el Ballet de Curro Vélez: Fiesta Gitana. Con el Ballet de Yoko Komatsubara: Carmen. Con el Grupo Ciudad Sevilla. Sandra Guerrero “La Negra” ha realizado giras por países de todo el mundo y ha participado en Festivales de Flamenco de reconocido prestigio GIRAS: Gira con Manuel Orta por España.. Gira patrocinada por la Embajada de España por: Francia, Cuba, Estados Unidos, India, Italia, Marruecos, Holanda e Inglaterra.

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FESTIVALES: Solista en el Festival de Flamenco de Bormujos. Solista en el Festival de Flamenco de Tomares. Solista en el Festival de Flamenco de Puerto Serrano. III Festival de las Artes de Tomares (2005). VI Noche Flamenca en el Cerro, Coria del Río (2005). Festival de Valencia. Festival de Marsan. Festival de Munich. Festival de Italia. Feria de Sevilla (con Maite Pulpón) PROFESORA:. En Bormujos. En Tomares. En Camas. En Santiponce. En Puerto Serrano. En la Academia Teruo. En la Academia de Marieta Calderón. En la Escuela de Juán Polvillo (actualmente) CINE Y TELEVISIÓN: “Sevillanas” de Carlos Saura. “Flamenco” de Carlos Saura. Programa musical “Contigo” de Canal Sur. Gala de Aniversario de la EXPO 92. Gala de Aniversario “Los del Río”. Especial “Feria de Sevilla”. Programa “Cántame” de Canal Sur. Gala Miss España en Tele 5. “Una Noche con Arte” Sandra Guerrero “La Negra” es una Bailaora Sevillana que ha actuado en los escenarios más prestigiosos de España: El Palacio Andaluz, El Albaicín de Granada, El famoso “Corral de la Pacheca” (en Madrid), El Arenal de Sevilla etc., etc., etc.
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Sandra Guerrero “La Negra” ha impartido clases de baile flamenco en diversos lugares (de Andalucía sobretodo) y en academias que gozan de un merecido prestigio: Ha realizado Giras y Espectáculos por países de todo el mundo: Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Italia, India, Marruecos, Emiratos Árabes, Egipto, Jordania, Holanda, Bélgica, Alemania, Rusia, China, Miami etc., etc., etc. Su destacada participación en Festivales comprende los Festivales de: Munich (Alemania), Festival de Marsan, Festival de Valencia, Festival de Coria del Río (donde ha compartido un cartel importante) etc., etc., etc. Ha trabajado en importantes Compañías de flamenco con fama internacional, como la Compañía de Cristina Hoyos, la Compañía de Mario Maya, las Compañías de María Pagés, Carmen Mota, etc., así como en el Ballet de Yoko Komtsubara (en Japón) y en el Ballet de Currro Vélez (entre muchos otros).
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De su participación en el cine podemos destacar las películas de Carlos Saura: “Flamenco” y “Sevillanas” y de su participación en la televisión destacaremos los programas: “Contigo” y “Cántame” (de Canal Sur) Gala de Aniversario de la expo 92, Gala de Aniversario “los del Río”, Especial Feria de Sevilla, Gala Miss España (Tele 5) etc., etc, etc. Una de las últimas actuaciones de Sandra Guerrero “La Negra” ha tenido lugar en la “Expo de Zaragoza” Actualmente compagina su labor de profesora de Baile Flamenco, con las giras y actuaciones de su propio “Cuadro Flamenco”. Sandra Guerrero “La Negra” baila por todos “los palos” del flamenco y muy especialmente “por bata de cola” y “con mantón”. Si usted está interesado en contratar a Sandra Guerrero “La Negra” le recomendamos que contacte urgentemente, y siempre antes de que queden reservados los escasos días disponibles de su agenda
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Españoles y ticos arman fiesta gitana . Costa Rica.
En escena: La bailaora española La Negra y la compañía tica Al Andalus presentarán el espectáculo llamado De ida y vuelta
Después de participar en la Bienal de Flamenco de Sevilla, donde se presentan los mejores artistas del mundo del flamenco, la bailaora Sandra Guerrero –más conocida como La Negra – viajó a Costa Rica para compartir un espectáculo con la compañía tica Al Andalus. La presentación, llamada De ida y vuelta , será el viernes en el Teatro Eugene O’Neill del Centro Cultural Costarricense Norteamericano, en barrio Dent.
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La Negra , conocida internacionalmente por sus bailes con bata de cola y mantón (parte vestuario que se usa en el flamenco), se presentará acompañada por el guitarrista Javier Leal y el cantaor Manuel Tañé. “Vamos a hacer un espectáculo de flamenco en colaboración con las chicas de aquí. Ellas y yo bailemos diferentes palos como alegrías, taranto y bulerías”, comentó La Negra , quien llegó al país el sábado pasado.

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La artista agregó: “Las chicas de Costa Rica abrirán con sevillanas; luego vengo yo con alegrías, después habrá un tiento, un solo de guitarra y luego cierro el espectáculo con un solo. Al final, haremos un cierre por fiesta, en el que yo compartiré con ellas”. Aunque esta es la primera vez en que La Negra y el guitarrista Leal se presentan en Costa Rica, el cantaor Manuel Tañé ya tiene experiencia con el público tico, ya que acompañó al bailaor Antonio El Pipa en su última visita al país en abril pasado. “El público costarricense respondió muy bien en esa ocasión. Tienen conocimientos en lo que es el flamenco”, aseguró Tañé. La Negra espera que la respuesta de los espectadores costarricenses sea buena. “Estoy segura de que la van a pasar muy bien”, dijo ella. Emocionados. Para la compañía Al Andalus bailar al lado de La Negra es una oportunidad de la que pueden aprender mucho, pese a que no es la primera vez que comparten con un artista extranjero. “El arte acerca a las personas, este será un momento para disfrutar, abrir las puertas y compartir por medio del baile”, explicó Rocío González, directora del grupo. En la presentación del viernes participarán diez bailaoras de la agrupación. Ellas serán acompañadas por los guitarristas Felipe Carvajal y José y Juan Mejías; de hecho, estos dos últimos también participarán en el cante al lado de Fernando Mejías. “Hemos trabajado mucho para que quede muy bonito. Como todos los espectáculos, esta es una oportunidad para que podamos dar a conocer nuestro trabajo”, manifestó González. Tras su presentación en Costa Rica, La Negra y sus compañeros regresarán a España donde darán funciones en diferentes teatros y comunidades del país. El espectáculo De ida y de vuelta es una producción del Centro Cultural de España en conjunto con el Centro Cultural Costarricense Norteamericano.
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Chano Lobato, por alegrías!

JUAN MIGUEL RAMÍREZ SARABIA, cantaor payo, más conocido en el mundo entero del cante flamenco con el nombre artístico de CHANO LOBATO, nació en Cádiz en el año 1927.
En el típico barrio de Santa María, y allí creció y se codeo desde muy niño con toda la flor y nata de los mejores flamencos gaditanos. Chano Lobato ha sido para todos los aficionados el mejor cantaor para acompañar a bailar de la historia.
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Se inició en los tablaos de su ciudad natal, en la Venta La Palma, junto a Aurelio Sellés, Servando Roa y Antonio El Herrero. Después se desplazó a Madrid, y gracias a Pepe Blanco debutó profesionalmente y pasó a ser parte del ballet de Alejandro Vega.

Chano Lobato destacaba principalmente en soleás, bulerías y alegrías, también en tangos, aunque su cante fuera de la siguiriya a la malagueña, de las cantiñas a los soleares, de las tonás y los martinetes a la farruca y el garrotín o los cantes de ida y vuelta.
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Durante veinte años cantó como “cantaor de atrás” con Antonio “El Bailarín”, y actuó por todo el mundo junto a Manuel Morao o El Serna. Después cantó para bailaores como Matilde Coral, su mujer Rosario la Chana, Carmen Amaya, Manuela Vargas. En 1974 obtuvo el premio Enrique el Mellizo en el Concurso Nacional de Córdoba (España).
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Hoy se sigue hablando de Chano Lobato como del maestro de la gracia y del compás. Canta todos los estilos de su tierra gaditana, y todo muy bien, como la Solea, siguiriya, los martinetes, la farruca y el garrotín, los cantes de ida y vuelta, como todos los referentes a los de levante, como son las Malagueñas. Murió el domingo 5 de abril del año 2009 en Sevilla. Cultivador del estilo, Las alegrías.
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Las alegrías son el estilo flamenco más destacado del grupo de las cantiñas. Se trata de un cante oriundo de Cádiz cuya estructura de compás corresponde a la de la soleá, con coplas de cuatro versos octosílabos. De hecho, es el resultado de la unión entre la soleá y la jota imagearagonesa, ‘fusión’ que se propició durante la resistencia a la invasión napoleónica (1808), la Guerra de la Independencia. No en vano, en su origen, también se llamaron jotas o jotillas gaditanas; y en su temática son comunes las letras alusivas al periodo liberal y la contienda.

El baile por alegrías es uno de los más lucidos y ricos sobre el escenario. Tradicionalmente, se considera un baile de mujer que se nutre tanto de los movimientos ondulantes del cuerpo y de hermosos braceos -sobre todo, en los llamados silencios-, como de elaborados zapateados -en las llamadas escobillas-, sin olvidar elementos del vestuario tan vistosos como las batas de cola o los mantones, cuyo manejo requiere una técnica especial.

Cai tacita de plata
te vio nace con orgullo,
para que brillo el sol
cuando te pones a cantar,
con gracia arte y compás,
que dios te otorgo
representación de tu cai,
para toda la eternidad.

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No tiene antecedentes familiares en el flamenco, solo que en su barrio de Santa María se junto desde niño con toda la mejor gitanería flamenca de su tiempo. De niño bailaba, cuando tenía cinco o seis añitos. Y en los días de carnaval formaban como una compañía en que iban la Perla, los hermanos Jineto, Curro la Gamba, Rosario la de Ojitos, María la Ñaña, esos flamencos del barrio, se vestían y se iban por ahí, cantaban, bailaban y mangaban.
Después vinieron las fiestas en las ventas, y Chano tuvo oportunidad de oír a los más grandes cantaores de aquel tiempo en Cádiz, entre quienes Aurelio Sellés era el patriarca. Pasó del baile al cante, primero para acompañar a los bailaores en lo que ha sido quizás el mejor de la historia y desde hace años ya en solitario. Acompañó durante dieciséis años al bailarín Antonio es significativo sobre su bondad para el baile. En 1986 mereció, en mérito a su trayectoria artística ejemplar, la III Distinción Compás del Cante.

Sabio Y generoso

imageChano Lobato tenia 69 años y padecia diabetes, pero cuando estaba fresco era capaz de hacer, él solo, hora y media del mejor espectáculo flamenco del mun­do. Su voz ladina, su humor astuto, sus tablas y su inteli­gencia enganchan. Es una pe­queña enciclopedia de letras y estilos, y no se sabe qué hace mejor, si cantar puro y a compás, como aprendió de Ig­nacio Espeleta y Pericón o contar los chistes más graciosos de Cádiz.
Después de pasar 40 años junto a los mejores bai­laores (Antonio, Pilar López o Carmen Amaya), Chano decidió dar el salto adelante. Desde entonces ha regalado las letras más bellas y el ritmo más con­tagioso del flamenco actual. Es el último cantaor sabio, el de­positario de un arte de vivir y sentir el flamenco que posible­mente se irá con él.

Tamara García / Cádiz | Actualizado 09.04.2008 escribió:Suma Flamenca recuerda la relación de Chano Lobato con Madrid

El festival madrileño acogerá una exposición sobre el artista gaditano
La intensa y productiva relación entre el cantaor gaditano Juan Ramírez Sarabia y la capital española no ha pasado desapercibida a la organización del festival Suma Flamenca que acoge en su programa de este año la exposición de fotografías de Paco Manzano 25 años de Chano Lobato en Madrid.
“Chano es un personaje singular. Una leyenda viva que funciona de bisagra entre el flamenco más antiguo y el actual. Sobre todo, representa la historia del flamenco a través de esas anécdotas que cuenta de forma tan divertida y exagerada aunque tienen su fondo de verdad”. Lo dice el artífice de la muestra que no faltará hoy al Complejo El Águila de la Comunidad de Madrid, donde se presentan las actividades de la tercera edición del festival flamenco. Eso sí, habrá que esperar algo más para pasear entre la treintena de fotografías que recogen la trayectoria del cantaor en Madrid. “Los trabajos estarán expuestos en el Teatro Albéniz entre el 22 y el 31 de mayo”, acierta Manzano, que ha buceado entre su inmenso archivo fotográfico para rescatar instantáneas del artista “desde el año 1984″, informa.
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“Hay fotografías muy interesantes como aquella que recoge su participación en la Cumbre Flamenca de 1984 con otros artistas tan grandes como De la Tomasa o Fernanda de Utrera, o en los Lunes Flamencos de la sala Revólver, o en los festivales flamencos de Caja Madrid”, enumera el fotógrafo que destaca, también, otras obras como “una que está con Compay Segundo en el colegio médico, tres o cuatro que hay de los festivales A Corazón Abierto en las que aparece Chano con Carmen Linares o cantándole a Sara Baras y la más reciente, que es de diciembre de 2007, donde aparece recogiendo el Premio Angelillo que se le otorgó en el festival de Vallecas”.

Paco Manzano no cree que el octogenario artista se acerque durante la jornada de hoy a Madrid para la pre-presentación de la muestra. “Yo estuve con él hace un par de días porque vino a Fuenlabrada pero no creo que venga mañana (por hoy). Estará cuando inauguremos”, espera el autor de la muestra Caballeros flamencos, donde también aparece Chano de Cádiz. “Estaría muy bien que, tras las fechas en el Suma, podamos girar la exposición por otros lugares de España pues, como bien sabéis allí en Cádiz, Chano es muy querido en todas partes”, argumenta el artista manchego al que también le gustaría traer la exposición a Cádiz.
Por lo pronto, el festival organizado por la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid acoge de buena gana la muestra, además de a un buen puñado de artistas de la provincia gaditana que actuarán dentro de un programa que se desarrollará del 17 de mayo al 15 de junio.
Así, el 27 de mayo el propio Chano Lobato acudirá al Teatro Albéniz para coprotagonizar La Noche de Chano con Son, junto con el grupo Son de la Frontera.

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6 de Abril de 2009 – 11:15 – AGENCIAS | MADRID

El cantaor gaditano Juan Ramírez Sarabia, más conocido como Chano Lobato, falleció en la noche de ayer en Sevilla tras una larga enfermedad.

En 1974 obtuvo el premio Enrique El Mellizo en el Concurso Nacional de Córdoba, lo que le supuso el reconocimiento de todo el estamento flamenco. También participó con gran éxito en la Cumbre Flamenca de Madrid. Ha recibido la Medalla de Plata de Andalucía, por toda una vida dedicada al Arte Flamenco, y también posee el Premio Lucas López de la Peña Flamenca El Taranto de Almería.

J. A. López/T. García / Cádiz | 24.04.2009
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“Ya está donde él quería”
La familia de Chano Lobato arroja una parte de las cenizas del cantaor en la playa de Santa María del Mar tras celebrar en el barrio una misa en su memoria
El mar de Cádiz acogió ayer las cenizas de uno de sus hijos más predilectos: Chano Lobato. A las ocho y media de la tarde, con el sol perdiendo fuelle y camino de su escondite caletero, dos sobrinos del cantaor las arrojaron al Atlántico desde uno de los espigones de la playa de Santa María del Mar, mientras otros familiares observaban la escena con atención desde el Paseo Marítimo. “Ya está donde él quería”, resumió acertadamente uno de sus sobrinos. La familia acababa de celebrar en la iglesia de La Merced, en el barrio de Santa María, una misa en memoria del cantaor gaditano, fallecido en Sevilla el pasado Domingo de Ramos. Y después se dirigió a la playa, cerca del lugar donde el niño Chano gustaba de acudir casi a hurtadillas de su madre y de sus hermanas.
Victoria Ramírez y Antonio Prieto, sobrinos del artista, bajaron con la urna en sus brazos y acompañados de Félix Rodríguez, flamencólogo y compadre de Chano Lobato, y José Rodríguez, presidente de la asociación de vecinos Las Tres Torres. Anduvieron hasta el primer espigón de la playa, el situado más cerca de la plaza Asdrúbal, y desde las rocas, al resguardo del levante, gaditanísimo testigo del acto, arrojaron sus cenizas. Arriba, en el borde del Paseo Marítimo, se encontraban su hijo, Chano Ramírez, Chanito; las hermanas del cantaor -Charo, Manuela y Juani-, su prima Luisa la de Enrique y un numeroso grupo de familiares, fundamentalmente sobrinos y sobrinas acompañados de sus propios hijos, que correteaban por el lugar ajenos por lógica a todo lo que con aquel sencillo y emotivo acto rememoraban sus mayores.
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Cádiz y Sevilla fueron los lugares elegidos por el propio Chano Lobato en vida para que fueran esparcidas sus cenizas. Primero, su ciudad natal, como explicaba su hijo Chanito: “Todavía no lo hemos hecho en Sevilla porque nos parecía que lo lógico era hacerlo primero en Cádiz, en su tierra. Y aquí estamos”, decía Chanito mientras recordaba la imposibilidad de que su madre estuviera presente en el acto: “Mi madre no puede venir”.

Después, aún sin fecha, vendrá Sevilla, en algún lugar tampoco determinado todavía con exactitud del barrio de Triana. La voluntad del cantaor quedará cumplida cuando sus cenizas se repartan también por tierra sevillana.

Pero todavía quedará una tercera parte de las cenizas, como señalaba ayer Chanito Ramírez. Una tercera urna será depositada también en el monumento al cantaor en la plaza de la Merced, una obra de el escultor chiclanero José Antonio Barberá.
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Homenaje en Madrid a Enrique Morente

En el Teatro Español fue presentado ayer el memorial «Morente Más Morente», que constituye un gran homenaje a la figura del cantaor granadino Enrique Morente, que se forjó como artista en los ambientes flamencos madrileños a mediados del pasado siglo, junto a sus maestros Pepe de la Matroma y Bernardo de los Lobitos, para revelarse como uno de los más significativos e importantes intérpretes del género.
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Cantaor con sonido milenario, con justeza natural para cada estilo, con pleno conocimiento de su arte, con unas facultades asombrosas para conseguir la armonía que precisa el cante jondo entre cabeza y corazón, que consumó una maestría interpretativa injertándole su indiscutible personalidad, su gran lección estribaba en valorar cada tercio en la tiene de sustancial latido humano, en mostrar musicalmente el significado de cada copla, su mensaje intrínseco, con una limpieza de dicción admirable.
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Con Enrique Morente, el cante ganaba dimensión natural y desde las más recónditas esencias le sumaba al género una cultura poética, junto a una sutil donosura y un clamoroso clamor al compás de nuestro tiempo.

Cualidades que glosaron en el acto el flamencólogo Balbino Gutiérrez y los actoresJuan Diego, Nicolás Dueñas y José Sacristán, tras la presentación del ciclo a cargo de los organizadores Juan Verdú y Enrique Calabuig, que acompañaron a la familia de Morente, formada por su viuda Aurora Carbonell y sus hijos, las cantoras Estrella y Soleá y el guitarrista Enrique, que tomaron la palabra para agradecer el reconocimiento al arte de su padre.
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Así, Estrella comentó que hasta el momento la familia no había tenido «ni ánimo ni ganas suficientes» para emprender un tributo de estas características, pero que a estas alturas «sólo hacía falta que a mi madre le apeteciese». Y añadió que se trata de una forma de que a su padre «se le haga justicia, al menos desde la cultura», haciendo referencia al sobreseimiento de la investigación judicial que se puso en marcha tras la denuncia de la familia por supuesta negligencia médica en el fallecimiento del cantaor.

Por su parte, Juan Verdú destacó que Enrique fue y es «un referente ético y estético de la libertad dentro y fuera del mundo del flamenco».

Los espectáculos a celebrar en el memorial «Morente Más Morente» darán comienzo en enero de 2014 en el Teatro Circo Price, donde se ofrecerán tres conciertos flamencos de cante, toque y baile.

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El segundo espacio, La Riviera, presentará el flamenco fusión, el flamenco pop y los territorios sonoros rockeros de Enrique. Ya en el mes de febrero, llega el protagonismo de la palabra, la literatura y la poesía a través de cantes y recitados a cargo de destacados actores, en el Teatro Español. «La Aurora de Morente» es el título de la exposición de la viuda de Enrique Morente, la bailaora gitana Aurora Carbonell, respondiendo a que su marido le insistió antes de morir que no dejara de pintar y de crear, y ella así lo ha hecho. Toda la exposición tiene como figura central a su esposo, con obras de diferentes técnicas, dibujos y esculturas, complementando la muestra tres performances, donde la autora participa con toda la familia, en el museo y salón de té del coliseo, los día 14 a 25 de febrero.
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Otra exposición, titulada «Enrique Morente: Donde mana la fuente», tendrá por contenido fotografías realizadas por Manuel Montaño, en la Sala Berlanga de la Fundación SGAE partir del 19 de febrero. En total, una programación que reafirma la categoría de un artista inmortal.
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Enrique Morente, uno de los grandes del Flamenco

Enrique Morente Cotelo (Granada, 25 de diciembre de 1942 – Madrid, 13 de diciembre de 2010) fue un cantaor español, considerado como uno de los grandes renovadores del flamenco.
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Enrique Morente nació en Granada en el barrio del Albaicín en 1942. De pequeño ejerció como seise en la Catedral de Granada y comenzó a interesarse por el ambiente flamenco en las reuniones familiares y vecinales. Aprendió así las bases de este arte, especialmente de mano de Aurelio Sellés (Aurelio de Cádiz).

Su afán de aprendizaje y autoafirmación le llevaron a Madrid cuando contaba 14 o 15 años de edad. Allí contactó con un grupo de jóvenes aficionados, universitarios en su mayoría, y junto a ellos acudía casi a diario a locales oscuros en donde aprendió el arte de mano de Pepe de la Matrona, cantaor octogenario que había tenido el honor de conocer a todos los grandes y de haber sido alumno del mismísimo don Antonio Chacón.
Enrique el granaíno, como se le conocía en los círculos que frecuentaba, consiguió despertar el interés de Matrona, más por su actitud ante las cosas, su respeto y su capacidad para aprender que por su afinación o su registro.
El debut de Enrique tiene lugar en la peña flamenca Charlot. A esta actuación siguieron otras allá por el año 1964 en la Casa de Málaga o con la pareja de baile de José Luis Rodríguez y Pepita Sarracena en diversas salas de fiesta, pero debemos considerar su salto a la profesionalidad cuando en ese mismo año es contratado por el Ballet de Marienma, con el que actúa en el Pabellón español de la Feria Mundial de Nueva York y en la embajada española en Washington.

Después actuó en su primer festival flamenco, con el siguiente cartel: Enrique Morente con Juan Talega, Fernanda y Bernarda de Utrera, Gaspar de Utrera, Tomás Torre y Antonio Mairena. La presentación fue a cargo de Ricardo Molina y el evento tuvo lugar en el teatro de los Alcázares de los Reyes Cristianos.
Al año siguiente fue contratado junto con Susana y José para realizar su primera gira europea por Gran Bretaña, Alemania, Holanda, Suiza y Bélgica; posteriormente viajó a Japón e Italia junto a Pepita Saracena y José Luis Rodríguez.
Fue también contratado en el tablao las Cuevas de Nemesio de Madrid, pero el prestigio de Enrique entre los profesionales flamencos creció considerablemente cuando entró a formar parte del elenco de artistas de Zambra y posteriormente en el tablao Café de Chinitas, mientras comenzaba a ser reclamado en festivales y espectáculos donde compartió cartel con todos los grandes artistas del momento. En 1967 obtuvo el Primer Premio del Certamen Málaga Cantaora.
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Su primer disco no se hizo esperar. En 1967 apareció con el título Cante Flamenco, acompañado por Félix de Utrera, con la discográfica Hispavox. Esta grabación denotaba el gran conocimiento que Enrique poseía, tanto por su ejecución encomiable, como por la selección de los cantes que incluyó, nada habituales en la época y mucho menos en un joven de 25 años: cantos de Frasquito Hierbabuena, caña, cantes de Pedro “El Morato”, mirabrás, todo ello entre soleás y seguiriyas. En este aspecto, las influencias de Pepe de la Matrona eran palpables y la proyección comercial de este cantaor no era precisamente halagüeña por carecer de presencia en el movimiento estético de aquella época, movimiento que lideraba Fosforito, Manolo Caracol y Antonio Mairena. El reconocimiento a este trabajo discográfico se materializó en una Mención Especial de la Cátedra de Flamencología en 1968.
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En ese mismo año 1967 salió a la luz otro disco, también con la casa Hispavox, titulado Cantes Antiguos del Flamenco y en el que era acompañado por el Niño Ricardo, con una selección de cantes que denotaba un profundo conocimiento, que llamó sobre todo la atención por el corto periodo de tiempo con respecto al anterior trabajo, lo que hace suponer que no se trataba de un aprendizaje forzado para la ocasión en ninguno de los dos discos sino de la exposición honesta y estructurada de lo asimilado, de lo aprendido y de lo vivido.
Durante los siguientes años, tiene lugar el encuentro entre Enrique Morente y Manolo Sanlúcar que provocará una relación profesional que perdurará durante mucho tiempo. Es con éste magnífico guitarrista con quien vivirá la experiencia en 1970 de ser el primer cantaor flamenco que actuaba en el Ateneo de Madrid.
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Durante 1971 desarrolló en México con la guitarra de Parrilla de Jerez y la bailaora Ana Parrilla una serie de actuaciones en tablaos, teatros y centros culturales que culminó con su participación en el I Festival Internacional Cervantino de Guanajuato y su presentación en el auditorio de la Universidad de las Américas en 1972. Ese mismo año ofreció en Madrid un recital en compañía de María Vargas y Manolo Sanlúcar, recibiendo un homenaje. En compañía de éste último, realizó una serie de recitales en Nueva York: Lincoln Center, Spanish Institute, etc. En 1972 fue reconocido por la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera con el Premio Nacional de Cante y actuó en la sede parisina de la Unesco. En 1973 volvió a cantar en el Lincoln Center neoyorquino.
En 1978 vendría la edición de sus discos Despegando, uno de los discos andalucistas más flamencos, y Homenaje a Don Antonio Chacón. Por éste último, en el que volvió al cante plenamente ortodoxo, pese a ser una época en la que ya se hallaba inmerso en su particular renovación del cante, obtuvo el I Premio Nacional otorgado al mejor disco de música folclórica que concedía el Ministerio de Cultura.
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Década de 1980
En el inicio de la década de los ochenta estaban de moda los “mano a mano” entre artistas y fueron varios los que realizó con Camarón. El primero de ellos tuvo lugar en el Frontón de Madrid. En 1981 estrenó en el Centro Musical Piaff de Granada su espectáculo Andalucía hoy que posteriormente presentó en diversas ciudades y en el teatro Olympia de París. En esa segunda mitad de la década de los setenta, Morente participó en el montaje de La Celestina junto al pianista Antonio Robledo y su mujer, la bailaora suiza Susana Audeoud. Poco después los tres dieron vida al ballet Obsesión, estrenado por el Ballet Nacional de Canadá. También junto a Antonio Robledo, Morente creó la Fantasía del cante Jondo para voz flamenca y Orquesta, estrenada en el Teatro Real de Madrid el 16 de mayo de 1986, con las guitarras de Juan Habichuela y Gerardo Núñez y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Luis Izquierdo.
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Ya en estos años se editó un disco pirata en Holanda titulado Morente en vivo.
Una de sus experiencias artísticas más audaces y originales fue el estreno en Granada en 1988 del espectáculo El loco romántico basado en la obra cervantina Don Quijote de la Mancha. Esta experiencia resumía de alguna manera la trayectoria del maestro de Granada.
En este mismo año (1988) estrenó también su Misa flamenca, con textos de San Juan de la Cruz, Fray Luis de León, Lope de Vega y Juan del Encina. También grabó En la Casa Museo de Federico García Lorca, con textos de Lorca. Este fue el primero de sus discos dedicados a Lorca y fue por encargo de Juan de Loxa, director de la Casa Museo.
En 1989 fue nombrado socio de honor del Club de Música y Jazz San Juan Evangelista, junto a Ángel Barutell Farinós (jefe relaciones externas de El Corte Inglés) y Gustavo Villapalos Salas (Consejero de Educación y Cultura de la Comunidad de Madrid) con motivo del XX aniversario de dicho club.

Década de 1990
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El 15 de septiembre de 1990, en el Patio de la Montería de los Reales Alcázares de Sevilla se estrenó, dentro de la VI Bienal de Flamenco, el “Allegro soleá” de Antonio Robledo y Enrique Morente con las guitarras de Pepe Habichuela y Montoyita, el piano de Antonio Robledo y la Orquesta de Cámara de Granada dirigida por Micha Rachlevsky, era un sueño hecho realidad. La experiencia de la interpretación del “Allegro Soleá” y la “Fantasía del cante jondo” se volverá a repetir con la Orquesta Ciudad de Granada y André Presser en el Palacio de Carlos V en 1992 en el marco del Festival Internacional de Música y Danza de Granada.1 El “Allegro soleá” será llevado de nuevo con enorme éxito a los atriles orquestales de la OCG con la dirección del maestro Josep Pons en el Auditorio Manuel de Falla de Granada, contando siempre con Antonio Robledo al piano.2
Además de las relacionadas anteriormente, compuso la música de la obra de Martín Recuerda “Las arrecogidas del Beaterío de Santa María Egipcíaca”, trabajó con José Luis Gómez en Edipo Rey y con Miguel Narros en “Así que pasen cinco años”.
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Otra referencia ineludible fue la del marroquí Chekara, ya que en su espectáculo “Macama Jonda”, de José Heredia Maya, reunió a la Orquesta Andalusí de Tetuán con un selecto plantel de artistas flamencos entre los que se encontraba la madre de Lole, nacida en Orán, Antonia la Negra y Enrique Morente. Esta obra intentaba ser un encuentro entre músicos flamencos y magrebíes para crear una atmósfera común.
En 1990 fusionó su expresión musical con las célebres Voces Búlgaras “Angelite” en la puerta de la Catedral de Barcelona en una producción del Taller de Músicos de Barcelona. En 1991 vio la luz su “Misa Flamenca”, que no tenía nada que ver con las anteriores experiencias flamencas relacionadas con la sacra ceremonia. Posteriormente y aprovechando la que sería la última visita a España de Sabicas, el viejo maestro de la guitarra ya octogenario y en estado crepuscular, pues moriría antes de que la obra saliera al mercado, grabó un disco totalmente conservador con el toque clásico del maestro navarro para el sello Ariola: “Nueva York/Granada, Morente-Sabicas”.
En 1992 canta el pregón, que da, el también granadino Carlos Cano en el 500 aniversario del barrio del Realejo
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Con “Negra si tú supieras” grabó para Nuevos Medios en el 93, aunque enseguida tomó forma la idea de crear su propio sello discográfico, Discos Probeticos.
En 1994 Morente fue el primer cantaor de flamenco que recibió el Premio Nacional de Música otorgado por el Ministerio de Cultura de España. En 1995 recibió la Medalla de oro de la “Cátedra de Flamencología” de Jerez de la Frontera y el premio “Compás del Cante” en Sevilla.
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En 1996, participó en el homenaje a Manuel de Falla en el Lincoln Center de Nueva York, junto a Tomatito, con el que realizaba una gira por toda la geografía española.
En su disco titulado Omega colaboró con el grupo de rock granadino Lagartija Nick3 y numerosos artistas del flamenco, como Vicente Amigo, Tomatito o Cañizares, para adaptar poemas de Federico García Lorca y temas del cantautor canadiense Leonard Cohen. Este disco ha sido todo un referente en la revolución del flamenco, y abrió sendas desconocidas hasta ese momento. Tal ha sido la repercusión de esta obra, que cada cierto tiempo Enrique y el grupo granadino volvieron a reencontrarse para presentar el espectáculo Omega en directo, como sucedió en el festival Primavera Sound 2008 celebrado en Barcelona, dentro de la nueva gira que se realizón ese mismo año, que les llevó hasta México a presentar su obra.
En 1998 recibió el Galardón de Honor de los Premios de la Música e intervino en el espectáculo “Canción con reflejo” con Charo Vallés en homenaje a Federico García Lorca, junto al actor Francisco Rabal y su hija Estrella Morente, y que se presentó en mayo en el Teatro Principal de Valencia.
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Identificado como uno de los máximos responsables de la renovación del cante, así como el mejor adaptador al flamenco de poemas cultos de poetas como Miguel Hernández, García Lorca, los Machado, Lope de Vega, Al-Mu’tamid, Bergamín, San Juan de la Cruz, Guillén, Rafael Alberti, Hierro, Luis Rius y Pedro Garfias.
Asimismo ha acunado la carrera musical de su hija, Estrella Morente, que se ha consolidado como una de las mejores cantaoras que han surgido en los últimos años.
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Años 2000
En Mallorca, el día 20 de julio de 2002, la Fundación Costa Nord es escenario del estreno absoluto de la primera producción promovida por dicho Centro Cultural: el “ESPECTÁCULO ÁFRICA, CUBA, CAI”. Enrique Morente lideró este proyecto de mestizaje a tres bandas: África, Cuba, y Cádiz, que toma como punto de partida la idea de que el ritmo y la expresión del continente negro tienen un claro reflejo en la tradición musical de América Latina, que a su vez mantiene fuertes conexiones con la música flamenca.
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En el 2003 apareció su disco El pequeño reloj, con el que rompía el concepto que tradicionalmente se tiene de un disco flamenco, presentando una obra discográfica como una obra de arte completa, desarrollando el concepto del tiempo desde ópticas distintas como si de un libro de poemas se tratase, estructurando el orden de las letras y de las músicas. En su coqueteo con el tiempo, conjugaba lo tradicional, lo añejo y la tecnología. Mientras dejaba constancia de una época fundamental del flamenco, con cantes clásicos sobre toques clásicos (a la cual perteneció y ahora engrandece con su aportación constante), experimentó con nuevas y sorprendentes armonías que aún no han llegado al flamenco moderno.
En el año 2005 se le otorga la Medalla de Andalucía en reconocimiento a una encomiable carrera dedicada al flamenco y a su apertura con respecto a otras músicas así como a su divulgación por todo el mundo. Además colabora con la banda sevillana Sr. Chinarro para su disco El fuego amigo, en la canción “El Rito”.

 

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Participó en la canción “No soy como tú” del dúo Amaral en el disco Pájaros en la cabeza.4
En febrero del año 2006, el trabajo Morente sueña la Alhambra en su doble formato (disco y DVD) es reconocido por la crítica nacional con varias distinciones. Este mismo disco es considerado como el mejor disco de flamenco en los Premios Nacionales de la Música.
Y siguió recibiendo reconocimientos a su trabajo cuando en junio de 2006 fue condecorado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
En 2007 colabora con la banda granadina Los Planetas en su disco La leyenda del espacio, inspirado en la tradición flamenca andaluza (simil del título con La leyenda del tiempo de Camarón). Se le puede escuchar en la canción que cierra el disco, “Tendrá que haber un camino”, con estructura de cañas.
En su último disco, editado en 2008, Pablo de Málaga, Morente descubre al Picasso poeta y pone voz a varios de los poemas escritos por el malagueño. La idea surge tras su presencia cantando en la inauguración del museo Picasso de Málaga. Este disco de nuevo supone una nueva vuelta de tuerca en su innovación continua del arte flamenco. Tras terminar este disco comienza a preparar otro titulado El barbero de Picasso, también en homenaje al pintor malagueño, que no llega a terminar por una enfermedad.
En 2009 graba su última colaboración publicada acompañando a la banda granaína 5 duros con el tema “eres parte de mi” dedicada a su tierra.
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Fue firmante de la candidatura de los moriscos-andalusíes al Premio Príncipe de Asturias de la Concordia 2010. Morente murió antes de recoger la insignia de Caballero de la Legión de Honor francesa, que le había sido concedida. Por ello, le fue impuesta a título póstumo, el 31 de mayo de 2011, en un acto en la Embajada de Francia en Madrid, acto emotivo que fue presidido por en Embajador francés Bruno Delaye acompañado por el joven Diplomático Sacha Passy de Thellier,
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Fallecimiento
El 10 de diciembre de 2010 entra en coma por una hemorragia y el subsecuente infarto cerebral tras ser operado de un tumor de esófago, eventualmente cancerígeno, en la Clínica de la Luz de Madrid. Murió el 13 de diciembre en el mismo hospital.5 6 La familia denuncia al equipo médico del Dr. Enrique Moreno por mala praxis.7
La capilla ardiente estuvo en la SGAE (Madrid), y en el Teatro Isabel la Católica, donde fueron a despedirle más de 5.000 granadinos. Su hija Estrella cantó8 delante del féretro una estrofa de “Habanera imposible” de Carlos Cano y el poema de Federico García Lorca “El llanto de la guitarra”image

Fue enterrado el 15 de diciembre en la intimidad en el cementerio granadino de san José, en las colinas de la Alhambra.
Un año más tarde el Responsable de la UVI dice en una entrevista que las lesiones cerebrales se produjeron tras la segunda operación.
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Rita la Cantaora y la otra Rita

No es la primera vez que intento explicar aquí que muchas expresiones coloquiales en las que interviene un nombre propio están inspiradas en personajes reales.
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Tal ocurre con Eso, a Rita la cantaora o Eso se lo pides a Rita la cantaora. Pero, ¿quién fue esta Rita? Rita Giménez García fue una cantaora y bailaora jerezana (1859-1937) que se hizo famosa en los cafés cantantes de la época. Llegó a actuar junta a Juan Breva y a La Macarrona. ¿De dónde surgió el dicho? Lo que nació como negativa rotunda e incluso como reacción violenta ante un insulto (Eso se lo vas a decir a Rita la cantaora) parece tener fácil explicación: Esta Rita, se cuenta, no tenía inconveniente en acceder, durante sus actuaciones, a las peticiones del público. En cambio, otras artistas, que envidiaban su éxito, eran menos receptivas y respondían al público cuando solicitaba una actuación extra: Eso, a Rita la cantaora.

Rita Giménez García, más conocida como Rita la Cantaora (Jerez de la Frontera, Cádiz; 1859 – Zorita del Maestrazgo, Castellón; 1937), fue una cantaora de flamenco española, famosa en los cafés cantantes de su época.
Se inició cantando en Jerez; luego actuó, junto a La Macarrona y Juan Breva, en los cafés cantantes madrileños, entre ellos el Café Romero. En 1906 figuró en el cuadro flamenco de El Café del Gato. Durante su trayectoria artística, desarrollada principalmente en Madrid, actuó en sus primeros tiempos con Fosforito el Viejo y la Coquinera; y después, a lo largo de los años veinte, con Manuel Pavón y Manuel Escacena.
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Su última actuación en público tuvo lugar en 1934, en el Café de Magallanes, con motivo de un festival benéfico que reunió a varios artistas veteranos.
Su popularidad quedó acuñada en su tierra en una frase conocida en toda España: ¡Eso, a Rita La Cantaora!. Destacó por malagueñas y soleares e interpretó con gracia los estilos festeros, en especial las bulerías. Falleció en 1937, cuando tenía 78 años de edad, por “avatares de la guerra civil”.
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Pero resulta que Zalabardo, que ha leído esta explicación, me pide que hable de otra Rita, también bailaora, también actriz de cafés cantantes, malagueña, cuya historia, dice él, si fuésemos americanos, ya la habríamos convertido en película.

Rita Ortega Feria, apodada la Rubia por el color de su pelo, procedía de una ilustre estirpe gitana. Era hija de Gordo Viejo y hermana de Gabriela Ortega Feria, la señá Gabriela. Nació en Alozaina, aunque se desconoce el año. Gabriela, la hermana mayor, nació en Cádiz en 1862, fue famosa bailaora con solo 14 años y casó, aún siendo menor, con el torero Fernando Gómez García, el Gallo.
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De los siete hijos de Gabriela (una niña falleció pronto), los tres varones fueron toreros (dos de ellos muy famosos: Rafael el Gallo, el divino calvo, y Joselito el Gallo) y las tres hembras casaron con toreros. Se cuenta de Gabriela que, estando embarazada, participó en un reto de baile contra La Mejorana, lo que le provocó un aborto. El maestro Ochaíta escribió unas bellísimas Baladillas de la señá Gabriela, que recitó por medio mundo su nieta Gabriela Ortega Gómez, también artista, que hubo de padecer exilio por el “grave pecado” de incluir en su repertorio poemas de, entre otros, Lorca y Alberti.
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Pero vamos con su hermana Rita. Fue artista tan legendaria como su hermana. Su fama se cimentó en Málaga, donde fue la estrella indiscutible del Café de Chinitas. Allí la conoció un empresario, carnicero y gitano que tenía su establecimiento en el mercado, llamado José Monje (el mismo apellido que Camarón) y conocido como Paco el Guarriro, quien se enamoró de ella. También la suya fue una bella historia de amor. Vivían, lo leo en Las calles de Málaga, de Rafael Bejarano, en la calle San Juan, en un callejón junto a la iglesia, y dicen las lenguas que, cuando salían de su casa para dirigirse a presenciar una corrida de toros, hombres y mujeres se agolpaban a su alrededor, subyugados por la gracia y elegancia con que ella lucía el mantón.
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Pero un día, Rita participó en un reto de baile contra La Mejorana, la rival de su hermana. Rita, dicen, bailó como nunca y venció a su rival, honrando así el nombre de Gabriela. Pero fue tal el frenesí de su danza que, al final, cayó desmayada. Pocos días después, Rita murió. Paco, el Guarriro, prometió no asistir nunca más a los toros, aunque conservó hasta su muerte la reserva del palco que ocupaban en la plaza. Los días que había corrida, los asientos de Rita y Paco se cubrían con un mantón negro de seda en señal de luto. El matrimonio no tuvo descendencia.
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Miguel de Molina, otro malagueño, que también tuvo que exiliarse tras habérsele aplicado la ley de vagos y maleantes por el no menos “grave pecado” de ser homosexual, la inmortalizó en la copla Mi Rita bonita. La leyenda pretende que la letra estuviese inspirada en las doloridas quejas de su Paco el día del entierro. Sin embargo, la verdad impone, según creo, que es producto de la conjunción de tres grandes poetas de la copla: los maestros Carlos Castellanos, Juan Solano y Armando Oliveros, aunque con algunas licencias. Podéis ver el vídeo en la siguiente dirección: http://youtu.be/7MOsgzOSkjM

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A los 20 años se dedicaba a llevar grupos de turistas a tablaos flamencos, pero sabe el potencial artístico que posee: voz y aptitudes especiales para la copla española. En 1931 decide dedicarse a tal arte. Triunfa en Madrid, pero es en Valencia donde obtiene sus mayores éxitos, popularizando números como El día que nací yo, Triniá, Te lo juro yo, La bien pagá y Ojos verdes. Ésta última, una de las más célebres coplas españolas, estrenada en el barcelonés ‘Café de Oriente’, posteriormente sería incluida por Concha Piquer en su repertorio. Molina fue uno de los puntales del género de la copla, con una personalidad única como intérprete masculino.
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Actuó para el disfrute de las tropas republicanas, pero llegada la dictadura de Franco un empresario le ofrece 500 pesetas por actuación, cuando anteriormente cobraba hasta 5.000 pesetas. Con toda iniquidad, le obliga a aceptar o, de lo contrario, le acusará de su pasado republicano. De todas formas fue torturado y obligado al exilio. Acusado de haber ayudado al ejército republicano y ser homosexual, fue apaleado por tres individuos que se habían identificado como policías, siendo unos de ellos José Finat y Escrivá de Romaní, conde de Mayalde, tras una actuación. Años más tarde, en una entrevista concedida a Carlos Herrera, el agredido identifica a dos de sus agresores: Finat y Escrivá de Romaní y Sancho Dávila.
En 1942 se va exiliado a Buenos Aires, donde participó en películas como Luces de candilejas o Ésta es mi vida. Un día, una orden de la Embajada española para que abandone Argentina da inicio a sus problemas por su condición de homosexual. Se exila en México hasta que, años más tarde, una llamada de Eva Perón hace que vuelva a Argentina; se le ofrecen numerosos contratos por el país.
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Últimos años de vida
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En 1957 vuelve brevemente a España. En 1958 actúa en el filme Luces de candilejas, dirigido por Enrique Carreras. Ya en 1960, a los 52 años, decide terminar con su carrera artística. Fija temporalmente su residencia en Nueva York.
Fue un ser honesto y estricto, a la vez que eficiente y profesional. En su exilio era renuente a conceder entrevistas a periodistas de medios españoles. En sus espectáculos él mismo cuidaba hasta el mínimo detalle, empezando por el marketing y la publicidad.
En 1992 el gobierno español le otorgó la orden de Isabel la Católica, reconociendo su contribución personal al mundo del arte en España.
Falleció en Buenos Aires, a la edad de 84 años. Fue enterrado en el porteño cementerio de la Chacarita, en el nicho Nº 397 del Panteón de la Asociación Argentina de Actores.
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La Kora , un instrumento africano introducido en el flamenco.

La kora se construye a partir de una calabaza grande cortada a la mitad, con una cubierta de cuero para lograr la caja de resonancia a lo que se le agrega un puente con muescas para transmitir la vibración de las cuerdas sujetas al mástil.
El sonido de la kora recuerda el del arpa, aunque cuando se toca de forma tradicional, se asemeja más al estilo de las guitarras flamencas.

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El luthier de koras Alieu Suso de Gambia.
El músico utiliza solo el dedo pulgar y el índice de ambas manos para pulsar las cuerdas de forma rítmica, mientras que los restantes dedos se sujetan a los palos por ambos lados de las cuerdas para mantenerlo fijo.
Ostinatos (“Kumbeng”) y solos improvisados (“Biriminting”) pueden ser tocados al mismo tiempo por un músico experimentado.

Los músicos de kora, han provenido históricamente de familias de griots que pasan su arte a sus descendientes y también de las tribus mandinga.

Kora del Senegal
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Este instrumento se toca en Malí, Guinea, Senegal y en Gambia. Al intérprete de kora tradicional se lo llama “Jali”, lo que equivale a bardo o historiador oral.

Las koras tradicionales tienen 21 cuerdas, de las cuales 11 se tocan con la mano izquierda y 10 con la derecha. Por otra parte se pueden encontrar koras modernas, hechas en la región de Casamance al sur de Senegal, a las que se les agrega hasta cuatro cuerdas de bajo.
Tradicionalmente, las cuerdas se hacían de finas tiras de tripa, por ejemplo de antílope. En la actualidad la mayoría de las koras utilizan cuerdas de arpa o tanza de pescar de nylon, las cuales a veces se trenzan para crear cuerdas más gruesas.

Este instrumento se afina desplazando anillos de cuero a lo largo del puente. A través de los mismo, un intérprete de kora puede afinar el instrumento en una de las 4 escalas de siete notas. Estas son cercanas a las escalas mayor, menor, y lydian.

 

 

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El maliense Toumani Diabaté, hijo del rey de la kora, Sidiki Diabaté, se ha convertido en el más importante embajador de este instrumento de cuerda, originario de África Occidental. Toumani ha colaborado con otros músicos malienses, como Kassemady Diabaté, pero también con autores internacionales, como el músico de blues Taj Mahal, o el grupo español de nuevo flamenco Ketama.

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Toumani Diabaté es uno de los músicos más importantes de África. Toumani toca la kora, un arpa única de África Occidental con 21 cuerdas, y más que cualquier otro jugador kora Toumani es quien tiene la responsabilidad de llevar este instrumento a las audiencias de todo el mundo. Él es un artista de excepcional virtuosismo y creatividad – alguien que demuestra que la kora puede rivalizar con los principales instrumentos del mundo.

Entrevista a Mamadou Diabate, músico

image“La kora es la reina de los instrumentos”
La kora es un instrumento africano compuesto por 21 cuerdas que se pulsan armónicamente con dos dedos, el pulgar y el índice. Se construye a partir de una calabaza grande, cubierta de cuero de vaca. Mamadou Diabate (Mali, 1975), el mago de la kora, como se le conoce popularmente, está de gira en nuestro país, presentando su último disco, ‘Douga Mansa’, y todavía resacoso por el Grammy recibido este mismo año. África, y no sólo por el Mundial, está de moda.

He oído que quiere grabar su próximo disco en España, así que supongo que su paso por nuestro país está siendo agradable y fructífero…
La experiencia está siendo magnífica, los técnicos entienden a la perfección qué sonido necesita mi instrumento, la kora. Hoy mismo, en la emisora de radio donde me han entrevistado, han conseguido un sonido perfecto. Sí, estoy muy contento.

La korá suena a veces como un laúd, a veces como un arpa y, en ocasiones, como una auténtica guitarra flamenca…
Sí, es una peculiaridad de la kora. Me gustan esos tres sonidos, que conforman uno particular y distinto, el de la kora. Por cierto, el flamenco es un estilo que me apasiona.

¿Qué música española conoce?
Aparte de los grandes del flamenco, me gusta ‘Gypsi Kings’ y ‘Ketama’, que hacen una fusión muy interesante.

Usted recoge una tradición musical de antiguo, algo que se está perdiendo en Europa, que padece de una uniformidad musical que empobrece…
Es que esa uniformidad es lo que da dinero. Pero hay muchos músicos a los que sólo les interesa la música, y son los auténticos creadores. Amo la música popular, pero quiero aportar mi sello particular en ella, crear algo diferente a partir de sus principios.

Si no hubiera conocida la kora, ¿qué instrumento tocaría?
El piano, la guitarra, el contrabajo, el bajo… y otros más tradicionales, como el balafón o el tambari.

¿qué diferencias, de haberlas, existen entre el público europeo, estadounidense o africano?

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En Europa y Estados Unidos, el público escucha este instrumento como algo exótico, totalmente novedoso. En África es uno de los instrumentos más representativos, así que están acostumbrados a él.

Si el bandoneón se relaciona con el desamor, y la guitarra flamenca con el dolor, ¿con qué sentimiento relacionaríamos la kora?
… con el amor, con la pena por el pasado…En general, con un sentimiento de alegría; cuando tocas la kora sientes una felicidad que es la que transmites. Creo que es la reina de los instrumentos. Sobre todo cuando se escucha a media noche, un sonido sutil, suave, que llega y lo llena todo.

¿Puede decirse que se trate de un instrumento espiritual?
Sin duda. Ella me invita a compartir lo que me da cuando la toco.

¿Qué porcentaje deja a la improvisación?
Digamos que el 60 por ciento.
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Historia de alguno de los mejores” tablaos flamencos” (5) Café de Chinitas

El Café de Chinitas fue un teatrillo o café cantante que existió en la ciudad de Málaga (España) entre 1857 y 1937.
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Era un local de pequeñas dimensiones con un pequeño escenario con seis palcos a los lados, que operó como burdel en algunas ocasiones y que fue cerrado otras tantas, debido a diversos escándalos. Son famosos sus espectáculos flamencos y en él actuaron artistas como Juan Breva, Antonio Chacón, La Macarena, La Juana, La Trini, El Petrolo, El Porrilla, las Hermanas Navarro, Estrellita Castro, Lucrecia Torralba, Isabelita Ruiz, Luisa Albéniz, Manuel Torres, Pastora y Tomás Pavón, Vallejo, Manolo Caracol, Canalejas de Puerto Real, Cojo de Málaga, Palanca, Marchena y Juanito Valderrama entre otros.
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Debido a la popularidad del café se conoce como Pasaje Chinitas al espacio urbano donde estuvo ubicado. La fama del lugar ha trascendido gracias a los versos populares recopilados por Federico García Lorca:

En el Café de Chinitasimage
dijo Paquiro a su hermano:
«Soy más valiente que tú,
más torero y más gitano».

El primer Café de Chinitas nació en Málaga, aproximadamente hacia mitad del siglo pasado en una casa y una calle que ya no existen, absorbidas en las reformas urbanas realizadas para ensanchar la típica Alameda.
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En 1850 el local era el clásico café cantante de la época, instalado en un patio andaluz cubierto, para evitar la lluvia y que ostentaba arcos y columnas, grandes espejos verdes, de los cuales habló García Lorca, mesas y asientos de madera, varios palquitos alineados a lo largo de las paredes laterales y, al fondo, un tabladillo en el que hacían sus exhibiciones los artistas más conocidos de entonces.
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Era un local reducido. Y así como las tejas de la cubierta se distribuyen en diez segmentos irregulares que casi le dan la forma decagonal, el salón público, elevado en la primera planta, era casi un círculo pentagonal tan mal diseñado como peor enlucido. El escenario era de modestas dimensiones y a sus lados se abrían seis palcos, en realidad verdaderos reservados para gentes con ganas de nocturna jarana con presencia femenina. Carecía de camerinos y los artistas, hombres o mujeres, tenían que ataviarse y desvestirse amparados por un sistema de cortinas y lonas que nadie custodiaba. El piano quedaba a pie de escenario y el público se acomodaba en veladores situados de manera que, por sus estrechos pasillos, pudieran transitar activos camareros de grandes y redondas bandejas, largas patillas y engomados bigotes.

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PRIMEROS COMERCIOS. A poco de finalizar la construcción del pasaje de Alvarez fueron abriéndose los primeros y modestos establecimientos comerciales, muchos de los cuales alcanzaron los decenios iniciales del presente siglo, si bien ya en manos de propietarios distintos a sus fundadores. De ellos hay que recordar el Bazar Suizo, El Martillo y el, para muchos malagueños de la época entrañable, Café Munich, que ya estaba en funcionamiento cuando la visita a Málaga de la reina Isabel II en el otoño de 1862.

Otro comercio de los más antiguos fue el Salón de Limpieza del Calzado, que distintos propietarios lo hicieron llegar a nuestros días.
Este salón de limpieza debió ser el primero de los comercios que se estableció en una de las esquinas de la placita.

imageDon Francisco Bejarano Robles rescató del periódico «El Avisador Malagueño» (1856) la siguiente reseña:

«Se está disponiendo en uno de los portales del pasaje nuevo de la plaza de la Constitución, con puertas a la misma, un saloncito para limpiar botas, con toda comodidad de los concurrentes, pues habrá muelles banquetas para sentarse, espejos, mesas, periódicos, etc. Dícennos que la asistencia será también esmerada, se entiende en limpiar las botas, y que el betún, héroe principal, digámoslo así, será excelente. Parece que estará abierto el domingo para el servicio público. Ya estrañábamos (sic) nosotros que no se hubiera establecido una industria así, a semejanza de otras capitales de España y del extranjero».
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Volviendo al célebre café cantante, quizá convenga aludir la visión que de él ofreció al visitarlo personalmente el escritor inglés Havelock Ellis —citado también por don Francisco Bejarano— en el año 1908:

«… Los bailes más notables no se descubren, a lo mejor, sino al cabo de muchos meses, porque nadie se preocupa de ello ni de orientarle a uno. Así me pasó a mí, por ejemplo, en Málaga con ‘Las Chinitas’ (sic), hace algunos años. En efecto, oculto en una calle mal aireada, próxima a la Plaza, encontraba uno, después de subir unas escaleras, el refugio diecisiete, donde, en el más reducido tabladillo imaginable, ante un grave concurso genuinamente nacional, algunas de las mejores bailarinas españolas, envueltas en hermosos pañolones filipinos, ejecutaban ciclos inacabables de característicos bailes españoles, en tanto que las madres y las tías, veladores de las artistas, ocupaban unas sillas en torno de ellas. Luego me he enterado de que el baile de ‘Las Chinitas’ ha sido clausurado y extinguido con algún pretexto por los españoles celosos, anhelantes de unirse al ritmo de la civilización, porque es, sin duda, más fácil destruir que levantar. Acaso ‘Las Chinitas’ haya sido la última institución de su género en España».

El texto, publicado en 1908, ya alude a la circunstancia del primer cierre del establecimiento, por lo que habremos de suponer que sus escándalos eran ya tan notables como frecuentes en las noches malagueñas que entonces protagonizaban señoritos calaveras y sesudos caballeros del dinero y la frivolidad. Salón Royal se denominó a partir de entonces con el fin de auspiciar un cambio de imagen. Pero de nada sirvió. El Chinitas, con su nuevo rótulo, no cambió porque la clientela deseaba que el establecimiento fuera el mismo de toda la vida. Las flamenquerías se sustituyeron por los cuplés, y si bien por su escenario pasaron discretas figuras del género, otras distintas volvieron a las andadas.

De los años diez al veinte del presente siglo, descocadas damitas devolvieron al local su antiguo sabor a burdel con gran contento de los parroquianos. De tan lejanos años se recuerda, en tiempo de carnaval, la actuación de alguna «inocente» artista que cantaba con un plátano en la mano, y preguntando al final de su actuación por qué oquedad, intersticio, depresión o coquera de su anatomía deseaba el respetable que se lo introdujera, obedecía entre aplausos de aprobación general.

MÁXIMA FAMA. La popularidad nacional del pasaje y del mismo café alcanza su máxima curva al iniciarse los años treinta del presente siglo, al regresar a su escenario las perdidas flamenquerías. En la memoria de muchos de la generación de nuestros padres y abuelos quedaron indeleblemente grabadas las actuaciones de los colosos Juan Breva y Antonio Chacón, rivales en el cante por malagueñas; otras figuras como La Macarena, La Juana, La Trini, El Petrolo o El Porrilla, se insertaron igualmente en la memoria ciudadana a través de muchas actuaciones en el local, y éstas, a su vez, se encadenaron a otras, tales como las discutidas y polémicas Hermanas Navarro, Estrellita Castro, Lucrecia Torralba, Isabelita Ruiz, Luisa Albéniz (bailarina excepcional madre de los Manfredi), Manuel Torres, Pastora y Tomás Pavón, Vallejo, Manolo Caracol, Canalejas de Puerto Real, Cojo de Málaga, Palanca, Marchena, Juanito Valderrama…

El reparto no se agota con esta mínima alusión a sus carteles, que tomada en su momento de referencias directas de maduros malagueños que protagonizaron algunas de las célebres noches de El Chinitas, ni a ellos mismos alcanza su memoria a los años 20 del presente siglo. Y por si fuera poco, no quedó documentada la crónica diaria del local precisamente por vivir de los restos desabridos y escandalosos de una sociedad infantilmente restrictiva y mayoritariamente farisaica, lo que ha reducido la documentación disponible a la simple tradición oral con todas y cada una de sus inevitables inexactitudes y exageraciones, según sea el interés derrotista o positivo que se ponga al reflexionar sobre su discurso escenográfico o tipológico.

De los últimos años de existencia del café queda, si acaso, el recuerdo de los precios que regían hasta el momento de su cierra definitivo: café con espectáculo, 1,25 pesetas; media botella de machaco, 3 pesetas; una de vino fino, 7 pesetas. Y así, la larga lista de precios que se ofrecía a los concurrentes de los años treinta.

NOMBRE DEFINITIVO. Al iniciarse los años sesenta de este siglo llega a la Aimagelcaldía Francisco García Grana y manda publicar un edicto en los periódicos locales para dar a conocer su decisión de bautizar oficialmente con el nombre de Chinitas el pasaje de Alvarez.

Para ello convocó, en plazo y forma, a las personas que tuvieran que hacer algún tipo de alegación contra la iniciativa municipal. Al no presentarse ningún tipo de reclamación ni demanda al efecto, se cambió el rótulo de cerámica del pasaje de Alvarez por el definitivo de pasaje de Chinitas, que era como tradicionalmente los malagueños llamaron desde que en él se estableció el café cantante.
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A esta iniciativa de García Grana siguieron otras no menos importantes, consistentes en dotar al pasaje de pavimento de piedra de Sierra Elvira, además de colocarle en su centro una fuente del siglo XIX donada por Fernando Barceló. Y como gran complemento de aquella operación municipal se encargó a José Espinós Alonso, gran maestro madrileño de la forja artística, todos los rótulos tanto de oficios artesanales como industriales y comerciales del pasaje, todos ellos labrados en hierro forjado, algunos de los cuales existen todavía.

Durante el último cuarto de siglo distintas historias se han protagonizado en las noches del pasaje. Sobre algunas de ellas nuestro periódico ofreció puntualmente referencias. En la medianoche del 11 de marzo de 1962, un beodo intentó refrescarse en la fuente donada por el señor Barceló. La pequeña joya del siglo XIX quedó destrozada y sus pedazos, diseminados en el suelo. La fuente se restituyó, restaurada gentilmente por el marmolista Baeza, y allí permaneció hasta su total destrucción en 1978.

Volvió el Ayuntamiento a dignificar la placita con la escultura de Mariquilla, realizada por el escultor Adrián Risueño para los jardines de la calle Alcazabilla. Pero como la gente estaba más por el cachondeo y la contestación que por el respeto al mobiliario urbano, durante una serie de días se congregaron allí grupos ecologistas para protestar de las «fuentes imperiales», acabando con Mariquilla.
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En pleno Romanticismo, el público del local era muy heterogéneo e iba desde el señorito aficionado de la ciudad y la gente de bronce del puerto, hasta los campesinos que ataviados con sus grandes capas y sus catites, presenciaban con estruendo de voces, gritos y aplausos, las actuaciones de sus bailaoras y cantaores favoritos.

No se conoce exactamente el origen del nombre del local, mejor dicho, existen dos versiones distintas. Una de ellas señala que proviene de que el patio del café estaba pavimentado con piedrecillas de canto rodado o chinitas, y la otra que se refiere al comercio que por esos años se hacía, a través de puertos andaluces, con las colonias españolas de Extremo Oriente, es decir, Filipinas, de donde llegaron mujeres de la raza chonguitas -vulgarmente conocidad por las chinitas- a quienes les dió por frecuentar el establecimiento, lo que le valió a éste el nombre de Café de las Chinitas y después, al eliminar el artículo como es costumbre en Andalucía, quedó convertido en Café de Chinitas.

Una noche de verano de 1969 un grupo compuesto por representantes de dos grandes firmas de la hostelería madrileña (los hermanos Verdasco y los hermanos Heras) y un conocido periodista veían sentados en una terraza veraniega de Madrid el desfile de atracciones cuando se les ocurrió la feliz idea del novísimo tablao flamenco con cocina selecta, recuerdo evocador dignificado de los tablaos del siglo pasado, en el cual imperasen el buen gusto, la seriedad y el confort.
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A los pocos meses nacía el Café de Chinitas de Madrid, puesto en órbita con la colaboración especial de la gran bailaora, La Chunga.

Este se halla instalado en los bajos de un viejo y bello palacio del siglo XVIII, en el número 7 de la Calle de Torija, casi enfrente del edificio del Senado y muy próximo al Palacio de Oriente. Diseñado por el gran pintor Manuel Mampaso, el conocido decorador Pinto Coelho y el arquitecto Luis Carruncho con una mezcla algo abigarrada, pero que resulta fina y adecuada de estampas, muebles, sillas, espejos y recuerdos taurinos del siglo pasado, el nuevo Café de Chinitas tiene una iluminación perfecta que ya se refleja en la fachada del edificio espléndida y selectísima cocina, y un servicio eficaz.
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Varias esculturas en bronce y mármol, obra del escultor Sanguino, y diversos cuadros del genial Vicente Viudes adornan el local.Este, en poco tiempo, se acreditó como el mejor del género, pues por su escenario, ya famoso por los vistosos mantones de Manila, ha desfilado una larga constelación de estrellas del flamenco.

Donde se encuentra actualmente ‘El Café de Chinitas’ hubo en su momento otro restaurante de la familia, ‘El Senado’, visitado por hombres de negocios y, sobre todo políticos. Hemos de tener en cuenta que el local se encuentra muy cerca del Senado. Sin embargo, a finales de los 60 la situación económica cambió y había que tomar nuevos rumbos.

Teniendo como referencia un local muy popular de Málaga llamado ‘El Café de Chinitas’, los hermanos Verdasco decidieron darle a Madrid también un local de este tipo. Así se fundó en el año 1970 el ‘Café de Chinitas’ que es ya parte de nuestra ciudad. Cumple sus primeros 40 años en 2010.

Parece ser que el origen del nombre está en las piedrecitas que cubrían el suelo del patio andalúz en que se ubicaba el ‘Café de Chinitas’ original. Tan conocido era, que García Lorca le dedicó un poema.

Un trozo de Andalucía en Madrid

‘El Café de Chinitas’ es un amplio local ubicado en la calle Torija, 7. Se encuentra en un palacio del siglo XVII, en plena zona de los Austrias.
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Donde se encuentra actualmente ‘El Café de Chinitas’ hubo en su momento otro restaurante de la familia, ‘El Senado’, visitado por hombres de negocios y, sobre todo políticos. Hemos de tener en cuenta que el local se encuentra muy cerca del Senado. Sin embargo, a finales de los 60 la situación económica cambió y había que tomar nuevos rumbos.

La decoración es de ambiente andalúz, con cuadros relacionados con el toreo, y mesas y sillas que nos recuerdan los típicos patios.
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Tiene una capacidad para 150 personas y ofrece dos pases de actuaciones de lunes a sábado. El primer pase es a las 20:30 y suele ser visitado sobre todo por aquellos que quieren también cenar. Tengamos en cuenta que el restaurante cuenta con una calificación de 4 tenedores. La especialidad de la casa son las paellas o platos de arroz en general, aunque podemos tomar cualquier plato de carne o pescado o un menú a base de tapas.
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El segundo pase es a las 22:30 y, aunque también se puede cenar, suele asistir más bien público que quiere ver el espectáculo tomando una copa.

El cuadro flamenco lo componen 16 artistas flamencos entre cantaores, guitarristas y bailaor y bailaores. Mensualmente se cambia el programa y se trata de ofrecer una espectáculo variado que guste tanto a especialistas como a aficionados.

Un sitio con solera

Comenta Mara Verdasco, que en un principio los clientes eran sobre todo americanos (por aquel entonces los Estados Unidos tenían una base militar en Torrejón de Ardoz). También solían acudir muchos artistas, tanto españoles como extranjeros y gente adinerada.
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Hoy en día el público la mayor parte del público sigue siendo extranjera y suele ser de clase media/media alta. Actualmente vienen muchos italianos, latinoamericanos y japoneses, aunque la mayor parte de los turistas son de origen europeo.

A pesar de que el flamenco parece haber resurgido de sus cenizas en estos últimos años, el público español sigue considerando estos locales sólo para turistas. Dice Mara que muchos españoles después de asistir al espectáculo le comentan lo mucho que les ha gustado y que se han sorprendido de la calidad de los artistas y del concepto equivocado que tenían del local.

Por ‘El Café de Chinitas’ han pasado muchísimos políticos relevantes desde su apertura, desde la familia real española, hasta Lady Di o Bill Clinton. Evidentemente el número de artistas internacionales sería interminable. Juan Quintana Aguilar, uno de los camareros del local, comenta que tiene un album de fotografías en el que no le falta prácticamente nadie. Lleva más de 30 años trabajando en ‘El Café de Chinitas’ y se conoce su historia al dedillo.

Entre los artistas que han actuado en este local podemos mencionar a María Vargas, Carmen Linares, Rafael Amargo, sin olvidar que fue dónde una de las más famosas bailaoras conoció el éxito, La Chunga.

Entre los cantantes, uno de los más conocidos es José Mercé, que sigue frecuentando el local cuando puede.

Realmente nos gustaría animar a los madrileños a que visiten este tipo de locales, olvidándose de sus prejuicios y dispuestos a disfrutar de una velada más que agradable.
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La familia Verdasco tiene una larga tradición dentro del mundo de la hostelería madrileña. Sólo la mención del restaurante ‘La Bola’ nos recuerda inmediatamente uno de los lugares emblemáticos de Madrid, cuyo cocido es famoso en toda la geografía nacional.

‘La Bola’ fue fundada por la bisabuela de los Verdasco que están actualmente al frente de sus distintos locales. Aunque ella era de Asturias, las siguientes generaciones han nacido todas en Madrid.
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Café de Chinitas tiene por título es una película española de 1960, escrita y dirigida por Gonzalo Delgrás.

Trata sobre la vida de un joven llamado Antonio Vargas, encarnado por el cantante español Antonio Molina.
La película empieza con la vuelta de Antonio Vargas a España tras una exitosa gira por América. Nada más llegar a Málaga, Antonio pide ver el famoso Café de Chinitas, dónde empezó su carrera como cantante, y se encuentra el local totalmente en ruinas. A partir de ese momento, el argumento se centra en un flashback que nos mostrará los humildes orígenes del protagonista y cómo alcanzó el éxito; sin dejar de lado sus amores y desamores ni su rivalidad con Paco el Rondeño, interpretado por Rafael Farina, que en esta ocasión encarna al antagonista.
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Curiosa Historia. Virgen de Loreto, patrona aviación.

Aunque nada tenga que ver con el flAmenco , hoy es el di de la Virgen de Loreto, patrona de aviación y me he topado con una curiosa historia que quiero compartir.

Ante todo felicitaremos a toda aquella mujer de nombre tan precioso, Loreto. Muchas Felicidades…y paso a relatar la historia…

La Virgen de Loreto tiene la curiosa afición, una afición como otra cualquiera, de ser la patrona de las fuerzas aéreas: así, lo es de las españolas, pero lo es también de las argentinas, de las colombianas, de las chilenas, de las peruanas y de tantas y tantas otras. Y en realidad, no es tan extraño que así sea, como van a comprobar Vds. en cuanto les cuente su apasionante historia.

Se llama la Virgen de Loreto a la que se venera en la ciudad italiana de Loreto. Pero para que la Virgen de Loreto decidiera “acantonarse” en esa ciudad, hubieron de pasar antes muchas cosas. La historia, más que la de una virgen , como veremos, la de una casa (ver debajo), y trae origen en las cruzadas, cuando en 1291, tiene lugar la invasión del Reino de Jerusalén por los mamelucos, la cual culmina el 5 de abril con la toma de San Juan de Acre, a sólo 40 kms. de Nazaret, por el Sultán Malek-Aschraf.

La denominación de Loreto se debe a una fiel tradición transmitida oralmente desde el siglo XIII y fijada por escrito a partir de la segunda mitad del siglo XV, según la cual en el año 1291, cuando los cruzados tuvieron que abandonar Tierra Santa, la casa de la Virgen, en la que vivía cuando se encarnó el Hijo de Dios y donde Éste pasó la mayor parte de su vida con su Madre y San José, fue transportada mediante misterio angélico desde Nazaret a Tersaco, en Dalmacia, y desde allí, en la noche del 10 de diciembre de 1294, al monte de Laureles, en el territorio de Recanati (Italia).

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Y aunque son muchos los descreídos que se empeñan en que pudo ser trasladada por encargo de la familia Angeli reinante en Epiro (Grecia), y en esa misma línea del transporte marítimo se ratifiquen los trabajos arqueológicos realizados sobre la casa entre 1962 y 1965, a nadie con dos dedos de frente se le escapa que mucho más probable es que la noche del 12 de mayo de 1291 fueran los mismísimos ángeles en persona, y no los Angeli, los que, haciendo acopio de la capacidad de volar que les dan esas alas de las que tendremos que hablar en algún momento, trasladaron con tan fausto motivo la llamada Casa de María, en la que la madre de Jesús había vivido con su hijo y con José, desde Nazaret al otro confín del Mediterráneo, concretamente hasta Trsat (Tersato) en Dalmacia (Croacia), donde sus asombrados habitantes no supieron que la casa repentinamente aparecida entre ellos era la de la Virgen hasta que la propia Señora en persona decide comunicárselo a un sacerdote del lugar al que, además, sanó de su enfermedad.
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damente la noticia se extendió por todo el área próxima y paralelamente la Virgen María se apareció al que más tarde sería San Nicolás de Tolentino y al ermitaño fray Pablo de la Selva, quienes testificaron que la Casa debía ser la misma de Nazaret, razón por la cual el Consejo de la Comarca acordó enviar una doble comisión a Nazaret y a Terzatto, que a su regreso testificaron la autenticidad de la “casita” e imagen de la Virgen después de comprobar que las mediciones y planos que llevaban eran idénticos a los cimientos y señales de ambos lugares.

Este nuevo emplazamiento de la Casa de la Virgen originaría una multitud de peregrinos y caravanas de toda Europa que se desplazaban a contemplar los prodigios y milagros que se atribuían al lugar y que llevaban ofrendas, muchas de ellas valiosas, que dieron motivo a la aparición de robos y asaltos por toda clase de bandoleros, lo que originaría una nueva misteriosa mudanza de la Casa hasta una colina no muy lejana, dentro de las tierras de dos hermanos residentes en la localidad de Renacati, llamados Esteban y Simón Reinaldi. Pero éstos cegados por la avaricia debido a las grandes limosnas que se ofrecían suscitaron un grave y sonoro pleito y el asunto llegó hasta la Santa Sede. Pero antes que el Papa emitiese su fallo, los Ángeles llevarían la Casa de la Virgen otra vez por los aires hasta su definitivo y actual emplazamiento, un lugar próximo abierto a todos los caminos como centro donde ellos habrían de converger.

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Situada cerca del Monte Tabor, la Casa dond vivió la Virgen María en Nazaret había sido primeramente el hogar de sus padres, Santa Ana y San Joaquín y posteriormente la recibió en dote al desposarse María con San José. Fue escenario
por tanto de la Anunciación, de la Inmaculada Concepción, de la Encarnación y también de la vida privada de Jesús hasta sus treinta años.
Después de la Asunción de Cristo, los primeros cristianos convirtieron esa Casa en lugar de culto, donde se veneraba una imagen de la Virgen que, según la tradición cristiana, había sido esculpida en la madera negra de un cedro del Líbano por las manos del evangelista San Lucas. En el año 327 la emperatriz Santa Elena, madre de Constantino I el Grande, recorre Palestina y decide edificar una grandiosa basílica alrededor de la Casa, templo que permanecería venerado durante varios siglos. El santuario sería prácticamente destrozado a principios del siglo XIII por los musulmanes que invaden Judea después de derrotar a San Luis rey de Francia durante la séptima Cruzada, pero la Casa de la Virgen quedaría intacta entre las ruinas. En el año 1291 las fuerzas del sultán de Egipto, Kalil, entraban en las tierras de Galilea y aunque pudo derrotar a los cristianos sin embargo se produjo un hecho milagroso, la Santa Casa se salvaría de esta nueva amenaza pues al mismo tiempo que Kalil entraba en Tierra Santa, el 10 de mayo de 1291 se produciría un gran hecho milagroso, la Casa de la Virgen María fue transportada por los Ángeles y llevada hasta las costas del mar Adriático y asentada en la cima del monte Raunizza, entre Terzatto y Fiume, en el Valle de Dolazt, situada en la antigua Dalmacia, hoy Croacia.

En esos terrenos no había habido hasta esa fecha más que una vegetación silvestre, por lo que al divulgarse por unos leñadores la aparición de esa “casita” sin cimientos, la población de la comarca comenzó a calificar lo acaecido como algo milagroso, pues precisamente ese mismo día el párroco de la iglesia de San Jorge de Terzatto, que se encontraba gravemente enfermo de una antigua dolencia, tuvo en sueños la aparición de la Virgen María quien tras anunciarle que le devolvía en ese momento la salud le hizo saber que aquella “casita” era su Casa, donde Ella nació y vivió la Sagrada Familia y que había sido transportada por los aires por los Ángeles desde Palestina para evitar su destrucción por el sultán Kalil.

No termina aquí el viaje de la inquieta construcción, pues sólo tres años después, exactamente la noche del 9 al 10 de diciembre de 1294, es vuelta a trasladar por los mismos ángeles, los cuales no se achantan de cruzar de nuevo el ancho mar, llevándola esta vez a la orilla occidental del Adriático, para emplazarla en un bosque de laureles (“laureti” en latín), que es el que termina dando nombre a la Virgen en cuestión: la Virgen de Loreto. Por su parte, en el entristecido Tersato croata no dejan de construir sus habitantes una iglesia para conmemorar los tres años en los que la casa “convivió” con ellos.

No debieron de quedar los ángeles muy satisfechos del nuevo emplazamiento, pues apenas ocho meses después deciden llevársela de nuevo, ante los numerosos atracos que realizaban los asaltantes entre los muchos peregrinos que visitaban el lugar. Si bien esta vez no se alejan demasiado, llevándosela a la propiedad de los condes Stefano y Siméon Raineldi que debieron considerar mucho más segura. Pero ¡ah amigo! el lugar seguía sin ser del entero agrado de los ángeles, pues la casa trajo el enfrentamiento a la familia, pugnando los hermanos por quién era el propietario de la preciada reliquia, disputa que los alados personajes resolvieron trasladando la casa por cuarta vez. Y última hasta la fecha, aunque vaya Vd. a saber, que estos ángeles son muy caprichosos, y a poco que se les cruce el cable, capaces son de reproducir el transporte a los ojos de los descreídos humanos del s. XXI y llevarse la casa a cualquier otro lugar del mundo que consideren más apropiado.
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Y eso que esta vez no va a ser fácil, dado que desde 1469 se levantó para protegerla toda una preciosa basílica, renacentista por más señas, en torno a la cual, por cierto, creció la nueva ciudad de Loreto. Una basílica en cuyo interior quedó lo que se da en llamar “la Santa Casa”, que revestida mediante una maravillosa fachada en mármol diseñado por Bramante en 1509 a solicitud del Papa Julio II (a la izquierda), no es otra cosa que aquella casita que un día trajeran los ángeles desde Nazaret, de tres muros y 9×4 metros de superficie, realizada en ladrillo y piedra de origen indudablemente palestino, trabajada con técnicas nabateas, y con grabaciones en la piedra, entre las cuales una que dice “Jesús hijo de Dios”. Y por cierto, perfectamente coincidente con el hueco que se venera en Nazaret como la Gruta de la Anunciación del que supuestamente se extrajo .

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En cuanto a la Virgen de Loreto, es una virgen como tantas otras, -como la de la Almudena, como las dos de Guadalupe-, de tez morena, en este caso por una más que prosaica razón, el humo de las velas. Fue alguna vez una talla del s. XV, la cual fue robada por los ejércitos napoleónicos en 1797 y que no volvió a Loreto hasta 1801.

Lo cierto es que en 1921 ardió presa de las llamas, y para cuando llegaron los ángeles a su rescate, esta vez era tarde, y ni siquiera los mágicos alados pudieron hacer nada por salvarla. En Cannara puede visitarse la copia que se exhibió en Loreto durante los cuatro años (1797-1801) en que la imagen original estuvo fuera del santuario. Por lo que hace a la que hoy día se venera en Loreto, es una réplica salida de los sabios formones de Enrico Quattrini, coronada por el Papa Pío XI en 1922 y revestida con un llamativo manto llamado, en honor a aquellos primeros años en Dalmacia, la Dalmática.
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La Virgen de Loreto, como es fácil de entender después de todo lo relatado, es la patrona de la aviación española, como así declaró el Papa Benedicto XV por decreto de 24 de marzo de 1920. El ejército del aire español no tardó en adoptar parecida decisión, convirtiéndola igualmente en su venerada patrona el 7 de diciembre de 1920.

Cuando comenzaban los Grandes Vuelos transoceánicos de la Aviación, a comienzos de los años 1920, SS. el Papa Benedicto XV dispuso lo siguiente:
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“Nuestro Santísimo Señor Benedicto XV, accediendo con el mayor gusto a las piadosas súplicas de algunos Sagrados Prelados y otros fieles, presentadas por el Cardenal Prefecto de la Sagrada Congregación de Ritos, ha declarado y constituido con su Suprema Autoridad Patrona ante Dios de todos los Aeronautas a la Beatísima Virgen María Titulada de Loreto. No obstante cualquier disposición en contraria.
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A. Cardenal Vico, Obispo de Porto y Santa Rufina, Prefecto de la Sagrada Congregación de Ritos Alejandro Verde, Secretario”

Con esta disposición del Santo Padre todos los aviadores y tripulantes de aeronaves de la Aviación Mundial quedaban bajo el Manto protector de la Virgen de Loreto. Teniendo en cuenta lo anterior, el 7 de diciembre de 1920 los miembros de la Aviación Militar Española, que estaba entonces inmersa en la participación de las operaciones militares para pacificar el Protectorado de Marruecos, solicitaron de la Superioridad que la Virgen de Loreto fuese declarada su Patrona, lo que se aprobó por la siguiente disposición:

“Excmo. Sr.: Atendiendo el deseo del Servicio de Aeronáutica Militar de tener un titular, al igual que las diversas Armas y Cuerpos del Ejército, y acatando lo dispuesto por Su Santidad el Papa, en decreto de la Sagrada Congregación de Ritos, de fecha 24 de marzo último, El Rey (q. D. g.), de acuerdo con lo informado por el Provicariado General Castrense, ha tenido a bien declarar Patrona del Servicio de Aeronáutica Militar a Nuestra Señora de Loreto.

De Real Orden lo digo a V.E. para su conocimiento y demás efectos.
Dios guarde a V.E. muchos años.
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Así pues, y aunque con algo de retraso, permítanme nuestros aviadores y nuestros valiosos y valientes militares y soldados del ejército del aire, felicitarles por la celebración del dia de su voladora patrona, mimada de los ángeles, la Virgen de Loreto.

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La Reina del Duende, una gitana que pudo llegar a reinar.

Una Historia de Novela.

Treinta y cuatro años se cumplieron el pasado 13 de septiembre, de la muerte de una figura histórica: Pastora Rojas Monje (Pastora Imperio), hija de un conocido sastre de toreros y de La Macarrona, bailaora de leyenda; fue una de las grandes pioneras de la canción andaluza –aunque su fama le llegó a través de la danza- cuando todavía a ese género se le llamaba cuplé. Estrenó El amor brujo, de Falla. Y fue, en resumen, una gran artista, de gran popularidad.
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Su boda con el matador de toros Rafael Gómez “El Gallo”, hermano del mítico Joselito, muy comentada en su tiempo, año 1911, apenas duró un suspiro: menos de un año.
imageNo se supo, ni entonces ni en décadas posteriores, por qué se separaron. Por mucho que investigué el asunto no encontré fuentes fiables hasta que dí con un testimonio de la escritora Mercedes Fórmica, que me resultó revelador: el torero gitano maltrataba psicológicamente a su esposa, cuando entonces no se aireaban esos motivos. Era muy celoso, no la dejaba salir sola a la calle, le prohibió seguir bailando en público, y para colmo le racionaba el dinero, incluso para hacer frente a los gastos hogareños. Además, vivían en la casa familiar “de los Gallos”, con la omnipresencia de “la señá Gabriela”, su suegra. En tiempos en los que la mujer tenía que plegarse al dominio machista del cabeza de familia la excelsa bailaora, apoyada por los suyos, salió de estampida de aquella vivienda de la sevillana Alameda de Hércules para no ver nunca más a quien en los ruedos se le conocía como “el Divino Calvo”, genial a veces y otras, abroncado por sus célebres “espantás”.

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Mas quedaba en la vida de Pastora otro misterio, no hace mucho desvelado: el de su maternidad. Guardó silencio hasta que se fue de este mundo el 13 de septiembre de 1979. Y sólo recientemente, nos hemos enterado de quién fue el padre de su hija, por otra parte uno de sus grandes amores, emparentado con la más rancia nobleza y aristocracia. Pues se trataba nada menos que de un primo de Alfonso XIII, de nombre Fernando de Borbón, que ostentaba el Ducado de Dúrcal.
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Fernando Sebastián de Borbón y Madán, nacido en Francia en 1891. Contaba seis años menos que Pastora. Los presentó el propio Rey, el día del estreno de El amor brujo, 15 de abril de 1915. El monarca, enamoradizo, bebía los vientos por la bailaora, con quien tuvo más de un encuentro sentimental. Instó a su primo para que le tuviera al corriente de las andanzas de la artista. Sin darse cuenta de que lo llevó hasta los brazos de ella. Pero no podían casarse: él había contraído matrimonio con Leticia Bosch-Labrús y Blat, dama de la reina Victoria Eugenia, de rica familia catalana, con quien tuvo dos hijas. En ese sentido, no engañó a Pastora, quien se sentía locamente enamorada de aquel caballero bien plantado. Claro está que sus encuentros íntimos lo fueron en la clandestinidad, al parecer en un elegante piso propiedad del Rey, situado en la calle de Alcalá, junto al Casino de Madrid.
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Fruto de aquellos amores, fue el nacimiento de una niña de tez blanquísima (la madre era de piel aceitunada) a la que bautizaron con el mismo nombre que la abuela materna, Rosario. El progenitor pudo conocerla a poco de venir al mundo (en contra del criterio de Pastora) y se ofreció a darle su apellido. Pero ésta se negó en redondo. Estaba pendiente, por otra parte, de obtener el divorcio del torero, que no consiguió hasta 1934. Aquellos amantes dejaron de verse. No se reencontraron hasta muchos años después, cuando Fernando estaba arruinado, muy enfermo y vivía en el madrileño hotel Bristol, en la Gran Vía. Entonces, primeros años 40 del pasado siglo, su hija Rosario pudo abrazarlo. Poco sabía de él; ni siquiera lo conocía por fotos, pues Pastora quemó cuantas tenía de Fernando, y también de Alfonso XIII, a poco de proclamarse la II República, para evitarse problemas.
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Pastora Imperio hizo frente a las facturas impagadas de su antiguo amante en aquel hotel al igual que satisfizo las minutas del médico que lo atendía. Pudo despedirse de Fernando de Borbón la víspera de su fallecimiento, acaecido el 28 de marzo de 1944.
Problema de celos

Problema de celos
Pero los celos no se limitaron a lo profesional.También envenenaron su matrimonio hasta hacerlo imposible. Pastora o ‘Pestora’, como la llamaba su amiga Mata-Hari se enamoró muy joven de Rafael ‘El Gallo’. Una historia de amor que daría por sí misma para un culebrón televisivo. El torero se declaró a la cantaora el mismo día que su novia oficial esperaba que fijaran el compromiso para la boda. Luego, temiendo la oposición de los padres de ella, la convenció para que huyeran de Sevilla a Madrid y allí se casaron en una misa a la que solo asistieron veinte personas. Después, la pareja, cuya celebridad era enorme, acudió al teatro para anunciar desde el palco su unión. Al día siguiente, tras una más que decepcionante noche de bo-das, el torero le dejó las cosas muy claras: no volvería a pisar un esce-nario y cada vez que fuera a salir a la calle debería pedirle permiso. Contra lo que era previsible en una mujer de su carácter, aceptó vivir encerrada. Porque ser la esposa de un torero de éxito someti-da a esas restricciones equivalía a no salir de casa durante meses.
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Ni eso apagó los celos enfermizos de ‘El Gallo’. Un día, se enteró de que su esposa se había detenido un momento en la calle a hablar con un músico de la orquesta con la que actuaba. Y él le rasuró las ce-jas con una navaja.Otro, recibió un anónimo que aseguraba que tenía tratos con un hombre, y la dejó sin un pelo en la cabeza. En otra oca-sión, le dijeron que ella salía al bal-cón para que los hombres la vie-ran, y en medio de una discusión sobre el asunto, la empujó, con tan mala suerte que se golpeó contra el suelo y perdió el niño que la pareja esperaba.Pastora Imperio no pudo más.Apuntó a su marido con una pistola que su madre le había dado y le dijo que el matrimonio había terminado por la única vía posible en ese momento: se marchaba de casa.A la semana siguiente, estaba de nuevo en el escenario. Su regre-so fue acogido con una expecta-ción enorme y sus éxitos fueron arrolladores. De nuevo, los celos, pero de otro modo, y no menos peligroso. Una rival sedujo a un tramoyista para que serrara un ta-blón del escenario. Pudo haberse roto una pierna en aquel inciden-te, pero apenas si sufrió algunas heridas. Nada que no se curara con un proyecto que por sí mismo la habría hecho pasar a la Historia: un día, estando en su casa, Falla empezó a componer una obra que desde los primeros compases estaba pensada para ella. Era ‘El amor brujo’. El compositor pensó en Ignacio Zuloaga para diseñar los decorados, pero una de las muchas rivales sobre el escenario de Pastora Imperio era por aquel entonces la amante del pintor vasco y éste, bien a su pesar, no quiso aceptar el encargo. El estreno fue un éxito.Al día siguiente, en el teatro había un es-pectador muy especial: el rey Alfonso XIII.
Al terminar la función, el monarca la invitó a palacio.Allí, el galanteo fue subiendo de tono
Alfonso XIII la perseguía con el afán indisimulado de llevarla a sus apo-sentos.Al final fue su primo Fernando de Borbón quien logró sus favores. De esa relación nació su única hija, una singular mezcla de genes gitanos y sangre azul. Pastora Rojas, nacida en el barrio sevillano de La Alfalfa, fue una de las mujeres más célebres de la España

Tras el estreno de ‘El amor brujo’, Alfonso XIII la invitó a palacio. El propio Falla tuvo que rescatarla

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Su hija Rosario (que siempre llevó los apellidos maternos) se casó con el matador de toros Rafael Vega de los Reyes (Gitanillo de Triana), con quien tuvo cinco hijos: Curro (padre de Pastora, la que fue mujer de Imanol Arias), Carmen, Pastora (excelente bailaora), Rafael y Charo (que en reciente pasado ha frecuentado los programas televisivos del corazón, contando sus cuitas con Carmen Ordóñez, Lolita y Francisco Rivera). La vida de Rosario Rojas Monje fue tranquila, pese a esos avatares antedichos. Moriría en Madrid el 20 de agosto de 2010.

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Buena parte de cuanto aquí he referido ha sido gracias a la lectura de “Reina del duende”, historia novelada de la vida de Pastora Imperio, publicada por María Estévez con la colaboración de Héctor Dona, bisnieto de aquella sensacional mujer.

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Bertin un aristócrata con vocación de artista.

Norberto Juan Ortiz Osborne (Jerez de la Frontera , España, 7 de diciembre de 1954),1 conocido como Bertín Osborne, es un cantante, presentador y actor español. También es uno de los descendientes de Francisco Pizarro.
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Biografía
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Nació en Jerez de la Frontera , es de una familia aristocrática española, hijo mayor y único varón de Enrique Ortiz y López-Valdemoro, VIII conde de Donadío de Casasola, y de María Teresa Osborne y Marenco (fallecida en 1991).

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Estudió en los Jesuitas de Chamartín, en el colegio internado San José de Campillos (Málaga) y en el colegio Alfonso XII de San Lorenzo de El Escorial. Cuando tenía dieciséis años abandonó los estudios y se marchó de su casa. Poco tiempo después, hacia 1970, empezó a cantar en discotecas, más por afición que por necesidad. Al mismo tiempo desempeñaba toda clase de oficios: corredor inmobiliario, agente de seguros y representante inmobiliario en Sofico.
En julio de 1977 contrajo matrimonio con Alejandra Domecq Williams (fallecida en 2004) con quien tuvo cuatro hijos, Cristian (fallecido), Alejandra, Eugenia y Claudia Ortiz Domecq.

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El 10 de junio de 2006 contrajo matrimonio con Fabiola Martínez Benavides con quien tiene dos hijos, Norberto Enrique Ortiz Martínez, nacido el 31 de enero de 2007 en Madrid, en el Hospital Universitario La Paz, y el 20 de noviembre de 2008 su sexto y, según ha comentado, último hijo, Carlos Alberto Ortiz Martínez; éste nació en Sevilla, en la Clínica Infanta Luisa (antigua Cruz Roja de Triana).
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En 2003 fue condenado a pagar 900.000 € por un delito de alzamiento de bienes y un año de cárcel que no lo cumplió al ser su primera condena.

Música
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Si bien su primera actuación musical se remonta a 1971, en el Festival de la Canción de El Escorial, hubo de esperar a 1980, para firmar su primer contrato para grabar un disco, que salió a la luz en 1981, con temas como Amor Mediterráneo, “Tú, solo Tú” (compuestos y producidos por Danilo Vaona), Perdóname (del compositor Camilo Sesto), “Qué nos pasa esta mañana” (del compositor Juan Carlos Calderón), Adiós Lucía. Un año después editaba Como un Vagabundo, su segundo LP dirigido y producido por Danilo Vaona.
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En 1983 participa en el Festival de San Remo con el tema Eterna Malattia (Eterna Melodía), recibiendo el Premio de la Crítica al mejor intérprete. Entre sus últimos trabajos figura Sabor a México, donde rinde tributo a las rancheras.
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Televisión
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Comienza a trabajar en la pequeña pantalla interpretando una telenovela en México llamada Amor de nadie junto a Lucía Méndez; a su regreso a España, en 1992 es contratado por la cadena Telecinco para presentar un espacio nocturno de citas de parejas titulado Contacto con tacto, con contenido considerado de alto nivel erótico para los cánones del momento. A partir de ese momento se convierte en uno de los presentadores más populares de televisión en España.
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Tras su experiencia en Telecinco, es contratado por Antena 3, donde permaneció nueve años, conduciendo varios programas entre los que destacaron el concurso musical Lluvia de estrellas y su versión infantil Menudas estrellas, además del programa infantil Esos locos bajitos y el concurso Trato hecho en el que los concursantes podían ganar dinero o alguna sorpresa dependiendo de la elección que hicieran.
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Recientemente el presentador ha destacado esa etapa en Antena 3 como la más bonita de su carrera profesional.

También el programa dedicado a los animales Ankawa en Televisión española.
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Además, también presentó el concurso Grand Prix, con la cantante Natalia, emitido en las televisiones autonómicas en las ediciones de 2007, 2008 y 2009.
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En 2009 presenta el concurso de talentos Un beso y una flor en Canal 9 con la dirección musical de Danilo Vaona y Federico Vaona.

En febrero de 2010 participa del programa El gato al agua, de Antonio Jiménez y anuncia su fichaje por Intereconomía Televisión,6 el canal del Grupo Intereconomía.
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Allí presenta dos programas esa misma temporada, Bertiniños y Noche de bodas. En la temporada 2010-2011 comienza una nueva aventura profesional al presentar el programa de índole social Un Granito de Arena. El programa ha recibido tres premios por su valiosa labor social.
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Vida personal
Estuvo casado con Alejandra Domecq Williams (conocida familiarmente como Sandra),10 con quien tuvo a cuatro hijos: Cristian(†), Alejandra, Eugenia y Claudia, tiene seis nietos, Santiago, Fausto y Valentina (hijos de Alejandra) y Juan, Sandra y Leticia (†)11 (hijos de Eugenia).

Contrajo nuevas nupcias en 2006 con Fabiola Martínez Benavides, una modelo venezolana (Miss Zulia 1993 en Miss Venezuela) veinte años más joven con quien ha tenido dos hijos. El primero, Kike, afectado por una grave lesión cerebral producto de una infección intrauterina provocada por la bacteria Listeria. El 29 de abril de 2008 durante la presentación de “Va por ellos” anuncia que espera su segundo hijo junto a Fabiola.El 20 de noviembre de 2008 nace el pequeño al que llamarán Carlos.
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Conoció al grupo de música heavy metal Manowar durante una estancia en Ámsterdam.
En 2005 apareció en algunos programas de televisión excesivamente delgado debido a un tratamiento que se realizó para superar la hepatitis que sufría desde hacía muchos años.
Entre sus aficiones, además del vino y los caballos, hay un deporte que considera muy especial: el buceo. Durante la presentación de uno de los programas de Contacto con tacto confesó que se erotizaba con el buceo, a pulmón y con equipo. Pero su deporte actual por excelencia es el pádel, lo practica casi todos los días.
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Es el heredero del título nobiliario de conde de Donadío de Casasola.
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A mediados de 2009, Bertín creó una fundación con su nombre destinada a orientar e informar a otras familias con niños que sufren lesiones cerebrales, en terapias hechas en casa y menos convencionales pero altamente eficaces
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En el 2013 , fue el pregonero de el carnaval de El Tiemblo en Ávila dada su amistad con José Antonio Abellan, comentarista de radio.

Durante este año Bertin Osborne juntó con Paco Arevalo han compartido escenario con el espectáculo: “Mellizos: 2 caras duras en crisis”
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Una nueva imagen, un nuevo y renovado espectáculo, para consolidar a estos dos grandes de la escena española. Ellos mismos, con sus propias palabras, nos cuentan qué nos podemos encontrar en esta nueva puesta en escena.
“Volvemos con una nueva aventura de Mellizos: “2 caras duras en crisis”; obra que hemos decidir estrenar en Barcelona. En ella intentamos explicar por qué seguimos juntos: nos hemos dado cuenta de lo bien que lo pasamos todos, empezando por el público que es lo más importante para nosotros.
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En este nuevo espectáculo habrá canciones y música en directo como antes, habrá historias nuevas tan divertidas como siempre y sorpresas e imprevistos…en definitiva, vamos a pasar un rato inolvidable con y para toda la familia!
Nota: queremos advertirles que durante la representación se puede producir algún cambio de estación. Igual entran al Teatro en Primavera y durante la obra es Navidad…”
Os esperamos a todos para pasar cerca de dos horas alejados de la realidad, inmersos en un tratamiento intensivo de risoterapia que os durará toda una semana. ¡Garantizado!
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Chiquito de la Calzada

Gregorio Sánchez Fernández1 (Málaga, 28 de mayo de 1932), conocido por el pseudónimo de Chiquito de la Calzada, es un humorista, cantante y actor cómico español.
Biografía
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Gregorio Sánchez Fernández nació en el barrio malagueño de “La Trinidad”, en el lugar conocido como la “Calzada de la Trinidad” y que más tarde inspiraría su nombre artístico.
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Hijo de un electricista, a los ocho años subió por primera vez a un escenario y un poco después, como miembro de una compañía de chaveas llamada Capullitos Malagueños desarrolló sus habilidades para el cante flamenco con el apodo de “Chiquito de la Calzada”, “Chiquito” porque empezó a trabajar siendo muy “chico” y “de la Calzada” por la calle donde nació, desplazándose en numerosas ocasiones a Madrid donde actuó en escenarios de renombre como el Teatro Calderón, en Price o el de La Latina.
También actuó en el extranjero y durante dos años residió en Japón.
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Con 62 años, Chiquito de la Calzada fue “descubierto” para el mundo televisivo por el productor Tomás Summers, y contratado para el programa de televisión de humor Genio y figura por Antena 3 Televisión. El programa comenzó sus emisiones en la temporada de verano de 1994. Su estilo personal e innovador le llevó rápidamente a destacar sobrimagee todos sus compañeros de programa, catapultando la emisión en los máximos niveles de audiencia, a tal punto que al final de la temporada su éxito era reconocido por la crítica favorable como el personaje televisivo del verano: (…)
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Se trata de un hombre de mediana edad, gaditano probablemente, que «acciona» los chistes más que contarlos, y es de tal calibre su vis cómica, el magnetismo que ejerce sobre la risa del prójimo, que no bien se levanta de su asiento, la gente, desde el propio Pepe Carrol hasta los técnicos del estudio, pasando por el público de plató, los telespectadores y los compañeros cuentachistes se descojona de risa. Y lo curioso es que el humor de Chiquito de la Calzada no es escatológico, ni genital, ni de anciana que resbala sobre una piel de plátano, esto es, no es un humor «español» al uso, sino que nace de las travesuras de la inteligencia y de los guiños surrealistas de la razón.
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Chiquito de la Calzada ha sido el personaje del verano en televisión, y aunque a partir de ahora invadirá el medio una turba de sujetos grotescos y risibles (los contertulios, las estrellas, los políticos del Régimen), espero que consolide su cetro en el otoño. Los chistes que cuenta son malísimos, pero nadie sería capaz de contarlos tan bien como él. Rafael Torres, Diario El Mundo, 02/09/1994.
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Chiquito de la Calzada El tirón mediático de Chiquito de la Calzada se mantuvo durante el otoño de 1994, siendo aprovechado por la cadena para afirmarse en el liderazgo de audiencia en detrimento de emisiones hasta entonces de gran popularidad en España, como los eventos deportivos. Así, el 27 de octubre de 1994, una emisión recopilatoria de los mejores chistes de Chiquito de la Calzada superó en 500 000 espectadores la emisión del partido de fútbol Karslruhe-Real Madrid, alcanzando 4,5 millones de audiencia.
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Mientras se acrecentó su éxito popular, el análisis de su llamativo estilo fue recibido con división por la crítica y comentaristas de los medios de información. Alabado como fenómeno sociológico por unos, en otros casos las particularidades de su estilo y de su figura fueron aprovechadas como instrumento para la crítica sociopolítica, y desde entonces empleadas por los medios para la sátira o la ridiculización del adversario: En este país de descubridores el último descubrimiento ha sido Chiquito de la Calzada Carmen Rigalt, El Mundo, 13/10/1994.

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Javier Villán,El Mundo, 2/01/1995, ¡Qué risa, qué paisanaje! En diciembre de 1994, Warner Home Video y Antena 3 Televisión publicaron Genio y figura, una cinta en formato video recopilando una selección de las actuaciones de Chiquito alcanzando en tres meses los 280.000 ejemplares vendidos con un volumen de facturación de 500 millones de pesetas (3,01 millones de euros), cifras consideradas entonces récord para un cómico españo

En ese mismo año aunque unos meses antes, chiquito también apareció en el recopilatorio Bolero Mix (Apodado, Bolero Mix Fistro y Pecador…) (Blanco y Negro Music 1994), donde en la portada, aparecia su cara en un cuerpo de culturista.
En el Megamix del disco elaborado por Quique Tejada, se podría oir, sus famosas coletillas, y frases. mezclados con los mejores temas dance del momento, también había una pista de efectos y jingles, donde se podía oir, la frases que previamente grabo, para la elaboración del Megamix.

En septiembre de 1995, la actividad televisiva de Chiquito de la Calzada se extendió a la radio en un momento de alta competencia entre las emisoras principales por captar mayor audiencia mediante programas de humor. La Cadena Cope ha contratado a Chiquito de la Calzada y a Paz Padilla para participar en un concurso de chistes que se emitirá en el programa La mañana, dirigido y presentado por Antonio Herrero. Desde febrero de ese año, Chiquito intervendría semanalmente junto a Paz Padilla y El Faly, en las emisiones del programa La Mañana de la cadena COPE, donde interpretaba los chistes de los oyentes

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Uniéndose a la oferta humorística de otras cadenas como la del programa Hoy por hoy de la cadena SER con los personajes de la señora María y del señor Casamajor, el Debate sobre el estado de la nación de Protagonistas, Chumy Chúmez en Las mañanas de Radio 1, Gomaespuma en M-80 y El Terrat, en Radio Barcelona. En agosto de 1996, Chiquito ejerció de pregonero de las celebraciones de la Feria de Málaga invitado por la corporación municipal en una decisión que aunque objeto de críticas, fue justificada por diferentes portavoces mediante un público elogio de la personalidad del humorista. Para el concejal Antonio Romero, Chiquito de la Calzada representa la “grandeza de lo sencillo” y la “elevación del hombre medio”, destacando su sencillez y humildad, siendo “un malagueño de la calle con una gracia especial, muy querido”.
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En octubre de 1996, participó en la emisión del especial De los buenos junto con los también cómicos Arévalo, Tip, Antonio Ozores y Miriam Díaz7 Durante la primera década de los años 2000, Chiquito ha colaborado en campañas publicitarias, actuaciones en salas y apoyado con su presencia diversos actos promocionales. En 2009, su página en Facebook alcanzó cierta notoriedad al ser destacada por su parodismo de alguno de los elementos de la campaña de promoción electoral en apoyo de Barack Obama durante las presidenciales a los Estados Unidos de 2008, identificados por el grafismo al estilo de Shepard Fairey y el uso del eslogan “Yes, We Jarl”.
A finales de 2009 es estrenada la película cómica Spanish Movie donde Chiquito de la Calzada aparece junto al actor canadiense Leslie Nielsen en una pequeña escena emitida por Internet y en los títulos de crédito finales.10 Su esposa Josefa “Pepita” García Gómez, compañera fiel e infatigable que siempre acompañaba a su marido en sus galas, falleció el 3 de marzo de 2012.

Estilo e influencia

El contenido de sus chistes, normalmente simples y cortos, presenta ingeniosas comparaciones, reforzadas en su presentación por una forma de andar de un lado a otro del escenario sin parar, mientras se sujeta las lumbares, fingiendo tener dolores. El lenguaje incluye palabras y expresiones de propia invención, resultado de distorsiones onomatopéyicas del lenguaje formal del español, del habla andaluza e incluso del inglés. Vocablos como “fistro”, “pecador”, “cobarde”, expresiones como “no puedor”, “al ataquer”, “diodeno vaginarl”, “¡Hasta luego Lucas!” (popularizada tras su presentación de la popular emisión del ritual de las uvas de nochevieja en Antena 3), e interjecciones como “¡cómorr!”, “jarl”, o “mamarl” han trascendido al registro del habla coloquial e informal del español de España.
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El estilo de Chiquito ha influido en numerosos humoristas. Así en el programa Esta noche cruzamos el Mississippi de Pepe Navarro, el humorista Florentino Fernández interpretaba el papel de “Lucas Grijander”, un personaje creado a imitación de Chiquito. De igual forma, en el programa Los clones, emitido por Intereconomía Televisión, el cómico Federico de Juan interpreta un presonaje llamado “Chiquito del Parqué”, que funge como el analista económico de la serie. Tal ha sido la transcendencia de Chiquito de La Calzada, que de él se han hecho numerosos tributos y homenajes, desde recopilaciones en video y DVD de sus apariciones televisivas hasta carreras11 imitando sus singulares andares y movimientos.
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