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Maria del Monte, la reina de las sevillanas.

María del Monte Tejado Algaba (Sevilla, Andalucía, España, 26 de abril de 1962), conocida artísticamente como María del Monte, La Reina de las Sevillanas, es una cantante española de sevillanas y de copla, así como presentadora de radio y televisión.
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Hija de Bibiana Algaba Barragán1 (1925) y de Antonio Tejado Vargas († 2005), es la menor de cinco hermanos, y la única mujer. Tras ganar el concurso televisivo Gente joven, cuya final se celebró en Ceuta en 1982, editó su primer disco.

El segundo, titulado Cántame sevillanas se convirtió en poco tiempo en un éxito, consiguió 3 discos de platino, su tema más popular fue Cántame, este tema que habla sobre el camino hacia El Rocío hizo que empezara a ser popular en España, especialmente enmarcada dentro del llamado Boom de las sevillanas.
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Con el paso del tiempo y con varios discos ha conseguido ganarse al público y es llamada “Reina de las sevillanas” por uno de sus discos con ese nombre.

Además de su actividad artística como cantante de sevillanas y en el mundo de la copla, María del Monte es presentadora de programas en radio y televisión.
En 1993-1994 presenta Vamos juntos de Canal Sur Radio.
En 1996 pasa a ser presentadora en televisión, debutando en Antena 3 con el espacio semanal Al compás de la copla (1996). Ha colaborado en los programas Los debates de Hermida en Antena 3 Televisión (2000) , y en El club de Flo (2006) en La Sexta.
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En TVE presentó La canción de mi querer, Esa copla me suena (1998) y Especial Feria de Abril.
En 2000 ficha por Canal Sur Televisión y presenta Cántame (2000), Contigo (hasta la temporada 2002), galas de verano y Nochebuena flamenca (2003), en 2004 presenta el Especial de Nochebuena, un año más tarde trabaja para FORTA en Shalakabula.
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Posteriormente presenta las galas de primavera, así como el especial 10 años de Rocío y el programa especial Rocío Jurado, un año después, también participó en el programa concurso de TVE Mira quién baila en 2005, y presenta su popular magacín diario en Canal Sur Televisión: La tarde con María. Entre el 1 de octubre de 2012 y el 11 de febrero de 2013, María del Monte participó en el concurso televisivo Tu cara me suena, donde imitando semanalmente a otros artistas quedó en cuarta posición.

Trayectoria en televisión

Gente joven (1982), en TVE.
Al compás de la copla (1996), en Antena 3.
Esa copla me suena (1998), en TVE.
Los debates de Hermida (2000), en Antena 3.
La canción de mi querer (2000), en TVE.
Cántame (2000), en Canal Sur.
Contigo (2000-2002), en Canal Sur.
Shalakabula (2005), en Canal Sur.
El club de Flo (2006), en La Sexta.
La tarde con María (2007-2009), en Canal Sur.
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DEC (2011), en Antena3, presentadora. Día especial (último programa).
Tu cara me suena (2012-2013), en Antena 3, concursante.
Uno de Los Nuestros (2013), en TVE1, jurado
Tu Cara Me Suena[editar · editar código]
1ª gala: Georgie Dann (35 puntos) Perdedora.
2ª gala: Gloria Estefan (40 puntos) Quinta.
3ª gala: María Dolores Pradera (69 puntos) Ganadora.
4ª gala: Carlos Gardel (45 puntos) Tercera.
5ª gala: Sara Montiel (50 puntos) Tercera.
6ª gala: Michel Teló (34 puntos) Tercera.
7ª gala: Amaya Uranga (Mocedades) (38 puntos) Cuarta.
8ª gala: Jeanette (24 puntos) Perdedora.
9ª gala (Especial Eurovisión): Peret (64 puntos) Segunda.
10ª gala: Juanita Reina (72 puntos) Ganadora.
11ª gala (Especial Batalla de Estrellas): Alaska (Alaska y los Pegamoides) (29 puntos) Sexta.
12ª gala: Chavela Vargas (70 puntos) Ganadora.
13ª gala (1ª semifinal): Manzanita (43 puntos) Quinta.
14ª gala (2ª semifinal): El Arrebato (34 puntos) Cuarta posición en la gala y finalista con 640 puntos en la clasificación general.
15ª gala (3ª semifinal): La Lupe (12% de los votos entre 5 finalistas y 22% de los votos entre 3 finalistas). Cuarta clasificada de ocho concursantes.
16ª gala (final): José Amaya de Los Amaya (No participaba en la final).
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Trayectoria en la Radio

Vamos juntos (1993-1994), en Canal Sur Radio.

Discografía
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1988 Cántame sevillanas: Agua pasada, Mi amor no tiene nombre, Sin ti…
1989 Besos de luna: amigo si lo ves, Así es la vida, Dime que me quieres, la historia terminó…
1989 Acompañame: Acompañame, Y la virgen con los dos, Una historia en el camino, Contigo…
1991 Al Alba: Loca, te quiero cantar, Al alba…
1991 Ahora: Necesito un nuevo amor, A que vuelo, Te lo diría, Me sobra el mundo…
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1998 Digan lo que digan: Digan lo que digan, Sus ojos me deslumbraron, Soledad de San Lorenzo, Se que puede ser, Que será de mi, Olvidate de mi, Pastora mía, No lo puedo evitar, Perdoname, Embustero, Te daré, Todo se terminó
1999 De Siempre: Antología de las Sevillanas volumen I: Y Se Amaron Dos Caballos, Silencio, Que también Es De Sevilla, La Historia De Una Amapola, Perdónala, Yo Soy Del Sur, Pasa La Vida, Así Es Triana, La Flor Del Romero, Fue Tu Querer, Solano De Las Marismas, Cántame
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2000 El dolor del amor: Antología de las Sevillanas volumen II: El Dolor Del Amor, Yo Siempre Fui Con Triana, Sevilla Eterna, Porque Te Llamas Rocío, Sobre Los Cristales, Tu Me Haces Llorar, El Desamor, Tiempo detente, Todo Termina En La Vida, Necesito hablarte, Sueña La Margarita, El Adiós
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2001 Reina de las sevillanas
2002 Con otro aire: Cuando Llore Mi Guitarra, No Te Vayas Nunca (Si Te Vas), Nostalgia, Que Nadie Sepa Mi Sufrir, Procuro olvidarte, Háblame del mar marinero, Algo De Mí, En Un Rincón Del Alma, A Ti, Comiénzame A Vivir, Y Te Vas, Si Supieras
2003 Cosas de la vida: Antología de las sevillanas Volumen III: Viva mi Andalucía, Sevillanas de colores, El embarque de ganado, Suspiros de mujer, Agua pasada, Campanitas, Carmen de los pinares, Un halcón y una paloma, Sevillanas de Triana, Cosas de la vida, Mi amor no tiene nombre, Una oración rociera
2004 Olé, Olé: Dame Otra Oportunidad, Amores Son Como Flores, Tirititando, Lo Prohibido, La Misma Sevilla, Tiene Dolores, Rosita Sotomayor, Otra Vez, Amores Bandoleros, Esa Niña, Salve Rociera del Olé, La Falsedad
2005 Un Chaparrón: Un Chaparrón chaparrón, He Vuelto A Mi Ciudad, Tierra De Pastores, Dame Tus Espinas, Tierra De Por Medio, Nada Es Eterno, Que El Relente Viene Frío, Farolita De Tu Calle, Lo Que Tú No Quieres, La Falda De Carolina, Tu mismo Lo Verás, Peligro

2011 Cómo te echo de menos: Cómo te echo de menos, Hoy solo quisiera ser, Te debo un Rocío, Nos diremos adiós, La calle donde tú vives, Baila conmigo, Te voy a querer por Sevilla, La vara que me guía, No me valen camelos, El perfume, Tú eres mi verdad y Todo quedó en na.
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Published on:
February 11, 2014 12:35
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Fran Ocaña.Enamorado del Flamenco.

Francisco José Carmona Ocaña nace en San Fernando (Cádiz) en 1985 en el seno de una familia humilde y heredera de una gran tradición musical y vínculos muy cercanos a los nombres más ilustres del flamenco contemporáneo: Camarón, Rancapino, Chano Lobato…. Su madre, Carmen Ocaña, y su tío Andrelete de la Venta la Colina son sus referentes más cercanos y en buena parte responsables de una afición por la música que no tarda en manifestarse. Todavía hay quien recuerda su debut en un escenario, con cuatro años en un festival escolar. Desde la garganta de casi un bebé, su particular homenaje a Camarón sonaba a algo así como Yo soy titano.
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Prefiere rodearse de mayores a jugar a la pelota, como el resto de los niños. La música, el cante y el sentimiento flamenco tienen mucho tirón para este pequeñajo, extrovertido y curioso, que empieza a cantar bonito.
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Con la adolescencia se acentúa la afición, las tertulias flamencas y las visitas a las mejores peñas flamencas: Peña Camarón, Peña el Chato, Peña Juanito Villar, la Perla… Fran Ocaña empieza a sonar en los circuitos más eruditos, y muy pronto, en algunos escenarios y teatros de la provincia de Cádiz: el 50 Aniversario de Camarón de la Isla, el homenaje a Pijote, varias entregas del certamen Camarón de Oro… Y por fin como telonero del gran Miguel Poveda, icono de su generación y un verdadero ídolo.

Fran Ocaña comienza a sonar en el mundillo desde la admiración y el respeto al flamenco clásico, por el que ha cantado con guitarristas de la talla de Juani de la Isla (El Barrio) Jesús Guerrero (Miguel Poveda), Adriano Lozano, Luis Monje (hijo de Camarón), el Niño la Leo o Víctor Rosa. En busca de un estilo más personal, apuesta por un proyecto “que quiere contar una historia” y hacer llegar al público un cante nuevo. Entonces surge “Llegó la hora”, su debut en la industria.
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Un disco fabricado desde las entrañas y que ve la luz gracias al apoyo de grandes amigos y colaboradores de primer nivel cuya apuesta personal es el mejor indicador de que “este chico tiene algo”.

Yo vine al mundo rodeado del arte de una tierra y una familia flamenca de actitud y condición. ¡Si es que soy de San Fernando, Cádiz! Así no es de extrañar que acabara dedicándome a la música. “Llegó la hora” es mi primer trabajo, un disco lleno de vivencias personales y, cómo no, de un Flamenco fresquito que quiere llegar a todo el mundo. Acompáñame en esta aventura ¡Llegó la hora!

Se lo oirán tantas veces como cuantas le pregunten por sus comienzos. A pesar de que apenas tenía cuatro años, recuerda con precisión la primera vez que se subió a un escenario. Con su chaqueta y corbata, en una fiesta escolar y a petición de la asociación de padres a su madre, Carmen Ocaña. «Este niño tiene ‘ange’, que se cante algo», le repetían. La historia de muchos, artista desde la cuna aunque, en su caso, ni meteórica, ni con padrino de por medio, ni siquiera fácil. Del lanzamiento de la carrera musical del isleño Fran Ocaña es, culpable, en exclusiva, el propio cantante. Él, que ha trabajado durante años como pintor para ahorrar y así poder lanzarse, sin red pero con la seguridad de su talento, a la consecución de su sueño.
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‘Llegó la hora’. La de este flamenco diferente, familiar lejano de Chano Lobato, uno de sus referentes. El reloj lleva meses en marcha. Ha cosechado buenas críticas durante toda la gira de su primer disco, que comenzó el pasado año en el Real Teatro de Las Cortes de San Fernando. Ya Camarón se percató de la frescura del chiquillo, que no ha ido a más clase de música que las que se reciben y se dan en las peñas de toda la provincia. En las más importantes ha actuado, mientras seguía dándole a la brocha. Desde hace un año todo ha cambiado en la vida de Fran Ocaña, un joven nervioso, esforzado y humilde.
De entre sus guías en el cante, además de la leyenda de La Isla y Lobato, se cuentan El Beni de Cádiz, Chato de La Isla, Maite Martín y, sobre todo, Miguel Poveda. Otro recuerdo imborrable. «Me subió una vez al escenario, supuso mucho para mí», comenta el cantaor en su visita a LA VOZ, en una de sus múltiples entrevistas en los medios de comunicación de todos los puntos cardinales de España.
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Han cautivado sus letras que recogen besos de contrabando, desaires y suspiros de amor, hechas bulerías, rumbas o tanguillos y cantadas con «una voz diferente». Raúl Cabrera es el autor de todas las composiciones de ‘Llegó la hora’, excepto ‘A mi vida’, un tema compuesto por Ocaña y dedicado a su madre, su principal sostén.

El disco fue grabado en los estudios Domi Serralbo, en Morón de la Frontera (Sevilla), y ha contado con la participación de músicos de primera línea como Diego Magallanes, Juani de la Isla, Manolo Nieto, Jesús Guerrero, Daniel Gallego, Faluqui Torres, Ismael Alcina y Domi Serralbo. Tanto confía en él su discográfica, Wave Music, que ya ha firmado con el artista otros dos trabajos. Se estudia también su lanzamiento en Iberoamérica, donde ya suenan sus singles en México y Chile. «Yo nunca he pensado en tirar la toalla porque siento que la gente me apoya. Eso me da vida para seguir trabajando», cuenta agradecido el cantante. Un tipo cercano y divertido. Un joven que se transforma, tanto como su voz, cuando se dispone a cantar. Entre sus sueños está subirse al escenario del Gran Teatro Falla, pero, ante todo, «seguir adelante». Que continúe el tic tac. Que su hora sea eterna.
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Entrevista en Sevilla Magazine

-Han pasado unos meses desde el lanzamiento de su álbum… ¿Cuál es su balance?

-Para mí ha sido un sueño hecho realidad. En mi vida hubiera imaginado que un disco mío iba a sonar en las mejores radios nacionales ni que iba a vivir tantas experiencias en este trayecto.

-¿Fue muy complicado?

-Hombre, fácil no ha sido. Trabajé muy duro para poder reunir el dinero suficiente para poder empezar a grabar aunque, sin la ayuda de Joaquín Arregui -propietario de mi actual compañía discográfica, MaveMusic-, todo esto no hubiese sido posible. También he tenido la suerte de contar con la ayuda de muchísimos buenos amigos que me quieren y para quienes solo tengo palabras de agradecimiento.
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-¿De qué hablan sus canciones?

-De los sentimientos universales, del amor y del desamor. Raúl Cabrera es el autor de la mayoría de los temas y ha creado unas melodías preciosas con letras cargadas de sentimiento. Luego también he compuesto yo una canción dedicada a mi madre que se llama “A mi vida”. Hago flamenco-pop pero con un aire nuevo que creo le puede gustar a todo tipo de público. Por eso recibo muestras de cariño tanto de gente con muy poquita edad como de personas muy mayores.

-En los últimos tiempos se han puesto de moda los duetos… ¿Hay alguien es especial con quien le gustaría hacer alguno?

-Pues sí. Me encantaría poder cantar, por ejemplo, con Joana Jiménez. Me parece una fuera de serie. También con la Niña Pastori o con Miguel Poveda.

image-Porque, ¿cómo empezó Fran Ocaña en este mundo artístico?

-Empecé con cuatro añitos haciendo “Soy gitano”, el popular tema de Camarón del que, como era tan pequeño, yo decía “Yo soy titano”… ¡No sabía ni pronunciarlo correctamente! (risas)… Desde entonces he estado actuando en peñas. Con quince años empecé realmente a tomármelo todo en serio y aprender a cantar por derecho seguiriyas, soleas, fandangos…

-En la sesión fotográfica vemos que tiene una imagen muy cuidada… ¿Piensa que el físico es importante para su profesión?

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-Es muy importante estar bien y sentirte bien contigo mismo y, aunque el mundo de la canción no es lo más importante, es evidente que, como en el resto de profesiones, es un valor añadido.

-¿Se cuida de alguna forma especial?

-Normalmente me levanto temprano y voy al gimnasio. También me gusta correr y jugar al fútbol, cuidar lo que como e intentar no cometer excesos. Controlo mucho el pan, y las bebidas refrescantes que tomo pero, a pesar de todo, soy de buen comer (risas).

-¿Qué debe tener entonces una mujer para conquistarlo?

-Ante todo debe ser divertida y, en especial, cariñosa, porque yo lo soy mucho. Buena conversadora, extrovertida y, lo más importante, que me quiera.
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-Dé alguna pista más… ¿Cómo entiende el amor?

-Es algo maravilloso cuando es correspondido. No hay nada igual…

FRAN OCAÑA actuó en simof 2014 en Sevilla y en la pasarela de Jerez, en el desfile de Pilar Vera, Errantes.

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Un ultimo aplauso a nuestro Paco de Lucia, la guitarra de España.

imageEl guitarrista de flamenco Paco de Lucía falleció la madrugada de ayer a los 66 años de un infarto mientras se encontraba en una playa de México donde tenía una casa en la que vivía prácticamente todo el año. Al parecer el maestro se empezó a encontrar mal mientras estaba jugando con uno de sus nietos. El artista falleció camino del hospital.
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La familia está decidiendo en estos momentos el traslado de los restos del artista hasta su tierra natal, Algeciras. Por su parte, el consistorio gaditano va a decretar el luto oficial mientrras su alcalde, José Ignacio Landaluce, ha asegurado que se trata “de una pérdida irreparable para el mundo de la Cultura, para Andalucía”.
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Que pena mas grande, nos deja un hombre sencillo que nos ha acompañado con su guitarra desde que éramos pequeños, al menos yo, demasiado pronto para mi gusto, aún le quedaba mucha vida por delante, pero esta vida nos hace estas malas jugadas.
Este verano disfrutamos de el en Marbella, como siempre una maravilla para los cinco sentidos.
Vamos a repasar su vida y su carrera, como nuestro pequeño homenaje, no puede estar en otro sitio que en el cielo, ahora serán los angeles quienes disfruten de su guitarra. ¡¡que afortunados¡¡¡ Descansa en paz Paco.
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Paco, que, al igual que el resto de sus hermanos Ramón, María Lucía, Pepe y Antonio, muy pronto tuvo que buscar trabajo y llevar un sueldo a casa, le costó superar su falta de instrucción, pero cuando tuvo que buscarse un nombre artístico no dudó en apellidarlo con el nombre de su madre.

Primeros aplausos en los tablaos

Como tal, Paco de Lucía comenzó a actuar a los doce años junto a su hermano Pepe (entonces Pepe de Algeciras) como el dúo Los Chiquitos de Algeciras, que cosechó el aplauso de muchos tablaos de Cádiz. Con catorce años obtuvo un premio en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera, y aunque parezca sorprendente, fue entonces cuando inició su carrera internacional, ya que José Greco lo contrató como tercer guitarrista de su Compañía de Ballet Clásico Español y en seguida emprendió su primer viaje a Estados Unidos.
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Para él, el guitarrista más brillante del momento era el Niño Ricardo, amigo de su padre, y quería sonar igual de bien. Luego conoció a Sabicas y a Mario Escudero y sus influencias fueron variando, pero éstos le aconsejaron que buscara su propia forma de tocar, su estilo. El problema era que «para uno era un modo complicado de decir las cosas más sencillas, y para el otro un modo muy simple de decir cosas complicadas», recuerda el artista, quien confiesa haber resuelto el dilema el día que supo que el estilo no es un punto de partida, como era su caso, sino un resultado, y a fuerza de tocar formó su propia personalidad.

imageCon la dirección artística de su padre grabó los primeros discos junto a su hermano Pepe, y posteriormente registró otros tres a dúo con Ricardo Modrego, de la compañía de Greco. Poco después conoció a Fosforito, a quien acompañó en una actuación en Salamanca, y luego a Camarón de la Isla y a Juan el Lebrijano. Con ellos se integró en un grupo compuesto también por Matilde Coral, Paco Cepero y El Farruco, con el que, contratados por los managers internacionales Lippman y Rau para sus espectáculos, que llamaban «Festival Flamenco Gitano», recorrió varias veces Europa durante la segunda mitad de la década de los sesenta.
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Mientras tanto, animado por Sabicas y Escudero, se adentró en el terreno de la composición, y también grabó sus primeros discos en solitario: La fabulosa guitarra de Paco de Lucía (1967) y Fantasía flamenca (1969), algunos de cuyos temas tocó en 1970 en el Palau de la Música de Barcelona, en el marco de un festival internacional por el bicentenario de la muerte de Beethoven, que algunos biógrafos sitúan como el momento de su consagración.
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La influencia de Camarón

Pero el guitarrista de Algeciras, entonces ya asentado en Madrid, reservaba muchas sorpresas, y aquello no fue sino un peldaño más de una trayectoria en constante evolución que marcó muchos puntos de inflexión en la historia del flamenco.
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Por entonces acababa de nacer la mítica pareja Camarón-Paco de Lucía, cuyas cualidades extraordinarias y la manifiesta y firme voluntad de convertir el flamenco en una experiencia rabiosamente viva han quedado impresas en más de una decena de discos impresionantes y en la memoria del guitarrista, que recuerda aquellos años como la etapa más bonita de su vida.

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Para él, la excelencia del tándem tenía una explicación muy sencilla: «Mi sueño siempre fue ser cantaor, mientras que el de Camarón fue ser guitarrista». Su música perfecta fue, por tanto, fruto de la sana envidia recíproca y la mutua admiración.
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Paco de Lucía se convirtió en estrella de las listas de éxitos en 1973, con la rumba Entre dos aguas, que conquistó a un público más joven que se interesó por primera vez por la guitarra flamenca. Esto influyó además para que sus álbumes de la época, El duende flamenco de Paco de Lucía (1972) y, sobre todo, Fuente y caudal (1973), incrementaran su difusión y le valieran una fama que empezaba a exceder los límites del género
Dos años después, su actuación «para todos los públicos» en el
Teatro Real de Madrid haría historia.
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Un nuevo trabajo, Almoraima (1976), mostraba su voluntad rupturista y daba sobradas pruebas de una personalidad consolidada. Pergeñaba ya entonces el proyecto de formar un grupo, y lo iba a lograr unos años después. En aquella época se sentía lo bastante afianzado como para formalizar su relación con Casilda Varela tras ocho años de noviazgo y, pese a la oposición familiar, se casaron en Amsterdam en enero de 1977; desde entonces han permanecido unidos junto a sus tres hijos, Casilda (1978), Lucía (1979) y Curro (1983).
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Nuevos caminos para el flamenco

En 1981 formó el célebre sexteto con el que creó el concepto actual de grupo flamenco, con sus hermanos Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, Jorge Pardo, Carles Benavent y Rubem Dantas, a los que más tarde se uniría el bailaor Manolo Soler.
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La formación duró muchos años, hasta el día que decidió que después de tanto tiempo todo debía de sonar igual, y primero formó un trío con Juan Manuel Cañizares y su sobrino José María Bandera, y en 1998 rehizo el septeto: reemplazó a Cañizares por El Viejín, a Soler por El Grilo y a Pepe de Lucía por Duquende. Con ellos grabó Luzía (1998), en homenaje a su madre, que acababa de fallecer. Luego reunió en torno a él a otros artistas: el percusionista El Piraña, la guitarra del Niño Josele, el bajo de Alain Pérez, la armónica de Antonio Serrano y las voces y palmas de Duquende, La Tana y Montse Cortés.
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Los últimos años del siglo XX fueron los más duros de su vida. La muerte de Camarón, y la interesada confusión creada en torno a los derechos de autor conjuntos con el cantaor, agravaron la úlcera que padecía y lo sumieron en una profunda depresión que el fallecimiento consecutivo de sus padres contribuyó a prolongar.
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Después de un largo período alejado de la composición y recluido en su casa familiar de Mirasierra, dejó Madrid para pasar dos años en Playa del Carmen, su paraíso mexicano, donde proyectaba vivir su retiro en un futuro que anunciaba no lejano. Allí nació su trabajo Cositas buenas (2004), en el que, entre tangos y rumbas, se dan cita muchas voces amigas y la del propio guitarrista, que rescata del archivo la bulería Que venga el alba, para unirse por primera vez en el canto a su «primo» Camarón.
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En julio de 2004 era distinguido con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en septiembre obtenía también un Grammy Latino al mejor álbum de flamenco por Cositas buenas, que presentó durante el año en una gira mundial marcada por su intensidad.
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Tradición e innovación

Maestro del mejor flamenco, pionero en su evolución y su apertura a la fusión con otras músicas y otros estilos, hubo un tiempo en que sus constantes aportaciones convirtieron a Paco de Lucía en un revolucionario del género, y su influencia ha sido de tal calado que puede inferirse que ha cambiado la concepción del toque en más de una ocasión durante las últimas tres décadas.
Esa inquietud innovadora no siempre fue bien entendida por los defensores a ultranza de la ortodoxia del género, que al principio llegaron a causarle cierto desasosiego, si bien pronto entendió que él no podría traicionar jamás la esencia del flamenco porque lo lleva en sus genes, y haga lo que haga sonará a flamenco. A partir de ese momento, empezó a tocar con mayor espontaneidad y a permitirse libertades inusitadas que a la postre resultaron siempre enriquecedoras

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Si le invitases a casa

Para comer: Algún plato de cuchara
Para beber: Un tinto
No le hables de: Guitarra, su pesadilla
En la cadena de música: Camarón “el mayor genio que he conocido”
Para la sobremesa: Una película de Willy Wilder o la trilogia “Blanco, Azul y Rojo “ de Kieslowski.
Un libro para prestarle: Alguno de oscar Wilde( nada de filosofía porque dice que de tanto leer a Ortega y Gasset, terminó por analizarlo todo y perder el sentido del humor)
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Ya no podremos invitarlo a casa, pero permanecerá en nuestro corazón y disfrutaremos de su música por siempre, eso no nos lo puede quitar nadie.

La inesperada muerte de Paco de Lucía ha dejado rota a su familia, mujer e hijos. El guitarrista, que siempre se ha considerado una persona muy hogareña, el 29 de enero de 1977 se casó con Casilda Varela. La boda entre ambos tuvo lugar en Ámsterdam por la oposición familiar al enlace –ella era hijas de un General–, que finalmente se formalizó después de que la pareja llevara ocho años de noviazgo.

Fruto del amor entre ambos nacieron tres hijos: Casilda (1978), Lucía (1979) y Francisco (1983, a quien cariñosamente conocen con el sobrenombre de «Curro»). A la inmensa alegría que sintió Paco de Lucía con la llegada de estos pequeños a su casa se unió la de ser abuelo más tarde.

Años después, el reconocido músico se casó con la que sería su segunda y última mujer: Gabriela Carrasco. Con ella tuvo dos hijos, Antonia, de 14 años, y Diego, de siete. De hecho, se encontraba jugando con ellos, al lado del mar, cuando la muerte le vino en forma de infarto.
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Para todos ellos, la pérdida a los 66 años de este genio de la música es algo más que un triste lamento en el mundo de la música, puesto que la muerte de Paco de Lucía supone un enorme vacío que tardarán tiempo en superar.

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EUROPA PRESS. 26.02.2014 La bailaora gaditana Sara Baras confiesa que ha sido “un momento horroroso” el instante en el que le han comunicado la noticia del fallecimiento de Paco de Lucía, al que considera que fue “la persona que más defendió la grandeza del flamenco, un genio que ha abierto nuestra cultura al mundo entero y que representaba las mejores virtudes de este arte, todo lo mejor del flamenco”
image Sara Baras explica que llora la muerte de Paco de Lucía “no sólo por su arte, que era grandioso, sino porque su persona era igual de grande”, y añade que “por supuesto que el dolor es enorme desde el punto de vista personal, pero desde el arte el dolor es también muy intenso, porque es un genio que ha contribuido de manera inigualable a dar esa seriedad que este arte verdaderamente tiene”. “Era un orgullo para todos lo orgulloso que se sentía él del flamenco; él es el ejemplo de que el flamenco se clava directamente en el corazón, de que llega hasta el fondo y de que no tiene fronteras”, indica la bailaora, que resalta que ha tenido “la suerte de compartir con él los momentos más importantes de mi carrera”.

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Un ultimo aplauso para nuestro Paco de Lucía.

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Simof 2014 , espectacular pasarela flamenca.

imageSi algún ‘guiri’ se topara por casualidad con el pabellón 2 de Fibes lo más seguro es que llegara al éxtasis pleno, ya que se encontraría con el máximo tópico sevillano con el aditivo del vanguardismo y la originalidad contemporánea.

Del 30 de enero al 2 de febrero el Palacio de Congresos y Exposiciones aglutinó en su interior a la crême de la crême del mundo flamenco y, por qué no, de la farándula en general dirigida por la omnipresente Raquel Revuelta, directora de la Agencia Doble Erre y Co-organizadora del salón.
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En Simof desde que se atraviesa el torno, el visitante se encuentra de cara con uno de los protagonistas de la Feria de Abril, su portada. Una de las novedades de este año por el 20 Aniversario del evento, la cúpula de Fibes abrazó una exposición con las 25 últimas maquetas de las portadas, la perfecta antesala para ir entrando en materia. El siguiente nivel, compuesto por decenas de expositores, pone a disposición todos los abalorios, telas, bisutería y demás ingredientes básicos para lucir espléndida con un traje de flamenca.
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Al fin, el último nivel acoge la azabache pasarela por la que pasarán lo más de 1.300 vestidos de los distintos diseñadores y firmas que componen este salón.
Las mañanas en Simof son tranquilas, el público algo tímido pero no por ello los diseños menos importantes. Parsimonia, armonía y creatividad para iniciar las largas jornadas que oscilaban entre las 11:30 horas hasta las 21:30.
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Jueves 30 Simof 2014 abrió sus puertas un jueves con los diseños más vanguardistas de los diseñadores noveles. Diez talentosos jóvenes colmaron la pasarela de flores y de volantes con mucho vuelo para el disfrute de sus espectadores. El más prometedor, el sevillano Alex de la Huerta que con su colección ‘Un jardín en Marte’, propuso diseños en los que destacan los volantes minimalistas y asimétricos y las flores superpuestas. Tras el certamen, llegaron las pasarelas profesionales de este año para dar a conocer sus novedades.
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Lina fue la encargada de abrir la tarde siendo ovacionada por el público, por la fama que le precede, con sus nuevos diseños inspirados en el pintor Anglada Camarasa. ‘La gata rosa’ está capitaneada por los tonos pasteles, los bordados exquisitos y los tejidos fluidos. Marcando una tendencia de escotes altos por delante y de infarto por la espalda, hecho que seextiende por un gran porcentaje de los diseños del salón. Todo muy acompañado por unos exquisitos y elaborados complementos de los que destacan las crestas de flores, aunque dudosamente veremos muchas de ésas en el real.
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Siguiendo la estela de Lina, Aldebarán presenta una colección inspirada en lo ecuestre y el mundo del flamenco evocando las sensuales curvas femeninas. Tejidos naturales en tonos tierra para el camino del Rocío, y colores vivos combinados para la Feria. La firma presenta sus diseños más innovadores confeccionados en sedas son pedrería, bordados y superpuestos.
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La tarde la completaron Margarita Freire, M.J. Blay y Patricia Bazarot, Rocío Peralta y Pilar Rubio. Freire da un paseo desde el vestido más elaborado hasta el más corto y ligero, dando un especial protagonismo a los diseños de estilo rociero. De nuevo nos topamos con los tonos tierra y las flores estampadas. En lo complementos destaca sobre todo los sombreros de ala ancha. La primera intensa jornada la cerró Pilar Rubio con una travesía por las distintas etapas del diseño flamenco.
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Un homenaje confeccionado de forma muy sencilla, con mucho vuelo y desbancándose de los colores tierra para dar protagonismo a la variedad en la paleta.

Viernes 31 En la jornada del viernes se retomó el desfile “Espacio Camino” que, como su propio nombre indica, muestra las últimas tendencias para realizar la peregrinación hacia El Rocío. Los tonos tierra, las faldas canasteras, pantalones emulando trajes de corto, ponchos y chaquetillas acaparan esta colección.
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Seguidamente, Sevilla Style Outlets desvela su colección aglomerada por las distintas firmas con las que trabajas. Diseños menos glamurosos y más realistas de cara a la ‘batalla’ que se le da a esta indumentaria en sus días gloriosos. Para retomar la originalidad y el vanguardismo, Inma Castrejón impone el corsé y la estética taurina en la pasarela. Diseños muy sugerentes pero sin alejarse de la elegancia. Abunda el negro acompañado de los colores del capote de un torero. Sus diseños estuvieron acompañados por un desfile de ropa íntima siguiendo la misma estética de los vestidos de flamenca. Una presentación muy visual que no deja indiferente a nadie.
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Por la tarde, cabe destacar la colección ‘Sueños de luz’ de Rosa Rojo. Tonos muy vivos y alegres predominan en unos diseños elaborados y muy favorecedores para la figura femenina. La gran esperada del día fue la veterana Aurora Gaviño, la cual deslumbró con la sofisticación de sus vestidos. Atrevidas mezclas de texturas predominadas por el encaje y seleccionando los colores alegres y tradicionales del flamenco con el estampado siempre presente.
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Sábado 1 En la jornada del sábado, por segunda vez consecutiva, se celebró la Pasarela Solidaria contra el Cáncer, que contó con muchos rostros conocidos ofreciendo su apoyo y con la presentadora Mayra Gómez Kemp, que hizo entrega de la recaudación a beneficio de la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC) en un acto “muy emotivo”.
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La pasarela Simof infantil también hizo “las delicias” del público en éste su segundo año de celebración, con la participación de un total de 40 niños de diferentes edades.
Ocho desfiles de firmas consagradas y veteranas en la moda flamenca completaron este sábado. La firma Nuevo Montecarlo se dedicó a deleitar al público con su luz.
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Estampados, colores cálidos, menos detalles, mangas largas y escotes mucho más pronunciados. Trajes ligeros de llevar pero sin perder el glamour, bien acompañados con mantoncillos que se vuelven a retomar este año a la par que el pendiente de aro.
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Uno de los nombres imprescindibles fue Pilar Vera que presentó ‘Errantes’ con un espectacular Fran Ocaña que acompañó con su voz a las modelos. Diseños arrogantes y pícaros inspirados en las gitanas antiguas con largas faldas y pañuelos en la cabeza con un cierto aire bohemio. Es una colección que mezcla dispares tejidos con un resultado excepcional. Algodones, sedas y popelinas mezclan estampados diversos (florales y lunares), escoltados por cascadas de volantes que nacen desde la cadera.
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El cierre de la jornada lo protagonizaría el regreso de Juana Martín con su colección ‘Amaya’. Destaca las faldas de volantes en forma de pétalo y sus trajes que tiran más al traje de noche que al de flamenca más convencional. Una aplicación interesante de los vestidos de largo dirigidos a esta temática.
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Domingo 2 El broche de oro al salón para cerrar su XX aniversario lo aportó el desfile de SIMOF Infantil que hizo las delicias del público en su segundo año de celebración, con la participación de 40 niños y niñas de diferentes edades, los cuales fueron los verdaderos protagonistas de la pasarela. Volvieron a pisar la pasarela firmas que se habían visto a lo largo de la semana como Carmen Vega o Faly.
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También fue el momento de Adrián González, que se consolida como diseñador en este evento con su colección ‘Lola’, inspirada en la cantaora Lola Flores. Debutó la firma Rosapeula, una agradable sorpresa granadina que centra sus diseños en la moda joven con trajes de escotes atrevidos y nada tradicionales. Aun así se acercaba más a la temática de Simof de lo que hizo la firma ‘Gitano’.
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La colección ‘Flores en el aire’ está compuesta por trajes de noche con aire flamenco más que de trajes de flamenca de noche.

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Por último, el candado a Simof 2014 lo echó Carmen Vega con una soberbia colección de inspiraciones interculturales. China, Marruecos, India… un paseo por la vestimenta mundial bien adaptada a la pasarela flamenca con colores exquisitos y diseños muy favorecedores.

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En definitiva, cualquiera que pisó Fibes en estos cuatro días, sea hombre o mujer, se encaprichó con algún suculento traje que estos 43 diseñadores/firmas presentaron con tanto mimo.

La XX edición de Simof ha contado con la visita de modelos y personajes destacados de la vida social, cultural y artística del país como Eva González, Patricia Yurena, Jessica Bueno, Elisabeth Reyes, María José Suárez, Rocío García, Estrella Jiménez, María José Santiago, Mayra Gómez Kemp, Norma Duval, Marina Danko, Lina, la Duquesa de Alba, Tony Benítez, Justo Salao, Natalia Álvarez, Raúl Gracia ‘El Tato’, Lourdes Montes, Lalo Tejada, Raquel Bollo, Carmen Tello, Carmen Lomana, entre otros.
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La muestra fue inaugurada por el alcalde de Sevilla, Juan Ignacio Zoido, acompañado del concejal delegado de Empleo, Economía, Fiestas Mayores y Turismo, Gregorio Serrano; el concejal delegado del Distrito Este, Ignacio Flores; el director general de Fibes, Gaspar Sáez, y la directora de la Agencia Doble Erre y Co-organizadora del salón, Raquel Revuelta.
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Como novedad este año, Simof ha hecho entrega este viernes, junto a la Fundación Cruzcampo, de los Premios ‘Flamenco en la Piel’, en la categoría de Premio Honorífico, a la Duquesa de Alba, por “su implicación en el salón desde sus inicios y su apoyo al sector de la moda flamenca”. Asimismo, el Premio a la Trayectoria Profesional ha sido para la renombrada diseñadora Lina. Como cada año, también se ha otorgado el Premio Aromas a la Mejor Modelo, que en esta edición se le ha entregado a la modelo Macarena Martín
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Por último, la organización ha indicado que en la cúpula de Fibes se ha instalado una exposición con las 25 últimas maquetas de las portadas de la Feria de Abril de Sevilla. Con esta nueva edición de Simof, Fibes ha afirmado que “este salón es el referente mundial de la moda flamenca”.

Quizás se echó de menos más diseños realistas de cara a la Feria, ya que los vestidos de noche de alta costura predominaron en su mayoría.
Lógico por otra parte ya que este salón se ha convertido en referente internacional en lo que la moda flamenca se refiere. Tampoco estuvo exento el evento del ‘famoseo’ y el correspondiente ‘postureo’ propicio que aun así no arrebató el verdadero protagonismo al flamenco.
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Destacar la supremacía de las jornadas del jueves y el sábado por encima del resto de días, e instar a la organización de que obvie cobrar la entrada al recinto ya que cinco euros era un precio excesivo para poder acceder a la exposición de portadas y los expositores. También se les podría pasar por la cabeza crear un bono para los cuatro días de duración del evento, precio más económico para que el pabellón 2 no muestre tantos claros como ocurría por las mañanas.
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Y por qué no, instar a algunas de las modelos a comerse un buen puchero que, como el flamenco, es muy propio de la tierra que pisamos.puchero.
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February 6, 2014 13:18
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Martirio, triunfar es hacer lo que quiero.

María Isabel Quiñones Gutiérrez conocida artísticamente como Martirio (Huelva; 21 de marzo de 1954) es una cantante española.
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En los años 70 María Isabel forma parte del grupo Jarcha, cuyas canciones tuvieron una gran fama en la España de la Transición.
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En 1981 cuando el grupo andaluz inició la búsqueda de aires mas flamencos y es cuando nació Martirio, un personaje creado por Maribel que se caracterizaba por usar grandes peinetas, gafas oscuras y trajes que combinaban lo folclórico y lo posmoderno.

En 1984 Martirio forma parte del grupo Veneno, liderado por Kiko Veneno y los integrantes de Pata Negra Raimundo y Rafael Amador.
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En 1986 inicia su andadura en solitario con el nombre artístico de Martirio, que es a la vez nombre y personaje: enfundada en escena entre unas gafas de sol y una peineta, fue una de las intérpretes más originales del panorama musical español en los años 80, y canciones como Sevillanas de los bloques (Estoy atacá) triunfan en los medios. Su música es un puente entre culturas y fusiona copla andaluza, flamenco, bolero, jazz, tango, rock, guaracha…

Lanza su primer disco ‘Estoy Mala’ en 1986, el primer intento de introducir y fusionar la copla española con el pop-rock. Con este disco realiza una gira por España y Francia.
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En 1989 Martirio editó su segundo disco ‘Cristalitos Machacaos’, en el cual comienza a introducir pinceladas de jazz y blues en su reinterpretación de la copla.
En 1991 lanza con Sony su tercer disco ‘La Bola de la Vida y del Amor’, uno de sus mas arriesgados trabajos en el cual busca fusionar la copla con las nuevas músicas, bajo el horizonte sonoro de Peter Gabriel.
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En 1994 edita ‘He visto color’, donde le da la vuelta al género de las sevillanas al mezclarlas con blues, jazz, rap, pop, música árabe o swing. Este mismo año hace su primera aparición cinematográfica en la película ‘Belmonte’ de Juan Bollaín

Se estrena como actriz de teatro, trabajando en una gira de seis meses con el Centro Andaluz de Teatro, en la obra de Pedro Álvarez Osorio ‘Don Juan, Carnaval de Amor y Muerte’, en el papel de Doña Ana De Ulloa.

Actúa como protagonista bajo la dirección de José Luís Cuerda, en dos capítulos de la serie ‘Makinavaja’ (La2). Rueda además, con Pedro Olea, la película ‘Más Allá del Jardín’ o más recientemente en la película Iris de Rosa Vergés en 2004, o televisión (dos capítulos como protagonista en Makinavaja dirigida por José Luis Cuerda, haciendo de una ciega malísima, ninfómana e hilarante).

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En 1997 aparece su quinto trabajo musical, el disco-libro ‘Coplas de Madrugá’, selección de clásicos de la copla con acompañamiento jazzistico, grabado con Chano Domínguez (piano), Guillermo McGuill (batería) y Javier Colina (contrabajo).
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En la gira de promoción iniciada el año anterior consigue que, por primera vez, la copla se escuche en los festivales de jazz, actuando en una docena de los más importantes festivales de España. Este mismo año Martirio graba con el mítico Compay Segundo para el disco ‘Lo Mejor de la Vida’ y realizan una gira juntos por España y Francia.
imageEn 1999 publica su primer libro ‘La Vuelta a Martirio en 40 trajes’ (Planeta) en colaboración con el poeta Juan Cobos Wilkins y prólogo de José Luís Sampedro.
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El mismo año sale a la luz ‘Flor de Piel’, una obra que elige temas del repertorio hispanoamericano acompañado por la guitarra flamenca de su hijo, Raúl Rodríguez.
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A finales de noviembre de 2001 edita ‘Mucho Corazón’, con la instrumentación del mismo grupo de Morón (Paco de Amparo, Pepe Torres, y Manuel Flores), los arreglos de Raúl Rodríguez y el trío de Chano Domínguez (Javier Colina y Guillermo McGill), entre otros músicos. Con este disco Martirio ha viajado a Puerto Rico (‘Fashion Week’), donde la hicieron hija adoptiva de San Juan por decreto; a Bogotá y Medellín donde recibe las llaves de la ciudad en un acto oficiado en la alcaldía de la Alpujarra.
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Ha colaborado entre otros artistas con Jesús Lavilla, Jerry González, Maria del Mar Bonet, Chavela Vargas, Compay Segundo, los cantautores Javier Ruibal, Carlos Cano, Alberto Cortez, Simón Díaz, Pedro Guerra, Luis Pastor o Miquel Gil, el pianista de jazz Chano Domínguez, Susana Rinaldi, Son de la Frontera, Mayte Martín, Jabier Muguruza o el cantaor Miguel Poveda con quien presentó el espectáculo Romance de valentía en 2005, con arreglos de su hijo Raúl Rodríguez, Jesús Lavilla y Juan Gómez “Chicuelo”, Un homenaje y recorrido por los años, intérpretes y autores de la copla presentado en el Festival Grec de Barcelona y en Teatro Español de Madrid.
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En 2002 colabora en el disco ‘Mujer’ para la concienciación y a beneficio del cáncer de mama, con el tema de Fito Páez ‘Yo vengo a ofrecer mi corazón’. Sigue de promoción por España y de galas, donde se destaca el estreno en Madrid en febrero de ‘Mucho Corazón’ (Teatro Pavón) y en Barcelona (La Paloma). En septiembre realiza tres intervenciones en el cine: ‘El Gran Gato’ de Ventura Pons, para Fernando Colomo en ‘Al Sur de Granada’ y para Franco Battiatto y su película ‘Perdutto Amor’. En noviembre, Nuevos Medios edita una recopilación de los dos primeros discos de Martirio en la colección de su vigésimo quinto aniversario. Se graban dos temas para la marca ‘Absolut’, que elige como imagen española las portadas de vinilos de Alaska y Martirio. Para apoyarlo, se organiza una exposición y un acto plástico y sonoro el 17 de septiembre en la Casa de Vacas del Retiro.

Ya en el 2003 se reedita ‘La Bola de la Vida y del Amor’. Colabora en el espectáculo de danza de la compañía de Ramón Oller, inspirado en la mítica Carmen.
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Interviene como actriz en ‘Iris’, de la directora Rosa Vergés, que se presenta en abril de 2004. A principios de ese año graba en directo, en el Teatro Monumental de Madrid, ‘Acoplados’ que se edita en mayo del mismo año. En este disco se une de nuevo a Chano Domínguez, volviendo ambos a darle otra vuelta a la copla acompañados por la Orquesta Sinfónica de RTVE y una big band. El disco se presentó por primera vez en enero con motivo de la inauguración del Auditorio de Roquetas de Mar.
En febrero se embarca en el proyecto que la une a la gran dama del tango argentino Susana Rinaldi, con una formación de músicos argentinos y otra de flamenco. El espectáculo se graba en directo y dará lugar a un disco a finales de 2004. En verano girarán por distintas ciudades dentro y fuera de España. El día 28 de febrero de 2004 es galardonada con la Medalla de Oro de la Junta de Andalucía. En mayo viaja a Cuba para participar en la Feria del Disco de La Habana ‘Cubadisco’.
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En 2006 participa junto a la cantaora de flamenco Mayte Martín en el espectáculo “Entre amigas” de Omara Portuondo celebrado en el Palau de la Música Catalana de Barcelona.

En 2007 Martirio se encuentra en una etapa artística de gran madurez tras su ya larga experiencia, con la publicación en los últimos años de la tetralogía formada conceptualmente por cuatro discos independientes: Coplas de madrugá, Flor de piel, Mucho corazón y Primavera en Nueva York.
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En 2008 realiza una serie de conciertos conjuntos con la artista mexicana Lila Downs, ya el 19 de noviembre de 2006 la invitó a su concierto del Círculo de Bellas Artes de Madrid incluido en su gira española, en 2008 repiten experiencia en este proyecto conjunto.

Los días 20, 21 y 22 de octubre de 2008 ofrece tres conciertos en la Sala Luz de Gas de Barcelona que son grabados para ser editados en un disco para conmemorar sus 25 años de carrera artística con el nombre de Martirio, con un recorrido acústico por su amplio repertorio.
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En 2010, Martirio se acerca a la música cubana de la mano del compositor y pianista cubano José María Vitier, junto a él graba un disco que recoge 13 poemas musicados de escritores españoles y latinoamericanos, con el título “El aire que te rodea”, se edita en España en 2011.
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En 2013 publica junto a su hijo Raúl Rodríguez el disco en homenaje a Chavela Vargas: De un mundo raro. Cantes por Chavela (Universal Music, 2013).

¿A ti no te pasa que pones a quererse a miles de personas y cuando llegas a casa estás sola?”, le preguntó un día Chavela Vargas a Martirio. “Casi siempre”, respondió la folclórica española.
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“¿Y tú? ¿Por qué no triunfas más?”, le preguntó Chavela en otra ocasión. “Triunfar para mí es seguir haciendo lo que quiero, siempre he buscado la profundidad, he querido andar por caminos sin huellas… Pero la libertad se paga, aunque sea con un precio tan pequeño como el económico. El éxito es conseguir que una persona se emocione cuando cante”, responde ahora Martirio,
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Este último disco-dedicatoria les llevará con compases flamencos a su ciudad natal, Huelva (el 8 de noviembre), a Barcelona (el 13), a Sevilla (el 16), a Canarias (el 28 y el 29), a Madrid (el 11 de diciembre), a Colombia y en primavera a México y a Argentina, “si Dios quiere”, aunque la religión para Martirio es un asunto complejo, muy animista, en el que hay santos, pero también hay piedras, energías… Pero sin contar con los designios de los dioses, aquí, pisando la tierra, cuando se le pregunta a Martirio qué es lo que ha tenido que hacer ella para sacar este último disco —tras 30 años de carrera sobre los escenarios de medio mundo—, responde sin gafas de sol y fijando la mirada de sus ojos verdes: “El disco lo ha tenido que pagar mi hijo, con eso te lo digo to”

Martirio tiene una muy considerable trayectoria con una muestra de propuestas de calidad y ha sido ya reconocida por público y crítica, Martirio ha sido galardonada con numerosos premios, entre otros
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el 21 de abril de 2005 Martirio y Chano Domínguez recogen el Premio de la Música 2004 en la categoría de Mejor Disco de Canción Española por Acoplados.
Entre otro reconocimientos públicos ha sido nombrada hija adoptiva de San Juan de Puerto Rico por decreto,
2004 recibe la Medalla de Oro de la Junta de Andalucía
2010 recibe el Premio Internacional Cubadisco.

Discografía
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Estoy mala 1986
Cristalitos machacaos 1989
La bola de la vida del amor 1991
He visto color por sevillanas 1994
Coplas de madrugá con Chano Domínguez 1997
Flor de piel 1999
Mucho corazón 2001
Martirio 1986-1989 Recopilatorio 2002
Colección Nuevos Medios. Martirio. Recopilatorio 20 años de Nuevos Medios. 2002.
Fundamental 2003
Acoplados con Chano Domínguez 2004
Primavera en Nueva York 2006
Martirio. 25 años en directo. 2009. Grabado en directo en la Sala Luz de Gas de Barcelona los días 20, 21 y 22 de octubre de 2008.
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El aire que te rodea con José María Vitier 2011
De un mundo raro. Cantes por Chavela con Raúl Rodríguez 2013. Homenaje a Chavela Vargas.
Colaboraciones y otros discos[editar · editar código]
A la memoria de Federico García Lorca de Jarcha. 1981.
Si tú, si yo de Veneno. 1984.
Pequeño salvaje de Kiko Veneno. 1987.
Pensión Triana, disco del cantautor gaditano Javier Ruibal. 1994.
A María Teresa Vera, disco homenaje a la autora cubana, canta el tema ¿Por qué me siento triste? y a dúo con Jacqueline Castellanos el tema Eso no es ná. 1995.
Rosas a Rosalía, disco de Amancio Prada en homenaje a Rosalía de Castro. 1997.
Más allá del jardín. B.S.O. de la película de Pedro Olea. 1997.
Punta Paloma de Kiko Veneno. 1997.
El cor del temps de Maria del Mar Bonet. 1997. Martirio canta Trigales verdes y La mort de na Margalida.
Lo mejor de la vida de Compay Segundo. El tema Juliancito. 1998.
Puro veneno de Kiko Veneno. 1998.
De Granada a la luna, Canta Tierra y luna. Homenaje colectivo a Federico García Lorca. 1998.
Azúcar Cande, disco de Chano Lobato en el que graba el tango Volver. 2000.
Las 101 canciones más flamencas. Romance de la rosa. 2001.
Gatísimo, disco de la Orquestra Plateria en homenaje al rumbero Gato Pérez, canta Cha, cha, chá de la locura. Blanco y negro, 2002.
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El gran Gato, B.S.O. de la película de Ventura Pons, Martirio canta Granito de sal.
Que naveguen los sueños, Martirio canta la copla Ojos verdes en el disco colectivo de homenaje a Carlos Cano. Emi, 2002.
Mujer. Yo vengo a ofrecer mi corazón de Fito Páez. BMG, 2002.
Perduto Amor. B.S.O. de la película de Franco Battiato, con el tema La noche oscura. 2002.
Canciones del buen amor de José María Vitier. Canta Tengo miedo a perder la maravilla (Soneto de la dulce queja de Federico García Lorca). Cuba, 2002.
Soy, disco del cantautor Luis Pastor, con el tema El caracol de mi tristeza. 2002.
Al sur de Granada, B.S.O. de la película de Fernando Colomo, canta el tema Pena de amor.
Duets de Compay Segundo, con el que canta Juliancito. 2003.
Flamenco woman. Sevillanas de los bloques. 2004.
Ya eres abril del cantautor venezolano Henry Martínez, Martirio canta Sentida canción. 2004.
Habanera de Carmen de Georges Bizet con arreglos de su hijo Raúl Rodríguez5 para la versión escénica del coreógrafo Ramón Oller del mito literario, 2004.
Las palmeras, a dúo con Alberto Cortez en un disco del argentino, 2004.
A partir de mañana, a dúo con Alberto Cortez en un disco benéfico contra el alzheimer, 2004.
Damas y Reinas. Sevillanas de los bloques. recopilatorio Dro East West, 2006.
Techarí de Ojos de Brujo. Martirio aparece junto a Raúl Rodríguez en el tema Tanguillos marineros.
Contaminados. Editado en 2006, es el fruto de una serie de grabaciones realizadas en directo en la Sala Galileo Galilei, de Madrid en mayo de 2000 y febrero de 2002. Martirio interpreta los temas Naranjo en flor y Las simples cosas junto a Pedro Guerra, Tiempo y silencio junto a Guerra y Luís Pastor y La flor de Estambul junto a Javier Ruibal.
El Europeo. Canta Las palmeras, 2006.
Dúos de Luis Pastor, con el que canta Caracol de mi tristeza. 2006.
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Morirse en domingo. B.S.O. de la película del mexicano Daniel Gruener, con la canción de Las simples cosas, 2007.
Suburbios del alma de Marcelo Mercadante. Martirio canta el tango ¿Cómo sigo?, 2007.
La Zarzuela+Pop – No corté más que una rosa de la zarzuela “La del manojo de rosas” (Fundación Autor,2007)
Konplizeak (Elkar, 2007), disco de Jabier Muguruza en el que Martirio canta el tema Ertz maitea.
Aquí en la Isla, disco de Troveros de Asieta, con ellos canta Verte Partir. 2008.
Rendez-vous Chez Nino Rota, CD+DVD del italiano Mauro Gioia, en el que intervienen también Adriana Calcanhotto, María de Medeiros, Ute Lemper, Catherine Ringer, Susana Rinaldi y Sharleen Spiteri. Martirio canta Parlami di me de la B.S.O. de La dolce vita de Federico Fellini. 2008.
Señora (ellas cantan a Serrat). Martirio canta Tiempo de lluvia. 2009.
El disc de la Marató de TV3. Martirio canta L’Àguila Negra. 2010.

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February 2, 2014 11:06
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Jerry Gonzalez, del jazz al flamenco.

El neoyorkino Jerry González se presenta en la Sala GARCIA LORCA acompañado por el contrabajo de Javier Colina (Pamplona) y la percusión de Israel Suárez “Piraña” (Madrid). La biografía de Jerry se ha contado muchas veces. Resumiendo, nació en Nueva York, de padres puertorriqueños y ya de chavalillo se aficionó a la trompeta y las congas.
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En la casa familiar junto a su hermanoAndy tocaba con Dizzy Gillespie, llegando a formar parte de su mítica banda. Posteriormente se enrola en diferentes formaciones al lado de músicos como Rubén Blades, Jacob Pastorius, Tito Puente… A finales de los 70, Jerry fundó la mítica Fort Apache Band, banda imprescindible del panorama Jazz a escala mundial.
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A principios del nuevo milenio, Jerry decidió fijar en Madrid su base de operaciones. Desde entonces ha sido un habitual de los escenarios españoles, colaborando a menudo con algunos de los músicos nacionales de mayor renombre –Paco de Lucía, Enrique Morente, Luz Casal, Chano Domínguez, Diego “El Cigala” y un largo etc…
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Jerry González (Nueva York, EE. UU., 5 de junio de 1949) es un músico de jazz neoyorquino de raíces puertorriqueñas afincado en Madrid. Trompetista y percusionista, es uno de los pioneros del latin jazz.

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Jerry González nació en Manhattan (Nueva York) el 5 de junio de 1949 en una familia de origen puertorriqueño. A muy temprana edad se trasladó junto a su familia el barrio del Bronx. Su padre, Jerry González Sr, era maestro de ceremonias y vocalista de distintas agrupaciones durante le era del carismático Palladium. Jerry González estudió en el Music & Art High School, el Music Collage de Nueva York y la Universidad de Nueva York. Comenzó su carrera profesional junto a Lewellyn Mathews tocando en la Exposición Universal del Estado de Nueva York en 1963. Sus influencias más relevantes se encuentran en Miles Davis, Mongo Santamaría y en Dizzy Gillespie, de cuya banda formó parte en los primeros años de la década de los 70. Luego formó parte de la banda de Eddie Palmieri hasta 1974, que comenzó a tocar en el Conjunto Libre del gran timbalero Manny Oquendo y Andy González.

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Junto a su hermano el bajista Andy González fundó el Conjunto Anabacoa y más tarde el Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorkino, González ha profundizado en los orígenes afrocubanos de su música y en el jazz. El grupo grabó tres discos: Concepts of Unity (1974), Lo Dice Todo (1975) y “Homenaje a Arsenio Rodríguez” (2011), y en sus inicios estaba compuesto por: Jerry y Andy González, Frankie Rodríguez, Milton Cardona, Gene Golden, Carlos Mestre, Nelson González, Manny Oquendo, Oscar Hernandez, José Rodríguez, Gonzalo Fernández, Alfredo “Chocolate” Armenteros, Willy García, Heny Álvarez, Virgilio Martí, Marcelino Guerra, Rubén Blades, Orlando “Puntilla” Ríos y Julito Collazo.
Entre 1984 y 1999 Jerry González tocó con el conjunto de jazz latino de Tito Puente, de 1984 a 1990 con McCoy Tyner (sexteto y luego big band) y de 1984 a 1987 con el grupo de Jaco Pastorius.

>Fort Apache Band.
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A finales de los 70’s publicó su primer disco en solitario, titulado “Ya Yo Me Cure”, y poco después fundó su mítico grupo la Fort Apache Band, que inicialmente incluyó a quince músicos, entre ellos su hermano Andy González, Kenny Kirkland, Sonny Fortune, Nicky Marrero, Milton Cardona, Papo Vazquez y Jorge Dalto. Los primeros dos discos del grupo fueron grabados en directo en festivales de jazz europeos: “The River is Deep” en 1982 en Berlín y “Obatalá,” en 1988 en Zurich.

imageSus siguiente discos fue el exitoso “Rumba para Monk” (1988), que fue nombrado disco “Disco de Jazz del Año” por la Academie du Jazz francesa. A partir de este disco el grupo deja de tener 15 miembros y pasa a ser un sexteto formado por Larry Willis (piano), Andy González (bajo), Steve Berrios (batería) and Carter Jefferson (saxo) and Joe Ford (saxo).
A este disco siguieron “Earthdance” (Sunnyside, 1990) y “Moliendo Café” (1991). Tras el álbum “Moliendo Café” Carter Jefferson falleció y fue reemplazado por John Stubblefield. En 1994 publicaron “Cossroads” y en 1995 “Pensativo”. Ambos fueron nominados a los premios Grammy. El grupo fue galardonado como “The Beyond Group of the Year” por los críticos y los lectores de la prestigiosa revista Down Beat Magazine en 1995 y 1996.

Jerry González y su grupo continuaron en 1996 con el álbum “Fire Dance,” grabado en vivo en el Blues Alley. El álbum fue galardonado con el premio a “Mejor Grupo de Jazz” por los lectores de la revista Playboy en 1997 y en 1998 con el premio del la industria y la crítica en los Premios del Jazz de Nueva York. El siguiente disco del grupo, “Rumba Buhaiana”, publicado en 2005 fue un tributo a Art Blakey. Éste fue el primer disco como quinteto, sin John Stubblefield, que falleció en 2005. El grupo aún está en activo.
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El festival de jazz Heineken dedicó la edición de 2008 a los hermanos Jerry y Andy González, siendo los primeros músicos de origen puertorriqueño a los que el festival rindió tributo. En octubre de 2011 la Afro Latin Jazz Orchestra del ganador de un Grammy Arturo O’Farrill, realiza en el teatro Symphony Space de Nueva York un tributo a Jerry González y a su hermano Andy.

Jerry González en 2011. Jerry González en España

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La popularidad de Jerry González creció enormemente con su participación en la película de Fernando Trueba Calle 54, en el que participaron muchos de los principales músico del Latin Jazz (Tito Puente, Bebo Valdés, Gato Barbieri, Paquito D’Rivera, Michel Camilo, Eliane Elias, etc.).
Tras el estreno de la película, en 2000 Jerry comienza a recibir invitaciones para participar en proyectos musicales y festivales y en España, fijando desde entonces su residencia principal en Madrid.

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El primer fruto de sus tiempos en España fue el disco “Jerry González camp; los Piratas del Flamenco”, que incluía al guitarrista flamenco Niño Josele, al cantaor Diego “El Cigala” y al percusionista Israel Suárez “Piraña”.
Fue una nueva aproximación a la fusión de jazz y flamenco, sin bajo, sin batería ni piano. El álbum fue nominado como mejor disco de jazz latino a los premios Grammy y ganó el premio de la crítica en los premios de jazz de Nueva York como mejor disco de jazz latino. En España también ha tocado con otros músicos flamencos como Enrique Morente, El Negri, Javier Limón, Jorge Pardo y Paco de Lucía, músicos de copla como Martirio o de pop como el argentino Andrés Calamaro.
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Los últimos discos de Jerry Gonzalez han sido “A primera vista” (a dúo con Federico Lechner, 2002), “Music for Big Band” (2006) y “Avísale a mi contrario que aquí estoy yo” (Cigala Music 2010), editado en Estados Unidos bajo el título “Jerry González y El Comando de la clave” (Sunnyside, 2011), nombre de su cuarteto en España, formado por los cubanos Alain Pérez (bajo), Javier Massó “Caramelo” (piano) y Kiki Ferrer (batería). El disco es nombrado “Mejor disco de Latin Jazz de 2011″ por los reconocidos críticos de jazz Ted Panken (Downbeat Magazine) y Doug Ramsey y nominado a “Mejor disco de Latin Jazz” en los Grammy Latinos 2012.
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En 2010 se le da un premio a “Latino del Año” dentro del certamen 100 Latinos-Madrid. Sus próximos proyectos son un disco con el contrabajista español Javier Colina, un disco a duo con guitarrista flamenco Niño Josele y un homenaje a Los Muñequitos de Matanzas.
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Colaboraciones
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A lo largo de su carrera Jerry González ha colaborado con músicos como Jaco Pastorius, Eddie Palmieri, Tito Puente, McCoy Tyner, Chet Baker, Israel López “Cachao”, Woody Shaw, Dizzy Gillespie, Tony Williams, Larry Young, The Beach Boys, Freddie Hubbard, Orquesta Filarmónica de Brooklyn, Archie Shepp, Paco de Lucía, George Benson, Ray Barretto, Papo Vázquez, Bobby Paunetto, Chico O’Farill, Alfredo “Chocolate” Armenteros, Hilton Ruíz, Chico Freeman, Famoudou Don Moyé, José “Chombo” Silva, Rashied Ali, Paquito D’Rivera, Diego El Cigala, Andrés Calamaro, Enrique Morente y Steve Turre.

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February 1, 2014 10:50
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Historia de alguno de los mejores” tablaos flamencos” (6) Casa Patas.

En el centro de la ciudad, en uno de los lugares más populares de Madrid como es Casa Patas, les presentamos un espacio ubicado dentro de la Fundación Conservatorio Flamenco “Casa Patas”:EL CAFÉ CANTANTE,UN PUNTO DE ENCUENTRO ORIGINAL, CON ENCANTO… Y MUY FLAMENCO
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Con la belleza de las antiguas edificaciones de Madrid, donde la luz juega entre los patios interiores y la decoración tiene aroma a “jondura”, el Café Cantante destaca como un espacio multifuncional.
Dividido en cuatro ambientes: el Café de Silverio, la Sala Camarón, El Patio de estilo andaluz y La Galería en torno al mismo, ponemos a su disposición este conjunto singular para la organización de todo tipo de reuniones
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Casa Patas es uno de los pocos tablaos flamencos que quedan en Madrid. Este tipo de espectaculos siempre han sido de gran fama en nuestra ciudad; y un gran reclamo turistico para los ‘guirys'; pero de unos años hacia aca muchos se han visto obligados a cerrar. Pero Casa Patas es uno de los más afamados mundialmente y de reconocido prestigio internacional. En el actuan artistas noveles y otras figuras consgradas entre las que han destacado algunos de los más grandes de la historia del flamenco como Camarón de La Isla, Remdios Amaya, Niña Pastori, Rancapino y Pepe Habichuela, Paco de Lucia, Jose Menese y otros muchos A la apra de escuchar buena musica se puede disfrutar de una magnifica cena o un momento de diversion; para eso dispone de distintas areas. En el salon del restaurante se puede disfrutar de comidas tipicamente relacionadas con el falmenco y todo su entorno como el rabo de toro, el jamon y los quesos tipicos del pais, sin olvidarnos de toda una extensa carat con platos de todo tipo; incluyendo una gran variedad de magnificos postres caseros. En la barra se puede esperar para entrar a cenar o simplemente se puede pasar un moemnto agradable degustando las afamadas tapas del lugar acompañadas del tipico ‘chato de vino’ o cerveza. Casa Patas está situada en la calle Cañizares no 10, a mitad de camino entre el metro de Antón Martin y Tirso de Molina. Por aqui han pasado gente como Prince, Joaquin Cortes y Antonio Canales, The Cure, Jose Merce, El Juli, Manzanita, Lolita, Johnny Depp y otros muchos vistantes conocidos.
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El barrio de Lavapiés es, sin lugar a dudas, el núcleo del mundo flamen- co en Madrid. En esta zona, donde han vivido, y viven, importantes familias del mundo del flamenco desde hace más de 150 años, se fundó la Taberna-Restaurante Casa Patas. Corría el año 1985 y desde entonces, este local ha permanecido ligado indisolublemente al flamenco hasta llegar a ser reconocida, hoy por hoy, como un punto neurálgico más de este arte en todo el mundo.
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A efectos de un mejor entendimiento, las actividades a las que se de- dica Casa Patas pueden dividirse en, por un lado, las propias de una empresa de restauración que ofrece comidas y cenas; y, por otro, las de una sala de espectáculos con el flamenco como eje central.
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Madrid no sólo es el centro económico, político y cultural de España, sino también lugar de encuentro para gente venida de todos los puntos cardinales y que ha permanecido en esta ciudad manteniendo sus tradiciones y enriqueciéndolas con otras. En este sentido, Madrid puede ser definida como “la capital mundial del flamenco”, pese a ser éste un arte tradicionalmente ligado a la cultura andaluza.
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El Restaurante Casa Patas.Ubicado en la calle Cañizares número 10, el restaurante se encuentra en la planta inferior de un edificio de mediados del siglo XlX y que alberga, en su conjunto, a la Fundación Conservatorio Flamenco Casa Patas y a la Taberna Casa Patas.
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La Taberna Casa Patas dispone de un amplio comedor con columnas de hierro fundido, capiteles de estilo corintio y paredes repletas de cua- dros y fotografías de los artistas que han pasado por su tablao; artistas de la talla de Antonio Canales, Enrique y Estrella Morente, José Mercé, Carmen Linares, Paco de Lucía, Remedios Amaya, Niña Pastori, Sara Baras o hasta el propio Camarón de la Isla. Todo para crear un ambiente que transporta a los clientes a lo más profundo del flamenco, a la vez que se degustan platos y productos tradicionales de la gastronomía española.

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La sala de espectáculos, situada al fondo del comedor, surgió con posterioridad al restaurante. El nombre que hoy tiene Casa Patas entre los fla- mencos se lo ha ganado a pulso a base de una programación variada y de calidad, de tal forma que las actuaciones varian semanalmente, llegando a tener incluso dos espectáculos distintos los fines de semana. La exigente clientela local, erudita y profesional de este arte, confiaron pronto en la conjugación de estos factores contribuyendo con su fidelidad a crear una imagen de prestigio a nivel internacional.
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Desde hace años, el nombre de Casa Patas aparece en las mejores guías tu- rísticas reconocido como “el lugar más auténtico de flamenco en Madrid”, y es que, nuestra oferta cultural también ha atraído y atrae a turistas deseosos de mezclarse con los protagonistas de la actualidad flamenca para conocer la esencia de este arte más allá de los tópicos.
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Las críticas por parte de la prensa especializada han alabado multitud de veces la programación de espectáculos y, en no pocas ocasiones, Casa Patas ha aparecido en reportajes de revistas y publicaciones extranjeras. Además de la programación de espectáculos de baile, cante y toque, en esta sala se celebran adicionalmente entregas de premios flamencos y taurinos, presentaciones de discos y libros, exposiciones de fotografía y otros muchos actos. Sus paredes son el decorado perfecto para ambientar entrevistas, de ahí que los pasillos se conviertan en trasiego, casi constante, de periodistas, artistas y otros protagonistas de la cultura.
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Los servicios:
– Cócteles, Vinos de bienvenida y almuerzos o cenas con una amplia oferta de menús para tapear o menús concertados.
– Música flamenca en vivo para amenizar o actuaciones de grupos de artistas con baile, cante y guitarra.
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Las salas:

El Café Cantante es un conjunto de espacios compuesto por:
– La Galería en torno al patio para cócteles y copas de bienvenida.
– La Sala Camarón, reservado con capacidad para doce personas.
– El Café de Silverio, para almuerzos o cenas, que cuenta con un escenario preparado para acoger actuaciones de flamenco en vivo
– El Patio, que llena de luz al resto de los espacios, es un ámbito ideal para su disfrute en épocas de buen tiempo.
Estos espacios pueden utilizarse independientemente o combinarse según sus necesidades.

La Fundación Conservatorio Flamenco Casa Patas, con el respaldo de Casa Patas, que cuenta con una experiencia de más de 20 años programando el mejor flamenco

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Israel Galvan, un coreógrafo innovador.

Israel Galván de los Reyes (Sevilla, 1973) bailaor y coreógrafo flamenco español conocido artísticamente como Israel Galván.
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Hijo de los bailaores sevillanos José Galván y Eugenia de Los Reyes, Israel Galván empezó a bailar desde muy pequeño de la mano de su padre hasta que en 1994, a los 21 años, entró a formar parte de la recién creada Compañía Andaluza de Danza dirigida por Mario Maya.
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Era el comienzo de una trayectoria imparable que, en poco tiempo, se materializó en los tres premios más importantes del baile flamenco: el Premio Vicente Escudero en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba (1995), el Premio ‘El Desplante’ del Festival Internacional del Cante de las Minas de La Unión (1996), y Premio del I Concurso de Jóvenes Intérpretes en la IX Bienal de Flamenco de Sevilla (1996). Diez años más tarde, en 2005, obtuvo el Premio Nacional de Danza en la categoría de creación, otorgado por el Ministerio de Cultura.
En 1996, Israel Galván acompañó al baile a Vicente Amigo en los conciertos de su disco Vivencias imaginadas, y después trabajó en espectáculos de otros bailaores como Mario Maya, Manuela Carrasco y Manuel Soler, con quien mantuvo una intensa relación personal y artística.

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En septiembre de 1998 presentó en la X Bienal de Flamenco de Sevilla ¡Mira! / Los zapatos rojos, el primer espectáculo de su compañía. Desde entonces, siempre ha presentado un nuevo trabajo en la Bienal. En 1999 fue invitado por el Ballet Nacional de España para coreografiar una farruca, para la obra Oripandó.

La dirección artística de todas sus obras es de Pedro G. Romero. La dirección escénica de sus primeras obras es de Pepa Gamboa, aunque la de las más recientes de Belén Candil.
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En 2000, estrenó La metamorfosis, una compleja coreografía elaborada a partir de la obra de Franz Kafka, con música de Enrique Morente, Lagartija Nick y Estrella Morente, basada en György Ligeti. Dos años después, presentó Galvánicas, con temas compuestos expresamente a raíz de su experiencia como bailaor de Gerardo Núñez Trío, con quienes recorrió 2001 los más prestigiosos festivales de jazz y flamenco del mundo.
En octubre de 2005, participó (junto a Chano Domínguez, Belén Maya, Alfredo Lagos y Carles Trepat) en el espectáculo: Albéniz: a propósito de Iberia, dirigido por José Luis Ortiz Nuevo y presentado en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.
Hizo, además, La edad de oro, en 2005, Tábula rasa, en 2006. En 2007, representó El final de este estado de cosas, que luego redujo, y en 2011, hizo un espectáculo con más actores: La curva.
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Pero ha vuelto a menudo sobre sus piezas anteriores, retocándolas. Así La edad de oro (que desde su estreno a inicios de 2005 hasta finales de 2008 había rebasado los cien pases), sólo entre 2011-2012, la ha representado —además de en ciudades españolas y francesas—, en Londres (Flamenco Festival), Sydney, Leipzig, Santiago de Chile o Nueva York.

Espectáculos desde 2004
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Israel Galván, Arena, coreografía y baile flamenco, festival Torinodanza.
Arena: Seis coreografías de Israel Galván para el mundo de los toros. Estreno el 13/10/2004 en la XIII Bienal de Flamenco de Sevilla.
La edad de oro: Israel Galván rememora la epoca dorada del cante, baile y guitarra del siglo XIX, con Fernando Terremoto al cante y Alfredo Lagos a la guitarra.
Tábula rasa: Una puesta en escena de Israel Galván con el cante de Inés Bacán y el piano de Diego Amador. Considerada su propuesta más radical y desnuda. Se estrenó en la sala Joaquín Turina de Sevilla el 23/02/2006.
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El final de este estado de cosas: Creación basada en el texto bíblico del Apocalipsis, con la colaboración entre otros de un coro de música contemporánea Proyectoele, Diego Carrasco, Fernando Terremoto y Juan José Amador al cante, la guitarra de Alfredo Lagos, el baile de Bobote y la música de Proyecto Lorca y Orthodox. Estrenado en el teatro Las Lagunas de Mijas el 29 de septiembre de 2007, dentro del festival Málaga en Flamenco.
El final de este estado de cosas, redux: resultado de la depuración del concepto iniciado con El Final de este estado de cosas. Se estrenó el 24 de septiembre de 2008 en el Teatro de la Maestranza, en la XV Bienal de Flamenco de Sevilla.
La curva, estrenada en 2011.
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Estilo y valoración
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Se hizo famoso en el mundo del flamenco por sus complicados pasos de baile con complicados movimientos de pies, así como por proponer un lenguaje expresivo propio, desconocido hasta el momento en el baile flamenco, basado en fragmentaciones, mezclas, sumas de gestos.
En los años 2002 y 2003 consolidó su reconocimiento en EE UU, Japón e Hispanoamerica. Además, fue requerido por Enrique Morente en su conciertos, grabaciones de discos como El pequeño reloj o en la película documental: Morente sueña la Alhambra. De Israel Galván dijo Morente: “es el más viejo de los bailaores jóvenes”.
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Cabe destacar su intervenciones dancísticas en obras de música clásica española, donde pudo contemplarse una absoluta cohesión entre el lenguaje expresivo del baile flamenco ortodoxo, la danza clásica española y sus figuras o actitudes personales. Ejemplos de ellos son su participación, a finales de junio de 2004, en el Fórum Universal de las Culturas 2004 en Barcelona, con gran éxito en el espectáculo Cante y Orquesta, junto a Miguel Poveda, Juan Gómez “Chicuelo” y la OBC (Orquestra Sinfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya), con la dirección de Joan Albert Amargós.
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En 2006, el filósofo e historiador de arte Georges Didi-Huberman (tras haberle seguido desde el estreno en Sevilla de Arena, en octubre de 2004) publicó el libro: Le danseur des solitudes (El bailaor de soledades, Pre-Textos), una disertación ensayística en torno a la figura de Israel Galván y su obra inspirada en la tauromaquia Arena, con referencias a Bergamín o Chaves Nogales, así como, incluso, a la idea de ‘pathos’ en Aby Warburg.

Ha recibido numerosos premios de danza. La edad de oro ha recibido el Premio Flamenco Hoy 2005 al mejor espectáculo de baile, y Tábula rasa el Premio Flamenco Hoy.
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En 2006, fue coreógrafo de La francesa, con Pastora Galván como bailarina protagonista única (recibió los premios Giraldillo a “la mejor música” y “al espectáculo más innovador”).
Ha participado en el Festival de Avignon, 2009, y en toda Francia antes de ser reconocido por toda España.
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January 30, 2014 19:16
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El flamenco destaca en los Premios Nacionales de Danza Británicos.La nominación ya es un premio.

Israel Galván, Rocío Molina y Eva Yerbabuena están nominados a los premios Nacionales de Danza Británicos que fallaron este lunes.
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Por primera vez en las 18 ediciones de estos galardones de gran importancia en el Reino Unido, el flamenco accede a la final de los premios concedidos por el Círculo de Críticos de Gran Bretaña.

“Para Israel fue una gran sorpresa. Lo más sorprendente es la categoría, de intérprete clásico, con toda la guerra sobre si es rompedor y vanguardista. ?Ya no sé quien soy ni a donde voy?, bromeó cuando recibió la noticia”. “Los tres”, añade Blanco, “están en una búsqueda constante sin miedo a lo establecido ni a los márgenes del flamenco”.

El “Muy ilusionada. La nominación ya es un premio”, resalta Eva Yerbabuena, finalista junto a bailarinas del Ballet de San Francisco y del Bolshoi de Rusia al principal galardón femenino de los Premios Nacionales de Danza del Reino Unido, que se fallan el lunes 27 en Londres. “Estoy emocionada por mí y sobre todo por el flamenco porque es la primera que esto ocurre”, añade la bailaora y coreógrafa.
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flamenco gitano en ‘Bajari: Gypsy Barcelona’.
La bailaora y coreógrafa Eva Yerbabuena, nominada a la mejor intérprete, que compite con bailarinas del Ballet de San Francisco y del Bolshoi de Rusia, asegura sentirse emocionada por lo que esto significa para el flamenco, recoge El Mundo.
Por su parte, el sevillano Israel Galván asegura sentirse confundido, ya que ha sido nominado en la categoría de interpretación clásica. La malagueña Rocío Molina ha sido nominada en baile moderno.
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La candidata a mejor intérprete se “mueve” más allá del tablao. En Londres ha bailado en el estrado de la Royal Opera House en el montaje Just Tell the truth(Cuenta simplemente la verdad) dirigido por Mike Figgis. Con el mismo cineasta ha rodado el documental Flamenco Women y el filme Hotel.
El flamenco tiene mucho rodaje en Londres y el público, según explica Chema Blanco -productor de Galván-, “es muy exigente y sabe mucho de danza”.

Con la satisfacción de haber aupado al flamenco al estrado de los Premios Nacionales de Danza de Reino Unido, y sin perder la esperanza de abrir nuevos públicos, los tres bailaores seleccionados en la 18 edición del certamen siguen celebrando sus históricas candidaturas aunque esta tarde no las han materializado en premios. “La competencia es muy grande y el nivel muy alto”, señalaba Rocío Molina desde Sevilla. “La nominación ya es un premio”, comentaba Eva Yerbabuena. “No contaba con esta candidatura”, se sorprendía Israel Galván.
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El flamenco se quedó finalmente en la antesala de los premios de la sección de danza del Círculo de Críticos británico y en la ceremonia hubo también otro español invisible.
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El ballet Mikhailovsky fue galardonado como mejor compañía de 2013 pero su entonces director artístico, Nacho Duato, no recibió mención alguna en Londres. “Todos trabajamos mucho. No tengo más que añadir”, resaltó Mikhail Messerer, responsable del ballet, minutos después de recoger el premio en el teatro de The Place. El ‘maestro ejecutivo’ del ballet felicitó a bailarines, gestores, técnicos y demás personal de “nuestra modesta compañía” pero no tuvo palabras para el director artístico que la lideró desde enero de 2011.

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Esperanza Fernández, una de las voces flamencas mas bonitas.

Esperanza Fernández (Sevilla, 1966). Cantaora
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Esperanza Fernández posee una de las voces más bonitas y flamencas del actual panorama del cante. Es una cantaora de amplio registro, sobrada de compás y muy profunda por soleá o seguiriya. Pero, además, se ha convertido en una de las intérpretes más identificadas con “El Amor Brujo”, obra que ha llegado a grabar con tres orquestas diferentes.
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En el año 2001 graba “La Vida Breve” de Manuel de Falla con la Orquesta y Coros del Teatro Lírico de Cagliari, dirigidos por Rafael Frühbeck de Burgos en el Teatro Lírico de Cagliari. La ductilidad y delicadeza de su garganta le han permitido interpretar también distintas piezas de música contemporánea del compositor Mauricio Sotelo así como “El Café de Chinitas” con el Ballet Nacional de España. Esperanza intervino en la última grabación de Camarón: “Potro de rabia y miel”, y su voz ha enriquecido varios volúmenes colectivos como “Los gitanos cantan a Lorca”, “Oratorio por Ceferino” y “Así canta nuestra tierra en Navidad”. Su primer disco en solitario apareció en 2001 (BMG).
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En cantaoctubre del 2007 editó su álbum “RECUERDOS”, cuya producción y dirección musical fue realizada por el guitarrista José Antonio Rodríguez. Con este disco consiguió en el año 2008 cuatro premios, uno de El Público y tres en la IX edición de “Flamenco Hoy” que concede la crítica especializada, además de haber estado nominado a los Grammy Latinos como mejor disco flamenco. En 2009 la XV Bienal de Flamenco de Sevilla le concede el Giraldillo del Cante como mejor exponente de interpretación de las formas flamencas tanto en su acepción tradicional como en sus nuevos lenguajes.
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Este es un año de consolidación internacional de Esperanza Fernández. Con el Ballet Nacional de España (BNE) continúa cosechando grandes éxitos con “En el Café de Chinitas”, obra en la cual se torna indispensable su presencia.
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Realiza presentaciones con sus espectáculos “Recuerdos”, “Zahorí” y “La voz y la palabra” en Siria, Jordania, Líbano, Marruecos, Italia, Francia, Austria… Colabora con el músico de jazz francés Renaud García-Fons, grabando algunos temas en su CD “La Línea del Sur” y participando en algunos conciertos, también con David Peña Dorantes en el espectáculo “Convivencias” en el Festival ETNOSUR. Participa como invitada especial en el proyecto “MELOS” que reúne a artistas de varios países como Samira Kadiri (Marruecos), Giorgos Xylouris (Grecia) y dirigido por Keyvan Chemirani, que se presentó en el Festival de Música Sacra de Fez (Marruecos) y en la ciudad de Le Mans (Francia), en Atenas y en Förde (Noruega).
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En 2010 realizó presentaciones con el BNE (“El Café de Chinitas”) en numerosas ciudades en España y el extranjero. En marzo y abril participó en la ópera “La Vida Breve” de Manuel de Falla en Palau das Arts de Valencia con la Orquesta Sinfónica de Valencia, bajo la dirección de Lorin Maazel dentro de la temporada oficial del Palau. Interpretó “El Amor Brujo” con la Orquesta Filarmónica de Zagreb, con la Orquesta Sinfónica de Bilbao, con la de Extremadura y con la Estatal Rusa. Participó en el Festival “Ellas Crean” en el Teatro de la Zarzuela de Madrid y en el Teatro Urania de Budapest, compartiendo escenario con la cantante húngara Palya Bea. También presentó su espectáculo “RAÍCES DEL ALMA” en la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla. Actuó en el Teatro Alhambra de París en el Festival Au Fil Dex Voix, en Tolouse y en Le Mans con el proyecto Melos, así como en el Festival Andalucías Atlánticas de Essaouria y en Casablanca (Marruecos), entre otras ciudades. Además, participó como artista invitada de Miguel Poveda en la gala inaugural “Historias de viva voz” de la Bienal de Sevilla 2010 en la Plaza de Toros de la Maestranza.
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Durante el año 2011 realizó gira en Holanda, Bélgica y actuaciones con la Orquesta Staatskapelle de Dresden interpretando “El Amor Brujo” dirigida por Josep Pons y con la PostClassical Ensamble en Washington dirigida por Ángel Gil-Ordóñez, así como actuaciones en España: Auditorio Nacional, Liceo de Barcelona, Teatro Alhambra de Granada, Auditorio Cajasol de Sevilla, Centros Culturales Caixa Forum de Barcelona y Palma de Mallorca, así como en Festivales de Almería, Ronda y Alhaurín de la Torre, por citar algunos.
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El año 2012 comienza cantando “El Amor Brujo” en el Liceo de Barcelona y en el Teatro Real de Madrid. En febrero lo interpreta con la Orquesta Nacional de México en el Palacio de Bellas Artes de México D.F. y en marzo canta “La vida breve” y “El Amor Brujo” en el Palau de les Arts de Valencia. En junio actúa en la Sala Pleyel de París con el gran cantante marroquí de música andalusí Mohammed Bajedoub. Entre septiembre y octubre interpreta el papel de Candela en la producción “¡Ay amor!” de Herbert Wernicke en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En diciembre canta “El Amor Brujo” en el Auditorium Parco Della Musica de Roma con la Orquesta de la Academia Nacional de Santa Cecilia dirigida por el Maestro Pappano. A lo largo del año, realizado conciertos flamencos en diversas ciudades españolas y extranjeras. Junto a Javier Barón estrena en la Bienal de Flamenco de Sevilla el espectáculo “Arrabales”. Ambos estrenan otra nueva obra, “En clave de 6” en el Festival de Jerez 2013.
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Esperanza Fernández tiene en su haber los siguientes premios:
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Premio Andalucía Joven Flamenco
Premio Clara Campoamor
Premio programa “El Público” por su disco “Recuerdos”
Tres Premios en los IX Flamenco Hoy de la crítica de flamenco por su disco “Recuerdos”: Mejor disco de cante, Mejor productor y Mejor guitarra de acompañamiento
Premio Giraldillo del Cante concedido por la XV Bienal de Flamenco de Sevilla 2008
Premio Al Andalus 2009
Premio Gitano Andaluz 2009
Medalla de Sevilla 2011
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Published on:
January 29, 2014 10:06
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Mariana de Cádiz.

Mariana Cornejo Sánchez, también conocida como Mariana de Cádiz (Cádiz, 29 de enero de 1947 – ibíd., 6 de noviembre de 2013) fue una cantante flamenca española, sobrina de Canalejas de Puerto Real.
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Mariana Cornejo se inició como cantaora de la mano de su tío Canalejas de Puerto Real. En 1988 grabó su primer disco, ‘Cosas de Cai’, en el que rendía un homenaje a su tierra y a sus barrios. Después vendrían ‘Fiesta en Cai’ o ‘Dos mundos cantan’, entre otros trabajos discográficos.
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Con la tradición familiar en el cante, pronto se dio a conocer entre el mundo flamenco y a participar en los concursos radiofónicos de la época, en Radio Cádiz o Radio Sevilla.

Tomó lecciones de La Perla de Cádiz y Aurelio Sellés, convencido de su arte, quiso llevarla de joven para que triunfase en Madrid. Desde 1980, presentada por el flamencólogo Antonio Murciano, participó en toda clase de espectáculos, peñas y festivales. Como seguidora de la Perla de Cádiz y la Niña de los Peines, su cante estuvo avalado por el sentimiento, la sencillez, la dulzura y la solvencia, hasta en los repertorios más complejos. Ganó el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba (1986) y participó en el homenaje al guitarrista Manolo Carmona (1987).
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Su primer disco, Cosas de Cai (Pasarela 1988) fue un homenaje a su tierra y a sus barrios. Luego grabó Fiesta en Cai, Dos mundos cantan y Villancicos del Barrio de Santa María. También participó en varios programas de televisión en distintos canales en España. Fue protagonista principal de El Patio, en Canal Sur TV, La Puerta del Cante, en Arte y Artistas Flamencos de Romualdo Molina en Televisión Española y en Puro y Jondo de La 2 de TVE.
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Sobrina de Canaleja de Puerto Real. Se convirtió en un personaje muy popular en Andalucía al protagonizar, con gracia y por tanguillos, un anuncio de lejía en televisión. Desde 1980, avalada por el flamencólogo y poeta Antonio Murciano, ha participado en toda clase de espectáculos, peñas y festivales. Como seguidora de la Perla de Cádiz y la Niña de los Peines, su cante tiene dulzura y salero; como gaditana, defiende con solvencia el difícil repertorio local, habiendo sido premiada en el Concurso Nacional de Arte Flamenco de Córdoba, en tal especialidad (discografía: Dos Mundos cantan, 1992, Fiesta en Cádiz, 1997, Mariana de Cádiz, 1997).
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Los cantes festeros de Cádiz eran su especialidad. Sobre todo las Alegrías. Como no podía ser de otra forma Gonzalo la incluyó en su nueva película Alegrías de Cádiz. Aquí tienen un breve fragmento.
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La cantaora de flamenco gaditana Mariana Cornejo Sánchez, conocida artísticamente como ‘Mariana Cornejo’ y también como ‘Mariana de Cádiz’, falleció a los 66 años de edad el pasado 6 de Noviembre

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La cantaora Mariana Cornejo, Mariana de Cádiz, falleció el pasado miércoles con 66 años de un súbito fallo multiorgánico en la ciudad en la que nació y cuyo cante llevó por bandera. Los aficionados, sus compañeros, la ciudad entera, pudieron despedirse de ella entre el dolor y la sorpresa que su muerte ha causado. Su cuerpo estuvo expuesto durante el día de ayer en el Centro Flamenco de la Merced, en el corazón del popular Barrio de Santa María, muy cerca de la estatua de su amigo Chano Lobato de quien, al fallecer, recibiría el testigo simbólico de portadora de los estilos gaditanos. Ella era Cádiz por naturaleza y por vocación. Siempre sencilla y cercana, no se reconocía graciosa, pero su ser irradiaba una simpatía natural nada pretendida. Para su cante eligió los estilos de la tierra porque, confesaba, era lo que mejor sabía hacer. Fue así dominadora de las chuflillas con su vertiginoso compás, sabia en cantiñas y señora del tanguillo, pero Mariana portaba también esa vertiente grave del flamenco gaditano, el de la soleá de Enrique El Mellizo, por ejemplo, que interpretaba con una soberbia contención.

imageSu carrera fue curiosa cuanto menos. Sobrina de Canalejas de Puerto Real, con quien se iniciaría, fue artista precoz de niña y se asomó a los escenarios y a las radios, con sus concursos tan en boga. Le gustaba recordar que la llegaron a anunciar como La Paquera Chica, quizás por su fuerza o quizás por su devoción por la cantaora jerezana.

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Su otra pasión artística sería Antonia Gilabert, La Perla de Cádiz, por cuyo marido, Curro La Gamba, volvería a retomar una carrera abandonada prematuramente por exigencias paternas. Curro la animó porque decía que su voz era la que más le recordaba a su difunta Antonia. También la animó el poeta arcense Antonio Murciano, con el que se volvería a reunir después. Por fin, a mediados de los ochenta del pasado siglo, ya casada y con una hija, Mariana volvería al arte haciendo compatibles sus obligaciones de madre y de artista con la misma pasión. Imposible no pensar que una faceta se empapó de la otra y viceversa: derrochó arte en el día a día con su extraordinario ímpetu y generosidad, y mimó el cante con un cuidado casi maternal. Quizás por eso el éxito y el reconocimiento no tardaron en llegarle pese a una carrera discográfica irregular.
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Entre sus discos cabe destacar su trabajo de debut en 1988 con Cosas de Cai, su grabación Cádiz por Cantiñas (2007), dirigida por Antonio Murciano y de la que Mariana se sentía muy orgullosa, o su disco de villancicos De Cai a Belén (2009). Y, por supuesto, Tela marinera, de 2005, la obra con la que decía sentirse más identificada.

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En 2007, durante el XXV Congreso Internacional de Arte Flamenco, la cantaora recibió el Premio Miguel Acal de la Asociación Nacional de Críticos, Escritores e Investigadores del Arte Flamenco como reconocimiento por su trayectoria artística y por su calidad como persona, además de por la citada grabación Tela Marinera. En ella incluía el clásico tanguillo La guapa de Cádiz, de Quintero, León y Quiroga, que habría de proporcionarle una curiosa proyección.

El bailaor Antonio El Pipa la incorporó a su compañía con el espectáculo De Tablao y Mariana paseó su genio gaditano por los escenarios de medio mundo, recreando el monólogo de La Guapa. La historia ha querido que sea otro tanguillo, pero muy distinto, el que constituya su última grabación aparecida. Se incluía dentro de la grabación El bar nuestro de cada día del grupo La Canalla, con quien aceptó grabar pese a las distancias estilísticas. Hace apenas unos meses acudía en persona a la presentación del disco y dejaba su fuerza cantaora arropada por un grupo de metales y sección de ritmo. Cantó a dúo con el líder del grupo, Chipi Romera, que al despedirla exclamó: “¡Ay, quién tuviera veinte años más!”.
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(foto del retrato flamenco, autor Oibur Selbor para los retratos flamencos en SecretOlivo. http://www.secretolivo.com/index.php/category/flores/ilustracion/retratos-flamencos/ )

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Antonio Gades

>Antonio Esteve Ródenas, más conocido como Antonio Gades, (Elda, Alicante; 14 de noviembre de 1936 – Madrid; 20 de julio de 2004), fue un bailarín y coreógrafo español.
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Antonio Gades nace en el seno de una familia humilde en Elda, pocos meses después de comenzar la Guerra Civil Española. A principios de 1937, su padre, albañil de profesión, se alista voluntario en el Ejército republicano, trasladándose al frente de Madrid. Un poco más tarde lo seguirá toda la familia.

En 1947 Antonio Gades debe comenzar a trabajar y lo hará en un conocido estudio fotográfico, el de Campúa “donde las fotografías de artistas de la época llenaban toda la pared del cuarto oscuro” y en el diario ABC como mozo.
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En 1949 se inscribe en una academia de baile, donde la casualidad le permitiría conocer meses más tarde a Pilar López Júlvez. Fue ésta quien le sugiere el nombre artístico de Antonio Gades, como recuerdo a las bailarinas gaditanas.
Pilar será su descubridora y admirará en él las dotes naturales y su exquisita pureza.
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En 1951 entra a formar parte de la compañía. Pilar y el primer bailarín, Manolo Vargas, serán los encargados de darle a conocer el mundo del folklore español en un repertorio amplísimo. Al mismo tiempo que viaja por todo el mundo, descubrirá su gran inspiración para la creación de sus propias coreografías: Federico García Lorca.

Durante los 12 primeros años viaja, baila y se forma también en danza clásica, “aquél tiempo de aprender no lo he perdido jamás”. Gades es ya conocido y valorado internacionalmente. En el Teatro de la Ópera de Roma se le denominará “el bailaor de la esencia andaluza”, prueba de que se ha decantado firmemente por este folklore.
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En 1962 funda su primera compañía.

El mejor bailaor. “No vives para la danza, sino que la vida te hace danzar. Se olvida que el baile no es un ejercicio, el baile es un estado anímico que sale a través de un movimiento. Por eso mi compañía está humanizada. Hay gordos y flacos, calvos, altas, con tetas gordas, sin tetas; es un pueblo que baila, no son bailarines que imitan a un pueblo. El baile no son los pasos, la danza es lo que hay entre paso y paso. Es como el toreo. Por eso bailar despacio descubre a los malos bailarines, como a los toreros los buenos toros”.
(Antonio Gades: 1996)
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En Italia actuara, además de en Roma, en el Festival de Spoleto como primer bailarín y coreógrafo con Carmen y en el Teatro de La Scala de Milán. Alfredo Mañas había escrito expresamente para él “La historia de los tarantos”. Gades explicará su viaje al exterior como una manera de buscar las raíces flamencas, pues para él en España los oropeles y el exceso de virtuosismo habían “prostituido” la cultura flamenca popular.

Tras varios meses en Italia regresa a España representando La historia de los tarantos y rodando una película (ya había intervenido en un pequeño papel en Italia con Vittorio Gassman), Los Tarantos del director Francisco Rovira Beleta.
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Representa a España en 1964 en la Exposición de Nueva York, quien lo acoge como a un ídolo del flamenco.
Este es también el año que se casa por la iglesia con Maruja Díaz, de la que se separa 20 meses después.

En 1965 estrena Don Juan en el Teatro de la Zarzuela. La obra supone un buen triunfo de público. Antonio Gades había puesto buena parte de sus recursos en la producción y se encontrará pocos meses después casi sin dinero. Hasta 1968, cuando se casa con la bailarina Pilar San Clemente, no lo veremos regresar a la Scala de Milán junto a Rudolf Nuréyev donde, sin cosechar un gran éxito, Gades se reafirma en su capacidad para transmitir la pureza del baile español.image

En 1969 realiza la coreografía de El amor brujo con la Ópera de Chicago. Representa la obra en Francia, Italia, España, Japón, Estados Unidos, Marruecos, Argentina, y entre otros países con su propia compañía, el Ballet de Antonio Gades.
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En 1971 se separa de su esposa, de quien tenía dos hijos y en 1973 se une a Pepa Flores con quien tendrá tres hijas: la actriz María Esteve, Tamara y la cantante Celia Flores. Con Pepa se casaría en Cuba en 1982.
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Hasta 1974 recorrerá todo el mundo. Ese año estrena en Roma su nueva obra: Bodas de sangre o, en su título original, Crónica del suceso de bodas de sangre. El éxito le acompaña, ya incluso en España, pero Gades anuncia su retirada y disuelve la compañía como reacción ante los fusilamientos de septiembre de 1975 por parte del régimen franquista.

En 1976 rueda Días del pasado

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A excepción de un viaje por Cuba y Estados Unidos con Alicia Alonso, no vuelve a bailar.

En 1978 es nombrado Director del Ballet Nacional Español. A pesar de su rotundo éxito, sólo permanece dos años en el puesto.
Con los bailarines del Ballet Nacional que renuncian a su puesto, forma nueva compañía hasta 1981. Antes rueda Bodas de sangre con Carlos Saura, con quien haría además El amor brujo, Carmen y Flamenco. Es tiempo de la apertura y la figura controvertida de Gades se abre un hueco en el panorama político y cultural español.
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Durante la Transición Española se declaraba como un “catalán de Elda” de ideología marxista y pancatalanista independentista.

Participó en la política encabezando la candidatura del Bloc d’Esquerra d’Alliberament Nacional (BEAN) en las municipales de Alicante en 1979, y se mantendría vinculado a esta formación durante la década de los 80. Más tarde acabó militando en el Partido Comunista de los Pueblos de España (PCPE), siendo miembro de su Comité Central hasta su muerte y se mantuvo vinculado al Partido Comunista de Cuba toda su vida.
En 1986 se separa de Pepa Flores. En 1988 se casa con Daniela Frey, matrimonio que dura hasta 1993.

Inició el rodaje de ‘Carmen’, a las órdenes de Saura, en febrero de 1983. En marzo de 1983 se estrena en Madrid el ballet de igual nombre. Con está producción consiguió el Pegaso de Oro en el Festival de los dos Mundos de Spoleto (julio de 1984), la Medalla del Verano Teatral Veronense (agosto de 1984) y la Máscara de Plata para la Danza en Campione D’Italia (octubre de 1984).
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Carmen. Gades estrenó ‘Carmen’ en el Gran Teatro de París en marzo de 1983 y continuó representándola exactamente igual durante más de una década. Sin cambiar el vestuario ni corregir la coreografía, la obra dio la vuelta al mundo de la mano del bailarín.
(En el Festival de Teatro de Berlín/AP)

«Carmen tiene conciencia de clase, es honesta y no cree en la propiedad privada de los sentimientos. Prefiere la muerte antes que perder su libertad». Así definió el bailaor a Carmen, la protagonista de su coreografía más famosa. En alguna ocasión, Gades llegaría a decir que le hubiera gustado nacer mujer para poder interpretar este papel.
(En el “Sadler´s Well Theatre de Londres”/EFE)
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En septiembre de 1985 empezó a rodar con Saura ‘El amor brujo’, con Laura del Sol y Cristina Hoyos. En diciembre intervino en la representación de ‘Bodas de sangre’, en los actos de conmemoración del X aniversario de la creación del Ballet Nacional Español, en el teatro de la Zarzuela. Mientras, preparaba con el director Saura su espectáculo ‘Fuego’, con coreografía basada la película ‘El amor brujo’, con Stella Arauzo. La obra se estrenó a finales de enero de 1989 en el teatro Chatelet de París. Luego inició una gira por Japón, Hong-Kong, Turquía, Suiza, Alemania, España (3 meses en el teatro Monumental de Madrid) e Italia (enero a marzo de 1990).

Su última producción como coreógrafo será Fuenteovejuna sobre el texto de Lope de Vega y adaptación de José Manuel Caballero Bonald, estrenada en la Ópera de Génova en 1994.
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Recibió el 11 de diciembre de 1995 el Premio de Dirección Coreográfica de la Asociación de Directores de Escena (ADE) por su trabajo en Fuenteovejuna. Seguidor de las teorías del bailarín Vicente Escudero, al que nunca vió en un escenario, se le consideró a mediados de los sesenta como su sucesor e incluso de Antonio, lo que él rechazó. No aceptó ser definido como artista; prefirió “trabajador del baile”. Recibió también la Medalla de Círculo de Bellas Artes de Madrid, el Premio Vicente Escudero de danza y coreografía, el Premio Carmen Amaya, el Premio Nacional de Teatro de 1970 al mejor ballet español, el Premio del Gran Teatro de La Habana (2 de enero de 1990), el Premio Luigi Tani (abril de 1990). También era Premio Nacional de Danza 1988
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Desarrolla con su última obra una gira por Japón, Italia, Francia, Reino Unido, España, Cuba, y varios países latinoamericanos. Continúa con su ejercicio de pureza en el arte: “el baile no es un ejercicio, el baile es un estado anímico que sale a través de un movimiento”.
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Tras una larga enfermedad junto a su nueva compañera, Eugenia Eiriz, falleció en Madrid en 2004.

El 6 de junio había recibido de manos de Fidel Castro la Orden José Martí, máxima condecoración de la República de Cuba.
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El último comunista. Fidel Castro condecoró el mes pasado al bailaor con la orden José Martí, la mayor distinción que concede el Gobierno de la isla, por “su amor, amistad y fidelidad inquebrantables”. En efecto, el bailaor pensaba que era el único régimen no pervertido del planeta porque, según decía, “la gente lucha para que la autoridad y la garantía de la libertad puedan coincidir”.
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En 2005 sus cenizas fueron enterradas en el Mausoleo de los Héroes de la Revolución Cubana. A su muerte, Francisco Frutos, entonces Secretario general del Partido Comunista de España dirá que era “hombre de compromiso y dignidad, de lealtades y amigos, bebió desde niño de las fuentes de la tradición obrera, del sufrimiento del trabajo, de la necesidad, elevando su arte mayor, el baile flamenco, un baile de clase con conciencia, hasta la categoría de manifestación universal”.
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El 28 de febrero de 2009, la Fundación Obrera de Investigación y Cultura (FOIC), con la colaboración del Partido Comunista de los Pueblos de España (PCPE) y los Colectivos de Jóvenes Comunistas (CJC), le rendirían un homenaje en el Palacio de Congresos de Madrid, participando en el mismo personalidades como José Menese y Enrique de Melchor, Amauri Pérez, Carmen Paris, la compañía flamenca Sandra Baca, Buena Fe, Gustavo Cabrera, Orlas Pineda y Grupo Cayamba, así como interviniendo en el mismo el ministro de cultura cubano, Abel Prieto y el secretario general del PCPE, Carmelo Suárez.
Fuera del escenario. Gades exprimió la vida dentro y fuera del escenario.
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En cuanto a su vida familiar, Antonio Gades se casó cuatro veces y conquistó muchos otros corazones. Contrajo matrimonio por primera ves en 1964 con la tonadillera y actriz Marujita Díaz, pero la unión duró solo 20 meses. Posteriormente se une sentimentalmente con la la bailarina de TVE Sandra Lebrouch, pero tampoco duro mucho tiempo la pareja.

A finales de los sesenta se casa con Pilar San Clemente, miembro de su compañía que conocía desde 1957 y con quien tuvo dos hijos, Elsa e Ignacio. Se separaron en 1971 y dos años después se unió a la actriz Pepa Flores “Marisol”, con quien tuvo tres hijas: María, Tamara y Celia.
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En 1986 se rompe la relación y empieza una con la suiza Daniela Frey, con quien también se casó en 1988 y de la que se separó en 1993.
Antonio Gades estaba casado, desde hace unos meses, con Eugenia Eiriz, la persona que ha estado junto al bailarín en los momentos más difíciles de la enfermedad que le llevo a la muerte. Se encontraba enfermo de cáncer desde hace varios años.
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Un legado al descubierto

El 3 de noviembre, con la apertura de la exposición «Vientos del pueblo me llevan», empiezan los actos del «Año Gades» en homenaje al artista
«No me gustaría morirme —dejó dicho Antonio Gades— sin poder dar lo que sé. No; lo que quiero es encontrar a gente que se lo merezca y lo que sé, dárselo. Porque yo he tenido la suerte de que me lo han dado antes».
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Éste fue el espíritu con el que el artista —un adjetivo que siempre rechazó: «Yo soy un trabajador de la cultura»— creó, poco antes de su fallecimiento, en julio de 2004, la fundación que lleva su nombre. Con ella quería no sólo preservar su legado coreográfico —fundamental dentro de la evolución de la danza española y el flamenco—, sino también poner en valor y alimentar una herencia cultural única en el mundo.

El 14 de noviembre de 2011, Antonio Gades hubiera cumplido setenta y cinco años. Con ese motivo, la fundación —al frente de la cual están María Esteve, hija de Gades, y Eugenia Eiriz, viuda del bailarín— ha preparado una serie de actividades para recordar su figura y su obra. «Es una oportunidad excelente para que recordemos a una persona que nos ha dejado tanto», argumenta Eugenia Eiriz.
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También, añade, para darle un impulso a la fundación, «que creó no tanto para inmortalizar su obra como para dar continuidad a una forma de entender la danza española y para difundir este arte único».

Con esa labor divulgativa y pedagógica en la mente se han creado programas como el taller sobre «Fuenteovejuna» destinado a mujeres en desventaja social, y en el que colabora la fundación Tomillo (el 13 de diciembre actuarán en el Auditorio Nacional las participantes en el programa), o el taller sobre «Carmen» realizado en el Conservatorio profesional de Danza Fortea.
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Los actos del «Año Gades» arrancan , con la inauguración en el teatro García Lorca de Getafe, sede de la fundación desde hace unos meses, de la exposición «Vientos del pueblo me llevan». La componen veinticuatro obras gráficas del artista Antoni Miró, amigo de Gades, que a lo largo de los años fue creando estas piezas a partir de fotografías del bailarín. Otra exposición, titulada «60 años de danza española», circulará también por distintas ciudades; en ella se hace un recorrido por la vida artística de Gades. «La importancia del baile de Gades —sigue Eugenia Eiriz— no se limita únicamente a sus aportaciones “idiomáticas”; también, y sobre todo, a una filosofía y a una manera de entender la danza.

Él decía siempre que la danza no está en los pasos, sino en lo que hay entre ellos, y la exposición quiere acercar al público al hombre y al artista».

El buque insignia de la fundación es la compañía Antonio Gades, que dirige Stella Araúzo. El 11 de noviembre bailará en el teatro Calderón de Valladolid «Carmen», con un reparto renovado. En los primeros meses del año próximo viajará por Francia y por España, antes de llegar, en el mes de mayo, al Teatro Real. Allí ofrecerá las tres obras maestras del coreógrafo: «Bodas de sangre», «Carmen» y «Fuenteovejuna», y participará dentro de los programas audiovisual y pedagógico del Real. Y para el año siguiente, la compañía tiene previsto el montaje de «Fuego», una coreografía de Antonio Gades sobre «El amor brujo», de Manuel de Falla, inédita en España.

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JULIO BRAVO Día 01/11/2010, Foto Una de las obras de Antoni Miró dedicada a Gades

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Monta a la Amazona.

Las mujeres, desde los inicios de la Hípica y debido a su vestimenta de faldas largas, montaban a caballo de una forma especial que se denominó ‘Monta a la Amazona’. Paulatinamente fue perdiéndose debido a la incorporación del pantalón a la vestimenta de la mujer.
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En los últimos años se incorpora la mujer por fin al mundo del caballo de forma cotidiana. Hasta hace un siglo eran pocas las amazonas que montaban asiduamente y no solamente usaban el caballo, mulo o burro como medio de transporte.
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En la actualidad en ciertas disciplinas hípicas estamos viendo que cada vez hay más mujeres en el podium o cerca de los primeros puestos. La monta a la amazona no es una disciplina en si misma, es una forma de montar perfectamente valida para todas las disciplinas.
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En las disciplinas camperas nos estamos incorporando un poco más tarde, pero todo va llegando. Esperamos que en los próximos años toda la reata de muchachitas que ahora empiezan a correr en vaquera continuen y dejen el camino preparado para el futuro.
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Pero esta manera de montar a caballo se sigue distinguiendo por su elegancia y por su majestuosidad, como antaño. Aunque pueda parecer muy difícil y complicado mantener el equilibrio sobre el caballo montada a la amazona, cualquier persona con unos conocimientos de equitación básicos puede llegar a practicar esta forma de montar a caballo.
Les vamos a ir contando quienes trabajan para que ello ocurra; los guarnicioneros que se estan preocupando de hacer monturas adecuadas y funcionales, los profesores que saben que para montar a la amazona es imprescindible tener conceptos claros de equitación y las propias amazonas que se esfuerzan en montar cada día mejor.

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¿Por qué montar a la amazona cuando ya las mujeres pueden montar a horcajadas? Pues tiene una respuesta bastante simple: ¿y por que no?. No hay nada más elegante que ver a una mujer montando a la amazona, según Mr. Roger Philpot, uno de los más importantes profesores de esta disciplina, la primera regla de una amazona cuando se sube a un caballo es “pensar elegante”.
Aunque parezca una forma mas incómoda o más insegura de montar es todo lo contrario, es mucho más probable caerse a horcajadas que de esta manera y con un poco de práctica la amazona conseguirá sentirse tan cómoda como si fuera a horcajadas.
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La Asociación Española de Monta a la Amazona pretende promover esta elegante y también divertida modalidad ecuestre que por desgracia se ha ido perdiendo, dándola a conocer mas de cerca a través de eventos, concursos, reuniones, etc.
En otros países existen ya desde hace tiempo diferentes asociaciones de este tipo donde cuentan con miles de socios y promueven esta disciplina.

La monta a la amazona difiere de la monta de un caballo tradicional en la postura y vestimentas, principalmente, con la única diferencia principal a la hora de sentarse en el lomo del caballo, de que en el caso de la amazona, ésta se encuentra situada ligeramente más hacia atrás del punto de gravedad del equino.
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La amazona debe mantener en todo momento, para sostener el equilibrio, los hombros y las caderas en posición recta así como la cabeza alta y mirando al frente.
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La pierna derecha debe quedar colgando en paralelo al hombro del caballo. Para poder asegurar el correcto apoyo de la rodilla, se permite o bien acomodar el pie recto o bien con la puntera hacia abajo. Las manos pueden estar situadas encima de la rodilla o a ambos lados de la misma.

Se considera que lo adecuado es que quede un espacio de aproximadamente un par de dedos entre la rodilla izquierda y la corneta inferior.
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Los estribos serán en general, más cortos que en la monta tradicional, pero dicha longitud varía en función de cada amazona.
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La fusta deberá colocarse justo detrás de la cincha del lado derecho.

LA MONTURA:

Existen diversos tipos de montura para amazona, pero en concreto, la destinada a la montura vaquera suele ser fabricada en España. Otros tipos son la silla de montar inglesa o la western.
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La silla de amazona consta de dos o tres cornetas donde se colocan las dos pierna que suelen caer hacia el lado izquierdo. En primer lugar, una corneta superior donde se coloca la pierna derecha, en segundo lugar, una inferior también denominada “corneta de salto” que se curva hacia el muslo izquierdo, y en el caso de que constara de una tercera corneta esta se sitúa en la parte exterior del lado derecho de la montura incurvándose hacia el muslo derecho para dar una mayor sujeción.
En el mercado existen varios tipos de monturas de amazonas: inglesas, western, vaqueras, monturas de antaño, etc. Podemos encontrar una montura de amazona nueva desde 300 Euros.
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La altura y la circunferencia de la rodilla, esto corresponde a la altura y amplitud de la corneta superior.
Que la montura no se balancee, ni haga daño al caballo.

En España el fabricante más conocido es Zaldi, quien, para el estilo amazona diseña monturas vaqueras y de estilo inglés con tres cornetas. Otros fabricantes, ya marcas internacionales, suelen ser Mayhew, Champion & Wilton o Martin&Martin.

En cualquier caso, la montura adecuada será aquella que cumpla una serie de requisitos:
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El asiento es plano

La composición es preferible que sea de ante para evitar que la amazona resbale en la silla

El acceso a las hebillas se realizará desde el lado derecho pues la amazona cincha al caballo desde arriba

Posee correa de balanceo

Por último, cabe recomendar que a la hora de empezar a montar un caballo a la amazona, el equino no debe ser menor de 5 o 6 años, pues es a estas edades cuando se considera que el dorso de un caballo está completamente desarrollado.

LA VESTIMENTA:

En la vestimenta de una amazona, la pieza más destacable es la falda. Independientemente del estilo en el que monte la amazona, la falda acostumbra a ser mucho más larga por el lado derecho que por el izquierdo ya que esta tela es la que se abotona por detrás al descabalgar la amazona para evitar el arrastrar la falda.
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El traje dependerá de la disciplina que se practique:
En el caso de que se monte a la inglesa el traje constará básicamente de chaqueta y falda, generalmente de colores oscuros, negro o gris, sombrero de copa y velo.
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Si se monta al estilo western el atuendo será el mismo que si se monta a horcajadas, solo se substituirá los tejanos o chaparreras por una falda, generalmente hecha de ante.
Para la Feria de Abril donde hay muchas mujeres que montan a la amazona, se podrá utilizar traje corto o de rondeña, nunca traje de flamenca. La amazona no se adornará con ninguna alhaja y el pelo ira siempre recogido.
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El traje tradicional inglés consiste en una falda de color oscuro, ya sea negro o marrón que debe cubrir la bota derecha con chaqueta del mismo color, camisa blanca o a rayas con plastrón o corbata, chaleco, casco de montar o bombín y velo para las exhibiciones matutinas. Si la exhibición se hace en horario vespertino, el complemento de la cabeza deberá cambiarse por sombrero de copa y velo. Un tipo de sombrero muy valorado y apreciado por los jueces es el de seda, muy cotizado por otra parte. La amazona deberá, en todo caso, llevar el pelo recogido en un moño bajo con redecilla.
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En el caso de España, la amazona que monta a la vaquera debe vestir traje corto, bien con guayabera, bien con chaquetilla y chaleco. Los colores deberán ser, como en el caso inglés, colores oscuros: negro, marrón, gris, y pueden ser lisos o estampados con rayas. En este caso, no existe la obligatoriedad de que la falda cubra la bota derecha.
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En el caso de la vestimenta de la amazona a la rondeña, la particularidad reside en que la chaquetilla puede llevar alamares, apliques negros o bordados. La falda en este caso suele ser lisa negra o del mismo color que la chaquetilla.

El calzado más común en la monta a la amazona es el botín campero o el botín con polainas de cuero. Y en el caso del recogido del pelo, éste irá cubierto con sombrero de ala ancha si se viste con traje corto o sombrero calañé con pañuelo al estilo bandolera si se viste a la rondeña.
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Existe un estilo anglosajón, que más que un estilo en si, es una prueba o exhibición, llamada “historical costume class”, muy espectacular, pues las amazonas visten trajes de época y es toda una pasarela de las mejores galas de las amazonas ya que algunos trajes recrean siglos pasados.

LA POSICION DE LA AMAZONA

Esta debe ir colocada igual que a horcajadas cuando se la mira por detrás, es decir centrada en el caballo, la única diferencia es que la amazona se encuentra mas atrás del punto de gravedad del caballo debido a la montura.
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El peso se reclinará ligeramente en el fémur derecho, la cabeza y hombros irán rectos y erguidos. El largo del estribo generalmente va un poco más corto que cuando se va a horcajadas, debe quedar un espacio que quepa la palma de la mano entre la rodilla izquierda y la corneta inferior. La puntera de la pierna derecha ira ligeramente hacia abajo.
Las manos irán a cada lado de la rodilla, la altura de estas dependerá de la altura donde el caballo coloque la cabeza, generalmente se necesitan unas riendas bastantes largas ya que la amazona esta situada mas atrás en el caballo que un jinete a horcajadas.
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La pierna derecha es sustituida por una fusta.

EL SALTO MONTADO A LA AMAZONA
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Cuando la amazona salta lo hace igual que a horcajadas, solo que la amazona tendrá que realizar un poco mas de esfuerzo para echarse hacia delante. Para la gente que piense que saltar a la amazona es muy difícil hay un dato curioso: en el Royal Show de Australia la amazona Mrs. Ester establece el récord de altura saltando 1,981 metros montando a la amazona.
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Adelita era el nombre que recibía toda aquella mujer que tomó parte activa en la Revolución mexicana haciendo tareas de soldado, cocinera, enfermera o simple ayudante.
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Adelitas – Las Amazonas Mexicanas

Las adelitas, conocidas también como soldaderas, llegaron incluso a formar batallones revolucionarios enteramente femeninos, en un gesto que sin duda las sitúa en la vanguardia de las reivindicaciones de los derechos de la mujer. La pintora Frida Kahlo contribuyó a afianzar su relación con el movimiento revolucionario con su cuadro ‘La Adelita, Pancho Villa y Frida’, que muestra un tren ocupado por soldados de ambos sexos de camino al frente a través del valle de México.
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Terminada la revuelta, el nombre se incorporó al lenguaje popular como sinónimo de mujer que hace valer sus derechos en un entorno dominado por los valores machistas. En el México contemporáneo, las adelitas son también las mujeres que lucen el traje tradicional, vestimenta inspirada en la moda del siglo XIX. El nombre se aplica por extensión a las charras, que son la cara femenina del principal signo de identidad del país azteca, esos jinetes ataviados con gigantescos sombreros de época. Durante décadas, la charrería -básicamente un rodeo- fue patrimonio exclusivo de los hombres, pero el clamor social abrió a partir de 1991 las puertas a la participación de las mujeres.
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Es un espectáculo con un código muy complejo, en el que se valora especialmente la destreza sobre el caballo. Hay que lazar reses, saltar de un caballo a otro e incluso montar a un toro bravo. Resulta también de vital importancia mantener unos movimientos acompasados entre las amazonas que integran el equipo, generalmente ocho. Aquí, únicamente el fútbol puede competir en popularidad con la charrería. El fenómeno hunde sus raíces en una sociedad fuertemente rural que hace tiempo dejó de existir, pero su relación con las señas fundacionales de México lo acerca al público de ahora.

También en EE UU
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Una de las razones del éxito de las adelitas radica en sus vistosas indumentarias. El texto que regula los atavíos que se pueden usar en el espectáculo ocupa decenas de folios y enumera minuciosamente desde la forma y las dimensiones que deben tener las espuelas hasta el tamaño y el material con el que se puede elaborar el sombrero, que cuesta nada menos que unos 600 dólares. Hay ya unos dos centenares de equipos femeninos y el fenómeno ha adquirido tal empuje que se ha extendido a Estados Unidos y Canadá, países donde también se han formado escuadras de mujeres.
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Las crónicas que llegan del otro lado del charco alaban la extraordinaria destreza hípica de las charras.
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Hay que tener en cuenta que las reglas impiden que las jinetes monten a horcajadas y obligan a sujetar el caballo a la usanza femenina, es decir, con las dos piernas en el mismo lado. Formar un buen equipo requiere una disciplina férrea. Areli Rivas, integrante de la escuadra Tuitán, del estado de Zacatecas, cuenta que entrenan durante tres horas tres días a la semana. «Siempre hay que mirar a las compañeras y estar muy concentradas porque si alguna comete un error repercute en todo». La celebración este mes del Campeonato Nacional Charro en Puebla ha hecho que el ritmo de los entrenamientos se intensifique. «Trabajamos más y el esfuerzo es muy grande, pero el momento de estar encima del caballo rodeada por el resto de las compañeras es indescriptible. La escaramuza -nombre que recibe el espectáculo protagonizado por las charras- es valor, elegancia, feminidad, compañerismo, orgullo, en definitiva, es ser mexicano».
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Durante la primera etapa de la conquista de América los indígenas tuvieron prohibido montar a caballo por el temor a una revuelta. La administración española solo concedía permisos de monta por razones excepcionales, aunque con el paso del tiempo la medida se relajó. Y así llegaron las adelitas y su corrido.
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Rafael Amargo, Gitano con mayúsculas.

imageJesús Rafael García Hernández (Valderrubio, Granada, 12 de enero de 1975), más conocido cómo Rafael Amargo, es un bailarín y coreógrafo español.

Rafael Amargo es un bailarín y coreógrafo ecléctico.
Es conocedor de las esencias más puras del flamenco, al tiempo que ha asimilado otro tipo de tendencias coreográficas, como las enseñanzas en la escuela de Martha Graham durante su estancia en Nueva York. Sus coreografías, a veces muy cercanas al baile contemporáneo, nunca pierden el punto de referencia de la esencia del flamenco.Sus coreografías rebosan una concepción tradicional y a la vez actual.
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Admirador de Antonio Gades y reivindicado de la compañía de baile, y del concepto teatral y escénico del flamenco, esto no le ha impedido bailar en los tablaos o investigar el entorno de la danza contemporánea.

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Rafael Amargo y sus espectáculos han recibido reconocimientos entre los que destacan cuatro Premios Max de las Artes Escénicas: dos por Amargo, uno por Poeta en Nueva York y uno por El amor brujo; el Premio Positano Leonide Massine de la Danza como bailarín y coreógrafo o el Premio APDE (Asociación de profesores de Danza Española y Flamenco de España), junto a Antonio Gades y Matilde Coral. Además, el público le ha concedido el premio al Mejor espectáculo de Danza de El País de las Tentaciones por Amargo (2000) y Poeta en Nueva York (2002) que también fue elegido como Mejor espectáculo de la Década.

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Carrera artística
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En 1997 crea la Compañía Rafael Amargo, con el estreno de ‘La Garra y el Ángel’ en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, teniendo como artista invitada a Eva Yerbabuena. Este espectáculo se presenta luego en Granada y en el Festival Flamenco de Jerez.
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No será hasta 1999 cuando Rafael Amargo, con el estreno de ‘Amargo’, en el Teatro Bellas Artes de Madrid, consiga el reconocimiento de la crítica y el público.1 Amargo, con vestuario del diseñador Juan Duyos, recorre España los años siguientes y se presentará en dos ocasiones más en Madrid, en el Centro Cultural de la Villa y en el Teatro Lope de Vega.
En 2002 estrena ‘Poeta en Nueva York’, inspirado en el libro de poemas de Federico García Lorca, en el teatro Lope de Vega de Madrid. Una producción en la que incorpora por primera vez los audiovisuales y otros estilos coreográficos como el contemporáneo y el folk, y que cuenta con la colaboración de Marisa Paredes, Cayetana Guillén Cuervo y Joan Crosas recitando a Lorca. En el mismo año participó en el segundo videoclip del primer disco debut de la cantante española Rosa López, Rosa (álbum), con el tema “A solas con mi corazón”.
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En 2003 recibe el encargo de la Quincena Musical de San Sebastián / Donostiako Musika Hamabostaldia de dirigir y coreografiar ‘El Amor Brujo'(Gitanería 1915) de Manuel de Falla, la versión menos representada de la obra, que se estrena en las Cuevas de Zugarramurdi. El resultado es una versión contemporánea a partir del respeto a la partitura, libreto y orquestación, que se representa con música en directo.
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‘Enramblao'(2004) es el siguiente espectáculo de Rafael Amargo, un homenaje a las grandes ciudades a través de las Ramblas de Barcelona. Enramblao, el espectáculo más representado de Rafael Amargo, estuvo en cartel en Madrid cuatro meses. También incorpora una importante parte audiovisual dirigida, como en el caso de Poeta, por el director de cine Juan Estelrich.

En 2005, quinto centenario de la publicación de la primera parte del Quijote, Rafael Amargo crea ‘DQ…Pasajero en tránsito’, junto a Carlos Padrissa (La Fura dels Baus) inspirado el personaje de Cervantes con estética de videojuego.

La narración del espectáculo corre a cargo de Fernando Fernán Gómez. DQ se representa en numerosos festivales como el Festival Castell de Peralada, Quincena Musical de San Sebastián (Donostiako Musika Hamabostaldia), Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival Somontano, Festival Clásicos en Alcalá, Festival Béjar Ciudad Cervantina entre otros, además de hacer temporada en Madrid (Teatro Gran Vía) y Barcelona (Teatre Tívoli).
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En diciembre de 2006 estrena en el Kursaal de San Sebastián el espectáculo ‘Tiempo Muerto’. En él Rafael Amargo vuelve a las raíces flamencas y a la esencia del baile. Con este espectáculo conmemora el décimo aniversario de la Compañía. La música original es de Juan Parrilla y Flavio Rodrigues y las letras del propio Rafael Amargo. El vestuario ha sido diseñado por Amaya Arzuaga y la iluminación por Nicolás Fischtel. Tiempo Muerto se ha representado en numerosas ciudades españolas y ha hecho temporada en Madrid y Barcelona.

En 2007 dirigió la gala de elección de la Reina del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife por la que recibió numerosas críticas negativas.
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Rafael Amargo ha estrenado en el West End londinense, la coreografía del musical del Zorro, con música de Gipsy Kings y de John Cameron(Los Miserables), dirección de escena de Christopher Renshaw (Director en West-End de musicales como El rey y yo o We will rock you), y de la que es co-productora la escritora Isabel Allende. Ha sido nominado a los Lawrence Olivier Awards como Mejor Coreógrafo de Teatro por su trabajo en este musical.

En 2008 participa como jurado y profesor de expresión corporal en el programa francés “Star Academy”, a través del cual consigue una gran popularidad en los países francófonos.
A finales de 2008 estrena en el Teatre Tívoli de Barcelona un nuevo espectáculo, ‘Enramblao 2′, una segunda parte del espectáculo de 2004 en el que a través de una multiplicidad de géneros (flamenco, break-dance, acrobacia, circo, music hall) rinde homenaje a la ciudad de Barcelona, y por extensión a las grandes urbes.El espectáculo consigue magníficas críticas
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A lo largo de 2010, tras varios meses de ensayo, en Mayo, presenta en Granada, una forma de concebir el flamenco unido a las bicicletas BMX, llamado Flamenco Flatland, que consiguió unir el arte del flamenco con las piruetas de las bicicletas patrocinándolo Red Bull.
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En 2013 interviene como concursante en el reality show de de Cuatro Expedición imposible

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Ultimas Noticias

El V Ciclo Cataluña Arte Flamenco encara su recta final con las actuaciones de Miguel Poveda, Rafael Amargo, Manuel Fernández y Pitingo. Tras el éxito de Arcángel, José Mercé, Rocío Segura, Alba Carmona, Juan Moneo “El Torta”- fallecido el pasado 31 de diciembre de 2013-, Duquende y David Palomar, llegan las últimas representaciones que cerrarán el Ciclo.

El bailaor Rafael Amargo actuará este viernes a las 22 horas en el Teatro Mercè Rodoreda de Sant Joan Despí (Barcelona) con el espectáculo “Suite Flamenca”. Le acompañará Iñaki Márquez, nacido y formado en Santa Coloma de Gramenet (Barcelona), en entidades como la Colonia Egabrense y el estudio de José Vega, además de su compañía, “Flamencos Catalanes”.
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Amargo es uno de los bailaores españoles más afamados. Sus coreografías se inspiran en el flamenco más puro aprendido de sus maestros a la vez que incorporan otro tipo de coreografías, como las que aprendió en la escuela de Marta Graham, en la ciudad de Nueva York. Con una fusión entre lo tradicional y la modernidad, las coreografías de Rafael Amargo nunca pierden la esencia del flamenco.
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Rafael Amargo reivindica su compañía de baile, además del concepto teatral y escénico del flamenco. En esta ocasión, junto con Iñaki Márquez, se rodea de jóvenes flamencos catalanes en un elegante espectáculo que culminará el Ciclo, “Suite Flamenca”.
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Matrimonios.

El bailarín y coreógrafo Rafael Amargo se caso con Silvia Calvet, su segunda esposa, en una ceremonia celebrada en el Hotel Palace de Barcelona. La gran ausente fue su exmujer, Yolanda Jiménez, cuya presencia se había anunciado en un principio. Los que sí estuvieron fueron los hijos de ambos, León y Dante, encargados de llevar las arras, y la hija de Silvia.
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Como anunciaba el propio Amargo, esta misma semana parte hacia Marruecos en compañía de su exesposa para grabar un programa que se emitirá en Cuatro, Expedición Imposible. “Me marcho con Yolanda para parcipar en un reality, con lo cual pasaré mi luna de miel con ella”. El artista comentaba en tono de broma esta casualidad de la vida pero añadía que con su actual mujer las cosas son muy fáciles. “Desde que nos conocimos vivimos como en una luna de miel permanente”.
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La flamante señora de Amargo comentaba que ella y Yolanda son grandes amigas y que se lleva muy bien con sus hijos. De hecho, hace un año el artista se prometió en un hotel de Barcelona con una joven asiática. La relación acabó como el rosario de la aurora, básicamente porque no era del agrado de la ex del bailarín.

Hubo música de mariachis en directo, que acompañaban la entrada de la novia de la mano de su madrina, María Pineda. La entrada de ella fue precedida por la voz rotunda de María Toledo. Además, durante el acto cantó también Joaquín “El Duende” acompañado de un cuarteto de cuerda. La boda fue oficiada por una juez de paz, puesto que el alcalde de Barcelona finalmente no les pudo casar como era intención de la pareja. Ambos deberán ratificar su matrimonio en un juzgado.

Interviu (2010)
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Artista único, valiente como pocos y muy provocador, Rafael Amargo se ha prestado para ser el segundo hombre en desnudarse íntegramente en portada de la revista Interviú.

Después de Jesús Vázquez, que se despojó de su ropa hace unos meses, esta vez le ha tocado al bailarín presumir de abdominales, así como de unos cuantos tatuajes que hasta el momento mantenía ocultos bajo su ropa de trabajo.
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No sólo se ha quitado toda la ropa, sino que Rafael Amargo también ha querido desnudar su alma en una entrevista en la que habla sin tapujos sobre su lado más “políticamente incorrecto y emocionalmente promiscuo”.
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Recién aterrizado de Moscú y en plena gira de Zorro, el bailarín ha encontrado hueco en su agenda para ser el segundo hombre en posar como Dios le trajo al mundo y presumiendo de abdominales y cuerpo tatuado para la portada de Interviú.
Sin embargo, y al contrario que su antecesor, Jesús Vazquez, Rafael Amargo sí se ha despojado de toda su ropa, ofreciendo en exclusiva para esta revista las primeras imágenes de su desnudo integral. Y es que Amargo es un valiente, aparte de un provocador nato.

“Me desnudo porque el que da primero, da dos veces”, declara el artista en su entrevista. “Y para así empezar a vestirme de nuevo”.

“Emocionalmente promiscuo”

“Yo nací desnudo, Herrera”, explica Amargo en la entrevista, realizada por el periodista Ángel Antonio Herrera. “Me desvistieron y ahora me visto yo. Para que así no tengan arrugas las vestiduras”.
Un Rafael que se considera “políticamente incorrecto y emocionalmente promiscuo”, aunque no lo suficiente como para confesar (o no) los constantes rumores sobre su supuesta homosexualidad. “Me educaron en una casa lorquina. De poetas, de gente demócrata y libre. No tuvimos armarios. Teníamos vestidores. ¿De dónde quieren que salga?”.

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Miguel Poveda, Andalucía le pone “muy difícil devolverle tantísimo” como le da

Miguel Ángel Poveda León (n. Barcelona; 13 de febrero de 1973) es un cantaor de flamenco español conocido con el nombre artístico de Miguel Poveda.

Cantaor de flamenco e intérprete de otros géneros musicales con los que enriquece su trayectoria artística en una experimentación constante en su obra, aunque el flamenco sea desde sus inicios su música de partida.
Poveda se interesa por ir más allá de la imagen tópica del cantaor al uso y se adentra en otros terrenos que no siempre son bien vistos por el mundo flamenco más ortodoxo. Muestra de este interés por buscar el arte en otros géneros son sus numerosas colaboraciones con artistas de disciplinas diversas, trabajos que le dan a conocer a otros públicos no habituados al flamenco.
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Por su origen catalán, de padre murciano y de madre manchega, sin ascendencia andaluza, encuentra más dificultades en sus inicios que con tesón y gracias a su talento finalmente consigue vencer para crecer artísticamente como cantaor desde Barcelona, aunque posteriormente, en 2003, traslada su residencia a Sevilla, sin olvidar Cataluña en su trayectoria musical, como demuestra en Desglaç. Aunque experimenta y se expresa artísticamente mediante otras músicas, en ningún momento abandona su música de raíz, el flamenco

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Miguel Ángel Poveda León nace en Barcelona el 13 de febrero de 1973, pero vive y crece en la ciudad de Badalona su niñez y adolescencia, hijo de una familia humilde sin una tradición musical anterior, su padre originario de la pedanía de La Paca en Lorca (Murcia) y su madre nacida en Puertollano (Ciudad Real), Miguel tiene dos hermanas. Sus orígenes no andaluces son de singular relevancia en este caso debido a las particulares características para desarrollar la disciplina artística por la que siente vocación: EL FLAMENCO
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En un entorno no especialmente propicio para su desarrollo en el mundo del flamenco, por su origen atípico para el cante: payo, catalán y viviendo además en Badalona, sin la posibilidad de compartir su afición por el flamenco con gente de su edad, partiendo de esa realidad propia tan particular para desenvolverse en ese mundo sin embargo logra gracias a su empeño personal, a su pasión por el cante y a sus dotes artísticas crearse una personalidad cantando que más tarde se mejoraría con la experiencia de los años y con sus propias vivencias.
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Miguel Poveda fue un niño tímido que escuchaba copla y flamenco por la radio y en los discos de su madre en la intimidad de su habitación, donde tenía su mundo construido con un universo musical propio, con las coplas de Quintero, León y Quiroga y los viejos maestros del flamenco, con voces como las de Antonio Mairena, Manolo Caracol, Tomás Pavón, La Perla, La Paquera de Jerez, La Niña de los Peines, Juan Varea, Rafael Farina o más actuales como las de Camarón de la Isla, Enrique Morente, Chano Lobato, entre otras muchas que fueron impregnando por completo su naciente espíritu cantaor.
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Esa inmersión personal le hace empaparse de esas esencias fundamentales para su formación, esa música representa para él una de las mayores alegrías de su niñez, incomprendido por sus amigos en su afición, llenando horas y horas de su intimidad solitaria con la emoción de sus voces preferidas, base de conocimientos que caló hondo en su sensibilidad, y que fue asimilando de una manera autodidacta para hacerle crecer más tarde como artista.
Su precoz afición por el cante le hace grabar de manera casera coplas y cantes que escuchaba en La radio de su madre, vivencia a la que ahora le rinde homenaje en unas coplerías incluidas en su reciente Tierra de calma con letra de Quintero, León y Quiroga.
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En 1988, con 15 años se sube por vez primera a un escenario, el de la Peña flamenca de Nª Sª de la Esperanza en Badalona, y desde ese momento aprovecha los fines de semana para cantar en peñas y concursos de aficionados, siendo siempre el más joven entre los participantes, Miguel sentía desde niño que su vocación era el cante, quería dedicarle su vida a la música.
En un principio trabajó en diversos oficios en absoluto vocacionales, simplemente para ganarse el pan, hasta que al volver del servicio militar empezó a cantar en el tablao El Cordobés de las Ramblas de Barcelona, trabajó allí durante casi un año, tiempo en el que aprendió el oficio cantando para las bailaores/as, con un público formado principalmente por turistas, el cantaor se curte noche a noche, la mejor de las escuelas para el artista.

imageMiguel Poveda quería ser escuchado fuera de Cataluña para calibrar su verdadera valía y para hacerse una idea de hasta dónde podía llegar.
Así fue como junto al guitarrista Juan Ramón Caro se presentó a las pruebas selectivas para el 33 Festival Nacional del Cante de las Minas de La Unión (Murcia) celebrado en 1993, no sólo fue seleccionado sino que además fue galardonado con cuatro de los cinco premios, uno de ellos la Lámpara Minera, el más preciado, además de las modalidades de La Cartagenera, La Malagueña y La Soleá, hecho que cambia su vida artística para siempre, profesionalizando definitivamente su vocación desde niño, un primer objetivo cumplido.
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Los inicios no fueron fáciles, el mundillo flamenco en absoluto permeable y casi siempre conservador en las formas no le tendió precisamente puentes para darle el empuje que merecía, aunque contra viento y marea y desde el triunfo en ese Festival su carrera emprende una trayectoria ascendente y empieza a ser reconocido poco a poco y no sin esfuerzo en los círculos flamencos.
En 1995 graba finalmente su primer disco flamenco propio con el título de Viento del este acompañado a la guitarra por Moraíto, Pepe Habichuela y Julián “El Califa” y con la colaboración de José Soto “Sorderita”, disco publicado por la discográfica Nuevos Medios.
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Poveda incursionó en esta época en el mundo de la actuación, haciendo el papel de Miguel en La teta y la luna (1994, dirigida por Bigas Luna).

A partir de esa grabación discográfica inicia su camino más profesional empezando su participación desde 1994 en festivales flamencos nacionales e internacionales que dan a conocer su cante al gran público, festivales como el Actual de Logroño, Festival Taranto de Madrid, Bienal de Flamenco de Sevilla, Fiesta de la Música de París, Festival de Flamenco de Amberes, y su primera gira por Japón. En 1997 canta en Bolonia en un espectáculo basado en obras de Federico García Lorca y los Poetas de la Generación del 27.
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En 1998 fue solicitado desde el Festival de la Cultura y las Artes de Ramallah (Palestina), su actuación antes 15.000 palestinos le deja un recuerdo imborrable.
También en 1998 presenta su trabajo Suena Flamenco (nominado en 2000 para el Grammy Latino), inicio de su colaboración con Chicuelo y Amargós, y participa como artista invitado en La vida es sueño que presentó Calixto Bieito en el Festival Internacional de Edimburgo, y en otros festivales, como el de Musicora de París, Grec de Barcelona, Stimmen de Lorrach, Emmas de Cerdeña y realiza una gira por Japón.
En 2000 edita su tercer CD Zagúan y en 2002 inicia una gira por los Estados Unidos: Miami, Chicago, Nueva York, Bloomington y Washington.
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En julio de 2007, trabaja en la producción Flamenco en Orquesta (2000), junto a Joan Albert Amargós y Juan Gómez “Chicuelo”, que se editará en disco en 2008, grabación de un concierto en directo en el Festival de Peralada, con nuevos matices respecto del espectáculo presentado originalmente.
También ha colaborado en el espectáculo Contrastes que presentó junto a Agustí Fernández.
El 29 de junio de 2002 participa en el Festival Grec de Barcelona en el concierto Testimoni Verdaguer, acto central del año Verdaguer, en el TNC canta A mos bescantadors con Agustí Fernández al piano, esta colaboración es el germen de su posterior disco Desglaç (2005).

imageEn 2003 colabora en un concierto de La fábrica de tonadas, espectáculo de Santiago Auserón (Festival Altaveu de Sant Boi, 2003). Además participa en las producciones Qawwali Jondo, junto a Duquende y Faiz Ali Faiz, y en el disco Poemas del Exilio de Rafael Alberti con música de Enric Palomar’, por ambos trabajos recibió el Premio Ciutat de Barcelona 2003.
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En 2004 participa en el XXXII Festival Internacional Cervantino, como apuesta de la Fundación Autor, y que se celebró entre el 6 y el 24 de octubre de 2004 en las localidades mexicanas de León (Teatro Manuel Doblado, 15 de octubre) y Guanajuato (Teatro Juárez, 17 de octubre), acompañado por Juan Gómez ‘Chicuelo’ en un recital que se cimenta en dos partes bien definidas: una con un recital de cante flamenco y otra, entregada a los versos de poetas exiliados como Rafael Alberti, Pablo Neruda, Gil de Biedma y José Ángel Valente, en esta parte contó con el acompañamiento del pianista Enric Palomar, el percusionista Ignacio López y los palmeros Raúl Levia y Miguel Lavis. A este festival volverá para cantar en su edición de 2008 con el espectáculo Flamenco y poemas.
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También en 2004 fue invitado de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (México) en la que cantó a dúo con Eugenia León. Colaboró con la Orquesta Nacional de España, con la obra Suite Flamenca de Joan Albert Amargós y Chicuelo, y realiza una gira por España y Francia con el espectáculo Qawwali Jondo. En 2005 realiza presentaciones en el Carnegie Hall en Nueva York.
Con Martirio presenta el espectáculo Romance de Valentía basado en coplas clásicas que presenta en Madrid y Barcelona en verano de 2005.
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En 2005 se edita Desglaç, proyecto que representa una original y arriesgada apuesta de interpretación en catalán de Poveda, disco en el que da vida musical a una acertada selección de obras de diversos poetas en lengua catalana en una producción discográfica de exquisita sensibilidad con músicas de diversos autores, por vez primera se edita un disco completo en catalán en la voz de un cantaor de flamenco, componiendo Poveda alguna de las melodías. El disco tiene magnífica aceptación por parte de público y crítica, estableciendo puentes entre la cultura catalana y el mundo flamenco, despertando el interés mutuo entre públicos de ambas culturas.
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Los poetas escogidos para Desglaç (Deshielo en lengua castellana) son Jacint Verdaguer, Valentí Gómez i Oliver, Joan Margarit, Maria Mercè Marçal (2 temas), Joan Brossa, Enric Casasses, Narcís Comadira, Joan Barceló, Josep Piera, Sebastià Alzamora y Gabriel Ferrater, también canta durante la gira a Jaime Gil de Biedma, el disco lo presenta en directo entre 2005 y 2007 alternando otros proyectos. Le acompañan en la gira los músicos Juan Gómez “Chicuelo”, Marcelo Mercadante, Gustavo Llull, Andrés Serafini y Roger Blavia. En la grabación del disco colaboran las voces de Moncho y Miquel Gil.
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En enero de 2006 actúa en el Jazz Lincoln Center de Nueva York en tres conciertos y colabora en su recital el percusionista portorriqueño Giovanni Hidalgo, así como en muy diversos festivales flamencos, volviendo de nuevo al Festival de Cante de las Minas, donde recibió sus primeros reconocimientos artísticos. También colabora con el bandoneonista argentino Rodolfo Mederos en un espectáculo conjunto de tangos clásicos que presentan en el teatro Central de Sevilla, Grec de Barcelona, Teatro español Madrid y en el Teatro Colón de Buenos Aires.
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En septiembre de 2006 edita su trabajo discográfico flamenco Tierra de calma en colaboración con el guitarrista Juan Carlos Romero en una producción muy cuidada que se estrena en la Bienal de Flamenco de Sevilla 2006,4 en el Teatro Lope de Vega el 28 de septiembre, disco que presenta también en 2007 en el Auditorio de Barcelona, Teatro Albéniz de Madrid, Gran Teatro de Córdoba, entre otros escenarios. Por este disco recibe buenas críticas y numerosos premios, entre ellos la nominación a los Grammy Latino 2007 al mejor álbum flamenco.

En 2007 intercala en directos sus varias producciones y añade nuevos proyectos puntuales: El 16 de mayo estrena en el Teatro Español de Madrid Sin frontera, espectáculo flamenco de homenaje a Jerez, con dirección de Pepa Gamboa y con la colaboración de Luis el Zambo, Moraíto y Joaquín Grilo, que durante 2007 presenta también en Benalmádena, Roma, Sevilla, Fuenlabrada, durante el año 2008 en Jerez de la Frontera, Alcorcón, Leganés y Amsterdam, y en 2009 en el Teatro Calderón de Madrid y en el Teatro Juan Bravo de Segovia.
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El 21 de mayo de 2007 en el Festival Suma Flamenca de Madrid une su voz a los poemas del flamencólogo José María Velázquez-Gaztelu. El 7 de septiembre en la Bienal de Flamenco de Málaga de 2007 canta al poeta José Antonio Muñoz Rojas en Antequera en el espectáculo Por los caminos que van

Se podría considerar que el Premio Nacional de Música de España que le concede el Ministerio de Cultura de España en noviembre de 2007 (valorando “su gran calidad y versatilidad y el interés que ha generado en otros ámbitos de la creación musical”), así como el Premio Nacional de Cante otorgado por la Cátedra de Flamencología de Jerez de la Frontera9 representan su consagración definitiva como uno de los grandes nombres del flamenco y de la música en España.
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Participó en el 36 Festival Internacional Cervantino con el espectáculo Flamenco y poemas, el 25 de octubre de 2008 en el Teatro Juárez en Guanajuato y el 26 de octubre de 2008 en el Teatro Manuel Doblado en León de los Aldama, como parte del cierre de la participación de Cataluña, invitado de honor del festival, contando con Juan Gómez “Chicuelo” a la guitarra, Carlos Grilo y Luis Cantarote (palmas), Sonia Poveda (baile) y Gustavo Llull (piano). En este espectáculo interpretó además acompañado de un mariachi y por primera vez en su carrera unas rancheras Te voy a olvidar de Juan Gabriel, Que se me acabe la vida y Si nos dejan de José Alfredo Jiménez.

En 2009, Miguel Poveda sigue con la presentación en concierto de sus diferentes espectáculos10 y en el mes de febrero se edita el disco Cante i Orquestra grabado en directo en concierto de 4 de agosto de 2007 en el Festival de Peralada, junto a Joan Albert Amargós y Chicuelo. El CD contiene los siguientes temas: “Esos 4 capotes” (Bulería), “Canela y clavo” (Seguirilla), “Manto de estrellas” (Alegrías), “Soneto de la dulce queja” (Federico García Lorca), “Danza de equus” (Instrumental), “Te lo juro yo” (Copla), “Dame la mano” (Tientos) y “El cant dels ocells” (Canción popular catalana).
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Miguel Poveda participa en la banda sonora de la película Los abrazos rotos de Pedro Almodóvar, que se estrenó en marzo de 2009, donde canta la zambra “A ciegas” de Quintero, León y Quiroga que había popularizado Concha Piquer.12 El tema es editado en la B.S.O. de Los abrazos rotos (Emi, 2009) así como en dos versiones que se incluyen en su disco, Coplas del querer (Discmedi-Universal, 2009).
Coplas del querer es un disco doble en el que Miguel Poveda revisa coplas clásicas con arreglos actualizados que es editado en el mes de junio de 2009, cuenta con la participación de Joan Albert Amargós en los arreglos y de Chicuelo a la guitarra, así como con una colaboración de Alberto Iglesias en los arreglos del tema “A ciegas”.
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Miguel Poveda es nominado por tercera vez al “Mejor álbum flamenco” en los Premios Grammy Latinos 2009 en septiembre de 2009 por su disco Coplas del querer, con el que consigue además un Disco de Oro por más de 30.000 copias vendidas en octubre de 2009. El disco se estrena en directo en el Teatro Lope de Vega de Sevilla el 9 y 10 de junio de 2009 y se presenta en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona el 7 de diciembre de 2009. En 2010 es galardonado con tres Premios de la Música por este disco: “Mejor Álbum”, “Mejor Álbum de Canción Española” y “Mejor Arreglista” para Joan Albert Amargós.

En 2010 Miguel Poveda es nombrado Hijo Adoptivo de la Provincia de Sevilla por la Diputación Provincial, así como Hijo Adoptivo de la población de Castril en Granada. El 11 de junio de 2010 presenta su sello discográfico “Carta blanca Records” que pretende difundir nuevos valores flamencos.

El 31 de agosto de 2010 se publica su primer dvd: Coplas del querer en directo desde el Gran Teatro del Liceu (Universal Music) que recoge su concierto en el teatro barcelonés del 7 de diciembre de 2009. El 15 de septiembre inaugura la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla en la Plaza de toros de la Real Maestranza con su nuevo espectáculo Historias de viva voz. En 2011 recibe el Premio Nacional de Cultura de Cataluña (categoría música).
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En febrero de 2012 la Junta de Andalucía le concede la Medalla de Andalucía 2012.15 En marzo de 2012 se edita su noveno trabajo discográfico: arteSano (Universal Music-Discmedi Blau, 2012), trece cantes flamencos con la colaboración de guitarristas como Paco de Lucía y Manolo Sanlúcar, entre otros.

El 8 de mayo de 2012 graba en directo en concierto en el Teatro Real de Madrid el cd+dvd “Real” editado en noviembre de 2012, este trabajo es nominado a los premios Grammy Latinos 2013 como “Mejor Álbum de Música Flamenca”.
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En 2013 Poveda celebra sus 25 años en la música con un concierto en la Plaza de toros de Las Ventas de Madrid el 21 de junio de 2013 acompañado de artistas como María Dolores Pradera, Carmen Linares, Lole Montoya y Joan Manuel Serrat.

El 5 de agosto de 2013 es nombrado Hijo Adoptivo del municipio de La Unión (Región de Murcia), honor anunciado por la alcaldía el 8 de agosto de 2012 19 y se le homenajea en el 53 Festival Internacional del Cante de las Minas de La Unión que cierra con un concierto el 6 de agosto en la Catedral del cante.
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En diciembre de 2013 Universal Music publica Diálogos. De Buenos Aires a Granada, un disco de tangos grabado en directo junto a Rodolfo Mederos en dos conciertos en el Teatro Colón de Buenos Aires (2006) y en el Palacio de Carlos V de Granada (2010).
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Miguel Poveda tiene una discografía muy amplia. Ha colaborado en producciones cinematográficas, en cds colectivos flamencos, y en infinidad de recopilaciones flamencas.
Es un flamenco de los pies a la cabeza…..aunque no naciera en nuestra tierra. Debió ser una equivocación del destino,o un despiste de la cigüeña.

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Lagartija Nick, Thrash metal y flamenco una conmoción en el ámbito musical.

Lagartija Nick es un grupo de rock alternativo- de la ciudad de Granada (Andalucia), nacido en 1991. Su nombre está basado en el título de una canción del grupo británico Bauhaus.
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Nacidos en Granada con Antonio Arias (ex 091, voz y bajo), Juan Codorniu (guitarra), Miguel Ángel Rodríguez Pareja, (guitarra) y Eric Jiménez (ex-miembro de Kgb, miembro de Los Planetas hoy en día, batería), en 1991 graban su primer disco. Hipnosis,con una orientación enfocada hacia el punk y el rock, que cosecha un gran éxito.
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En 1992 fichan por CBS-Sony, grabando su álbum “Inercia”, producido por Owen Davies (productor, entre otros, Rolling Stones, The Jam, Dire Straits), un disco muy valorado por la prensa musical en aquel momento. En este segundo disco su sonido queda más definido, con más madurez que el anterior, en el que las guitarras se vuelven ásperas y afiladas, con canciones más contundentes y letras más desarrolladas.
Asimismo se grabó un video-clip, realizado por Ángel Arias, de la canción “Harlem”, que fue finalista como mejor video-clip del año en el Festival de Video de Vitoria-Gasteiz.
Su tercer disco, Su, fue grabado en 1994, producido por Carlos Martos (Morente, Los Enemigos, Radio Futura…). Este disco fue un punto de inflexión en la carrera de la banda, pues desde este álbum su sonido se vuelve más oscuro, más sucio, más duro y más crudo, con influencias del grunge y del neo-punk de mediados de los 90.
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Ese mismo año se embarcaron en una gira con el nombre de “Caos No Música Tour”, y en 1995 en otra, “Vasectomía Tour”, ésta última con Def Con Dos.
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A finales de 1996 se graba uno de los trabajos más innovadores de la música, su disco “Omega”, junto con Enrique Morente. En este álbum Enrique Morente junto con otros artistas flamencos recita poesías de Federico García Lorca a ritmo de flamenco, acompañado por una gran lista de artistas flamencos, todo con la música de Lagartija Nick.
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Esta fusión de flamenco y thrash metal crea una gran conmoción y sorpresa en el ámbito musical español, tanto entre público como entre crítica. Este disco es llevado de gira y por diversos festivales por sus participantes, como el Espárrago Rock de 1998. Durante esta gira Erik deja la banda, pasando a formar parte de Los Planetas , siendo sustituido en la batería por David Fernández (ex de Sin Perdón).
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Su disco Val Del Omar sale a la luz en diciembre de 1997, siendo éste una nueva evolución del grupo. Homenaje al cineasta granadino José Val del Omar, las canciones se basan en textos de éste. La batería del grupo pasa a Antonio Quesada, y Lagartija Nick desarrolla un sonido entre el metal industrial y el minimalismo electrónico.
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Tras este disco Lagartija Nick abandona Sony y ficha por Zero Records, y Juan Codorniu y Miguel Ángel Rodríguez Pareja dejan el grupo, quedando únicamente Antonio Arias de la formación original. La batería finalmente queda en manos de David Fernández y se incorpora a la guitarra Paco Luque (ex Sin Perdón y King Changó, ahora en Hora Zulú), habiendo este último colaborado esporádicamente con el grupo en el pasado, y Ángel Arias en labores de programación.
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En 1999 se publica el EP Space 1999, que sería un adelante del disco del Lagartijanick, cuyas letras son principalmente cortos poemas sobre el Universo y con un sonido cercano al new metal y toques electrónicos, llegando a flirtear con el punk o la psicodelia. Como curiosidad, la letra de “Newton” está inspirada en declaraciones del astronauta español Pedro Duque, quien llego a declarar que era más difícil encontrar en una tienda un disco de lagartija que llegar vivo a Marte.
Al poco de salir este álbum Ángel Arias abandona el grupo, y a la vez Miguel Ángel Rodríguez retorna a él a la guitarra. Asimismo al poco también abandona el grupo Paco Luque y se incorpora a este Lorena Enjuto (ex de RATIO) como segunda bajista; Antonio toca bajo distorsionado y de Lorena marcando el ritmo.
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En junio de 2001 publican Ulterior, un disco definido por ellos mismos como más techno a pesar de no emplearse electrónica, siendo las canciones concebidas para sonar mediante máquinas, loops, etc., con un sonido todavía más cercano al new metal. Con este disco se embarcaron una serie de conciertos por toda España: Espárrago 2001, Socarrat 2001, etc.
En enero de 2013 inician una gira por diversas salas de España con los componentes de la formación original.
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Belen Maya, mil mujeres que bailan en ella como diosas de cristal.

Belén Maya García nace en Nueva York (Estados Unidos) en 1966 durante una gira de sus padres Carmen Mora y Mario Maya.
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Siendo niña, comenzó a formarse con maestros como Paco Fernández, María Magdalena, Goyo Montero, Rosa Naranjo, Carmen Cortes y Paco Romero en el estudio madrileño Amor de Dios. En la capital española, donde siempre ha residido, también fue su debut, en el tablao Zambra, para pasar posteriormente por el Café de Chinitas y el Corral de la Pacheca.
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Tomó clases con Anunciación Rueda, La Toná, en Sevilla, ciudad en la que permaneció durante un tiempo, primero, en tablaos como Los Gallos y Patio Andaluz y, más tarde, incorporada  al elenco de la Compañía Andaluza de Danza que, durante un periodo, dirigió Mario Maya. La bailaora ha compartido programa con figuras del baile flamenco como Manolete, Javier Barón o Alejandro Granados, además de haber participado como solista y primera bailarina en las compañías de Carmen Cortés y Mario Maya.

 

Completar su formación en Italia, Alemania e Inglaterra en danza clásica, hindú y contemporánea ha convertido a Belén Maya en una bailaora excepcional, en la que tradición y clasicismo están a la misma altura que modernidad y estética contemporánea.
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La bailaora, cuya silueta aparece en la portada de ‘Flamenco’ de Carlos Saura, comparte actualmente escenario con la cantaora catalana Mayte Martín en el internacionalmente aclamado espectáculo ‘Mayte Martín + Belén Maya’.
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Simultanea los escenarios con la enseñanza. De hecho, es miembro del claustro de profesores del Festival de Jerez.

Hija de dos grandes artistas flamencos, Carmen Mora y Mario Maya.
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Su camino profesional comenzó con su padre, pero pronto fue desarrollando un estilo inconfundible con posturas geométricas, sorprendentes detalles con la bata de cola y con otros accesorios, sus obras empujan los límites de lo establecido, a la vez que rinden homenaje ante el altar del flamenco más clásico. Si otras bailaoras contemporáneas deconstruyen el baile, Belén lo hace y vuelve a construirlo delante de nuestros ojos.
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Ella es la única bailaora en el escenario, acompañada por el cante de Jesús Méndez, revelación del flamenco gitano de Jerez y por el guitarrista Rafael Rodríguez, un espectáculo de flamenco que nos acerca a lo carnal, a lo íntimo. Sin afectación, Belén Maya se verá en lo profundo de su ser encarnando, su fuego interior.
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Entre la tradición y la modernidad Belén Maya se atreve a desvelar el baile, revelando un flamenco en toda su verdad mostrando la huella de esplendor carnal, de alegría y desolación.
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Belén Maya transmite la esencia de la mujer a través de una técnica impecable de pies y brazos con un estilo personal, de tendencia moderna personificando el baile de mujer y transformandose así en un regalo para el flamenco. Ella baila lejos de lo falso, lo arrogante y lo sobrehecho sin fingir emociones y mostrando virtuosidad y elegancia, presentando el verdadero poder y sentido del baile universal.
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Baila intimo, del yo al tu, muy desde dentro y a la vez tan hacia fuera. Su flamenco es fino y salvaje. Su cuerpo expresa e imprime recuerdos lejanos, emociones inmediatas, sentires femeninos, estéticas y épocas diversas.

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Su gesto caligrafico, contemporaneo es una voz que te intercepta, una voz antigua, casi mitologica, que transmite y no deja de transmitir, de seducir, de sorprender, de cautivar. Su presencia es la de una mujer, de mil mujeres que bailan en ella como diosas de cristal.

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Emotivo tributo a Morente en el Circo Price de Madrid

Emotivo homenaje en el Circo Price de la familia de Enrique Morente, a un cantaor que amplio las fronteras del flamenco. Estrella, Soleá y José Enrique Morente compartieron el escenario en una noche mágica.
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El Memorial Morente Más Morente constituye el reconocimiento oficial a la figura del cantaor. Más de 50 artistas se han sumado a esta gran cita que incluye conciertos, exposiciones, encuentros y performances en distintos espacios de Madrid y una extensión en Granada, durante los meses de enero

y febrero.

Este homenaje, relataba Carbonell a Efe poco antes de comenzar el concierto, se hace ahora, tres años después de la muerte de Morente, porque ya tienen “alguna fuerza” para enfrentarse a su pérdida y la respuesta de los artistas y del público, que ha agotado las 5.000 entradas que se han puesto a la venta para los tres días, les ha conmocionado.”Sabía que era un genio pero nunca imaginé esto. Tendríamos que estar un año entero de homenaje para que todos los que han querido estar pudieran participar. Me he venido arriba y me parece increíble porque su muerte fue una sacudida tan tremenda que yo me quise morir”, revelaba.

Tributo al maestro
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El Teatro Circo Price acogió tres conciertos de flamenco con cante, toque y baile los días 17, 18 y 19 de enero. El del viernes contará con la participación de José Mercé, Eva La Yerbabuena, Miguel Poveda, Pepe Habichuela y Josemi Carmona. El sábado 18 será el turno de Carmen Linares, Arcángel, Farruquito y Tomatito, que ofrecerán su mejor flamenco recordando a Enrique Morente. Ambos conciertos darán comienzo a las 21.00 horas. Y el domingo, a las 20.30 horas, la familia Morente-Carbonell rendirá su tributo al maestro: los vástagos continuarán la genialidad del cantaor acompañados por sus tíos Montoyita a la guitarra, Antonio Carbonell al cante, La Globo al baile, Ángel Gabarre al cante y las palmas, sus primos Monti a la guitarra y Popo al baile y las palmas.

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Un primera noche en el Price, en el memorial Morente más Morente, y ya tenemos titular: «Miguel Poveda se soltó el pelo».
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No se fíen del cronista que no veía a Miguel desde que cantaba sentado, o sea, una eternidad. Desde entonces Poveda ha pasado por el Teatro Real y por la plaza de toros de Las Ventas que ya es pasar. En lo del tema capilar tampoco se pueden fiar, Miguel lleva un corte de pelo como de rocker de los años cincuenta, traje pitillo. ¿Recuerdan a Jackie Wilson? El cantante soul del Reet Petite Pues así, nada más que con muchísimo compás y el tran tran de los guapos al caminar, mezclado con la caradura de los viejos trianeros que salen en el documental Triana pura y pura o sea que se hizo un Michael Jackson o lo que viene a ser tocarse las partes nobles. Eso sí con un chorro de voz de los de antes que parece que le sobra micrófono.

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La noche había empezado con Pepe Habichuela y su hijo José Miguel protagonistas de uno de esos conciertos mutantes que nos regaló Morente en la Sala Revolver en los años 90. Lo de los mutantes se justifica porque entrabas al garito roquero y salías con lunares… Y viceversa, que Enrique era mucho Morente.
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Pepe le dedicó una seguiriya a la ausencia, «a mi hermano» dijo; luego presentó a su hijo y hubo distancia y compás generacional, es decir tocaron juntos y por separado. Pepe se quedó para una regresión que Enrique grabó hace 40 años, La elegía a Ramón Sijé, de Miguel Hernández que cantó José Mercé. Un anacronismo, o lo que sea, le hubiera quedado igual de bien que «a las barricadas» y muchísimo más contemporáneo. Mercé sí que se puede soltar el pelo (tremenda melena anunciada por la mitad de Gomaespuma) pero se contuvo, y cantó por seguiriyas con la guitarra de Tomatito. Olviden al Mercé que sale en la tele, esa fábrica escalofríos.
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Tomatito cogió el testigo y se hizo un balada que en otro tiempo hubiera concluido en pedrisco. Bonita hasta el borde de la cursilería, tocó por bulerías con ese ataque de uñas incomparable, tan flamenco y tan roquero y sonaron las coplas de Enrique: «Tienes la cara de haber pasado la noche mala».
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Tras una pausa apareció sobre el escenario un piano de cola y una batería y salió una estrella de rock o del flamenco. Dijo «para» y paró, continuo cantando «para la libertad» y juro que no sé si es la de Serrat o era un homenaje a Morente.

Y Miguel Poveda empezó a hablar como creo que jamás lo había hecho en público y se acordó de Enrique. Una filosofía de vida y de su casa y de una noche en el Candela con Miguel y se sentó para cantar fandangos, o así. La duda es por qué los palos flamencos ya no son como eran o como solían ser desde que Enrique les metió mano. Eva la Yerbabuena concluía una velada con división de opiniones. Eso le hubiera encantado a Enrique.
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García Lorca, Picasso, Juan Ramón Jiménez, Antonio Machado y todos los que él amó han ido empapando el desgarro a golpe de siguiriya, soleares y malagueñas y su espíritu ha llenado el Circo Price para acabar en una fiesta que ha unido en un abrazo a los que estaban en el escenario en la certeza de que “vivirá para siempre”.

El dolor de su ausencia siempre estará presente pero la noche de Enrique Morente ha ayudado a su familia a reavivar el recuerdo de este gran maestro del flamenco, fallecido en 2010. Casi dos horas y media ha durado este homenaje en el que Estrella, Soleá y José Enrique Morente han compartido el “tabernáculo” instalado en el Circo Price
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La familia Morente Carbonell, con sus tíos Montoyita a la guitarra, Antonio Carbonell y Ángel Gabarre al cante y las palmas y sus primos Monti a la guitarra y Popo al baile y las palmas, ha salido de la oscuridad de su duelo para volar sobre los melismas y las letrillas que él cantó tantas veces.

Todos, ha asegurado el presentador del acto, El Gran Wyoming, han dado “una lección magistral de genética”, han demostrado “que de los grandes manantiales salen los grandes ríos” y han exhibido pellizco, afinación y expresión artística.
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El primero de los hijos en actuar ha sido José Enrique, “Kiki”, que, con su propia guitarra, ha cantado letras de Picasso, del disco de su padre “Pablo de Málaga”, y ha dado paso a su hermana Soleá, que, acompañada de Antonio Arias (Lagartija Nick) ha mecido con su voz larga y ancha una preciosa nana y un tema de su primer disco, “Encuentro”.

Luego ha salido Estrella, que ha cantado sola, a capella y vuelta hacia la foto de su padre, una bambera, los “cantes de columpio” que su padre le enseñaba y ,ya con los músicos y su hermano dándole compás, malagueñas y siguiriyas.
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“Vamos a intentar dar lo mejor de nosotros mismos, pero no es fácil tener serenidad porque estamos muy emocionados. No se puede cantar, bailar y tocar mejor que lo que lo han hecho todos los que han pasado por aquí. Hemos hecho este memorial ya casi obligados por tantas almas que recuerdan al máximo creador del cante flamenco”, ha dicho Estrella.
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Acto seguido ha llamado a su hermana y juntas han interpretado las bulerías de Antonio Machado que su padre cantaba, y, en una emotiva improvisación, “sones de la casa” a los que se ha sumado “Kiki”.

“Ahora vengo a desquitarme, primero conquistaremos Manhattan, después conquistaremos Berlín”, la letra de Leonard Cohen que Morente versionó con Lagartija Nick ha sido el himno con el que los Morente-Carbonell han cerrado la primera entrega del tributo a un hombre “genial, gentil y generoso”, gran oficiante del arte pobre por antonomasia.

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“Hemos estado los tres entre bambalinas pensando en qué decir. Al final solo podemos desear que ojalá todos los niños del mundo tuvieran un padre como el que hemos tenido nosotros”, ha resumido Estrella, vestida con una chaqueta con dos ojos pintados por su madre, Aurora Carbonell, quien subió al escenario al final para recibir un ramo de flores que agradeció entre lágrimas.

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Carmen Sevilla, La novia de España, la novia de Papá.

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“La Novia de Papá”
Aunque os suene raro, crecí con la creencia absoluta de que Carmen Sevilla era la novia de mi padre, ingenuidad de crio que !bendita sea¡.
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Cuando Carmen Sevilla actuaba en la tele, mi madre me decía, corre avisa a Papá que sale su novia, y yo a todo el mundo contaba que mi padre tenía novia y que salía en la tele.Si mi madre se hubiera enterado de mi entusiasmo ya hubiera puesto remedio, pero ella nunca tuvo noticias de mi orgullo por la novia de mi padre.
Mas tarde descubrí no sin cierto pesar, que esa mujer guapísima y simpática , no era la novia de mi padre, sino que era la novia de toda España. Bendita inocencia infantil.

Con Carmen Sevilla aprendí el significado del sarcasmo y el humor tan presente en mi carácter, y porque no reconocerlo, también la primera mentirijilla.

Quien me iba a decir a mi, que años mas tarde, muchos, estaría escribiendo sobre esta magnifica y simpática mujer, compañera de viaje de tantos españoles.image

Hija de Antonio García Padilla, alias “Kola” (Fallecido el 17 de febrero de 1987 en Madrid). Su madre fue Florentina Galisteo Ramírez (1905 – 23 de julio de 2004, que falleció a los 99 años)1 Sus hermanos pequeños son Antonio y José.
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Nació en Sevilla en octubre de 1930. Carmen es la mayor de tres hermanos.
Desde temprana edad imbuida en el mundo artístico, fue hija de Antonio García Padilla, alias “Kola”, letrista musical y nieta de José García Rufino.
Se inicia en el cante y baile (flamenco) siendo aún una niña, y con tan sólo doce años se sube por primera vez a un escenario, en la Compañía de Estrellita Castro, con el espectáculo Rapsodia española, junto a Paquita Rico y Ana Esmeralda.
De ahí pasa a las Compañías del Príncipe Gitano y de Paco Reyes.
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En 1947 debuta en el cine con la película Serenata española, de Juan de Orduña y tan sólo tres años después consigue su primer papel protagonista en Jalisco canta a Sevilla, donde comparte créditos con Jorge Negrete.

Época de esplendor: Años cincuenta
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Los años cincuenta la consolidan como una de las actrices más destacadas en el panorama artístico español. Emparejada cinematográficamente, al principio de la década, con Luis Mariano, pronto comienza a brillar con luz propia, protagonizando uno tras otro, títulos que la van situando entre las favoritas del público.
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Apodada “La novia de España”, se convierte finalmente en una de las más importantes estrellas del cine y de la canción en España, junto a Lola Flores y Sara Montiel.
Durante esos años de esplendor protagoniza, entre otras, Cuentos de La Alhambra (1950), de Florián Rey,
La hermana San Sulpicio (1952), de Luis Lucía, imageVioletas imperiales (1952), de Richard Pottier,
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Gitana tenías que ser (1953),
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La Pícara molinera (1954), de León Klimovsky,
La fierecilla domada (1955), de Antonio Román,
La venganza (1957), de Juan Antonio Bardem (primera película española candidata al Premio Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa),
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Pan, amor y Andalucía (1958), de Javier Setó o El balcón de la luna (1962), junto a sus amigas Lola Flores y Paquita Rico. Hace incluso incursiones en el cine anglosajón e interpreta un pequeño papel en Rey de reyes (1961) de Nicholas Ray, en el papel de María Magdalena.
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Durante todo ese tiempo compagina el cine con espectáculos musicales y, a partir de la llegada de la televisión a España, en 1956, con continuas apariciones en el nuevo medio.
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Años sesenta y setenta
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El 23 de febrero de 1961 contrae matrimonio en la basílica del Pilar con el compositor Augusto Algueró Dasca, con quien tiene al que será su único hijo, Augusto José Algueró García, también compositor.image

A partir de 1969 intentó relanzar una carrera cinematográfica que comenzaba a languidecer y adopta un nuevo registro, con papeles más dramáticos y una estética pseudo-erótica, habitual en la época, que le lleva a protagonizar títulos como Enseñar a un sinvergüenza (1969), de Agustín Navarro, Un adulterio decente (1971), de Rafael Gil, La cera virgen (1971), de José María Forqué, No es bueno que el hombre esté solo (1972), de Pedro Olea, La loba y la paloma (1973), de Gonzalo Suárez o Nosotros los decentes (1978), de Mariano Ozores. Protagoniza, además, Marco Antonio y Cleopatra (1972), junto a Charlton Heston. En 1978 rueda su última película.
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El 5 de septiembre de 1985 en Arcos de la Frontera vuelve a contraer matrimonio con el empresario cinematográfico Vicente Patuel Sánchez de Molina y se retira de los escenarios para llevar una vida alejada de los focos en una finca rural dedicada a la cría de ovejas en Herrera del Duque.
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Etapa en televisión: 1990-2011Telecinco

Sin embargo, en 1991 Valerio Lazarov, entonces director de la recién creada cadena de televisión, Telecinco, la convence para ponerse de nuevo ante una cámara, en esta ocasión como presentadora.
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Se inicia, de este modo, una nueva etapa en su carrera, cuando durante seis años presenta el programa diario Telecupón en la mencionada cadena de televisión.
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Sus continuos despistes y errores ante la cámara en un espacio que se emite en directo, la hacen ser pronto objeto de imitaciones por humoristas como Martes y 13. En su etapa en Telecinco, Carmen Sevilla presentó galas, espectáculos y distintos programas de variedades, como Se acabó la siesta (1992), con Laura Valenzuela y Agustín Bravo, Date un respiro (1993), Mañana serán estrellas (1993), con Manolo Escobar, ¿Se puede? (1993-1994) y En directo contigo (1995), junto a Belén Rueda.
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Antena 3
En 1999 se intenta relanzar su carrera como actriz y protagoniza en Antena 3 la tele-comedia Ada Madrina, junto a Jesús Puente y la modelo Mar Flores. Sin embargo, la serie no cuaja entre la audiencia, y es retirada poco después de su estreno.
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Presentó también en esta cadena el programa La noche de Carmen, en 1998.

A finales de 2003, cuando Televisión Española decide rescindir el contrato que mantiene con José Manuel Parada, presentador del programa sobre cine español, Cine de barrio, Carmen Sevilla es reclamada para sustituirlo, y desde entonces se asomó todas las semanas a la pantalla al frente de este espacio de evocación y nostalgia en el que se emiten viejas películas del cine español.
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El 14 de diciembre de 2010, grabó el que sería su último programa. La actriz fue sustituida por Concha Velasco.
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Enfermedad y retirada de la vida pública.
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En 2010, Carmen Sevilla abandonó repentinamente el programa Cine de barrio, siendo sustituida por Concha Velasco. Tras esto, abandonó por completo la vida pública. Una retirada tan abrupta de los medios hizo presagiar que algo no iba bien, hasta que en abril de 2012, saltó a los medios la noticia de que la artista, al igual que su madre, podría padecer la enfermedad de Alzheimer.
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Su última aparición pública fue el día de su 81 cumpleaños a la puerta de su casa, haciendo unas declaraciones a los medios, en los cuales se detectó cierta incoherencia en sus palabras, como primer síntoma notorio de la enfermedad que le está haciendo perder poco a poco la memoria.

Vida privada
Estuvo casada con el compositor Augusto Alguero (23/Feb/1934 – 16/Ene/2011 a los 76).
También se casó con Vicente Patuel (04/May/1931 – 24/Abr/2000 a los 68) que falleció en su finca de Badajoz a los casi 69 años de forma inesperada y repentina.

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Carmen Linares, cantaora indiscutible.

imageCarmen Pacheco Rodríguez (Linares, Jaén, 1951) es una cantaora de flamenco conocida artísticamente como Carmen Linares, una de las grandes voces del flamenco y la canción tradicional española.Está considerada como una de las mujeres con mayor conocimiento de los estilos flamencos junto a la inigualable “Niña de los Peines”.

Carmen Linares llega a Madrid con su familia en 1965 donde conoce cantaores tan conocidos como Rafael Romero, Fosforito o Juan Varea. Comienza su carrera profesional en la compañía de baile de Carmen Mora. En 1970 publica su primer disco.
También ha trabajado en el teatro y en la zarzuela.
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Carmen Linares es la gran voz femenina del cante de esta época. Desde niña oyó mucho flamenco, pues su padre era un buen aficionado que tocaba la guitarra y en la casa se oían muchos discos.

Su familia la trajo a Madrid en 1965, donde conoció la veteranía cantaora más ensolerada de la mano de Pepe de la Matrona, Juan Varea, Rafael Romero o Fosforito. Finalizando la década comenzará su andadura profesional en las compañías de baile de Paco Romero y Carmen Mora, estrenándose discográficamente en 1970 acompañada por Juan Habichuela. Vendrá ahora -como gran paso profesional- el intenso mundo del tablao, pasando por los cuadros de Torres Bermejas y Café de Chinitas, que reunía talentos como Camarón, Enrique Morente, Perla de Cádiz, Serranito, los Habichuela…

Ha sido una de las primeras artistas flamencas que ha actuado en el Lincoln Center invitada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York interpretando ‘El Amor Brujo’ de Falla. La crítica del diario ‘The New York Times’ definió su cante como “un poder expresivo extraordinario”. La cantaora ha recorrido el mundo interpretando la obra acompañada en muchos casos de directores de la talla de Frühbech de Burgos, Josep Pons y Leo Brower en prestigiosos auditorios como el Teatro Colón de Buenos Aires, en el Teatro de la Ópera de Sydney y el Auditorio Nacional de Madrid.

De su revisión de ‘Las Canciones Populares Antiguas’ de Federico García Lorca surgió un álbum discográfico que serviría de soporte sonoro a un ballet de Víctor Ullate y a una obra teatral que protagonizó junto a la actriz Lola Herrera estrenada en el Teatro Real de Madrid. El gran hito en su discografía es la ‘Antología. La mujer en el cante’ (1996), con acompañamiento de grandes de la guitarra como Vicente Amigo, Tomatito y Juan Habichuela, entre otros. En 2000 el compositor y guitarrista Manolo Sanlúcar la elige en su producción ‘Locura de brisa y trino’ para recuperar poemas lorquianos armonizados por modernas composiciones de guitarra.
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La obra discográfica de Carmen Linares ha sido aclamada por la crítica y ha recibido importantes galardones como el Premio ICARO (1988), Academia Francesa del Disco (1991), Medalla de Plata de la Junta de Andalucía (1998) y Premio Nacional de Música 2001 en su modalidad de interpretación. En 2002 grabó ‘Un ramito de locura’, candidato en la categoría de mejor álbum flamenco en los Premios de la Música y los Grammy Latinos 2003.
En los últimos tiempos participa en el espectáculo “Cuatro Esquinas” junto al cantaor Miguel Poveda, el guitarrista Juan Carlos Romero y las bailaoras Rocío Molina (en Hong Kong) y Pastora Galván (resto presentaciones), espectáculo conjunto que llevan a Hong Kong (9 y 10 noviembre de 2007), Estados Unidos (Miami, Nueva York y Washington en febrero de 2008) y Londres (marzo de 2008).
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Como colofón a tal lista de premios, en 2006 se le concedió la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Estos últimos años ha llevado su cante a multitud de escenarios como el Teatro Albéniz de Madrid, Teatro de Chaillot de París, los monumentales auditorios de Tokio en su gira japonesa o Palau de la Música de Barcelona. En directo, combina espectáculos como ‘Desde el alma’, ‘Popular y jondo’ o ‘De aire y madera’, entre otros, con los que frecuenta los principales festivales del circuito escénico nacional e internacional. Tras la edición especial conmemorativa del décimo aniversario de su obra antológica, prepara un disco con Juan Carlos Romero basado en poemas de Juan Ramón Jiménez que tiene previsto editar en 2008.

Por fin en noviembre de 2008 se publica el disco “Raíces y alas” junto al guitarrista Juan Carlos Romero, sobre poemas de Juan Ramón Jiménez.
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“Cantaora” es el título de uno de los discos de Carmen Linares porque ella es la cantaora indiscutible de nuestra época.
Nacida en Linares (Jaén) en 1951 ha conquistado por méritos propios un lugar privilegiado en la cultura musical española contemporánea, habiéndose convertido en una de las artistas más aclamadas y con más proyección internacional del flamenco.
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Se formó artísticamente en los años setenta aprendiendo de artistas veteranos como Pepe Matrona, Fosforito y Juan Varea en los tablaos madrileños de Torres Bermejas y Café de Chinitas. Allí también compartió escenario con jóvenes talentos como Camarón, Enrique Morente y los hermanos Habichuela… Así comenzó todo.

La obra discográfica de Carmen Linares se compone de proyectos que integran su creatividad musical, su devoción por el cante jondo y su afición por la poesía. Su disco más importante es “Antología de la mujer en el cante” (Universal, 1996) con el que ha conseguido consolidarse como referencia en el cante de mujer en el arte flamenco contemporáneo.

En su trayectoria escénica cabe destacar la versatilidad para involucrarse en proyectos como “El Amor Brujo” de Falla junto a la Orquesta Nacional de España, “Locura de brisa y trino” de Manolo Sanlúcar y “Poeta en Nueva York” de Blanca Lí, con los que ha actuado en escenarios tan prestigiosos como el Lincoln Center de Nueva York, Opera House de Sydney, Teatro Colon de Buenos Aires y Shinjuku Center de Tokio.
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Destaca su capacidad para dirigir sus propios espectáculos como “Canciones Populares de Lorca”, “Raíces y Alas”, “Poesía en el cante” y sus más recientes estrenos “Oasis Abierto” dedicado a la obra de Miguel Hernández y “Ensayo Flamenco 2012” en el que interpreta a poetas como Federico García Lorca, Juan Ramón Jiménez, Rafael Alberti, José Ángel Valente y al propio Hernández.
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Su cante poderoso y auténtico se enriquece con su conocimiento del arte flamenco y consigue emocionar de manera espontánea y sincera al público… sin duda alguna el flamenco ha crecido con ella.

Premios:
– Premio de la Academia de la Música a Toda una Vida (2011)
– Mejor Album Flamenco a “Raíces y Alas” (2009)
– Medalla de Oro de las Bellas Artes (2006)
– Premio Nacional de Música (2001)
– Compás del Cante (1999)
– Medalla de Plata de la Junta de Andalucía (1998)
– Premio Academia Francesa del Disco (1991)
– Premio ICARO (1988)
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– “Remembranzas” (Salobre, 2011)
– “Raíces y Alas” (Salobre, 2008)
– “Un ramito de locura” (Universal, 2002)
– “Antología de la mujer en el cante” (Universal, 1996)
– “Canciones Populares de Federico García Lorca” (Auvidis, 1993)
– “La luna en el río” (Auvidis, 1991)
– “Cantaora” (DRO, 1988)

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